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Crítica: ‘Pokémon: Detective Pikachu’

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La historia arranca con la misteriosa desaparición del detective Harry Goodman que obliga a su hijo Tim, de 21 años, a averiguar lo que ha sucedido. El detective Pikachu, antiguo compañero Pokémon de Harry, va a ayudarle en su investigación. Se trata de un súper-detective adorable y muy divertido que asombra a todo el mundo, ¡incluso a sí mismo! Tim y Pikachu descubren que pueden comunicarse entre sí de forma absolutamente increíble y juntos emprenden una emocionante aventura para desenmarañar el extraño misterio. Buscan pistas por las calles iluminadas con neón de Ryme City, una enorme metrópoli moderna donde los humanos y los Pokémon comparten un mundo hiperrealista de acción real. Se encontrarán con distintos personajes Pokémon y descubrirán un escalofriante complot que podría destruir esta convivencia pacífica y amenazar a todo el universo Pokémon.

Crítica

Se propone ser divertida, mona y tontorrona y lo consigue

Los personajes creados por Ken Sugimori y Junichi Masuda han llegado a multitud de formatos. Desde las consolas portátiles, a la televisión, pasando por los cromos o los juguetes llegando hasta nuestros smartphones. Ahora se convierten en película de acción real. Rob Letterman, director de películas como ‘Pesadillas’, ‘El Espantatiburones’, ‘Monstruos contra alienígenas’ o ‘Los viajes de Gulliver’ se atreve ahora con un live action pero conservando la tónica infantil.

Más que infantil ‘Pokémon: Detective Pikachu’ se aproxima a un público adolescente. La baza más fuerte de esta película de Warner Bros. está en el doblaje de Ryan Reynolds  como Pikachu que por supuesto tiene que rebajar el nivel de lenguaje. Pasa de empalar enemigos en ‘Deadpool 2’ a poner voz de niño bueno para un personaje que pone ojos de codero degollado. Aún así su Pikachu es un buen sinvergüenza que nos hace reír con su descaro y su descontrolada lengua. Personaje que choca tanto en carácter como visualmente con el solitario y tímido muchacho interpretado por Justice Smith (‘Jurassic World: el reino caído’). Un contraste de  elementos ya empleado en películas como ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ o la más reciente ‘¿Quién está matando a los moñecos?’.

Eran imposibles las comparaciones con ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ en cuanto empezamos a ver los primeros tráilers. Nos pasa eso incluso en cuanto arranca el filme y parece que la trama va a llevarnos por unos pasos delimitados por las enseñanzas del cine negro, por un guión inspirado en las novelas noir. Nos daban a entender que la franquicia se podría haber rendido a los trucos que empleó en su película Robert Zemeckis, pero no es del todo así.

‘Pokémon: Detective Pikachu’ si muestra todo un elenco de personajes que tiene el videojuego original. Si nos desconcierta con mogollón de criaturas, a las cuales se incorpora en la ciudad de Ryme City con mucha originalidad, luego… ¿cuál es la diferencia con otras películas que mezclan personajes imaginarios con reales? Básicamente las reglas del juego. Al fin y al cabo el filme acaba respetando todas las normas que se seguían tanto en la serie como en los videojuegos. Sigue siendo ese juego de rol donde conseguir criaturas a las que subir de nivel y con las que explorar un mundo para derrotar a otros. Pero además se incluye una ciudad donde los Pokémon y los humanos se miran de igual a igual. ‘Pokémon: Detective Pikachu’ puede ser confusa si no has jugado a ningún juego o si no has visto la serie porque no vas a saber de qué palo va este o aquel bichejo.

Ya hemos visto diseñados a los Pokémon de multitud de formas. En la película no hay ninguno que no esté bien hecho. La mayoría está diseñado para buscar el «oooh» entre el público. Son todos muy coquetos y en especial Pikachu están realizados con mucho detalle y candidez. Y esta es una película producida también por la Toho, creadora de Godzilla, a si es que imaginad lo que os espera. Hay escenas grandiosas y otras sencillamente tronchantes, como la que protagoniza Mr. Mime.

Por supuesto que hay guiños al material que tantos fans ha generado durante estas décadas. Canciones, imágenes, objetos y por supuesto criaturas. Esta película es una golosina para los coleccionistas de huevos de pascua y por descontado para aquellos que se enganchaban a los juegos solo por el mero hecho de recopilar todos los Pokémon. Ya me estoy viendo el innumerable número de artículos que van a surgir bajo el título «todos los Pokémon que aparecen en la película».

Henry Jackman sigue engrosando su lista bandas sonoras en superproducciones. Yo creo que la primera vez que de verdad me encandiló con un buen tema principal fue con la canción de ‘Kick-Ass’ o la de ‘X-Men: Primera generación’. Muchos más temas (y buenos) ha compuesto desde entonces pero en ‘Pokémon: Detective Pikachu’ ha hecho una banda sonora bastante estándar.

Ya he dicho que este filme no sigue del todo los pasos de películas como la de Zemeckis ni ha convertido a la franquicia Pokémon en una agridulce novela negra. Es una aventura con bastantes puntos que se ven venir y un tono bastante suavizado o ameno. Lo que no nos esperábamos era el final. Un desenlace que se antoja un tanto retorcido y al que muchos le encontraríamos otras soluciones o una lógica distinta. Recuerdo que en la novela de ‘Blade Runner’ los humanos tenían mejores o peores mascotas sintéticas por el mero hecho de que eso significaba tener un estatus social. En esta nueva versión de Pokémon los humanos se asocian a las criaturas de origen japonés por un motivo distinto pero que al fin y al cabo condena al ostracismo a aquel que se mantiene sin un compañero Pokémon. No es que ‘Pokémon: Detective Pikachu’ busque hacernos pensar como la novela de Phillip K. Dick pero su final también va a un punto un tanto incomprensible que da para haber generado alternativas a elegir antes de haber optado por una opción tan convencional o cogida con pinzas que desluce al resto del filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de mayo de 2019. Título original: Pokémon Detective Pikachu. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Rob Letterman. Guion: Dan Hernandez, Benji Samit, Rob Letterman, Derek Connolly, Nicole Perlman. Música: Henry Jackman. Fotografía: Oscar John Mathieson. Reparto principal: Justice Smith, Kathryn Newton, Ken Watanabe, Ryan Reynolds, Bill Nighy, Suki Waterhouse, Chris Geere, Karan Soni, Josette Simon, Diplo. Producción: Nintendo, Toho, Legendary Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: Web oficial: detectivepikachumovie.com

Impresiones del regreso de la tercera temporada de ‘Ataque a los Titanes’

Analizamos el 3×13 de la serie de los gigantes devoradores de personas

La tercera temporada de ‘Ataque a los Titanes’ retoma su segunda mitad. Una temporada que se está emitiendo en dos partes y cuyo desenlace se ha hecho desear. A través de la web de SelectaVisión y de manera gratuita en este enlace (previo registro) podremos ir viendo todos los domingos a las 19:40h los nuevos episodios que nos mostrarán el destino final de la humanidad.

La serie nos dejó en octubre un tanto fríos tras doce episodios cargados de mucha política e intrigas palaciegas. Muy poca acción nos brindó la primera mitad tras dos primeras temporadas sanguinolentas que mermaron al Cuerpo de Exploración. Con esta vuelta han comenzado a resarcirnos pues ha estado más interesante y agitada. El arranque de esta nueva tanda de episodios ha sido titulado ‘The Town Where Everything Began (La ciudad del principio)’. Y es que Eren, Armin y Mikasa llegan en este episodio número cincuenta de la serie a su hogar.

La cosa se ha puesto más emocionante. Este ha sido un episodio que ha ido directo al grano. El equipo de protagonistas tiene una misión concisa y de vital importancia: recuperar el muro María. Aunque el capítulo ha de empezar con sigilo para que los protagonistas eviten ser descubiertos por los titanes y por los espías humanos que descubrimos en la primera mitad de la serie rápidamente comienza un tramo de vertiginosas maniobras. Tácticas a enemigo escondido que le dan a este regreso un toque de suspense. Estrategia donde antes hubo muerte y destrucción ¿quién pillará a quién por sorpresa? ¿Os esperaréis la sorpresa del capítulo? A mí me ha cogido algo desprevenido.

La presión está ahora más que nunca en el tejado de los tres principales protagonistas pues en ellos confían los miembros de su equipo, sobre todo en Eren que manifiesta su nerviosismo ante la llegada de enfrentarse a uno de los momentos clave para la humanidad. Confío en que también se note en los próximos episodios que los personajes han madurado.

Para el siguiente episodio ya nos prometen mucha más acción. Y no solo por que se titule ‘Lanzas de trueno’ si no por el final con el que nos deja este episodio 13 de la tercera temporada. Pero podemos aventurar que esta segunda etapa va a ser más movida. Así lo pronostica el nuevo opening, cuya canción e imágenes son bastante animadas.

Veremos si la cosa continúa así hasta completar los doce nuevos episodios que concluirán esta tercera temporada. Doce nuevas entregas que puede que nos desvelen muchos de los secretos que guarda la trama de ‘Ataque a los Titanes’, conocidos por los lectores del manga de Hajime Isayama. ¿Volveremos a ver a Historia? ¿Sabremos algo del padre de Eren? ¿Llegará Eren a meterse en su sótano? ¿Recuperarán el muro María?

Crítica: ‘La importancia de llamarse Oscar Wilde’

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En la habitación de un hotel barato en París, Oscar Wilde (Rupert Everett) yace en su lecho de muerte cuando el pasado lo invade, transportándole a otros tiempos y lugares. ¿Fue alguna vez el hombre más famoso de Londres? ¿O fue el artista crucificado por una sociedad que un día lo adoró?

Ante la angustia de la muerte, Wilde repasa el intento fallido de reconciliarse con su sufrida esposa, Constance (Emily Watson), su fatal relación amorosa con Lord Alfred Douglas (Colin Morgan) y la calidez y la devoción de sus amigos Reggie Turner (Colin Firth) y Robbie Ross (Edwin Thomas), quienes intentaron salvarle de sí mismo. La importancia de llamarse Oscar Wilde es un retrato del lado oscuro de un genio que vivió́ y murió por amor en los últimos días del siglo XIX.

Crítica

Everett actúa con comedida tragedia y perspicacia

Oscar Wilde, poeta y dramaturgo nacido en el Dublín que por el siglo XIX pertenecía a Inglaterra y que hoy en día tanto para los ingleses como para los irlandeses representa uno de los exponentes máximos de su literatura. Su figura no necesita presentación, su vida privada quizá si necesite algo más de luz para aquellos que no se han acercado con curiosidad a tan póstumamente laureado escritor. Rupert Everett no solo se ha enfundado la piel del autor si no también la función de director y escritor en ‘La importancia de llamarse Oscar Wilde’. El actor conocido por películas como ‘Stardust’, ‘La boda de mi mejor amigo’ o ‘Crónica de una muerte anunciada’ se encuentra ante su primera película a los mandos y tras haber trabajado en más de 70 títulos como intérprete, se nota que atento ha estado y algo ha aprendido.

Como hilo central está la narración de uno de sus famosos cuentos, ‘El príncipe feliz’. Historia que representa el título original de la película y que se emplea para que el propio Wilde sea metáfora de ese tesoro desaprovechado por la humanidad del que habla su cuento, esa joya a rescatar de entre tanta injusticia. Así nos lo hace ver el guión de Everett que se centra mucho en el apaleamiento social que sufrió el escritor por ser acusado de homosexual y libertino. Se enmarca en la época final de la vida del autor, una etapa en la que estaba desacreditado tras salir de la cárcel y en la que vivía arruinado, desterrado, moviéndose casi de incógnito con sus amigos y amantes.

Partimos de que el parecido físico entre Wilde y Everett caracterizado es medianamente aceptable. Con una celebridad como el poeta habría sido muy fácil haber caído en el histrión pero Everett actúa con comedida tragedia y perspicacia. Capta al cínico poeta. De hecho un día Wilde dijo «un cínico es un hombre que conoce el precio de todo y no da valor a nada». Pues el personaje de Everett da a entender que sabe perfectamente el significado de esa frase, por lo que podemos suponer, entre otras cosas, que su esencia está bien vislumbrada.

A parte del enfoque del personaje otra cosa que se ha escogido correctamente y es el diseño de producción. La ambientación de los escenarios está muy bien configurada. La lúgubre Londres, los diferentes y sombríos bares ingleses y franceses que frecuentaba, la sucia cárcel en la que fue encerrado, el luminoso hogar que compartió con su amante, la triste habitación en la que murió… Todo ello nos transporta a una época de lámparas de gas y carruajes en la que solo había espacio para el color si eras adorado.

Como contrapeso en la balanza tenemos que el filme es muy poco emotivo. A pesar de que el Wilde de Everett es muy carismático no consigue transmitirnos la misma sensibilidad de sus obras. La película en su conjunto no sirve para emocionarnos de tal manera que suframos con su calvario, rupturas o muerte. Tampoco para rememorar los sentimientos surgidos al leer su obra. De hecho ni siquiera sirve para ilustrar la gestación de sus escritos. Como decía al principio es un buen título para quienes no tengan conocimiento de cuales eran sus gustos personales, sirve a título informativo, pero no emotivo.

Hay personas que parecen nacer para ser personajes. La historia ha hecho que con el tiempo Oscar Wilde sea considerado alguien con carácter de novela. Acierta el guión de ‘La importancia de llamarse Oscar Wilde’ pues lejos de mitificarle consigue mantener más viva a la celebridad pero dejando claro que fue también persona terrenal, que por otro lado nunca sabremos exactamente cómo fue.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de abril de 2019. Título original: The happy prince. Duración: 105 min. País: Reino Unido, Alemania, Bélgica, Italia. Dirección: Rupert Everett. Guion: Rupert Everett. Música: Gabriel Yared. Fotografía: John Conroy. Reparto principal: Rupert Everett, Colin Firth, Colin Morgan, Edwin Thomas, Emily Watson, Tom Wilkinson. Producción: Cine Plus Filmproduktion, Robert Fox Limited, BBC Films, Entre Chien et Loup, Raindog Films, Palomar S.p.a, Maze Pictures, Daryl Prince Productions, Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel de la Fédération Wallonie-Bruxelles. Distribución: Alfa Pictures. Género: biográfico, drama. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/la-importancia-de-llamarse-oscar-wilde/

Reseña: ‘John Wick’

Argumento

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Cuando un joven John Wick sale de la prisión y se embarca en su primera vendetta épica, se enfrenta a una extraña y poderosa comunidad de asesinos y debe aprender a dominar el Libro de Reglas que guía su negocio letal. ¿Quién son los Tres Bills? ¿Quién es Calamidad? ¿Y quién era John Wick antes de convertirse en Baba Yaga?

Reseña

Una historia de orígenes con mucha acción sin olvidar los elementos claves

John Wick, Juan Mecha, para los amigos de España, es un ídolo de masas que va más allá de lo que se denomina normalmente un «fenómeno de culto». La primera parte de su saga sí que comenzó su andadura casi de tapadillo siento toda una sorpresa de popularidad y convirtiéndose en un personaje mítico interpretado por Keanu Reeves, otro más. En el caso de ‘Pacto de sangre’ ya hablamos de un título esperado en el que el público demandaba algo ya en concreto: un actor haciendo algo que se le da bien, una música acorde, una estética cuidada y una historia con un trasfondo bien encajado.

Las historias de John Wick van más allá de un simple sicario con un objetivo. Hay un asesino con algo personal pendiente, hay una peculiar organización secreta detrás, El Continental. Se prendió una mecha, la de un hombre de armas tomar, la de un tipo capaz de cruzar cualquier continente para terminar con todo aquel que se interponga en su camino. Hechos los chistes fáciles sobra decir que está justificada la esperadísima tercera parte cinematográfica que está por llegar y que concluirá la trilogía dirigida por Chad Stahelski. Pero como otras muchas películas de matones y asesinos todo empieza con el protagonista siendo el amo del cotarro, a si es que es normal que muchos quieran conocer el génesis.

La respuesta a todo esto está en los cómics. Las películas no parten de las viñetas pero si se ha empleado el noveno arte para explicar la primera cruzada vengativa de Wick. Esto lo ha hecho Dynamite y lo ha editado de manera digital. Por lo tanto tenemos disponible en la red una precuela dividida en cinco entregas, una historia conclusiva en la que podemos ver al pistolero en sus primeros asesinatos.

Digamos que aquí comienza a forjarse la leyenda de Baba Yaga. Se ilustran sus primeros pasos en la enigmática comunidad de asesinos pues se refugia por primera vez en las sucursales de El Continental. Por supuesto leemos aquí sus inicios dentro de esa reservada cadena de alojamientos donde vemos en las películas que sirve para descansar, abastecerse o encontrar un lugar de tregua. Es decir, nos remarcan el funcionamiento de esa organización.

Conocemos a un John Wick niño y a un John Wick que aunque entrenado es neófito en el mundo de los asesinos secretos o por lo menos es independiente. Aún así toda su motivación sigue reduciéndose a una vendetta, aunque esta le lleve más años.

Sin un dibujo fotorealista reconocemos a actores de las películas como Keanu Reeves o Lance Reddick. Los primeros números están dibujados por Giovanni Valletta (‘La imposible Patrulla-X’) y a partir del tercero coge los lápices Matt Gaudio (‘Vampirella’). Lo cierto es que el estilo de Gaudio es más preciso, más acertado con las formas, mucho más definido y encaja mejor con los colores de David Curiel (‘Miles Morales: Spider-Man’). Curiel ha sabido usar trucos clásicos de los cómics para darle a los dibujos ese toque sucio que necesitaban las viñetas. Cuando el color proviene de Inlight Studios (‘Vampirella’) se rellenan las formas con degradados demasiado artificiales, dando apariencias algo más plásticas. Por eso los números tres, cuatro y cinco se salen más de la estética de las películas. No obstante en cualquiera de las entregas vais a tener escenas muy cinematográficas, las dos entregas de las películas de Chad Stahelski han sido una inspiración de acción que dan de sobra para dar rienda suelta a nuevos tiroteos. Aunque tal vez no se ha sabido conseguir los planos característicos de las películas sí que se ha conservado ese colorido tan fluoresccente mezclado con tonos oscuros tan peculiar de la saga.

En lo que se refiere a nivel de guión el cómic está más aproximado a las películas. En las últimas entregas el color está más lejos del diseño de producción. Como decía si está más acertado estéticamente en sus dos primeros números, donde además se aproxima a lo que deber ser El Paso, lugar donde transcurre. Aunque el dibujo si se mantiene, el color cambia y nos saca visualmente de una línea que inicialmente era acertada. También es un acierto que haya algunos componentes que se hayan mantenido. Como que Wick tenga esa fijación por las mascotas, que siga conduciendo un Mustang o que vista traje.

Buena historia que no para de tener acción, que tiene el gancho y el carisma del personaje y que nos quita el mono de John Wick mientras no tenemos nuevas películas. Muy bien traducida del cine al cómic.

Ficha del cómic

Guion: Greg Pak. Dibujo: Giovanni Valletta, Matt Gaudio. Color: David Curiel, Inlight Studios. Portada: Giovanni Valletta. Editorial: Dynamite (España: Fandogamia). Datos técnicos: 32 págs., color, grapa. Publicación: Septiembre 2017 (EE.UU.). Precio:  3,99$ (cada entrega, digital).

Crítica: ‘La boda de mi ex’

En qué plataforma ver La boda de mi ex

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Lindsay (Winona Ryder) y Frank (Keanu Reeves) se conocen en la boda del ex de ella. Pronto descubren que tienen muchas cosas en común: los dos odian a la novia, al novio, la boda y a ellos mismos. Cansados de todo el mundo que les rodea, ambos empezarán a sentir algo el uno por el otro y deberán decidir si es más fuerte el corazón o su sentido común.

Crítica

Reeves y Ryder en solitario se bastan

Mucho hacía que Keanu Reeves no era visto fuera del campo de la acción, el thriller o el terror para sumergirse en un asunto relacionado con la comedia romántica. Si no me equivoco han pasado diez años desde que se dejó ver en una película de semejante índole, en concreto fue en ‘La vida privada de Pippa Lee’, de Rebecca Miller. En aquel título compartió cartel con muchos artistas, entre ellos Winona Ryder. A si es que podemos decir que con quien se ha salido de toda una racha apta para amantes de la adrenalina y la testosterona es con la actriz de Minnesota. Ambos actores están en una época de popularidad muy buena, sobre todo entre un público muy joven gracias a títulos como ‘John Wick’ y ‘Stranger Things’. Aunque no lo parezca esta historia amorosa tiene un carácter impertinente que puede sorprender a ese mismo tipo de espectadores, a mi por lo menos, que no soy consumidor del género romántico, me ha pillado gratamente desprevenido.

Ambos intérpretes ya han coincido en otros títulos como ‘A scanner darkly’. Y estuvieron enamorados en un clasicazo como ‘Drácula de Bram Stoker’, pero aquí ni hay fantasía ni hay romanticismo. ‘La boda de mi ex’ es una comedia de personas desengañadas en temas del corazón, muy criticonas y en una situación extremadamente incómoda. Pese a ello esta no es una comedia de situación, es una cinta que depende de sus diálogos. Tanto es así que no tienen ni que hablar los demás personajes ni figurantes del filme, solo Winona y Keanu.

‘La boda de mi ex’ trata de dos personas que no se conocen pero que han oído hablar el uno del otro. Coinciden tras ser «egoístamente invitados» a una boda. Pero antes incluso de la celebración ya se van encontrando, o más bien van teniendo encontronazos. Son dos seres con rarezas, amargados, insociables, que nos brindan charlas muy corrosivas. Funcionan como espectadores de todo el proceso que supone una boda, de todo el martirio social que conlleva ser comensal de un enlace matrimonial.

Además de una tronchante escena de cama en plena campiña sus malévolas conversaciones sobre las relaciones son lo mejor de esta película. Seguro que alguna vez os habéis sentado y habéis caído en la perversión de poner verde a los asistentes, aunque sea de broma. Pues nuestros protagonistas lo hacen por puro narcisismo, porque les gusta rebozarse en ese fango que se llama soltería y porque en su pasado hay una página pegada que no pueden pasar y prefieren seguir sobre-escribiendo en ella decenas de mentiras auto-impuestas. Y por si tuviésemos poco con todo el humor negro y satírico, el director Victor Levin ha tenido el buen juicio de ahorrarnos todo el espectáculo de las nupcias, es decir, como sus protagonistas son indiferentes al enlace nos ahorra el pasteleo.

Se percibe que el filme debe haber costado poco por la baja calidad de muchas de sus imágenes. Podría haberse planteado el proyecto como una serie de sketches tipo Saturday Night Live y habría funcionado igual de bien. Victor Levin ha montado una graciosísima película con muy pocos recursos y dos actores que sabía que funcionan muy buen juntos. Realmente se podría representar fácilmente ‘La boda de mi ex’ en una pequeña sala de teatro. Lo más probable y triste es que pase clandestinamente cual boda secreta por nuestras carteleras, pero ‘La boda de mi ex’ tiene el suficiente ingenio como para darle la oportunidad de la indulgencia.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2019. Título original: Destination wedding. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Victor Levin. Guion: Victor Levin. Música: Williams Ross. Fotografía: Giorgio Scali. Reparto principal: Keanu Reeves, Winona Ryder. Producción: Regatta, Sunshine Pictures, Service Fish, Thefyzz. Distribución: Diamond Films. Género: comedia romántica. Web oficial: https://www.destinationwedding-movie.com/

Ben Affleck, Oscar Isaac, Charlie Hunnam, Garrett Hedlund y J.C Chandor presentan ‘Triple Frontera’ en Madrid

Los protagonistas de la nueva película de Netflix posan para nuestras cámaras

Se ha celebrado la premiere europea de ‘Triple Frontera’ en Madrid y casi todos sus protagonistas han estado en la esta presentación celebrada en los Cines Callao. Solo ha faltado Pedro Pascal a una cita a la que han acudido Ben Affleck, Oscar Isaac, Charlie Hunnam y Garrett Hedlund. También ha estado presente el director J.C Chandor y varios productores de esta cinta que ya hemos podido ver y de la cual podréis leer nuestra crítica aquí el próximo lunes.

‘Triple Frontera’ se estrena el 13 de marzo en Netflix y trata sobre unos soldados retirados que tienen la oportunidad de aprovechar todo aquello que han aprendido en sus años de formación y servicio para su propio beneficio. Por primera vez en su vida pueden hacer algo para ellos mismos y no para el país y nadie se va a enterar. Pero algo se tuerce en esa furtiva misión y comienza una historia de supervivencia.

A continuación podéis ver fotografías de los famosos citados y de personalidades que quisieron acercarse a ver esta nueva película de acción y aventuras en compañía de sus grandes estrellas.

 

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Crítica: ‘El candidato’

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La película cuenta la historia del surgimiento y caída del carismático senador que capturó la ilusión de los jóvenes votantes y fue considerado el candidato favorito para la nominación presidencial demócrata de 1988. Su campaña fue boicoteada por la historia de su relación extramatrimonial con Donna Rice, en la que puede ser considerada como la primera vez en la que el periodismo político se mezcló con el periodismo de tabloides, y Hart tuvo que abandonar la campaña – eventos que causaron un profundo y duradero impacto en la política estadounidense y en el escenario político mundial.

Crítica

Muy importantes sus mensajes, poco relevante el personaje

Echar mano de argumentos políticos casi siempre ha dado buen resultado. Malo es que no haya una parte de la audiencia que no empatice con la ideología o alegatos de los personajes en pantalla. Con esta nueva película de Jason Reitman (‘Up in the air’) profundizamos en los acontecimientos que rodearon el intento de candidatura de Gary Hart, pero no es el personaje como tal lo que más importa, si no los hechos o planteamientos que presenta.

Gary Hart era alguien receloso de contar su vida personal, como deberíamos ser todos con la vida privada de los demás. ‘El candidato’ surge de una novela del también guionista Matt Bai titulada ‘All The Truth Is Out (Toda la verdad está fuera)’. En ella hay muchas escenas íntimas que se supone que tienen mucho de imaginación o se han recreado a partir declaraciones o entrevistas de los protagonistas. Pero también analiza lo sucedido a partir la repercusión de dichos actos públicos.

Hart es un político cuya carrera para mí me es indiferente, que no tiene trascendencia o no es muy conocida si no estás muy metido en política. Es más, la película lo que expresa en líneas generales es que a nosotros no nos debería importar su vida, por lo que en ese sentido me deja igual que antes de verla. Lo que sí que marca un punto de inflexión es el modo en el que los periodistas le acecharon y como explotó la exhibición de los trasuntos personales de los políticos desde entonces. A priori esta puede parecer la recreación de la gestación y posterior caída de una carrera política, desde las razones y elección del candidato hasta los motivos por los que no llegó a la Casa Blanca. Pero en realidad la vida de Hart es solo la excusa para enarbolar determinadas moralejas y materias.

Están muy bien varios de los discursos que proyecta ‘El candidato’ hacia nosotros. No me refiero solo a los mítines políticos, si no a problemáticas que pone sobre la mesa y que hoy en día siguen vigentes. Uno de los más tratados es la prostitución de los medios de comunicación. La caída en el sensacionalismo. El foco en temas equivocados, que se alejan de lo que es realmente importante. Una manera de rebajarse por parte de los noticieros que por otro lado está legitimada y pagada por los lectores o espectadores que consumen más temas morbosos que provechosos. De eso trata en gran medida ‘El candidato’, de la comercialización y faranduleo del mundo de la política. De que al final tendremos los políticos que nos merecemos. Un dicho que seguramente podría emplearse en cualquier país y época pero que con Trump se ha materializado más que nunca.

También se pone muchas veces sobre la mesa la dignidad y respeto de la mujer. Las consecuencias de un político mujeriego no repercuten solo sobre su carrera, sino también sobre su esposa e hija. Respeto por parte de la persona que hace daño a su pareja y respeto por aquellos que también aprovechan para hacer leña del árbol caído. También se habla en determinados puntos sobre la importancia de no prejuzgar por las apariencias o por las intenciones de aquellos que hipócritamente se acercan a los que parece que tendrán éxito.

Para encarnar al político demócrata no es que se haya planteado un papel excesivamente difícil pero Hugh Jackman lo interpreta bien. Es fácil que con un rostro tan conocido como el suyo nos cueste toparnos con el personaje más que con la persona. Pero se diferencia mucho de otros papeles que ha ejecutado.

Ayudan mucho a sumergirse en los ochenta y en el político que interpreta Jackman las diferentes imágenes televisivas que se intercalan con las escenas de otros personajes. Nos sitúa así en uno de los momentos en los que las campañas electorales se convirtieron más en un tablón sentimentaloide que en una apuesta de futuro para una nación. Reitman marca aquí un buen punto de inflexión en la historia política para que se haga examen de conciencia y algunos procuren cambiar los hábitos de consumo.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de febrero de 2019. Título original: The front runner. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Jason Reitman. Guion: Jason Reitman, Matt Bai, Jay Carson. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Eric Steelberg. Reparto principal: Hugh Jackman, Vera Farmiga, J. K. Simmons, Alfred Molina, Mark O’Brien, Molly Ephraim, Kaitlyn Dever, RJ Brown, Mamoudou Athie. Producción: Columbia Pictures, Bron Studios, Right of Way Films, Stage 6 Films, Creative Wealth Media Finance. Distribución: Sony Pictures. Género: política, drama, adaptación. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/thefrontrunner/

Crítica: ‘The prodigy’

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El perturbador comportamiento del pequeño Miles hace sospechar a su madre, Sarah (Taylor Schilling), que una fuerza maligna y probablemente sobrenatural se ha apoderado de él.

Temiendo por la seguridad de su familia, Sarah debe elegir entre su instinto maternal de amar y proteger a Miles y la desesperada necesidad de investigar qué o quién le está provocando ese inquietante comportamiento. Pronto descubrirá que para poder salvar a Miles se verá obligada a buscar respuestas en un pasado muy peligroso y aterrador.

Crítica

Explota medianamente bien un nuevo y terrorífico concepto de niño superdotado

La trama de ‘The prodigy’ me ha parecido una mezcla entre ‘Muñeco diabólico’, ‘La profecía’ y ‘El pequeño Tate’. En la película de Nicholas McCarthy se juntan los temas paranormales, los psicópatas y los niños prodigio. En ella un niño muestra desde bebé que es capaz de aprender muy rápido y a sus ocho años empieza a inquietar a sus padres, los cuales se encuentran con un serio debate que enfrenta su paternidad y su buen juicio.

Lo cierto es que con el título que tiene más cosas en común es con el del muñeco asesino, de hecho podría funcionar como secuela o historia alternativa a lo que sucede tras la primera parte de la criatura de Don Mancini. No me gustaría destripar nada y entrar en demasiados detalles pues lo cierto es que el filme esgrime buenos argumentos y además hace uso de acertadas herramientas. En este título nos encontramos con un equilibrio entre escenas que ya son clásicas en las películas de terror de la época y momentos realmente originales. Se pueden reconocer varios referentes cinematográficos y aún así el filme evita repetirse demasiado, no podemos decir mucho eso de «¡qué topico!». Sí que es cierto que con algunas escenas y con varios detalles nos salimos del ambiente generado en la cinta. Pero no es difícil volver a enganchar la senda del thriller y del terror y eso que no emplea una atmósfera excesivamente oscura. ‘The prodigy’ tiene varias escenas que intrigan o incluso inquietan lo suficiente como para que estemos pendientes de lo que va a pasar con el niño.

Un chico que está interpretado por Jackson Robert Scott. Este joven al que hemos conocido en ‘IT’ o en ‘Fear the Walking Dead’ está bastante más que acertado. En esta ocasión tiene que jugar aún más con su rostro angelical para alternarlo con miradas aviesas. Aunque ha contado con la carta de la heterocromía (un ojo de cada color), que no es lo que tenía David Bowie como muchos piensan o como se apunta malamente en el filme.

En el reparto adulto tenemos a Taylor Schilling ejerciendo de madre que se ve ante la seria duda de si recurrir a la protección materna o al sacrificio. Menos presente está quien ejerce de padre, Peter Mooney (‘Heroes Reborn’) al contrario que Colm Feore (‘The Umbrella Academy’, ‘House of cards’) que protagoniza uno de los mejores momentos del filme. Esperaba ver más a Brittany Allen, sobre todo después de que me gustase su trabajo en ‘Saw VIII’ o sobre todo en ‘Extraterrestrial’ o ‘What keeps you alive’, pero su participación aquí, aunque indispensable, es escueta. Aún así me queda constancia de lo bien que se le da interpretar a alguien con dolor. Y como curiosidad me gustaría decir que uno de los personajes está interpretado por alguien que actuó en la serie que se hizo sobre ‘La profecía’, Elisa Moolecherry.

Muy bien el niño, pero en quien tengo puesto mi foco de atención es en el guionista. Jeff Buhler es quien ha escrito esta historia, que como he dicho tiene aciertos y desaciertos. Vamos a poder ver su trabajo en la adaptación de la obra de George R. R. Martin, ‘Nightflyers’ o en la nueva versión del ‘Cementerio de animales’ de Stephen King. Me han gustado los cánones de terror a los que ha recurrido añadiendo además algún toque nuevo. Al final emplea una solución que nos llega a través de un buen giro pero que podría haber ido un poco más allá, podría haber sido más intrépida, estando más alejada de desenlaces comerciales o frecuentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de febrero de 2019. Título original: The prodigy. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Nicholas McCarthy. Guion: Jeff Buhler. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Bridger Nielson. Reparto principal: Taylor Schilling, Jackson Robert Scott, Colm Feore, Brittany Allen, Peter Mooney, Paula Boudreau, Oluniké Adeliyi. Producción: Vision Films, Orion Pictures. Distribución: Filmax. Género: terror, thriller. Web oficial: https://whatswrongwithmiles.com/ http://theprodigy.filmax.com/

Crítica: ‘Best F(r)iends: volumen 1’

Sinopsis

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Un vagabundo se hace amigo se hace amigo de un empleado de una funeraria bastante peculiar. Entre ellos surge una asociación bastante improbable. Sin embargo entre ellos surge la paranoia y empiezan a cuestionarse conceptos como la amistad y la lealtad.

Crítica

La mejor película en la que aparece e intenta actuar Tommy Wiseau

Ya me he topado las suficientes veces en el cine con Tommy Wiseau y hablado con gente que ha trabajado con él como para tener una opinión sólida sobre su persona y talento. Tras haberle visto, por supuesto, en ‘The Room’ y posteriormente en ‘Samurain Cop 2’, ‘Cold Moon’ o ‘The disaster artist’ puedo decir con mucho esfuerzo, aunque haciendo justicia, que este es el mejor título en el que aparece Tommy Wiseau. Pero puedo ir más allá, si no me había gustado ninguna de las películas en las que ha intervenido, aunque sea solo con un cameo, con ‘Best F(ri)ends’ debo admitir contra todo pronóstico que incluso me ha gustado.

Tommy Wiseau es una persona tan peculiar que es capaz de convertir un viaje entre amigos en una lucha por su supervivencia llena de paranoia. Eso nos aseguran que pasó realmente en esa excursión que hizo con Greg Sestero, en la cual se basa ‘Best F(r)iends’. Sestero ha escrito el guión y Justin MacGregor lo ha dirigido. Un desconocido y primerizo director con mucho más talento que Wiseau, eso queda claro nada más ver el plano aéreo que abre el filme.

La película comienza con una misteriosa situación para el personaje de Sestero y toda ella está rodada desde su punto de vista. Él es un vagabundo que conoce a un funerario (Wiseau) que le acoge y da empleo. Arranca ahí una historia de amistad con más de una referencia a ‘De ratones y hombres (Of Mice and Men)’ de John Steinbeck. A partir de entonces los elementos enigmáticos se amplían ya que Harvey Lewis (Wiseau) también tiene sus cosas raras y ocultas. La trama avanza de manera correcta e incorpora elementos de thriller a un ritmo adecuado y sin necesidad de elipsis o flashbacks. Vi esta película tras una maratón de CutreCon a las doce de la noche y cuando llegó el final me di cuenta de que no es que no me hubiese dormido, si no que me había entretenido. Y es más, me quedé con ganas de ver cuanto antes la segunda parte porque te dejan con intriga. Curiosidad que fue en aumento con la extrañísima escena final y su escena post-créditos.

Pero aparte de suspense con la película puedes sentir ganas de reír. Principalmente por las incoherentes frases que dice Wiseau con su inconfundible acento y por la manera de actuar tan horrible que tiene. Es una persona tan peculiar y extravagante que el personaje raroso que le han dado le viene como anillo al dedo. No sé porqué se empeña en hacer esas risas tan falsas y en cantar de ese modo tan esperpéntico.

Salta a la vista que ‘Best F(r)iends’ tiene mejor factura que ‘The Room’, por lo menos tiene más escenarios y el diseño de producción es mucho más pulido y convincente. Y desde luego está claro que intenta vivir del fenómeno generado por sus dos protagonistas con ‘The Room’. Ya no solo conservando unas actuaciones bastante malas si no introduciendo guiños muy reconocibles por aquellos que hayan visto la desastrosa obra de Wiseau. Está el absurdo momento pasándose la pelota o la manera de saludar con un «oh! Hi…». También aparece el DVD de la película en una de las habitaciones del filme. Lo curioso es que en todo el filme, tiendo a pensar que de manera intencionada, no aparece ninguna cuchara, hasta el punto de comer una tarta con tenedor. Ahora es cuando podemos dudar de si Wiseau se aprovecha del personaje que ha creado involuntariamente para seguir explotándolo o si realmente es tan malo. Me da la espina que sucede un poco de cada.

Aunque está bien rodada y la historia es interesante hay alguna que otra pega que va a parte del trabajo de sus actores protagonistas. La banda sonora está compuesta de una música pop que parece sacada de un anuncio de ropa. No es que no sea partidario de ese tipo de música, es que la mayoría de veces no pega ni con cola. No me extraña que suceda esto pues su compositor es Daniel Platzman, al que seguro que habéis oído en títulos como ‘Escuadrón Suicida’ o escuchado en algún concierto ya que es el batería del grupo Imagine Dragons.

La verdad es que puedo entender que tenga medias de puntuaciones en torno a un seis en páginas como IMDB o Rotten Tomatoes y eso que nosotros no somos de dar puntuaciones, pero las impresiones son satisfactorias. Pensaba que el fenómeno de culto de ‘The Room’ y el éxito de ‘The Disaster Artist’ habrían producido daños colaterales con otra majadería de Tommy Wiseau y Greg Sestero. Pero ciertamente si me pones esta película con unos actores diferentes, actuando como es debido, podría decir que es un título muy bueno. Pero esas interpretaciones que responden al intento de continuidad de unos personajillos o a la falta de talento hacen que se quede en un «necesita mejorar». Tengo que reconocer que me he entretenido con el guión de Sestero, pero los encuentros con el inconfundible Wiseau distraen mucho la atención, además de causar carcajadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de enero de 2019 (CutreCon). Título original: Best F(r)iends: Volumen 1. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Justin MacGregor. Guion: Greg Sestero. Música: Daniel Platzman. Fotografía: Justin MacGregor, Farhman Umedaly. Reparto principal: Tommy Wiseau, Greg Sestero, Kristen StephensonPino, Paul Sheer. Producción: Sestero Pictures. Distribución: proyectada en festival. Género: thriller. Web oficial: https://www.bf-movie.com/

Reseña: ‘Batman: la boda’

Argumento

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El Caballero Oscuro, todo un icono tanto dentro como fuera del cómic, vivirá muy pronto un suceso inédito en sus casi 80 años de trayectoria. Batman contraerá matrimonio con otro personaje histórico del noveno arte, conocido por aficionados de todo el globo, ¡Catwoman!

Reseña

Pasa lo que tenía que pasar

Ya tenemos entre manos uno de los grandes eventos de DC cómics en este 2018. Por fin ha llegado a España el número 26 de la colección Batman y en él llega la tan anunciada boda de Batman. No es la primera ocasión que el hombre murciélago se casa, esto ha sucedido antes pero en la imaginación o sueños uno de los famosos Robin. Hemos visto fugazmente a Batman casado con Batwoman pero es realmente Catwoman quien, irónicamente dicho, se lleva el gato al agua.

El difícil justiciero ha abierto las puertas de su corazón a la felina ladrona. Durante números anteriores de la colección (8, 13, 19, 23, 25) hemos visto como este impactante anuncio causaba diferentes reacciones en los distintos personajes de Gotham y el universo DC. ¿Qué opinan los villanos? ¿Cómo será el vestido de la novia? ¿Está invitado el Joker? ¿Cómo fue la pedida de mano? Tras resolver todos esos acertijos llega en este número 26 la respuesta al enlace que ha tenido incluso un número especial como preludio.

Durante una noche acompañamos a Batman y Catwoman por los callejones y azoteas de la ciudad de Gotham. Mientras ellos deciden casarse al alba y nos van rememorando cómo se conocieron y contando las razones de su enamoramiento. Estos flashbacks y elucubraciones están representados a modo de splash pages. Páginas que podrían ser portadas por sí mismas y que son el verdadero tesoro de esta grapa. Ilustraciones que han sido realizadas por ases del cómic que alguna vez han estado involucrados en las historias de Batman. Os costará elegir una favorita entre las imágenes creadas por estrellas como Frank Miller, Lee Bermejo, Neal Admas, Rafael Albuquerque, Ty Templeton, Greg Capullo, Lee Weeks, José Luis García-López y un largo etcétera. Dibujos que nos llevan por distintas etapas que se han generado en los 80 años de Bruce Wayne como Batman y nos rememoran por lo tanto a distintos estilos gráficos o los respectivos cambios de traje.

Entre tanta galería de viñetas a página completa tenemos la historia hilada por Tom King y dibujada por el español Mikel Janin. El artista nacional conocido por su trabajo en ‘Justice League Dark’ (entre otros) ha elaborado un grandioso cómic con mucho sabor clásico pero a la vez con personajes muy modernos y definidos. Al igual que el entorno que les rodea, el cual no está falto de detalles y exhala tanto aires tradicionales como corrientes nuevas y frescas. El talentoso guionista Tom King nos ha reservado una estupenda y obvia resolución a este enlace que está precedida de conversaciones y pensamientos que van perfectamente acordes a los dos personajes protagonistas.

Batman decide ser feliz, alejarse del drama y la tragedia que dan sentido a su vida de justiciero para enlazarse a una de sus villanas más recurrentes y entrañables. La razón de ser de Batman se pone en entredicho con este evento que para bien o para mal podría cambiar la manera de ver al héroe.

Ficha del cómic

Guion: Tom King. Dibujo: Mikel Janin. Portada: Mikel Janin. Editorial: ECC. Datos técnicos: 48 págs., grapa, color, 16x25cm. Publicación: diciembre de 2018. Precio: 3,25€.

Crítica: ‘Lo que esconde Silver Lake’

Sinopsis

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Sam (Andrew Garfield) es un tipo desencantado de 33 años que descubre a una misteriosa mujer, Sarah (Riley Keough), bañándose en la piscina de su apartamento.

Cuando esta desaparece, Sam se embarca en una búsqueda surrealista a través de Los Ángeles para descifrar el secreto que hay detrás de su desaparición, llevándolo a las profundidades más oscuras del misterio, el escándalo y la conspiración de la ciudad.

Crítica

¡Vaya pulp-ería hay bajo Silver Lake!

Al igual que en un pulpo varias ramificaciones como si fuesen tentáculos se extienden por toda la película de David Robert Mitchell y nos van agarrando como si tuviesen ventosas. Esa extrañeza, esa fluidez de los pulpos, esa enigmática forma de nadar la tiene ‘Lo que esconde Silver Lake’. Su fantasía, su lascividad, su insolencia, su sarcasmo y su misterio se asemeja a las publicaciones pulp y eso a mí me engancha siempre. En ciertos aspectos nos puede recordar a ‘El Gran Lebowski’ y en otros a una absurda aventura gráfica. Este título que sucede a ‘It follows’ en la filmografía del director es una obra rara, atrevida y personal que demuestra que Robert Mitchell tiene talento.

‘Lo que esconde Silver Lake’ da juego para un montón de cavilaciones, algunas trascendentes otras más superficiales. Silver Lake tiene varias profundidades. Según vamos escudriñando el largometraje descubrimos estas ideas en primer plano o en el fondo de las escenas. Dependiendo de cómo estéis de receptivos os puede parecer que esta es una película que no tiene por donde cogerse o que la puedes enfocar de muchas maneras. Dentro de sus disparates y yo creo que analiza nuestra escala de valores, nuestra sociedad, los cánones establecidos, la vacuidad en la opulencia. Pero me gustará ver lo que se va comentando tras su estreno.

Tiene un muchos guiños y críticas a la cultura popular y a aquellas cosas con las que nos sentimos alineados día a día. La referencias cinéfilas están por todas partes, hay apuntes a Hitchcock así como a películas antiguas o modernas todo relacionado por supuesto con lo que decía antes de la cultura popular. Incluso hay guiños a Spider-Man, personaje que Garfield interpretó hace años. Llevaos una libreta a la película por si no queréis dejaros detalle que debatir tras su visionado pues son muchos. Lo que nos viene sugerir es que nos planteemos si elegimos nosotros el camino que recorremos y qué nos hace sentir bien durante nuestro trayecto.

Andrew Garfield está magnífico. Es el protagonista y la narración está siempre centrada en él. No siempre hace falta que un personaje nos haga llorar a chorretones o reír con la mandíbula desencajada. Su interpretación como un joven decaído, voyeur y vago funciona muy bien.

‘Lo que esconde Silver Lake’ es una locura, una ida de olla. Su trama desconcierta al personaje y desconcierta al espectador pero aún así engancha. Continuamente te preguntas ¿y por qué no? En su extravagancia y en sus rarezas encontramos multitud de componentes que nos mantienen a la expectativa y su resolución final me parece factible pese a ser una golosina para los amantes de las conspiraciones. Porque otra cosa no, pero paranoia no le falta al filme.

No es una obra maestra pero si es una película en la que se plasman buenas ideas y alusiones. Le sobran algunos tramos y tanto sexo gratuito. Tiene más erotismo que ‘It follows’ y eso que esa película parecía tratar sobre un cobrador del frac salidorro. Al igual que las publicaciones pulp, como el fanzine que lee el protagonista, lo más seguro es que este título quede para un público de culto, que seguro que con el tiempo irá sorprendiendo a todos aquellos a los que se lo recomienden.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de diciembre de 2018. Título original: Under the Silver Lake. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: David Robert Mitchell. Guion: David Robert Mitchell. Música: Disasterpiece. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Andrew Garfield, Riley Keough, Topher Grace, Jimmi Simpson, Grace Van Patten, Rex Linn, Sky Elobar, Stephanie Moore, Sibongile Mlambo, Laura-Leigh Claire, Patrick Fischer. Producción: Stay Gold Features, Michael De Luca Productions, Vendian Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: thriller. Web oficial: https://a24films.com/films/under-the-silver-lake

Crítica: ‘Bailando la vida’

Sinopsis

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Cuando ‘Lady’ Sandra Abbott (Imelda Staunton) descubre que su marido, con el que está casada hace 40 años, tiene una aventura con su mejor amiga, busca refugio en Bif (Celia Imrie), su hermana mayor. Las dos son diametralmente diferentes. Sandra es un pez fuera del agua en comparación con su descarada hermana que encadena citas sin el más mínimo complejo.

Sandra necesita probar algo nuevo y, de mala gana, deja que Bif la arrastre a su clase de baile donde poco a poco empieza a encontrar el ritmo… y el amor.

Crítica

Comedia ligera balanceada con drama y baile.

Imelda Staunton protagoniza una nueva película acercándose de este modo a los cien títulos en su carrera. ‘Mucho ruido y pocas nueces’, ‘Little Britain’, ‘Pride’… No cabe duda de que la comedia es su punto más fuerte y si de algún modo puede acaparar papeles principales es en ese género. Aunque también la hemos disfrutado en  ‘Vera Drake’ o en ‘Shakespeare in love’ títulos con más tintes dramáticos. En ‘Bailando la vida’ nos da una de cal y otra de arena, combina tanto humor como desventura, aunque parece que lo que más se impone en esta ocasión es el drama y esto lo podemos extrapolar al resto de la película.

Al igual que en el reciente estreno español de ‘La tribu’ nuestra protagonista sufre un revés en su perfecta vida y descubre que bailar es un medio ideal para ausentarse de su pasada realidad y ponerse en una posición que la hace más feliz de lo que era antes. Todo esto viene aderezado con un tipo de humor que se podría decir es diametralmente opuesto al de la película de Fernando Colomo, por supuesto. El humor inglés obviamente está presente, no tiene ni una frase ni una escena que se pase de la raya. ‘Bailando la vida’ es una comedia bastante cordial y sencilla con un guion bien estructurado en cuanto a ritmo pero quizá excesivamente cargado de tragedias. No hacía falta tanto contraste trágico para una comedia que tampoco es hilarante.

Pero la música y el baile no son los únicos revulsivos que encuentra la aristócrata que interpreta Imelda Staunton. Celia Imrie hace las veces de su reencontrada hermana en la ficción y como su personaje es radicalmente diferente tienen choques en ocasiones divertidos. Tanto ella como la pandilla variopinta de amigos londinenses en la que le sumerge le descubren el amor y la vida procaz que llevan, como si fuesen unos púber encerrados en los cuerpos de un sexagenario. Como he dicho antes esto nos lleva a situaciones cómicas bastante contenidas, pero también a muchos puntos la mar de tristes.

Esto nos acerca a algo curioso del filme. Porque con una de las personas con las que más escenas comparte Imelda Staunton en esta película es con Timothy Spall. Un actor con quien tiene en común dos grandes títulos como ‘Harry Potter y la Orden del Fénix’ y ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 1’ pero con quien jamás había compartido un set de rodaje, con quien nunca había rodado una escena. Esto no ha sido impedimento para que ambos funcionen bien en pantalla, para que haya química, no solo entre ellos, sino también con Celia Imrie con quien si había trabajado Staunton en ‘La niñera mágica’ o con quien Spall si que había coincidido en películas como ‘Un golpe brillante’.

Lo que nos transmite ‘Bailando la vida’, más que siempre estás a tiempo para encontrar el amor, es que siempre puedes darte cuenta de cuáles son tus prioridades y el estilo de vida que has querido llevar. No me ha parecido una película romanticona como sugiere su tagline «nunca es tarde para el amor», es más acertado (aunque comprendo el cambio por la dificultad de la traducción) el empleado en su versión original «everyone deserves a second dance» (todo el mundo merece un segundo baile). Hace un juego de palabras con la expresión chance (oportunidad) y dance (baile) en el sentido de que ni es tarde para disfrutar del amor, ni para descubrir nuevas vivencias.

Otro hecho curioso es que dos de los amigos de las protagonistas residan en dos barcos llamados Mayflower y Philona. Esto tiene su sentido, no solo son dos barcos emblemáticos que realmente se puedan encontrar por los canales de la City. El primero tiene el nombre de la que fue la embarcación que transportó por primera vez ingleses a tierras norteamericanas. ¿Significado de esto? Quizá su presencia se deba al hecho de que la protagonista se embarque en una nueva aventura en tierras hasta entonces inexploradas para ella. Y Philona es un barco de la Pequeña Venecia que al igual que esta película hace mucha referencia al baile dado que está decorado con músicos y bailarines. Puede que sea darle mucha vuelta de tuerca a algo anecdótico o puede que el director Richard Loncraine no haya querido dejar nada al azar en su película.

Hacer examen de conciencia, poner los pies en la tierra, tomarse el día a día o el amor de otra manera, mirar los reveses de la vida y esperar a la muerte con sentido del humor… son temas que se han manejado muchas veces en el cine. ‘Bailando la vida’ no viene para deslumbrarnos con nada transgresor. Es una comedia ligera que nos entretiene y puede que según en qué momento de tu vida te coja te toque la fibra sensible.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de abril de 2018. Título original: Finding your feet. Duración: 111 min. País: Reino Unido. Dirección: Richard Loncraine. Guion: Meg Leonard, Nick Moorcroft. Música: Michael J. Mcevoy. Fotografía: John Pardue BSC. Reparto principal: Imelda Stauton, Timothy Spall, Celia Imrie, David Hayman, John Sessions, Joanna Lumley. Producción: Eclipse Films, Catalyst Global Media, Powder Keg Pictures. Distribución: Wanda Visión. Género: comedia, romance. Web oficial: https://www.findingyourfeetfilm.com/

Impresiones del 3×13 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Final con fantástico para el Ministerio.

Nuevo homenaje  a Chicho Ibañez Serrador, van dos en una semana. Tras el que vivimos en el Festival Nocturna con el maestro presente, al cual podéis ver en nuestras fotografías, los guionistas de ‘El Ministerio del Tiempo’ han tenido a bien rescatar su época para que volvamos a verle en sus momentos más genuinos. Sergio Villanueva le ha interpretado maravillosamente en el episodio 34 de la serie de Javier y Pablo Olivares, el número 13 de esta tercera temporada que ha llevado el título de ‘Entre dos tiempos’.

Por avatares de la trama nos han brindado una versión sesentera de las serie, nos hemos sumergido en un meta universo, en un juego autorreferente, en una serie dentro de otra serie. Ha sido muy gracioso el opening vintage que ha jugado con los nombres reales de los actores. La recreación ha servido para revivir, aunque sea a modo de parodia, momentos entrañables de otras temporadas. Pero esa anécdota no ha hecho más que poner en peligro la mítica ‘Historias para no dormir’ y para muchos esta misión, el hecho de salvar estas historias puede haber sido más importante que salvar la propia historia de España.

Pero no ha sido lo más importante de esta última aventura que ha dirigido Miguel Acantud (‘Águila Roja’). Una gran verdad sobre la España actual ha llegado al Ministerio y a ella se han tenido que enfrentar nuestros agentes. Esa es la última misión han tenido que afrontar en este capítulo de cierre, no voy a dar más detalles pues las proporciones en esta ocasión han sido brutales. También hay que señalar que ha trabajado como actor el presentador Luis Larrodera, cerrando el círculo de este capítulo homenaje pues fue el último en presentar el programa que dirigió Chicho y que tantas noches nos mantuvo ensimismados, el ‘Un, dos, tres… responda otra vez’. Su rol no conviene desvelarlo tampoco por no destripar lo sucedido en el episodio, pero está muy bien traído. Sin duda  es un recurso mucho mejor que el de las sociedades secretas.

Ha sido el capítulo más afinado y acertado de todos los de la temporada, uno de los mejores de toda la serie, a la altura del gran homenajeado. Colofón de los buenos.

Además hemos descubierto más cosas sobre la vida de Lola Mendieta y Alonso da un paso muy importante en su vida. Esto sería muy valioso si el episodio no tuviese tanto sabor a despedida, de hecho no se han resistido a emitir una última frase con Rodolfo Sancho al final de los créditos. Javier Olivares ha adelantado en entrevistas que de momento no habrá cuarta temporada. ¿Queréis que continúe el Ministerio? En las redes sociales los ministéricos se pronunciaban pidiendo su continuidad con hashtags como #RenovacionMdT. Si os sumáis a ellos puede que la unión haga la fuerza.

Impresiones del 3×11 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Protagonismo cantado para Angustias.

Con el buen clima que está haciendo casi que le damos toda la razón al título de esta semana. Es ‘Tiempo de verbena’, obviamente el episodio más castizo de lo que va de serie. Una misión trivial a la par que simpática a la que ha costado ver la justificación de la intervención de la patrulla del ministerio pues no ha habido perturbación en la historia por parte de alguna sociedad secreta o alguien ajeno a la época. Con Fernando Albizu, Manuel Galiana y Bruno Oro como actores invitados interpretando a personajes de esa época hemos visto como los guionistas encontraban soluciones idénticas a las empleadas a las que vimos en el capítulo de Goya y su maja. Además esta pequeña aventura ha sido resuelta torpemente para poder darle su momento de gloria a Angustias, que por mucho que haya encontrado hueco para homenajear a Lina Morgan sigue sin tener razón para haberse inmiscuido en una historia en la que no parecía haber ocurrido nada sospechoso.

Más carga de importancia para la trama central han tenido las dos historias paralelas de este episodio. Las sociedades secretas tienen en el punto de mira al ministerio más querido de todos los españoles y ya están infiltrados hasta lo más profundo de sus estamentos. El cara a cara entre Alonso y Arteche, esa especie de Lobezno del Ángel Exterminador, ha sido de lo mejor del episodio y además ha dado como resultado la revelación que ya iba tocando que se produjese. Gran recurso y curioso personaje surgido de ‘Un soldado español de veinte siglos’ de José Gómez de Arteche que se ha quemado demasiado pronto. Suponemos que lo que ha hecho Arteche es evitar que su yo pasado beba aquello que le da la inmortalidad. Porque si lo que hace es morir sin más no borra lo que ha hecho hasta ese momento y no tiene sentido que cambie su rostro en el cuadro de Las Lanzas.

La otra historia paralela trata la Amnesia de Marta. Lo cierto es que es un elemento muy de telenovela y cada intento del ministerio por hacerla reaccionar parece más cruel: hacerla ver que ya no tiene 16 años mirándose en el espejo, mostrarla como la atacó su padre… Una cosa es dudar de ella y la otra es martirizarla. Métodos de Irene al margen esperemos que se resuelva pronto si Marta finge o si tiene utilidad dramática esta amnesia pues ocupa bastantes minutos de capítulo.

Enfilamos los tres últimos episodios, contando con este que acabamos de ver. Es decir, nos quedan dos a partir de ahora. Ya solo visitaremos un par de veces más el Ministerio del Tiempo, hay muchas cosas por cerrar y parece que cada vez se vuelve todo más complejo y fantástico. ¿Cómo se resolverá la temporada?

Impresiones del 3×09 de ‘El Ministerio del Tiempo’

A partir de ahora pueden cambiar muchas cosas.

‘El cisma del tiempo’. Ese es el capítulo que ha servido para que llegue la primera misión oficial de Lola Mendieta (Macarena García) con la patrulla del Ministerio. Y esta ha empezado a hacer uso de sus conocimientos en arte para sacar de más de un apuro a sus compañeros, algo muy coherente ya que cuando veíamos a la Lola interpretada por Natalia Millán siempre estaba relacionada con tráfico de piezas artísticas.

Un capítulo muy valorable, transcurrido casi todo en Peñíscola, pues cumple la función que muchas veces ha realizado la serie, la de enseñar historia. Y es que esta no es del todo tan conocida para muchos como cabría esperar y algunos espectadores han descubierto la historia del Papa Luna, Benedicto XIII, aquel cuya insistencia dio origen a la expresión de «mantenerse en sus trece». Un personaje histórico, y ahora televisivo, que ha sido interpretado muy entrañablemente por Gerardo Malla (‘Doctor Mateo’).

Según nos aproximamos al final de la temporada las misiones se van volviendo más críticas y delicadas para el Ministerio. En esta ocasión El Ángel Exterminador ha atacado a la raíz de El Ministerio del Tiempo secuestrando a Abraham Levi, el rabino que creó el Libro de las Puertas. Esta es muestra de la subida gradual de intensidad que se está realizando en la temporada. Además de que en este episodio hemos tenido menos gags.

Por otro lado ha habido una historia paralela, como suele ser habitual, en la que hemos vuelto a ver a Adolfo Suárez, en una escena que ya vimos recreada en el cómic, que por cierto hemos estado sorteando estas semanas. En dicha aventura ha aparecido también Enrique Villén haciendo un guiño a una serie española tan conocida como lo fue ‘Cámera Café’.

Pero quizá lo más importante de todo el capítulo es la conclusión de que si se puede viajar al futuro, aparte del viaje de regreso al tiempo del que se provenía como muchos decíamos que ya se estaba haciendo. Esto ha estado hilado con otro tema comiquero, con los tebeos y el serial ‘Diego Valor’, por lo que más tarea divulgativa para este estupendo episodio. Quién sabe, quizá en próximas entregas los guionistas de El Ministerio del Tiempo y los artistas de User T38 nos regalen algunas imágenes de una España en el 2025. De momento lo único que ya sabemos del futuro de la serie es que en el capítulo 10 regresa Velázquez, que no es poco.

Impresiones del 3×08 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Tiempo de cuestionarse aquello por lo que luchar.

Octava entrega, ‘Tiempo de conquista’. Así se ha llamado el episodio dirigido por el director vasco Koldo Serra (‘Gernika’), quien ya se encargó de ‘Tiempo de hechizos’, la tercera parte de esta temporada. El resultado ha sido más satisfactorio pues los personajes han estado mejor explorados y explotados, aunque en esta ocasión también nos hemos encontrado con algún que otro pero.

La historia se ha centrado en el rescate de Jerónimo de Aguilar, el cual fue apresado por los mayas y compartió aventuras con el converso Gonzalo Guerrero, magníficamente interpretado por Miguel Ángel Muñoz. El episodio ha tenido un impresionante arranque, no ha perdido intensidad en casi ningún momento y como siempre ha estado acompañado del humor característico de la serie. Las únicas pegas a las que me refería antes se deben a detalles como que llegan a la aldea usando el GPS en el siglo XVI cuando no había satélites y que hablan de que allí está presente el abuelo de Alonso o de pedir refuerzos estando delante Jerónimo.

Por otro lado hemos tenido una trama paralela en la que los enemigos, ya casi clásicos de esta temporada, Los hijos de Padilla, han intentado liberar a Pere Folch. El Ministerio se ha encontrado en un atolladero pues este está muerto y debido a ello no tenía moneda de cambio. Es Lola Mendieta quien les saca de él. Aunque aún no alcanzo a entender cómo llega ella a dilucidar que el quid de la cuestión está en acudir al Salvador de niño, me parece un momento de brillantez extrema. Tampoco nos han aclarado si Salvador se acuerda de todo lo sucedido de niño cuando es mayor, pues eso podría cambiar su futuro. Pese a detalles como estos se agradecen episodios en los que lo que esté en juego sea la integridad de algún miembro del Ministerio y no de toda la historia de España o el mundo entero.

Este capítulo que ha acabado con un combate singular, con juicio por combate, como decimos más los fans de ‘Juego de Tronos’, tiene momentos valientes, como alguna conversación que ha rememorado a la época en la que vivíamos la lucha antiterrorista.  ‘Tiempo de conquista’, cuyo rodaje en su mayoría transcurrió en el Jardín Botánico de la Concepción (Málaga) ha visto también como Hugo Silva homenajeaba a su manera a Johnny Depp en ‘Piratas del Caribe’. Quizá lo más importante, argumentalmente hablando, es lo tocado que se queda Alonso con su pasado, con lo dubitativo que se queda con las razones por las que se hizo soldado.

Impresiones del 3×07 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Un regreso de cine.

Hemos estado echando de menos a varios personajes pero el regreso ha sido muy de cine. En cuanto a referencias y en cuanto a su calidad la vuelta de El Ministerio del Tiempo ha mantenido un nivel muy alto, sin llegar a necesitar momentos excesivamente dramáticos o heroicos se nos ha pasado volando. Nos han regalado un arranque con Irene volviendo literalmente a su pasado. Hemos descubierto y profundizado en su vida privada. Eso casi la condena pero también ha sido lo que la ha salvado.

Esta trama en parte nos llega ya que hay que comenzar a rellenar huecos dejados por el personaje de Amelia que nos dejó en el anterior episodio. De la patrulla original ya solo queda Alonso, que vuelve a toparse en este capítulo con Buñuel, con el que precisamente no tuvo palabras la última vez que se cruzaron. Vemos pues en este capítulo varias soluciones que ampliarán nuestros conocimientos sobre los personajes del ministerio.

Por supuesto era obvio que iba a recibir más protagonismo Lola Mendieta (Macarena García). Poco a poco asumirá el peso femenino de la serie que antes recaía casi en su totalidad en Aura Garrido. Parecía que hoy solo íbamos a verla en una trama insustancial cargada de fases facilonas pero se han revelado cosas muy importantes. Además en las redes sociales se ha abierto un intenso debate de nuevo con el tema de los tiempos paralelos, las paradojas… No quiero entrar en detalle sobre cuál es por si vais a ver el episodio en diferido pero tiene que ver sobre la vida que llevó la antigua Lola y la que comienza a llevar la nueva.

Por lo demás y sin que se pueda considerar spoiler podemos decir que esta entrega número siete de la tercera temporada, este retorno, nos deja detalles tan entrañables como un Miguel Bosé correteando de pequeño, un Buñuel (muy naturalmente interpretado por Pep Tosar) eligiendo a Pepe Isbert como maestro Yoda, a Pacino haciendo la jugada del almanaque, a un Carlos Areces como creíble un censor chupatintas…

Esta segunda mitad de la serie nos reserva siete episodios más, seis si contamos con que ya hemos visto este, en los que el Ministerio del Tiempo tendrá que librarse de un modo u otro de su nuevo enemigo, El Ángel Exterminador. El tiempo dirá como se las apaña la nueva patrulla.

Impresiones del 3×06 de ‘El Ministerio del Tiempo’

En varios sentidos se pone un punto y aparte.

A comienzos de ‘El Ministerio del Tiempo’ se rodó en el barrio de este servidor que os escribe, Comillas, en Carabanchel. Literalmente junto a mi casa transcurrieron algunas escenas en las que Julián (Rodolfo Sancho) visitaba su antiguo barrio, veía a su gran amor cuando era una niña… Pues bien, en este episodio volvemos a hablar de Comillas, pero del Marqués, que si bien comparte nombre con este barrio de Madrid su título rinde pleitesía a la localidad cántabra. En esa población ha transcurrido casi todo el episodio. Una entrega con varias sorpresas, en aumento de intensidad he de decir.

En ‘Tiempo de esclavos’ Alfonso XII y el Marqués de Comillas han sido interpretados por Guillermo Barrientos y Chete Lera respectivamente. Ellos han estado presentes en el conflicto que ha debido resolver la patrulla. Alguien muy importante ha resultado herido mortalmente. Esto ha dado lugar a operaciones a través de videollamada… Esto con Julián no pasaba. No lo digo solo porque él era médico si no porque en algún episodio en el que aún figuraba se llegó a trasladar todo un equipo de quirófano en tiempo exprés.

Sea como fuere, la patrulla ha tenido que romper las reglas de nuevo para salir airosa. Una vez más se cambian o se saltan los principios de El Ministerio. Al menos en esta ocasión ha habido algunos personajes preocupados por ello. Con razón lo hacían pues el efecto mariposa ha tenido lugar y en el capítulo ha sucedido algo muy dramático para uno de sus personajes y en consecuencia para toda la patrulla. Los ministéricos vamos a notar mucho las consecuencias de esta misión. Con eso nos dejan hasta después el parón, que será hasta septiembre. A partir de ese mes veremos los otros siete episodios de esta temporada.

Estaba pendiente saber que había tras la fuga de Lola Mendieta. Podíamos imaginar cómo iba a volver, lo que no sabíamos eran los motivos o lo que había detrás. Tras lo sucedido en el episodio de hoy no cabe duda de que va a tener mucho más protagonismo. Igual podría suceder con el tío de Amelia y el nuevo grupo surgido, seguro que sabremos más de ellos en los capítulos inmediatos.

Para lo que hemos visto hoy se contó con Llorenç González como Eusebi Güell, Lluis Soler como Pere Folch, Gal Soler como el expresidente Sagasta y César Vea como un capataz. Todos ellos aparecen en la época de Amelia, época en la que como hemos dicho ha transcurrido casi todo el capítulo.

Aprovechamos estas líneas para dar nuestro más sentido pésame a los familiares, amigos y familia ministérica de Santiago Meléndez, el actor que interpretó al Padre de Pacino. D.E.P.

Impresiones del 3×05 de ‘El Ministerio del Tiempo’

La letra no necesariamente con sangre entra.

Tiempo de esplendor. Así se ha llamado este episodio en el que la guerra mermaba los ánimos del pueblo y la capital era trasladada a Valladolid por influencia e intereses de un duque. En ese contexto veía España como crecían sus mejores escritores. Dos de los máximos exponentes de nuestra literatura han encabezado el episodio como personajes históricos «invitados’. Víctor Clavijo y Pere Ponce han repetido en sus papeles de Lope de Vega y Cervantes respectivamente. Las riñas y el pique entre ellos han resultado de lo más atractivo de un capítulo con no mucho interés histórico pero si argumental, pues algo se ha adelantado de la trama principal.

Esto es debido al individuo con el que se ha topado Pacino y a los progresos realizados por Ernesto (Juan Gea) e Irene (Cayetana Guillén Cuervo) en su viaje a los ochenta. El hermano de esta última, Fernando Guillén Cuervo ha tenido un papel bastante relevante al interpretar al Duque de Lerma en la otra historia paralela protagonizada por la patrulla. También hemos podido ver en ella a Elena Rivera (como la reina Margarita de Austria), a Federico Aguado (como el rey Felipe III) o al salmantino Mariano Venancio (haciendo de jefe como en ‘Mortadelo y Filemón’).

El director de este quinto capítulo (el número 26 de los que van emitidos), Oskar Santos (‘Hispania. La leyenda’, ‘Zipi y Zape’) ha tenido la oportunidad de dejarnos con un cliffhanger que tiene que ver con el personaje de Lola Mendieta. Veremos por dónde continúa la incierta historia de este personaje que contra toda regla de El Ministerio se está rescribiendo.

Entrevista a Nacho Vigalondo por ‘Colossal’

 «Hay una idea para una secuela».

Volvemos a entrevistar a Nacho Vigalondo tras haber coincidido con él en el pasado Nocturna. El director de Cabezón de la Sal (Cantabria) ha creado una historia llamada ‘Colossal’ con mucho sabor del clásico género japonés kaiju. Una narración que originalmente estaba escrita para que transcurriese entre su pueblo natal y Madrid. Pero avatares del destino quisieron que se rodase entre Atlanta y Seúl.

Debido a la internacionalidad que adquirió el proyecto ha contado con actores como Anne Hathaway (‘Interstellar’) , Jason Sudeikis (‘Somos los Miller’), Dan Stevens (‘Downton Abbey’), Austin Stowell (‘Whiplash’) y Tim Blake Nelson (‘Lincoln’).

Si queréis nuestra opinión de ‘Colossal’ tenéis nuestra crítica aquí. Pero podéis tener la visión del propio director en la siguiente entrevista. Os aseguramos que os vais a reír, tanto con sus palabras como con la película.

Recordad que el filme se estrena primero en Movistar+ el jueves 29 a las 22:30h. Posteriormente, el día siguiente, el 30 de junio, se estrena en salas de todo el país.

Sinopsis oficial:

Gloria (Anne Hathaway) decide dejar Nueva York y volver a su ciudad natal tras haber perdido su trabajo y su novio. Pero, cuando en las noticias informan de que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, se da cuenta de que está relacionada con esos extraños sucesos.

Para evitar que la destrucción vaya a más tendrá que averiguar el papel de su insignificante existencia en un evento colosal que podría cambiar el destino del mundo.

Impresiones del 3×04 de ‘El Ministerio del Tiempo’

La cosa ha pintado bien.

Por fin, ya echábamos de menos al personaje de Velázquez (y a Julián Villagrán). En un episodio como este que incluía a un pintor como Goya ya era imperdonable que no apareciese. No ha sido un capítulo protagonizado solo por él pero ha tenido una presencia de lo más entrañable.

‘Tiempo de ilustrado’ ha transcurrido, lógicamente, en la época ilustrada de España. Allá por el siglo XVIII Francisco de Goya obraba su arte y para recordárnoslo le ha encarnado Pedro Casablanc. Pero no ha sido el único que ha interpretado a un personaje conocido pues Luis Callejo se ha metido en la piel de Godoy, Noemí Ruíz en la de la Duquesa de Alba y María Adánez en la de Osuna. Todo un reparto que ha elevado el nivel interpretativo de la serie.

El director de esta ocasión, Jorge Dorado (‘Anna’), nos ha brindado unos minutos con mucho ritmo y un logrado equilibrio entre los personajes. Sobre todo ha sabido aprovechar el Parque de El Capricho y la obra de Goya para introducirnos en la época.

La pena es que con lo bueno que estaba siendo el episodio hemos vivido una solución tremendamente predecible. Al menos este ha sido un episodio con el gancho de los que empezaron a crear afición. Muchas referencias modernas, humor, nuevas intrigas, lecciones de historia… De momento, el menos épico, pero aún así, el mejor de la temporada.

Nos vemos en el quino capitulo (‘Tiempo de esplendor’), en el cual nos volveremos a encontrar con el Cervantes de Pere Ponce y el Lope de Vega de Víctor Clavijo.

Impresiones del 3×03 de ‘El Ministerio del Tiempo’

La magia ha llegado del director, no de la mano de Bécquer.

Este tercer episodio se ha nombrado como ‘Tiempo de hechizos’, no confundir con ‘Tiempo de magia’, que ese fue otro episodio de la temporada pasada. En esta ocasión la superstición y lo brujeril han constituido el eje del argumento de un episodio dirigido por Koldo Serra (‘Gernika’). El director bilbaino ha incorporado a la serie su sello, su manera de ver la escena, dotándola de brillantes planos y de un vibrante ritmo. La calidad visual ha sido el mejor aspecto de esta tercera entrega.

Tras arrancar el capítulo con un guiño a ‘El Señor de los Anillos’, a esa famosa escena del Nazgûl persiguiendo a los hobbits, se ha iniciado una trama que de nuevo ha estado relacionada con alguien que viaja destrangis por el tiempo, aunque en esta ocasión fuese una viajera involuntaria. El monasterio de Veruela ha acogido el capítulo y Hugo Silva ha vuelto a enfrentarse a la brujería, como ya hiciese en Zugarramurdi. Pacino ha seguido haciendo de las suyas contando, literalmente, películas. Por supuesto, haciendo lo que mejor se le da hacer investigar. Mientras tanto Amelia y Alonso se han pasado el episodio como drogados y cambiados, por un motivo bastante previsible.

El «personaje invitado» en esta ocasión era Gustavo Adolfo Bécquer, interpretado por Tamar Novas. Quizá el personaje histórico más desaprovechado y menos carismático de los que han aparecido. Culpa de ello quizá sea lo poco que ha estado en pantalla o lo poco que ha influido. Ha estado mucho más presente y ha sido más determinante Miryam Gallego como la supuesta hechicera y viajera del tiempo. También han aparecido Jon Arias (hijo de Imanol Arias), Marta Guerras, José Luis Ferrer, Marta Guerras, Adelfa Calvo y Juan Viadas.

Además hemos seguido con una intriga paralela protagonizada por Cayetana Guillén Cuervo y Macarena García, Irene Larra y Lola Mendieta respectivamente. No sabemos si la joven Mendieta seguirá los pasos de su otro yo ya fallecido, aquí al menos comienza a dar pasos en dirección contraria. Y hablando de cambios en las líneas temporales, Amelia ha dado señales de seguir preocupada por la niña que aparecía en las fotos que recibió.

Aunque cada vez que aprecian por el bosque nos saturaban de graznidos, algunos excesivamente artificiales, en general ha sido un atrayente capítulo, aunque algo por debajo de la media de la serie.

Impresiones del 3×02 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Una interesante historia para rescatar a un personaje.

Tiempo de espías ha arrancado con una escena muy a lo ‘Malditos Bastardos’. Ha dado paso a una trama con nazis y luchadores por la libertad transcurrida entre Huelva y Francia. Esta mezcla es posible, está justificada y más si uno indaga en las historias reales en las que se ha basado el episodio, como la operación Mincemeat. Las crónicas de nuestro pasado han vuelto a servir a los guionistas para que descubramos una de tantas peripecias transcurridas en España.

No solo los nazis se han incorporado de nuevo a la serie. También volvemos a contar con actores de primera categoría en nuestro país. Macarena García, Luisa Gavasa, Cuca Escribano, José Manuel Poga y Antonio Dechent. Algunos aparecen brevemente pero sin duda Macarena García es la que ha tenido más protagonismo pues ha interpretado Lola Mendieta de joven, un personaje muy conocido por los ministéricos. Le han aportado más trasfondo y vida a su pasado basándola en Marina Vega, la espía  que perseguía nazis y fue la única mujer miembro de la Resistencia Francesa. Aunque la futura Lola esté perjudicada por viajar con Darrow los guionistas se las han apañado para rescatar a su personaje. El problema es que se ha cambiado la historia una vez más y eso no solo va contra las reglas del Ministerio, si no que según en qué teoría espacio temporal se crea eso cambiaría toda la línea del tiempo. Pero ya hemos comprobado en otras ocasiones que tanto el tiempo como los guionistas de la serie son igual de caprichosos.

Otra cosa real que se ha empleado, derivada de la Mincemeat, es la niña llamada Isabel, que recibe el mensaje de que a la tumba a nombre de William Martin no le falten flores. Lo que no sabemos es el por qué esa obsesión con Pacino, si no va a tener repercusiones futuras no tiene mucho sentido, habrá que esperar.

En resumen ha sido un episodio con algún que otro momento intenso y con grandes cambios para algunos miembros del Ministerio, pero de momento no para la historia central que se nos planteó en el anterior episodio.

Aún nos queda otra gran duda. ¿Qué pasa con Velázquez, dónde está Velázquez?

Impresiones del 3×01 de ‘El Ministerio del Tiempo’

El suspense como primer argumento.

Ha vuelto ‘El Ministerio del Tiempo’ y lo hace homenajeando en uno de sus viajes al maestro Alfred Hitchcock. Películas como ‘Vértigo’, ‘Psicosis’, ‘La ventana indiscreta’… han sido versionadas a favor del transcurso de este arranque de temporada. La tercera etapa de la serie española más exitosa de los últimos años ha comenzado mostrando su solución a la salida de Rodolfo Sancho de la serie. Con esto queda en el aire la trama de las fotografías de Amelia y Julián, que veremos si recibirá respuesta o si queda pendiente como tantas cuestiones no resueltas en series como ‘Lost’.

Marc Vigil (‘Águila Roja’) ya había dirigido otros episodios de la serie y repite mezclando, como siempre, ficción y realidad. Ha hecho regresar al director estadounidense haciéndole protagonista de este episodio (interpretado y recortando en silueta de la mano de José Ángel Egido) y paseándole de nuevo por San Sebastián y su cementerio, como ocurrió en nuestro pasado.

Este no ha sido un inicio magistral pero ha estado a la altura de lo que le gustaba hacer a Hitchcock: generar historias con crimen y misterio. Hemos echado de menos al reparto completo de la serie pero ya irán llegando. Al menos el equipo principal (Aura Garrido, Nacho Fresneda y Hugo Silva) ya está reunido desde el primer momento. Aún no sabemos la identidad de aquellos que retarán al Ministerio del Tiempo pero algunas pistas nos han dado. Veremos qué sucede y cuáles serán los debates que se generen, pues el año pasado dio bastante que hablar, en cuanto a guión y en cuanto a trama.

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