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Crítica: ‘Quien a hierro mata’

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En un pueblo de la costa gallega vive Mario, un hombre ejemplar. En la residencia de ancianos en la que trabaja como enfermero todos le aprecian. Cuando el narco más conocido de la zona, Antonio Padín, recién salido de la cárcel, ingresa en la residencia, Mario trata de que Antonio se sienta como en casa. Ahora, los dos hijos de Padín, Kike y Toño, están al mando del negocio familiar. El fallo en una operación llevará a Kike a la cárcel y les generará una gran deuda con un proveedor colombiano. Toño recurrirá al enfermero para que intente convencer a su padre de que asuma la deuda. Pero Mario, tiene sus propios planes.

Crítica

Te desgasta con sumo gusto

Paco Plaza vuelve a dejarnos boquiabiertos. El listón tras ‘Verónica’ estaba muy alto. La excelente cinta de terror que estrenó en 2017 fue todo un bombazo y tal vez por eso el director ha querido distanciarse un poco del género o salirse hacía un argumento más terrenal y verídico que le evitase las comparaciones. Y con ‘Quien a hierro mata’ logra igualmente mantenernos ensimismados, tanto con su reparto como con su historia. Aunque nos lo haga pasar mal, aunque nos vaya desgastando, degustamos cada una de sus escenas.

‘Quien a hierro mata’ está llena de jugadas maestras, de giros que nos preocupan a la par que enganchan. Plaza y Jorge Gerricaechevarría han tenido la genialidad de tejer uno de esos guiones en los que todos, sobre todo el protagonista, se ven en difíciles tesituras. Esta no es una película de fácil solución pero que está resuelta cual cuadratura del círculo, encajando con la precisión de un delineante. Su final es inesperado, intenso, nos tiene en vilo y encaja las piezas de un modo que no deja flecos. Perfecto para que además discutamos sobre la causa efecto de todo lo que hemos visto.

Las comparaciones puede que surjan pero este no es un ‘Breaking Bad’. Este es un filme donde en su límite no se ven santos, de gente que literalmente se jode entre si misma a conciencia. La película trata sobre aquello que es capaz de hacer alguien que es bien visto por todos pero también de lo canalla y traicionero que podemos ser los humanos los unos con los otros.

En esta nueva desventura hay miradas cómplices, culpables, rabiosas, piadosas… Fruto de interpretaciones brillantes, extraídas por un director que sabe buscar el talento y de unos actores que lo han dado todo. Con muy pocos y buenos intérpretes Paco Plaza ha construido esta nueva y tensa trama. Luis Tosar está inconmensurable. Maneja perfectamente los difíciles matices de un personaje humilde que nos tiene que mostrar cercanía y trauma contenido. Ya no es solo el poder decir que disfrutamos con un Luis Tosar sonriente, es que nos brinda múltiples maneras de interpretar una risotada.

Esta película no viene a unirse a una corriente sobre ficciones inspiradas en la entrada de la droga a través de la costa gallega. Ese solo es el marco para contarnos el desafortunado caso de un protagonista que es buena persona y tiene la oportunidad de vengarse. Todo visto además desde el punto de vista de un director que siempre nos ofrece unos planos que son capaces de hablar, de ejercer un vocabulario visual propio.

Paco Plaza, prepárate, la gente te va a pedir serie secuela de esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de agosto. Título original: Quien a hierro mata. Duración: 108 min. País: España. Dirección: Paco Plaza. Guion: Juan Galiñanes, Jorge Gerricaechevarría. Música: Maika Makovski. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Luis Tosar, Xan Cejudo, Ismael Martínez, Enric Auquer, María Vázquez. Producción: VacaFilms, Atresmedia Cine, Quien a hierro mata AIE, Playtime, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller. Web oficial: https://www.vacafilms.com/quien-a-hierro-mata/

Impresiones de ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’

Fantástica unión de pasado y presente

El 30 de agosto aparecerá en vuestras parrillas de Netflix ‘Cristal Oscuro: la era de la resistencia’. Una nueva serie que llega para unir dos tiempos diferentes en varios sentidos y lo hace con 10 episodios de cerca de una hora de duración cada uno. El director de estos capítulos es Louis Leterrier y ha tenido que trabajar en torno al guión desarrollado por Jeffrey Addiss y Will Matthews.

La serie nace para servir de contexto o precuela a la película de culto ‘Cristal Oscuro’. Un título clásico de la fantasía de los ochenta creado por el mítico Jim Henson, conocido por todos por ser el creador de los Muppets o Los Teleñecos como les decimos en España, junto a Frank Oz a quien seguro que también conocéis por haber dado vida a famosísimos personajes como Yoda de Star Wars. Estos dos titiriteros realizaron el primer largometraje de la historia realizado con marionetas, un filme cargado de misticismo y aventura que tenía una estética totalmente heredada de su época.

‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ hace precisamente eso, heredar. En primer lugar hereda una leyenda y unas bases a las que les comienza a dar un nuevo entorno inmediatamente. La película de 1982 nos narraba la contienda entre los místicos y los skesis pero no nos contaba que había pasado con los gelflings, de los cuales solo quedan dos únicos individuos. La serie de Netflix desarrolla todo un mundo de Thra, mentando a este mágico lugar como no se hacía en la película. Nos cuenta como es la vida en ese mundo que está sometido al yugo de los skesis, un mundo en el que viven 7 clanes de gelflings, cada uno con su peculiaridad diferente.

Os espera un viaje digno de cuento, pero poco infantil, como ya sucedía en la película. Hay eventos que no son para niños. Ya lo dijo en su día Henson. El tono se aproxima más a los escritos de los hermanos Grimm y hay giros que nos demuestran que aunque se haya catalogado este producto para siete años o más hay más de uno que se llevará su sorpresa o disgusto. Así por lo menos lo hemos podido constatar en los cinco primeros episodios que es lo que Netflix nos ha permitido visualizar antes del estreno de la serie.

¿Por qué seguir viendo una serie hecha con muñecos en pleno siglo XXI? Porque aúna esa técnica del titiritero de una forma muy elegante con nuevas técnicas de recreación digital. Sí que es verdad que hay ocasiones que los personajes se recrean por ordenador y se nota mucho contraste pero el encanto de ver a los gelflings con esos movimientos torpes no deja de devolvernos a esas funciones de teatros de marionetas que contemplábamos sentados desde el suelo cuando éramos pequeños. Pero todo está elevado a un nivel superior. No todo son escenarios móviles como antaño, podemos afirmar que acompaña muy bien en segundo plano el despliegue de paisajes que se ha realizado en estudio o bien con cromas o bien con decorados. El mundo de Thra que se ha creado es precioso, los paisajes y escenarios por los que se mueve la historia os van a dejar boquiabiertos. Si Jim Henson era un amante declarado de la naturaleza con esta serie podría sacar pecho muy orgullosamente, ¡vaya abanico de flora y fauna tiene!

El desarrollo de personajes es otra de las características a destacar de esta producción. Tanto en su concepción estética como en el tratamiento de su personalidad nos permite distinguir perfectamente a la gran amalgama de individuos. No es que ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ sea una serie de intrincados diálogos o tenga una sesuda progresión de identidades, pero si es muy importante poder destacar determinados rasgos de cada sujeto y eso lo consigue. En especial sobresale el trabajo hecho con los skesis ya que se parecen tanto entre sí. También hay que recalcar la presencia de la gruñona Aughra, que conserva su esencia de vieja sabia y cascarrabias. ¿Recordáis esos pobres esclavos que servían a los skesis, esos seres que parecían unos gusiluz campesinos? Pues hasta para ellos hay más trama en la serie. Yo por lo menos ya soy fan de Hup. Pero por supuesto es con los gelflings con quienes más os vais a topar, ellos son los que más amalgama aportan.

Gran parte del mérito de poder distinguir a unos personajes de otros proviene de las voces. Si la vemos en versión original se ha hecho un trabajo casi de camuflaje en algunos casos ya que los dobladores están irreconocibles. Nos pasa eso en el caso de Mark Hamill, Simon Pegg o Jason Isaacs. Y vais a reconocer durante toda la serie otras voces famosas como las de Taron Egerton, Anya Taylor-Joy, Nathalie Emmanuel, Toby Jones, Helena Bonham Carter, Natalie Dormer, Mark Strong, Alicia Vikander, Awkwafina, Andy Samberg, Gugu Mbatha-Raw, Lena Headey, Ralph Ineson, Keegan-Michael Key, Ólafur Darri Ólafsson…

Tanto por la manera de aunar técnicas como por la trama de la serie he querido decir que se une pasado y presente. Porque ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ es una precuela en la que nos cuentan la historia de Thra, lo que sucedió mucho tiempo antes de que desapareciesen los gelflings y la manera en cómo se corrompió el famoso Cristal de la Verdad. Por lo que hasta llegar al punto de la película hay muchas cosas que averiguar y en los primeros episodios ya vais a enlazar con detalles del filme, lo cual es una golosina para el fan.

Choca mucho pensar que el director de todo esto sea Louis Leterrier quien es más conocido por su versión de ‘El increíble Hulk’ o fue lanzado a la fama por ‘Transporter 1 y 2’ o al revés, denostado por ‘Furia de Titanes’ o ‘Agente contrainteligente’. Se podría decir que su intervención en ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ ha sido la más fina y afectuosa hasta la fecha. Me falta por ver como lo concluyen todo, si nos dejarán con un círculo cerrado y enlazado con la película, entroncando con los padres de Jen, el gelfling protagonista de la película o si habrá segunda temporada. Pero aunque se quedase en la distancia esta sería una ficción que ya ha establecido sus vínculos y que ha cumplido el cometido de ampliar el universo de Henson, Oz y David Odell.

Crítica: ‘Stuber Express’

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STU (Kumail Nanjiani) es un tranquilo y educado conductor de UBER. Un buen día recoge a un pasajero (Dave Bautista), un policía duro en busca de un brutal asesino. Desde ese momento se verá envuelto en una desagradable y violenta experiencia y tendrá que intentar por todos los medios no perder la sensatez, la vida y sobre todo su “puntuación 5 estrellas”.

Crítica

Stuber coge pocos baches y su GPS no pierde el rumbo siendo un conductor más violento de lo que esperaba

De vez en cuando Hollywood nos brinda alguna que otra buddy movie que merece la pena. ‘Stuber Express’ combina la rudeza de un Dave Bautista desprovisto del maquillaje de ‘Guardianes de la Galaxia’ con el afeminado estilo de Kumail Nanjiani. En ella un enamorado conductor de Uber (Nanjiani) es secuestrado por un policía (Bautista) que necesita un conductor. Vic es un agente que pese a sus portentosas capacidades físicas está incapacitado por una reciente operación ocular y está tras una pista que esperaba hace más de dos años. Desesperado hace uso de Uber para alcanzar su objetivo.

Tal vez desde ‘Dos buenos tipos’, la película de Shane Black protagonizada por Russell Crowe y Ryan Goslin, no veía una combinación tan peculiar como la de ‘Stuber Express’ y precisamente con Ryan Goslin se hacen bromas en este nuevo estreno de Fox. Estreno que ya está bajo el sello de Disney y que va sabiendo a despedida porque dudamos mucho que el nuevo propietario permita que se sigan haciendo películas como esta. Largometrajes con sangre, abiertamente groseros, con acción desenfadada, marcada y sinceramente triviales…

Aun con todo el despliegue de momentos grotescos ‘Stuber Express’ tiene tiempo de darle la vuelta a la tortilla, de cambiar las tornas. Ya parte del hecho de que la parte musculosa de la pareja está impedida visualmente y eso la hace dependiente de la otra. Pero coge en más de una ocasión tópicos del cine de acción o de comedias clásicas norteamericanas y les permuta intercambiando los roles entre hombres y mujeres o entre el tipo duro o el blandengue, causando así situaciones realmente cómicas y justas a la vez.

Lo que nos plantea la película de Michael Dowse y Tripper Clancy al fin y al cabo ya lo hemos visto en taquillazos como ‘La jungla de cristal 3’. Es decir, un civil se ve obligado a colaborar con el tipo más duro de la comisaría para resolver el caso de su vida, sirviendo así como alivio cómico de la película. O también se puede entender como una cara B y absurda del ‘Collateral’ de Tom Cruise y Jamie Foxx donde alguien acostumbrado a la muerte secuestra a un conductor totalmente ajeno a la violencia. Solo que en el caso de ‘Stuber Express’ todo el filme en si es una comedia que a la vez tiene algunos guiños o referencias al cine de acción.

Es curioso bucear en la filmografía de los protagonistas y ver que la pareja que aparece en la primera secuencia (Dave Bautista y Karen Gillan) han compartido universo cinematográfico, es decir, de Marvel, ambos con pintura corporal como Drax y Nebula respectivamente. O que si decía que se hacen chistes con Ryan Goslin es porque precisamente Bautista también aparecía en ‘Blade Runner 2049’. Y Kumail Nanjiani ya se las había tenido que ver con otro luchador de la WWE como The Rock en ‘Un espía y medio’, aunque fuese en un papel bastante anecdótico. Quién está más acostumbrado a enfrentarse a verdaderos luchadores y nos da siempre buenas coreografías es Iko Uwais, a quién vais a ver aquí esta vez ejerciendo el rol de villano.

Si Disney estaba preocupado por cómo encajar el estreno de la próxima de Taika Waititi entonces no se qué pasa con esta película que revienta cabezas y es sexualmente muy abierta. Para los que disfrutan de la violencia y las situaciones disparatadas se puede decir que ‘Stuber Express’ es una película más cómica de lo que cabría esperar. Tiene la publicidad de Uber que nos evidencia el título, quizá sus tráilers la venden más ágil de lo que es pero hace reír más de lo que pintaban las expectativas.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2019. Título original: Stuber. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Dowse. Guion: Tripper Clancy. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: Bobby Shore. Reparto principal: Dave Bautista, Kumail Nanjiani, Iko Uwais, Natalie Morales, Betty Gilpin, Jimmy Tatro, Mira Sorvino, Karen Gillan. Producción: 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: comedia, acción. Web oficial: https://www.foxmovies.com/movies/stuber

Crítica: ‘Angry Birds 2, La película’

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¡Los malhumorados pájaros que no vuelan y los maquinadores cerdos verdes llevan su rivalidad a un nuevo nivel en ‘Angry Birds 2, La Película’! Cuando una nueva amenaza pone en peligro tanto Isla Pájaro como Isla Cerdito, Red, Chuck, Bomb y Águila Poderosa reclutan a la hermana de Chuck, Silver, y se alían con los cerdos Leonard, su asistente Courtney y el técnico Garry para forjar una inestable tregua y formar un improbable super equipo que salvará sus hogares.

Crítica

Aunque haya aves aquí no se vislumbra una gallina de los huevos de oro

La pandilla de pájaros destructores de Rovio Entertainment ha vuelto al cine con una segunda película que también ha realizado Sony Animation en la que es la película número 19 para el estudio. El productor John Cohen vuelve a lanzar un filme basado en el videojuego de dispositivos móviles que tantas entregas y versiones tiene disponibles. Cohen es muy prolífico en cuanto a cine de animación se refiere, a él le debemos la saga de ‘Gru: mi villano favorito’ y en él están puestas las esperanzas de ver una adaptación decente de ‘Garfield’ en 2020. Para ‘Angry Birds 2, La película’ tenemos, al igual que en ‘Gru: Mi villano favorito’ muchos esbirros y cachibaches, pero los tiros van por otro lado y eso es debido a su director y guionista, los cuales difieren de la divertida primera parte que se estrenó en 2016 (crítica aquí).

‘Angry Birds 2, La película’ está dirigida por Thorop Van Orman quien ha sido casi siempre actor de doblaje en su carrera o guionista en series como ‘Hora de aventuras’ o ‘Las supernenas’.  Por otro lado ha sido escrita por Peter Ackerman guionista del primer y tercer largometraje de esa serie de títulos que gusta a todas las familias, ‘Ice Age’. Y lo cierto es que lo que más se ha notado en esta nueva aventura de los pájaros del tirachinas es la influencia de Ackerman. El también productor de ‘The Americans’ parece obsesionado en el hielo y aquí vuelve con una guerra fría enfrentando a aves y porcinos contra una villana atrincherada en una isla congelada armada con utensilios de tecnología superior a la de los protagonistas.

La locura y la hilaridad que Van Orman ha podido aportar en trabajos anteriores no es que no se vea en la película, es que rebaja el nivel cómico con respecto a la primera entrega. El esquema del filme se asemeja mucho al de ‘Ice Age’. Los protagonistas tienen una misión crucial en la que uno de ellos intenta destacar como el héroe de «la manada» y durante esa trama vamos teniendo pequeñas cápsulas separadas, mini aventuras con otros personajes que nos recuerdan a las que nos introducían con el simpático Scrat, la ardilla busca bellotas. Esa fórmula no funciona, ya sea por repetitiva, por lo empalagoso de sus personajes o por la falta de gancho de estos.

El propio rey cerdo o Leonardo, por ejemplo, pierde mucha vis cómica con respecto a la anterior película perdiendo su toque de villano. Eso es a causa del guión que le coloca en una posición de aliado, conservando su personalidad patosa o ridícula pero dotándole de momentos menos graciosos. Esto no solo pasa con él, todos los personajes tienen chistes más flojos. Hay muy pocos instantes realmente divertidos que pueda recordar de la película. Existen algunas secuencias con música contemporánea o con chistes que se han hecho virales para hacernos mover el esqueleto o para intentarnos sacar una leve sonrisilla que seguramente les gusten a los más pequeños, pero el ingenio del filme no da para mucho más que eso.

En España tiene prácticamente el mismo doblaje que en su primera parte. Santiago Segura siendo el gruñón e inseguro Red, José Mota como el adrenalítico Chuck, Álex de la Iglesia aunque líder de los cerdos mantiene un tono simpaticón… El reparto de voces, aunque está a merced del guión, conserva muy bien el espíritu original de sus personajes. Me sorprendía la incorporación de Macarena Gómez para dar vida a la villana. No me pareció mal su labor en ‘Emoji la película’, obviando el resultado de ese filme, pero finalmente he podido corroborar que este papel de antagonista le ha venido mucho más a la medida.

El aprovechamiento que se hacía de la mecánica del juego en el primer largometraje se ha desdibujado. El filme no ha evolucionado por la vía correcta y se ha perdido encanto, pese a que las criaturas y los escenarios siguen estando muy bien recreados. En las apps que nos ofrecen en nuestros tablets y smartphones los Angry Brids se cruzan con otros universos (‘Star Wars’, ‘Transformers’), no simplemente con un mundo helado. Eso responde obviamente a fines comerciales, de merchandising y demás. Pero cuando hay que desarrollar una historia, como es el caso de ‘Angry Birds 2, La película’ quizá esa habría sido una alternativa más solvente, que les habría dado más soluciones, que no habría dejado tanto a la vista que están faltos de ideas. Porque aunque haya aves aquí no se vislumbra una gallina de los huevos de oro.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2019. Título original: The Angry Birds Movie 2. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Thorop Van Orman. Guion: Peter Ackerman. Música: Heitor Pereira. Fotografía: Simon Dunsdon. Reparto principal (doblaje original): Jason Sudeikis, Josh Gad, Leslie Jones, Bill Hader, Rachel Bloom, Awkwafina, Sterling K. Brown, Eugenio Derbez, Danny McBride, Peter Dinklage, Pete Davidson, Zach Woods, Dove Cameron, Lil Rel Howery, Nicki Minaj, Beck Bennett, Brooklynn Prince. Producción: Columbia Pictures, Rovio Animation, Rovio Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: animación, comedia, aventuras. Web oficial: https://sites.sonypictures.com/angrybirds/site/en/

Crítica: ‘A 47 metros 2’

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A la adolescente Mia no le apetece mudarse a México con su padre, Grant, y su nueva familia. Con Grant trabajando como investigador en una antigua ciudad maya que está sumergida bajo el agua, Mia se ve obligada a pasar tiempo con su hermanastra Sasha. Aburrida y sin supervisión, Mia, Sasha y sus dos amigas se adentran en la cueva submarina en la que Grant está trabajando.

Oculto durante siglos, el lugar de entierro maya sumergido es hermoso y desconcertante, pero pronto se vuelve mortal cuando las chicas descubren que no están solas. Están rodeadas por enormes tiburones blancos amenazadores. Atrapadas en una cueva que pronto podría ser su tumba, las chicas deben estar en silencio si desean salir con vida.

Crítica

Independiente de la primera, mejorando ligeramente

El «sharkexplotation» parece no tener fin. Ah espera, eso ya lo dije en la crítica de la primera parte de ‘A 47 metros’. Pero sirve igualmente para esta secuela pues de igual manera continúan surgiendo títulos que explotan y exploran de manera terrorífica o cómica la figura de los tiburones. Esto no para: ‘El ataque del tiburón de seis cabezas’, ‘Sharknado 6’… hasta nos espera un ‘Megalodón 2’ y ‘Big shark’ con Tommy Wiseau. Y de igual modo podemos decir que el director que hoy nos ocupa, Johannes Roberts, sigue la misma línea, es decir, que no ha hecho mucho balance pues en rasgos generales sigue pecando y brillando en los mismos aspectos, habiendo logrado un nivel ligeramente superior. Su título continúa siendo igualmente pronosticable pero su vistosidad es de una calidad muy buena, ‘A 47 metros 2’ pertenece a ese grupo de películas de terror que no desbordan con nada innovador pero que tampoco se derrumban por ser cochambrosas.

Johannes Roberts saca una segunda parte en la que ninguno de los protagonistas está relacionado con la primera entrega. Borrón y cuenta nueva, podéis ver esta sin haber conocido siquiera la anterior. Todo transcurre también en un nuevo escenario y ahí radica uno de los puntos fuertes de la película. Ya no nos encontramos zambullidos y encerrados en una jaula, si no que estamos perdidos en unas cuevas. Unas grutas que además formaban parte de un emplazamiento maya. Eso le da al filme un encanto diferente con respecto al anterior y nos sumerge literalmente en esa atmósfera de terror que siempre imbuyen las antiguas y oscuras ruinas.

‘A 47 metros 2’ tiene momentos tensos, con unos tiburones muy bien recreados, sabiendo de nuevo aprovechar la oscuridad y en esta ocasión los espacios cerrados. La claustrofobia demuestra ser de nuevo buen amigo de Roberts que nos hace brincar de la butaca más de una vez a pesar de estar bien agarrados a ella de la tensión. Pero el guión que ha realizado junto a Ernest Riera, con quien ya había elaborado la original, tiene soluciones poco creíbles o por el contrario que se ven venir a la distancia pese a encontrarnos rodeados de una oscuridad abisal. Por ejemplo, aunque todo lo que va sucediendo es plausible no es normal que los tiburones sean omnipresentes. Y por favor, que alguien le diga a los guionistas que respirar CO2 no es bueno.

Las protagonistas de esta película son cuatro adolescentes en busca de emociones fuertes. Desde luego las encuentran y nos lo demuestran reventándonos los tímpanos a base de griteríos. No encuentro nada a destacar en sus interpretaciones a parte de que tiene su valía el gran número de escenas de buceo que han rodado. El hecho de que podamos ponernos nerviosos en la película es más mérito de los cámaras y del director que de las interpretaciones del reparto. Casi es más memorable el trabajo de VFX que buceando he visto que es obra de Outpost, los autores de lo que hemos visto en ‘Jurassic World’ o ‘Life’.

Es curioso pues esta película da para hacer alguna que otra guasa, ya nos pasaba en ‘A 47 metros’ con un tal Santiago Segura. Uno de los actores se llama Khylin Rhambo y casualmente esta es la primera película de Sistine Stallone la cual es una de las hijas de Sylvester Stallone. Pero no es la única que se estrena pues también es el debut de Corinne Foxx, la hija de Jamie Foxx. Y aún hay más, este filme está producido por Terence Hill, pero no es el famoso actor que formaba pareja con Bud Spencer si no el productor de ‘Operación huracán’, título que también nos trajo a las carteleras Tripictures y que por desgracia no resultó tan entretenido como este.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de agosto de 2019. Título original: 47 Meters Down: Uncaged. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Ernest Riera, Johannes Roberts. Música: Tomandandy. Fotografía: Mark Silk. Reparto principal: John Corbett, Nia Long, Sophie Nélisse, Corinne Foxx, Sistine Stallone, Brianne Tju, Davi Santos, Khylin Rhambo. Producción: Thefyzz. Distribución: Tripictures. Género: terror, acción. Web oficial: https://www.thefyzz.com/project/47-meters-down-uncaged

Crítica: ‘Érase una vez en… Hollywood’

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‘Érase una vez en… Hollywood’ de Quentin Tarantino, nos lleva a Los Angeles de 1969, donde todo está cambiando, y donde la estrella de la televisión Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), y Cliff Booth (Brad Pitt), su doble de muchos años, se abren camino en una industria que ya prácticamente no reconocen. La novena película del célebre escritor y director cuenta con amplio reparto y múltiples tramas argumentales que rinden un tributo a los momentos finales de la época dorada de Hollywood.

Crítica

Como si hubiese jugado a un GTA en Los Angeles de 1969

Érase una vez… así empiezan muchos cuentos de hadas y en eso creen muchos que consiste forjarse una carrera en el reino estadounidense del cine llamado Hollywood. ‘Érase una vez en… Hollywood’, la novena película de Tarantino, no es un título que haya llegado para demonizar la industria ni sirve como un manual del buen o mal camino, es un recorrido que ilustra un momento de cambio a través de dos personajes, espectadores y a la vez protagonistas de la que convierten en su propia historia.

Leonardo DiCaprio interpreta a un famoso actor que está falto de confianza y encuentra su popularidad de capa caída, que se haya desesperado en esa época de grandes novedades. Junto a él está Brad Pitt que encarna a su doble de acción que a la vez es su amigo y hombre todo terreno. La acción se ubica en 1969 a si es que por ahí nos encontramos con personajes tan ilustres como Sharon Tate muy cándidamente interpretada por Margot Robbie. La película no tiene un objetivo manifiesto ni está habilitada con tantos cruces de tramas como ‘Pulp Fiction’, si no que sigue día a día a DiCaprio y Pitt, que la sostienen de lujo, pero cuando estos no están ‘Érase una vez en… Hollywood’ nos continúa maravillando igualmente con sus particularidades.

Nada más empezar, he de admitir que con esas escenas como salidas de las mini novelas de Silver Kane acompañadas de el grito de Wilhelm ya me ganaron. Pero por si no sois de Western solo con el elenco de nombres que ha reunido la película seguro que os conquistan: Brad Pitt, Leonardo DiCaprio, Margot Robbie, Al Pacino, Dakota Fanning, Kurt Russell, Emile Hirsch, Zoë Bell (que también ha vuelto a sus labores de coordinadora de especialistas)… Incluso podemos picarnos con la curiosidad de que esta fue la última película para el fallecido Luke Perry. Y siendo una película de Tarantino no tengo que deciros la cantidad de amigos y nombres famosos con los que os vais a cruzar, ¿no? Pero es que hay que tener en cuenta por otro lado a quiénes nos remonta con gran morriña: Bruce Lee, Polański, Sharon Tate, Steve McQueen, John Wayne, Edd Byrnes… Humaniza a esas grandes estrellas de un Hollywood lleno de gloria pero también de crónicas negras y conspiranoicas, que guardan un halo histórico y romántico. El filme evoca una época brillante del cine norteamericano en pleno ocaso, por todas partes invadida por una nueva ola cultural y la verdad es que el dúo que forman Pitt y DiCaprio está a la altura de las estrellas de aquellos tiempos, las sensaciones que nos aportan son las mismas que surgían por entonces, de las que hacía mucho que no se veían. ¡¿Por qué nadie había relacionado nunca antes la fórmula Pitt/DiCaprio?!

Lo de Brad Pitt transformado en un tipo de principios, aguerrido, trabajado, cuadrado, diligente y fiel es para quitarse el sombrero. Y la disciplina de DiCaprio a la hora de controlar los tartamudeos, la inseguridad y carisma así como otros dejes de su personaje también demuestran por qué un actor como él puede tomarse un descanso de cuatro años tras ganar el Oscar que tanto tiempo llevaba esperando.

Tarantino ha hecho lo que, como y cuanto ha querido. Es como si hubiese jugado a un GTA en Los Angeles de 1969. Tal es así que no hay una banda sonora como tal, la mayoría de temas musicales del filme proceden de la radio de los coches. Ha puesto sobre cuatro ruedas a dos genuinos personajes y les ha soltado por una ciudad magníficamente recreada, repleta de características, detalles e individuos con los que interactuar. Ha introducido detalles personales y que harán que si sois amantes del cine también se convierta una película que os lleve a un plano íntimo. Sí que es cierto que en mi lado más morboso había esperado algo más de introspección con el tema de los Manson, Polański y Tate, pero la gran lección de historia de cine, del cine que le gusta a Tarantino, a través del actor y su doble es una auténtica genialidad.

Ha merecido la espera por esta nueva película de Tarantino, aunque cada una que hace nos acerca más a su último título. Como siempre nos deja secuencias y frases para el recuerdo. Esta vez lo hace de nuevo acompañado del director de fotografía Robert Richardson con quien ya había trabajado en ‘Kill Bill’ o ‘Malditos Bastardos’, el cual también había inmortalizado a Leonardo DiCaprio en ‘El aviador’. Sus instantes, sus planos, sus secuencias son historia cogiéndole el pulso a la historia. Este combo de talentos os va a dar momentos que a mí por lo menos se me han grabado en la retina pero que quiero tatuar en mi memoria con un segundo visionado.

Esta puede tomarse como una narración vista desde un prisma «tarantinano», como un paseo repleto de referencias cinematográficas o puede ser una lección sobre la forja de las estrellas en Hollywood. Pero si algo me ha quedado claro con ‘Érase una vez en… Hollywood’ es que Tarantino ha hecho su mayor homenaje a la meca del cine, a la cultura que nos ha criado y en concreto ha escrito su gran carta de amor al western (sobre todo al de Leone), más grande aún que cuando hizo ‘Django’ o ‘Los odiosos ocho’.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de agosto de 2019. Título original: Once Upon a Time in Hollywood. Duración: 161 min. País: EE.UU. Dirección: Quentin Tarantino. Guion: Quentin Tarantino. Fotografía: Robert Richardson. Reparto principal: Brad Pitt, Leonardo DiCaprio, Margot Robbie, Maya Hawke, Sydney Sweeney, Dakota Fanning, Timothy Olyphant, Margaret Qualley, Al Pacino, Kurt Russell, Luke Perry, Damon Herriman, Emile Hirsch, Harley Quinn Smith, Zoë Bell, Bruce Dern, Scoot McNairy, Mike Moh. Producción: Bona Film Group, Heyday Films, Sony Pictures, Visiona Romantica. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.onceuponatimeinhollywood.movie/

Crítica: ‘Midsommar’

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Una pareja americana que no está pasando por su mejor momento acude con unos amigos al Midsommar, un festival de verano que se celebra cada 90 años en una remota aldea de Suecia. Lo que comienza como unas vacaciones de ensueño en un lugar en el que el sol no se pone nunca, poco a poco se convierte en una oscura pesadilla cuando los misteriosos aldeanos los invitan a participar en sus perturbadoras actividades festivas.

Crítica

‘Midsommar’ es una cena de los idiotas campestre y ritualista

‘Midsommar’ llega avalada por la fama que precede a Ari Aster tras su éxito, merecidísimo éxito, con ‘Hereditary’. Pero antes que nada hay que advertir que la promoción de esta película es algo engañosa. ‘Midsommar’ no es una película de terror como el anterior largometraje de su director. ‘Hereditary’ era un drama familiar inquietante, misterioso, oscuro, tenso… ‘Midsommar’ es algo diferente, que no da miedo pero que tampoco hay duda que es la mar de desconcertante.

Esta es realmente la primera película que Ari Aster quería hacer. Y es una cinta luminosa, colorida, musical incluso. Cargada de cultura vikinga, con mitos nórdicos y runas por todas partes. Con eso arranca la obra, con una ilustración al estilo antiguo. Es importante seguir los rastros que nos va dejando el filme, esos pequeños grabados que vamos viendo, porque nos hablan del pasado, presente y futuro de los protagonistas, sobre todo de la que interpreta muy bien Florence Pugh.

Ari Aster da muchas pistas en ‘Midsommar’. Todo es mucho más obvio que en su anterior trabajo y no hay sorpresa al final. Todo esto pasa porque se quiere dar paso a un mensaje y porque el filme ofrece un viaje transformador o transcendental. Y todo ello sin salir de un mismo área y sin que tengamos apenas escenas de noche. La película me ha recordado en muchísimas ocasiones a títulos como ‘The Wicker Man’, ‘La cena de los idiotas’ o ‘El bosque’. Sí, nos deja una nota de originalidad con su deformado y curioso experimento pero a la vez nos rodea de multitud de detalles vistos en otras películas, excesivos.

Recuerdo que el sol salía nada más comenzar el primer tráiler que se lanzó y todos nos volvimos locos de expectativa. Pero creo que en todo el filme no ha habido un solo plano en el que se vea al astro rey. Es por cosas así que la película nos raya. Con pormenores así y con sus planos, las situaciones, algunos personajes, los emplazamientos… ¿¡Austin Powers!? esta es una película que en ocasiones nos descoloca. Incluso mantiene esas imágenes explícitas y duras que dentro de una sala comercial pueden hacer que más de uno se salga. A su vez hay escenas que rozan el ridículo que hay que darles excesivas vueltas para encontrarles un sentido dentro de su psicotrópica y ritualista mecánica.

Buscaba en esta película no pasar las mismas sensaciones de ‘Hereditary’ si no encontrar la marca de Ari Aster. En su opera prima nos mostró unos planos, unos tiempos, un tratamiento de los personajes… muy diferenciados de otros cineastas. Aquí solo roza lo que parecía que iba a ser un auténtico sello de autor, va mucho más directo y abierto, mucho más alejado de algo novedoso. Me ha decepcionado descubrir que no existe un distintivo Ari Aster, al menos no he podido corroborar esa sensación con ‘Midsommar’ en su conjunto. Tal vez en una tercera película reconduzca esa senda.

Quizá con el montaje del director que tienen previsto cuando mostrar salga la versión doméstica disfrute de otro modo ‘Midsommar’, pero puede que por el contrario se me haga excesivamente larga porque son 30 minutos lo que se le recortaron con respecto al metraje final. Mientras tanto, por muchas vueltas que le dé al filme me sigue pareciendo poco intrépido y que explota muy poco el talento de un joven en director en el que pese a todo, aún tengo esperanzas.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de julio de 2019. Título original: Midsommar. Duración: 147 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: The Haxan Cloak. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Florence Pugh, Jack Reynor, Vilhelm Blomgren, William Jackson Harper, Will Poulter, Gunnel Fred, Isabelle Grill, Anki Larsson, Anders Back, Lennart R. Svensson, Hampus Hallberg, Anna Åström, Archie Madekwe, Ellora Torchia. Producción: B-Reel Films, Square Peg. Distribución: DeAplaneta Films. Género: drama, misterio. Web oficial: https://a24films.com/films/midsommar

Crítica: ‘El Rey León’

Sinopsis

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La nueva película ‘El Rey León’ de Disney Live Action, dirigida por Jon Favreau, viaja a la sabana africana donde ha nacido el futuro rey. Simba idolatra a su padre, el rey Mufasa, y se toma muy en serio su propio destino real. Pero en el reino no todos celebran la llegada del nuevo cachorro. Scar, el hermano de Mufasa y antiguo heredero al trono, tiene sus propios planes. La batalla por Pride Rock está asolada por la traición, la tragedia y el drama, y termina con el exilio de Simba. Con la ayuda de un curioso par de nuevos amigos, Simba tendrá que aprender a madurar y a recuperar lo que le pertenece por derecho.

Crítica

Igual de emotiva y emocionante que hace veinticinco años

Once tiernos años tenía yo cuando salí del cine emocionado con mi hermano y mis primos cantando las canciones de ‘El Rey León’. Eufóricos y contagiados de la viveza de sus personajes y del espíritu de la cinta tarareábamos y repetíamos los estribillos de lo que estaba llamado a ser un clásico instantáneo. Un título que como todos sabemos se ha convertido en un exitoso musical y que veinticinco años después se re-estrena, se ha re-rodado con un formato en acción real con mucha animación generada por ordenador.

Las nuevas generaciones podrán sentirse igual que nosotros. Si no les gusta la animación con la que Disney nos contó la historia allá por los noventa ahora tienen una versión de imagen real en la que sí que hay que admitir que se echa en falta una mayor expresividad en los rostros de los personajes. La historia está trasladada paso a paso, no se ha movido ni un ápice de la cinta que se estrenó en el 94. ¿Por qué modificar algo que originalmente tenía un planteamiento y una planificación digna de una obra shakesperiana o de la propia Biblia?

Tampoco se han tergiversado las canciones originales. ‘El Rey León’ conserva los magníficos temas de su banda sonora. El trabajo imprescindible de grandes compositores como Hans Zimmer, Elton John o Tim Rice permanece con la misma fuerza y hará que se os vuelvan a poner los pelos de punta. Solo se ha incorporado una canción con los gorgoritos de Beyoncé que aunque es breve me parece que está de más, habría enriquecido la obra en mayor medida algún tema del musical que podemos ver en los teatros.

Este nuevo largometraje calca los momentos musicales y calca todos y cada uno de los pasos del guión anterior, planos incluidos. Artísticamente es una puesta al día preciosa. Las tomas que extrae son de una riqueza visual grande, con sus travelings, sus time-lapses, sus planos cenitales… Y la recreación de las criaturas tiene detrás un trabajo titánico. Os van a dar ganas de achuchar a Simba y de salir corriendo por las planicies de Tanzania con Timon y Pumba al grito de Hakuna Matata.

De todos los live action que está elaborando Disney el único que está a la altura de este es ‘El libro de la Selva’, con el que comparte equipo artístico, y ahí va a estar el debate. Porque la película que también hizo Jon Favreau supuso una modernización y tuvo sus cambios pero este filme ha consistido tan solo en una subida gráfica de nivel. Se han incorporado solo algunas secuencias como esa en la que vemos el mechón de Simba realizando un largo viaje que aporta algo de información sobre el ciclo de la vida para los más pequeños, pero al margen de pequeños detalles como ese todo permanece prácticamente invariable en cuanto a estructura de guión.

A raíz de ser una película que busca un parecido más real personajes como las hienas, una de las cuales dobló Whoopi Goldberg, ha perdido hilaridad. También se han eliminado otros efectos «más mágicos». Pero eso no quita que sigamos teniendo secuencias tan trepidantes como la famosa estampida o la lucha final entre relámpagos y llamas. Jon Favreau ha respetado mucho el trabajo original de Roger Allers y Rob Minkoff llevándolo a un plano más tangible en una película en la que Timón y Pumba siguen siendo las estrellas para el público infantil pero en el que el primer tramo del filme está dedicado a los más mayores con su drama familiar debido a sus golpes de efecto trágicos. Las lecciones de vida y los momentos a los que todos tuvimos que sobreponernos de pequeños no se han suavizado lo más mínimo.

Vuelve la voz de James Earl Jones (por desgracia no la de Constantino Romero), vuelve la imponente banda sonora y vuelve la vistosidad de la sabana africana… Todo está clavado, calcado, es como si hubiesen renderizado los dibujos animados de 1994. Para qué tocar el guión, solo se ha actualizado la animación porque de lo demás tiene de todo: drama, comedia, aventuras… Este remake lo único que nos demuestra es que ‘El Rey León’ es un imperecedero musical.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de julio de 2019. Título original: The Lion King. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Jon Favreau. Guion: Jeff Nathanson. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Caleb Deschanel. Reparto principal (doblaje original): Keegan-Michael Key, Seth Rogen, Donald Glober, John Kani, James Earl Jones, Chiwetel Ejifor, Billy Eichner, Beyoncé, Alfre Woodard, Eric André, JD McCrary, John Oliver, Shahadi Whrigth Joseph, Florence Kasumba. Producción: Walt Disney Pictures, Fairview Entertainment. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: remake, acción real, infantil, aventuras. Web oficial: https://disney.es/peliculas/el-rey-leon-2019

Crítica: ‘Wild Rose’

Sinopsis

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Rose-Lynn Harlan (Jessie Buckley), tiene 23 años, talento, carisma y un sueño: salir de Glasgow y triunfar como cantante de country. Acaba de salir de la cárcel y tiene dos hijos pequeños a los que mantener. Marion (Julie Walters), su madre, quiere que acepte su realidad y se responsabilice de sí misma de una vez por todas; pero cuando un encuentro casual acerca a Rose-Lynn a sus sueños se enfrenta a una difícil decisión: su familia o el estrellato.

Crítica

Traiciona sus propios argumentos para poder salirse de lo convencional

Tom Harper es un director muy conocido en la televisión inglesa, nominado en los BAFTA y presente en producciones famosas que nos han llegado hasta España como ‘Misfits’, ‘Electric Deams’ o ‘Guerra y Paz’. ‘Wild Rose’ es la nueva propuesta que le ha acercado por tercera vez al formato del largometraje y lo hace través de un guión de Nicole Taylor.

En ‘Wild Rose’ nos cuentan la historia de Rose-Lynn, una madre soltera que sale de la cárcel y que tiene que hacerse cargo de dos hijos que tuvo sin apenas haber cumplido los 18 años. Con los consecuentes reproches tuvo que dejar a cargo de su madre a sus criaturas pero lo que a ella más le preocupa al salir de presidio es cumplir el sueño de ser cantante de country, algo que le apartaría totalmente de su familia.

Rose-Lynn está interpretada por Jessie Buckley y es una cantante de música folk estadounidense anclada en pleno Glasgow. Es poco más que una adolescente con mucho carácter y con una ambición metida entre ceja y ceja. La actriz de 30 años interpreta a una joven de 23 y eso de entrada ya resulta poco creíble pero es en sus forzados gestos rudos, en las disputas familiares y en la poco constante energía de su personaje donde no me termina de convencer. Está muy bien en las escenas musicales y en algunos momentos de locura pasajera, eso si. Su insensata protagonista nos hace reír de complicidad alguna que otra vez pero la rebeldía con la que nos la pintan es una y otra vez poco persuasiva.

Lo que nos quiere contar ‘Wild Rose’ es otra historia más de maduración. Esta no es la forja de una cantante si no la de un adulto. Ya hemos visto otras muchas películas como esta en las que la protagonista aprende a base de palos o golpes de suerte. Rose se niega hasta la existencia de sus propios hijos con tal de llevar a cabo su carrera, es de esos personajes que pueden parecer egoístas e irresponsables al cargarles el peso de ese compromiso a otros. Otros que están en continuo conflicto con ella y que muestran la parte realista del filme. Es por eso que no se explica mucho el giro final que nos da el guión a través de la madre interpretada por Julie Walters. Eso no hace más que alargar el filme, que traicionar los argumentos esgrimidos hasta el momento, aunque si hay que reconocer que hacia un final menos convencional y grandilocuente de lo habitual.

Siendo una película dramática sobre una cantante os podéis imaginar que no os van a faltar esos momentos con la mirada clavada en el infinito, el zoom in, la voz melosa y los ojos llorosos. Sabe mucho a country y tiene sus referencias, como la mítica frase de Harlan Howard «Three chords and the truth». No nos atosiga con excesivas escenas melódicas pero las que aparecen son demasiado artificiosas, muy plásticas. Tal vez si habría estado mejor plasmar un mayor contraste, de un modo más natural, entre la cultura norteamericana y la escocesa para retratar con aún más aspereza al personaje principal, para sentir de más cerca el drama que nos querían transmitir, tanto su director como su guionista. Al fin y al cabo no creo que se escuche habitualmente la música de Nashville tan cerca de las Highlands, eso merece un acercamiento más crudo.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2019. Título original: Wild Rose. Duración: 101 min. País: Reino Unido. Dirección: Tom Harper. Guion: Nicole Taylor. Música: Jack Arnold. Fotografía: George Steel. Reparto principal: Jessie Buckley, Julie Walters, Sophie Okonedo, James Jarkness, Craig Parkinson, Sophie Okonedo. Producción: BFI Film Fund, Creative Scotland, Fable Pictures, Film4.  Distribución: eOne Films. Género: música, drama. Web oficial: https://www.wildrose-movie.com/

Crítica: ‘Annabelle vuelve a casa’

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Los demonólogos Ed y Lorraine Warren están decididos a evitar que Annabelle cause más estragos, así que llevan a la muñeca poseída a la sala de objetos bajo llave que tienen en su casa. La colocan «a salvo» en una vitrina sagrada bendecida por un sacerdote. Pero una terrorífica noche nada santa, Annabelle despierta a los espíritus malignos de la habitación que se fijan un nuevo objetivo: la hija de diez años de los Warren, Judy, y sus amigas.

Crítica

Una conjunción antológica de cachivaches malditos que funciona

Annabelle vuelve a casa y lo hace en verano, no en Navidad como suele rezar la canción. Rezar es lo que si van a necesitar los protagonistas de la película pues la muñeca continua siendo un imán para los malos espíritus y nadie está a salvo bajo su influencia. Pero en esta ocasión la escalofriante muñeca está en territorio de los Warren a si es que la lucha entre el bien y el mal será diferente, más multitudinaria.

Tras dos películas sobre este objeto real las ideas comenzaban a escasear. A si es que le ha venido bien a la saga confluir con la de ‘Expediente Warren (The Conjuring)’ ya que al final de la primera parte la muñeca caía en manos del matrimonio de demonólogos. Y eso es porque la historia se convierte en una conjunción antológica de cachivaches malditos. La casa de Ed y Lorraine Warren (a quien está dedicada esta película pues falleció este año) tiene una especie de museo del mal donde se guardan muchos objetos poseídos o con leyendas negras. ‘Annabelle vuelve a casa’ aguanta el tirón porque incorpora nuevos terrores que no necesitan explicación para infundirnos miedo. Algunas de las secuencias de la novia o el barquero hielan la sangre, igual sucede con el televisor, ya lo entenderéis cuando lo estéis pasando mal delante de la pantalla. Se han incluido casos que han estudiado los Warren de verdad como el del hombre lobo, el mono con los platillos, la televisión, el piano, la caja de música, el vestido de novia… Y como curiosidad podemos decir que la verdadera Annabelle hace una pequeña aparición con su aspecto real en un programa de televisión.

El equipo de ‘Annabelle vuelve a casa’ ha controlado bien los movimientos de cámara, los silencios, la música, la puesta en escena o los efectos ópticos para que entremos en tensión y tengamos nuestros sustos. Esta nueva entrega tiene escenas muy propias de una película tipo ‘Insidious’ unidas a otras que parecen sacadas del ‘El exorcista’ y están mezcladas con armonía, medalla para el montador. Incluso introduce una parte que es claramente un guiño a al momento de las sábanas de la versión japonesa de ‘La maldición (The grudge)’.  No obstante algunos casos se han generado excesivamente a través de ordenador o incluso de un modo más cercano a la acción y eso se sale del resto de la película. El problema también es que algunas de las secuencias no están bien resueltas pues han querido cortarlas con un estruendoso ruido o chillido. Igual pasa con el final de la película que me ha parecido algo precipitado, no muy elaborado.

El director y guionista de ‘Annabelle vuelve a casa’ es Gary Dauberman el cual es guionista de la nueva versión de ‘IT’ o de ‘La monja’ así como de las dos precuelas de esta entrega y fue también escritor de la cancelada serie de ‘La cosa del pantano’. A si es que está muy ligado al universo de terror de Warner. Este es su primer trabajo como director y han confiado en él para escribir toda la película basándose en las historias de James Wan. Con todo el bagaje que tiene como guionista de películas de miedo no creo que la experiencia sea un problema. En cuanto a sacar algo más de sus actores sí que se ha notado que en casos como el de Katie Sarife se podría haber conseguido un resultado un poco más natural.

Aunque las historias de la muñeca se unen a los Warren hay que tener claro que es una película de las que se conocen como «de niñeras». Tenemos de nuevo a Patrick Wilson y Vera Farmiga como los Warren pero quien de verdad protagoniza la película es Mckenna Grace ejerciendo de pequeña Warren al cuidado de una Madison Iseman que poco a poco va ganando papeles protagónicos.

Se nota que la cinta forma parte de una saga que continúa siendo parte del mismo plan, es la séptima del universo ‘The Conjuring’ y conecta con otras a través de distintos eventos o personajes. James Wan y Peter Safran (cuya esposa Natalia interpreta a la novia) han producido las películas de la saga y estas han conservado una patente uniformidad. Aunque el nivel vaya decayendo o la sorpresa inicial se diluya con la calidad de ‘Annabelle: vuelve a casa’ se recuperan las sensaciones perdidas en los últimos títulos.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2019. Título original: Annabelle comes home. Duración: 106 min. País: EE.UU. Dirección: Gary Dauberman. Guion: Gary Dauberman. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Michael Burgess. Reparto principal: McKenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife, Patrick Wilson, Vera Farmiga. Producción: Atomic Monster, New Line Cinema, RatPac-Dune Entertainment, The Safran Company. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terro. Web oficial: https://www.warnerbros.es/annabelle-vuelve-casa

Crítica: ‘An accidental studio’

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Documental sobre HandMade Films, la productora brítánica independiente fundada por George Harrison. «La vida de Brian», la mítica película de Monthy Python de 1975, fue el trampolín para la aventura cinematográfica de Harrison, con lo que el ex Beaatle llegaría a producir otros títulos de culto, como «Los héroes del tiempo», de Terry Gilliam, «Withnail & I», de Bruce Robinson, o «Mona Lisa», de Neil Jordan.

Crítica

‘An accidental studio’ desentraña con mucha riqueza una buena parte de la historia del cine británico

¿Sabéis qué une a los Monty Python y a uno de los Beatles? No, no es solo el haber nacido en las islas británicas. Es el haber trabajado juntos a través de uno de los estudios de cine más arriesgados que ha conocido la industria cinematográfica del Reino Unido. HandMade Films fue la compañía que en su día apostó por ‘La vida de Brian’ cuando su productora original (EMI Films) y otras muchas la rechazaron por considerarla blasfema. Esta empresa fue fundada expresamente para sufragar ese filme y la idea surgió del Beatle George Harrison que era muy fan de los comediantes y no quería que la película quedase sin rodarse. A si es que al final aquel que perteneció al grupo del que siempre se dijo que fue más conocido que el propio Jesús sacó adelante la que es considerada una de las mejores comedias del cine. ¡El músico llegó a hipotecar su casa y su oficina de Londres para hacer esa obra de arte realidad!

De ahí en adelante Harrison, con la ayuda del cofundador Denis O’Brien, comenzó a acoger proyectos que nadie quería sacar adelante. HandMade Films se convirtió en garantía de propuesta diferente y arriesgada. ‘An accidental studio’ es un documental realizado por Kim Leggatt, Bill Jones y Ben Timlett. Ellos ya habían documentado la historia de los Monty Python y hablar de HandMade Films en parte es hablar del grupo de cómicos, pero ahora van más allá pues no solo tratan rodajes como los de ‘La vida de Brian’ o ‘Los héroes del tiempo’. En ‘An accidental studio’ descubriréis que el estudio de Harrison se la jugó por películas como ‘El largo Viernes Santo’, ‘Mona Lisa’, ‘Water’, ‘Withnail’, ‘Loca juerga tropical’ o ‘Monjas a la carrera’.

Hay muchas notas de humor y autocrítica en este documento. ¿Qué esperabais en una película en la que hay entrevistas y extractos de rodajes de los Monty Python? Incluso Harrison se tomaba con guasa que le criticasen por arriesgarse a la bancarrota con películas como las que estrenaba. ‘An accidental studio’ nos ofrece momentos inéditos, palabras recuperadas de archivos que nos aportan una faceta poco conocida de Harrison y del cine británico, que sin embargo si nos es familiar por los filmes que hemos descubierto en VHS o en universidades.

Os va a sorprender encontraros con una película en la que confluyeron Sean Penn y Madona, de la época en la que salían juntos. ‘Shanghai Surprise’ le valió un Razzie a Madona y merece la pena que conozcáis los entresijos de su rodaje. Así como de los de ‘Loca juerga tropical’ que tenía una escena en la que músicos como Harrison, Ringo Star, Eric Clapton, Ray Cooper, Mike Moran o Chris Stainton daban un concierto en plenas Naciones Unidas. Según su director reconocía a los fumadores de marihuana porque le hablaban bien de su película.

HandMade Films ganó muchos premios y también escogió bastantes malas decisiones empresariales. Fue una empresa llevada con el corazón muy diferente a las majors que controlan el panorama actual. De ahí que haya melancolía al recordar su nombre y su época. Su ideal era casi bohemio y si indagáis entre sus títulos seguro que le tenéis que agradecer más de uno, como bien nos animan a hacer al final del documental donde cada entrevistado nos comenta su título favorito del estudio. ¿Cuál es el vuestro?

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2019. Título original: An accidental studio. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Kim Leggatt, Bill Jones, Ben Timlett. Música: John Greswell, Andy Mellon. Fotografía: Brendan McGinty. Reparto principal: George Harrison, Ray Cooper, Michael Palin, Terry Gilliam, Dick Clement, Ralph Brown, Richard e Grant, Neil Jordan, Bruce Robinson, Brenda Vaccaro, Cathy Tyson, Steve Abbot, George Ayoub, Ian La Frenais, Julian Doyle, Terry Ilyott, Barry Keefe, A Martinez, Richard Loncraine, David Leland, Jonathan Lynn, Jonathan Wacks, Ernest Vincze, Stephen Wooley, Bob Hoskins, Michael Caine, Helen Mirren, Eric Idle, John Cleese, Bill Connoly, Terry Jones, John MacKenzie, Denis O’Brien. Producción: Bill and Ben Productions, George Made Films, Propellor. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/999/an-accidental-studio/

Impresiones del primer episodio de ‘El pionero’, la serie sobre Jesús Gil

 ‘El pionero’ mostrará a las generaciones de ahora lo que sería todo un influencer

El próximo 7 de julio HBO España estrenará ‘El pionero’ la serie de no-ficción sobre Jesús Gil y Gil. Una producción propia de 4 episodios que nos han presentado su director y escritores Enric Bach y Justin Webster (responsables de ‘Muerte en León. Caso cerrado’) junto a la productora ejecutiva Hanka Kastelicová. «Tenemos muchos Jesús Gil en nuestros países y es bueno poder reconocerlos» ha declarado Kastelicová antes de dar paso a la proyección del primer episodio.

Es probable que junto a Chiquito de la Calzada Jesús Gil fuese en su día uno de los personajes más imitados en nuestro país. ‘El pionero’ muestra muy bien como fue un embaucador que conquistó no solo un club como el Atlético de Madrid o una ciudad como Marbella, si no todo un país con sus continuas apariciones televisivas. Aunque es algo desordenada en su exposición y puede despistar a aquellos que no le viviesen en su época, la serie documental es capaz de esbozar al personaje y a la persona que había tras el presidente, alcalde y constructor. Y eso se debe a que el propio Jesús Gil y Gil se retrataba con sus palabras. Es decir, con solo montar fragmentos de archivo aquellos que no le conocían se van a llevar una idea muy clara de quién era y de por qué se grajeó su fama.

Son infinidad los detalles los que nos dejan en solo un primer episodio. Desde las pillerías con las que se empezó a ganarse la vida en el centro de Madrid hasta los tejemanejes que tenía en la alcaldía de la ciudad costera que regentó. Su carácter embaucador, entrañable, testarudo, impaciente e impulsivo se ve descrito también por sus hermanos, periodistas y demás personalidades que en su época se las tuvieron que ver con él. Es por eso que ‘El pionero’ recoge entrevistas a Futre, Miguel Ángel Gil Marín, José María García, Enrique Cerezo…

‘El pionero’ os puede indignar a la par que halagar, pero es que Gil era así. ¿No os recuerda esto a muchos personajes famosos de hoy en día que circulan por la red de redes? Hombre de poder, con mucha presencia en los medios, de gran carisma, con un séquito siempre a su lado, pero acosado por muchos … Bien es cierto que se notaba que le gustaba entrar al trapo, que le iba el mambo, era un showman y buscaba las cámaras. Era una persona difícil de replicar y por eso me pregunto si todos los que salen ahora despotricando sobre su persona se habrían atrevido con él en vida a decir todo lo que dicen en la serie.

Imaginar ‘El pionero’ como una serie de ficción habría dado para una historia tipo ‘Los Soprano’. Para que las nuevas generaciones entiendan cómo fue realmente esta persona que aunó un imperio de construcción, fútbol y política, que se arruinó varias veces, que fue perseguido por la justicia… ha surgido esta oportunidad televisiva. Nos podremos reír con las tropelías que hizo o de la descarada sinceridad con la que se movía, pero no olvidemos el germen que sembró y que probablemente nos recuerden los futuros episodios que ya estamos deseando ver en las futuras semanas en HBO.

Impresiones de la segunda temporada de ‘Dark’

Continúa la concienzuda trama y el tenebroso estilo 

Se podría decir que Netflix tiene un catálogo inmenso. Pero de entre todas las producciones propias que nos pone en su parrilla hay algunas que de verdad pueden considerarse un auténtico buque insignia. Son esas series o películas que gustan a nivel mundial y que dejan una huella perceptible en nuestra época. ‘Dark’ es de esas que quedarán grabadas en el tiempo, nunca mejor dicho. La serie de Baran Bo Odar y Jantje Friese acaba de estrenar su segunda temporada y el nivel continúa altísimo, los viajes en el tiempo siguen siendo el centro de atención en una producción que continúa rompiendo moldes.

La primera temporada nos desbordó con su gran complejidad y número de personajes. La manera en que sus guionistas trataron conceptos como los viajes en el tiempo, el efecto mariposa o las paradojas se salió de lo típico y es algo que nos sorprendió. Eso unido a la incógnita de reconocer a cada protagonista en cada una de sus épocas y por supuesto a desvelar el enigma de los niños desaparecidos nos atrapó. Ese primer tramo de la serie fue bastante resolutivo y nos hemos enfrentado ahora a una segunda etapa con las cartas sobre la mesa en la que hemos tenido algunas claves por desvelar y en la que se nos han abierto nuevas incógnitas.

Para mí el misterio más importante es ¿qué le pasó al agente Wöller en el ojo? Os puedo adelantar que esta temporada ni nos desvela que le sucedió a este policía que aparece tuerto desde la primera temporada ni nos dice quién es en otras épocas. Pero aunque os parezca un asunto trivial yo tengo mis teorías y me aventuro a señalar que va a resultar ser definitivo en la serie. A parte de esto la nueva temporada tiene incógnitas que arrastra durante todos sus episodios y que os van a mantener bastante atrapados pues los guionistas han generado más cuestiones que se suman a las pocas que quedaron sin resolver en la primera parte.

La serie toma muy bien el pulso al espectador y le hace plantearse sus creencias sobre la linealidad del tiempo. El origen de todo es el centro de atención de esta temporada, es la búsqueda incesante de los protagonistas. Es por eso que la famosa frase «sic mvndvs creatvs est» aparece por todas partes y la narrativa juega con la famosa partícula de dios (con algo de desacierto en sus términos físicos) o con detalles tan nimios como referencias musicales al grupo Kreator. Es brillante como cada episodio está repleto de paradojas o coincidencias sin que la trama se contradiga, completando un complejísimo puzle reservándonos además unas cuantas sorpresas.

Cobra aún más protagonismo el personaje de Jonas, interpretado por varios actores, como casi todos los protagonistas de esta serie. Pero también adquieren más presencia personajes como Noah o Claudia. Ellos representan dos bandos enfrentados en una guerra sin disparos, una cruzada místico-científica que coge de por medio a un grupo de gente inocente. Personas que sin comerlo ni beberlo se ven inmersas en una contienda de la que debe formar parte y elegir frente. En este aspecto la serie me ha recordado mucho a ‘Perdidos’ y he de decir que tanto el personaje de Claudia como el de Adam me han remontado a los papeles que ejercían Mark Pellegrino y Titus Welliver como Jacob y El hombre de negro respectivamente.

Tantas de desapariciones cada treinta y tres años no podían pasar desapercibidas y la serie no ha descuidado ese detalle. La incorporación del personaje del investigador Clausen ha sido una gran aportación pues ha unido muchas de las historias que necesitaban un hilo conductor. El casting de la serie sigue siendo excelente, no descuida parecidos ni rangos de edades, ni por supuesto el talento de los actores.

El guión y la trama es muy concienzuda. Pero si la ambientación no fuese igual de excelente la serie no nos estaría cautivando tanto. La temporada 2 de ‘Dark’ nos lleva de una época a otra como quien pasa de su salón a su cocina, con solo dar unos pasos. De una era arrasada al siglo XXI, pasando a los musicales años ochenta, de ahí a los prometedores años 50 y de ahí a los años 20 de post-guerra. Y no precisamente en ese orden, con la destreza además de no liarnos y consiguiendo mantener el drama. El trabajo de localización y diseño de producción es apabullante pues han tenido que plasmar los mismos lugares de muchas maneras distintas, todo un reto logístico y de recreación. Se mantiene el tono lúgubre y tenebroso pero va cambiando la luz y el color en función de la década en la que nos encontremos.

La esencia de esta temporada está en llegar a los nexos de las líneas temporales que unen a unos personajes con otros, o lo que es más, lo que une a unos personajes con ellos mismos. Todo gira en torno a una cuenta atrás hacia un apocalipsis (algo que parece repetirse en algunas series de Netflix) que se intenta evitar o provocar. Para ello nos van a hacer ver como se unen principios y finales, creados con creadores, padres e hijos. La línea de origen y final se unen en la segunda temporada de ‘Dark’ y no existe un punto donde situarse para reconocer el germen del bucle. Está todo pensado para que cuadre de una manera sin fisuras.

¿Cuánto hace que no veis un producto alemán que os guste y os enganche sin que haya necesidad de que este se refiera a alguna Guerra Mundial o al Muro de Berlín? Esta sigue siendo una serie para no perder detalle. El final de esta temporada es menos concluyente y queda más abierto o expectante a la llegada de la tercera. Y aquí llega la única pega de este año en ‘Dark’ que se une quizá a su leve bajada de calidad en su fotografía. Sus instantes finales nos auguran que los siguientes episodios de la serie se van a amoldar a una narración más acorde a corrientes actuales a argumentos muy de moda. Yo confío en que Baran Bo Odar y Jantje Friese sabrán mantenernos expectantes en la oscuridad de nuestro salón mientras vemos lo que pasa en Winden, pero me temo que la presencia de sus discursos, argumentos y teorías acerca del tiempo comienzan a diluirse.

Crítica: ‘Tu mejor amigo: un nuevo viaje’

Sinopsis

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Algunas amistades trascienden la vida. En Tu mejor amigo: un nuevo viaje, secuela del conmovedor éxito mundial ‘Tu mejor amigo’, nuestro querido protagonista, el perro Bailey, encuentra su nuevo destino y forma un vínculo inquebrantable que lo llevará a él, ya las personas que ama, a lugares que nunca imaginaron.

Bailey vive feliz en la granja de Michigan de su «niño», Ethan (Dennis Quaid) y la esposa de Ethan, Hannah (Marg Helgenberger). Incluso tiene una nueva compañera de juegos: la nieta de Ethan y Hannah, CJ. El problema es que la madre de CJ, Gloria (Betty Gilpin), decide llevarse a CJ. Mientras el alma de Bailey se prepara para dejar esta vida por una nueva, le hace una promesa a Ethan: encontrará a CJ y la protegerá pase lo que pase.

Crítica

Hallström suelta la correa de sus cachorros y Mancuso la recoge para darnos un grato pero también acongojante paseo

Hace un par de años Lasse Hallström, director de ‘Siempre a tu lado, Hachiko’, volvía a asaltar las carteleras con otra historia perruna. Como ya comenté en su día en la crítica, el título que estrenó resultó ser mucho más suavizado y familiar, con bastante más candidez y menos dureza, de hecho era una película muy positiva. Parece ser que la apuesta funcionó lo suficientemente bien y se han lanzado con una segunda parte. Ya sin el director de Hachiko, de la mano de Gail Mancuso (‘Modern family’), nos ha llegado una nueva historia canina destinada a sacar carcajadas y lágrimas al público. ‘Tu mejor amigo: un nuevo viaje’ mantiene las reglas del juego pero cambia un poco sus maneras, con lo que consigue agradarnos un poco más, no sin dejarnos un buen nudo en el estómago.

Mancuso ha utilizado mucho menos las perspectivas en primera persona que utilizó tanto Hallström en la primera parte y le ha dado más voz al perro. Se convierte así en un filme menos artificioso y más simpaticón. Pero el guión también le da mucho más protagonismo a Kathryn Prescott, a cuyo personaje seguimos el rastro. Ha sido transformada la película en una persecución melodramática con mucha comedia digna de una sobremesa de fin de semana. Esta es una historia cargada de drama familiar y personajes masculinos con obsesión posesiva. Pero también es un viaje luminoso en el que el perro busca la consecución de una misión mientras con su lógica canina lo ve todo de otra manera.

Aunque este es un título mucho más cómico hay que advertir que ‘Tu mejor amigo: un nuevo viaje’ es delicada para un público infantil o sensible para aquellos que tienen mascotas. Se suceden las diferentes vidas del protagonista animal como en la primera parte y eso produce una gran congoja. Aquellos que convivimos con animales hemos de reconocer que con este filme lo podemos pasar mal. Incluso hay una secuencia que rinde un breve homenaje a ‘Siempre a tu lado, Hachiko’ la cual está resuelta por parte de los guionistas de un modo bastante elegante.

Por supuesto que quien es protagonista en el filme es el perro que se reencarna una y otra vez en busca de cumplir su propósito. Pero realmente la protagonista de la película es Kathryn Prescott que acapara muchos más minutos que el nombre más famoso del cartel, Dennis Quaid. Prescott actúa aquí como toda joven actriz que es apta para ese tipo de comedias dramáticas en las que no hay que cumplir un registro excesivamente realista, más bien satisface uno de tantos clichés norteamericanos. Tan nativo como el personaje de Quaid quien se presenta como el clásico granjero curtido y bonachón con su gorra de John Deere grapada a la cabeza.

Las páginas de la novela de W. Bruce Cameron continúan siendo adaptadas con esta historia que aunque es predecible nos mantiene enganchados con las ganas de volver a ver juntos al perro con su dueño. La simpatía de sus animales nos deja sobreponernos a los diferentes palos que nos va dando la película y eso es porque han encontrado algunos puntos agradables, porque su anterior título le sirvió de buen banco de pruebas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2019. Título original: A Dog’s Journey. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Gail Mancuso. Guion: W. Bruce Cameron, Cathryn Michon, Wallace Wolodarsky. Música: Mark Isham. Fotografía: Rogier Stoffers. Reparto principal: Dennis Quaid, Marg Helgenberger, Betty Gilpin, Henry Lau, Kathryn Prescott. Producción: Dreamworks, Walden Media, Amblin Entertainment, Alibaba Pictures, Pariah, Universal Pictures, Reliance Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: drama, comedia, aventuras. Web oficial: https://www.uphe.com/movies/a-dogs-journey

Reseña: ‘Ether 2. Los golems de cobre’

Argumento

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Los portales entre la Tierra y Ether empiezan a abrirse desencadenando una furia mágica devastadora sobre nuestro planeta, y sólo el intrépido Boone Dias puede sellar las grietas. Para poner fin a este caos, Boone recluta a un poderoso equipo de seres místicos, incluidos un hada gruñona; un gorila pendenciero color lavanda; y un hechizador motorista con cabeza de toro. Juntos, estos héroes parten en un viaje a través del centro de un volcán, desiertos llenos de momias asesinas, y un extravagante bosque de hadas en un esfuerzo por salvar ambos mundos de la destrucción completa.

Reseña

‘Ether 2’ desborda mucho carisma y algo de enigma, una colección en la que os debéis perder

Antes de meternos de lleno con ‘Ether 2’ habría que explicar qué es Ether y quién es Boone Dias ya que estamos hablando de un personaje muy bien construido pero tampoco es que tengamos entre manos a alguien insertado en la cultura popular como Batman o el Capitán América, aunque salve nuestra realidad con mayor sacrificio. Nuestro héroe descubrió un plano paralelo al nuestro basado en la magia en el que el tiempo transcurre más despacio y al que busca explicación científica. La peculiaridad de Boone es su locuacidad y su capacidad de raciocinio hasta en las situaciones más críticas. El problema es que su obsesión por estudiar Ether hace que sacrifique su vida familiar ya que cada vez que regresa ha pasado mucho tiempo.

La primera reseña que escribí a cerca de Ether llevó el titular «Hemos vuelto hambrientos, deseosos, cansados y con ganas de más Ether». Podría reincidir en mis palabras en un ejercicio de poca originalidad pero es que la colección sigue siendo tan singular que nos deja exhaustos. Nuestra vista se cansa de devorar detalles y al terminar la historia nos entra hambre de más a si es que esperamos con ansia el tercer volumen. Además en la propia historia cobra más importancia el tema de la alimentación en el plano de Ether, leerla da hambre a si es que paradójicamente esta es una lectura que obliga a tener a mano un bocadillo, los señores de Astiberri deberían plantearse regalar con el volumen algún tipo de piscolabis.

Sobre todo es importante estar preparado para un viaje largo porque en Ether el tiempo pasa de otra manera. Cuando uno se sumerge en los dibujos de David Rubin todo parece más onírico. En este volumen de hecho su trazo se torna más cambiante, ya sea por exigencias del guión ya sea por filigranas artísticas.

En Ether 2 el guionista Matt Kindt nos aporta información acerca del funcionamiento o fundamentos de la realidad que amenaza con destruir nuestro plano. A lo que nos puede evocar es a una mezcla de ‘La historia interminable’ con ‘Rick y Morty’, sin poder dejar de pensar en que hay algo que me evoca a ‘Goomer’ en todo esto.  Por supuesto que la obsesión científica de Boone sigue marcando la diferencia con respecto a otras cosas que hemos visto pero si hay algo distinto es que en este tramo de la colección también tenemos una vertiente mucho más familiar para el protagonista. Y eso hace que ‘Ether 2’ esté muy bien estabilizado en cuanto a drama y comedia se refiere.

Muy importante es remarcar también la inclusión de nuevos personajes que acompañan a Boone a modo de equipo o compañía de aventuras. Tanto conceptual como gráficamente están bien elaborados. Hablamos de tres individuos (Violeta, Glum y Grandor) que aunque remen en la misma dirección de Boone hacen las cosas a su manera y eso le da algo de sabor a la historia que por otro lado es una misión bastante sencilla y sin nada de complejidad, si la resumimos en líneas generales. Sumándole a todo esto los diferentes flashbacks que se van introduciendo hasta el final del tomo, Kindt evita que la narración sea simplista y acaba siendo algo trascendental para el protagonista, dejándonos con suspense para el futuro tramo.

En este segundo volumen, dividido en cinco partes, encontraréis más páginas que en el primero. Está repleto del moderno, colorido y mutable estilo de Rubín y es capaz de llevarnos por mundos mágicos e incluso con la ayuda de Kindt es esta vez es capaz de retar a nuestro intelecto con un pasatiempo. ‘Ether 2’ desborda mucho carisma y algo de enigma, una colección en la que os debéis perder.

Ficha del cómic

Guion: Matt Kindt. Dibujo: David Rubín. Color: David Rubín. Portada: David Rubín. Editorial: Astiberri. Datos técnicos: 144 pág., cartoné, color, 17×26 cm. Publicación: marzo de 2019. Precio: 16€.

Crítica: ‘La influencia’

Sinopsis

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Alicia regresa a la siniestra mansión de la que huyó siendo una niña – un hogar que nunca ha albergado infancias felices – convertida ahora en una joven madre de familia. Acompañada por su marido y su hija de nueve años, Nora, Alicia busca rehacer su vida mientras se ve obligada a enfrentarse a un pasado que creía enterrado y a un cuerpo que se resiste a morir: el de Victoria, la posesiva matriarca de la familia, quien ha caído en coma profundo y sobrevive conectada a una máquina, y por la que la pequeña Nora siente una fascinación malsana.
La Influencia es una macabra historia sobre el peso de los lazos familiares y la trascendencia de la muerte.
Siente la influencia. Teme a la influencia.

Crítica

Entra bien por los ojos pero no penetra más allá

‘La influencia’ parte de una novela de Ramsey Campbell publicada en 1988. Un autor apodado habitualmente con título de maestro que sabe adentrarse con sus palabras en la mente del lector y que rebusca en los horrores humanos para causar pavor. Sus planteamientos tienen muchos símiles lovecraftianos pero en el caso de esta novela es la psicología y el ambiente brujeril el que cobra más fuerza. Su literatura siempre está dotada de gran simbolismo y eso hace que sus novelas adquieran una potente carga de significado.

Es por eso que ‘La influencia’ comienza con muchas metáforas en sus títulos de crédito. La cinta nada más empezar plantea una serie de símiles y nos ubica bien con su ambientación. Es correcta a la hora de situarnos en el polvoriento caserón donde transcurre casi toda la acción de la película. Un lugar semi-abandonado, donde nos encontramos objetos tremebundos mezclados con cotidianos convertido en una sala de cuidados paliativos improvisada.

Allí está postrada una, nunca mejor dicho, posesiva madre en torno a la que vuelven a reunirse dos hermanas. Al rededor de ellas gira una trama familiar compleja con un pasado por desvelar. Y en medio de ese conflicto una hija que comienza a experimentar el influjo de su abuela en coma.

Con esta trama los referentes más recientes que se nos pasan por la cabeza son ‘Hereditary’ o ‘Amityville el despertar’. Por supuesto el tono y la ambientación son muy diferentes a las películas de Ari Aster y Franck Khalfoun, la resolución también cambia. En cuanto empezamos a ver lo que pasa entre las cuatro paredes de la casa nos suena a manido, son muchas las historias que hemos visto de similar índole. Pero ese no es el mayor inconveniente de ‘La influencia’.

En este primer filme que dirige Denis Rovira hay un problema o bien de guión o bien de montaje. Y es que en más de una ocasión vemos como de una escena a otra los personajes pueden contradecirse. Las decisiones tomadas en una secuencia tienden a rebatir lo que hacen en el acto siguiente. Pero aparte de eso lo que ocurre es que el filme es excesivamente confuso. Poco a poco se va tornando más irracional y las reglas se van haciendo más incomprensibles. Por lo que o hay una mala traslación de la novela o no se ha sabido explicar la mecánica de esa influencia que atenta contra la estabilidad de la familia. Por mucho que al final tengamos una escena aclaratoria hay muchos eventos para los que no hay una justificación clara.

Isaac Villa es quien consigue una buena fotografía a partir de muchos de los rincones de la casa, de sus alrededores o de la escuela de la niña protagonista. Esperaba ver un trabajo de este director de fotografía tras haber conocido su trabajo en ‘El Ministerio del Tiempo’ y el excelente cortometraje ‘Graffiti’, el cual os puedo recomendar ahora que está tan de moda ‘Chernobyl’. Gracias a él conseguimos que desde el principio pensemos que vayamos a vivir una tensa historia de terror familiar de carácter dramático y oscuro

Me funciona Emma Suárez como matriarca en todas las etapas por las que la vemos pasar y me creo la familia formada por Manuela Vellés, Alain Hernández y Claudia Placer, con toda la naturalidad que eso supone. Pero es poco comparado con lo mal manejadas que están las escenas infantiles (incluida la última voz en off) o con esos momentos de locura desatada que hacen que la película se descontrole a veces casi sin rumbo. En su primera ocasión como director de largometraje Rovira ha restado más que sumado y eso que contaba con un reparto muy bueno, en mi humilde caso su influencia no ha sido positiva.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio de 2019. Título original: La influencia. Duración: 107 min. País: España. Dirección: Denis Rovira van Boekholt. Guion: Denis Rovira van Boekholt, Michel Gaztambide, Daniel Rissech. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Isaac Vila. Reparto principal: Manuela Vellés, Maggie Civantos, Alain Hernández, Emma Suárez, Claudia Placer. Producción: Nadie es Perfecto, RTVE, Film Commision pública del Principado de Asturias. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/

Crítica: ‘Kin’

Sinopsis

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Eli (Myles Truitt) es un niño afroamericano de 14 años que vive en Detroit con su padre adoptivo, Hal (Dennis Quaid), un compasivo a la par que estricto viudo que percibe que Eli está cayendo en la delincuencia. Mientras explora un edificio abandonado buscando materiales para sacarse un dinero extra, Eli se topa con los restos de un impacto de otro mundo. Entre los escombros, encuentra una extraña caja metálica que se lleva a casa. Desconoce lo que es, pero al cogerla parece activarla, y Eli decide guardarla cuidadosamente…

Crítica

‘Kin’ habla de lo que escogemos como herencia con la ciencia ficción como canal transmisor

Nos encontramos ante el primer largometraje de Jonathan y Josh Baker. ‘Kin’ es un título que para los angloparlantes ya da algo de pistas con su significado pero que aquí guarda algo más de secreto y que por cierto solo vamos a poder ver en versión doblada. Una cinta que viene escrita por sus propios directores y por Daniel Casey, quien anda inmerso ahora mismo en el guión de ‘Fast & Furious 9’.

Lo que han hecho los hermanos Baker es un largometraje de ciencia ficción bastante solvente pero que para el espectador muy versado en la materia puede parecer trillado. Durante el filme solo se dan unos pocos indicios de la solución y el final puede ser sorprendente para algunos pero a muy poco que se hilen uno o dos puntos se puede esperar el desenlace. Yo advierto que en la crítica voy a dar explicar algunos pormenores que pueden aclarar por dónde van los tiros, nunca mejor dicho porque la trama de ‘Kin’ gira en torno a un arma futurista.

En Kin conocemos a Eli, un joven interpretado por Myles Truitt. Este se dedica a robar en edificios abandonados para sacar una pizca de dinero vendiendo a chatarreros. Todo esto pasa en un Detroit que lucha por resurgir, por eso vemos continuamente carteles con mensajes del estilo «rebuild Detroit». Este vive con un padrastro (Dennis Quaid) bastante buenazo pero estricto y juntos reciben a un hermano (Jack Reynor) que vuelve de la cárcel. En sus búsquedas Eli encuentra una potente arma que esconde para sí mismo y que no tiene ningún parecido con las que se utilizan comúnmente. Mientras su hermano es perseguido por unos matones que le reclaman una deuda y a la vez hay una extraña pareja de «limpiadores» que busca el arma. Lo que parecía una película de acción ubicada en una decadente ciudad pronto se convierte en una road movie.

‘Kin’ es una buena película de carretera centrada en la amistad entre dos hermanos. Un título que trata de contarnos cuál es la herencia, no solo genética, si no educacional que legamos a nuestros familiares. Es verdad que el hecho de armar todo este discurso ha provocado que la ciencia ficción tarde en llegar. Pero cuando aparece es bastante eficientemente. En el pase de prensa tuvimos algún que otro problema técnico hacia el final del filme y si nos llegamos a perder ese tramo habría sido un chasco ya que la acción se centra en esa parte y visualmente es cuando ‘Kin’ explota, además de cobrar un sentido total.

Los directores querían haber contratado a Bil Paxton para el papel del hermano mayor, lo cual habría dado muchas pistas sobre la trama dado que el difunto actor ha trabajado en películas como ‘Aliens’, ‘Depredador 2’ o ‘Terminator’. Finalmente la ausencia de este y su parecido con la voz de Jack Reynor decantaron el papel hacia este joven actor. Y no son estas las únicas veces que ‘Kin’ os van a llevar a James Cameron. Tanto la trama, como algunos guiños visuales así como varios nombres, véase el condado de Sulaco, la nave de Aliens, os van a transportar al famoso director que tan buenas películas nos ha brindado.

Myles Truitt es la gran apuesta de ‘Kin’. En gran parte me recuerda mucho a John Boyega cuando estrenó ‘Attack the Block’, ambos con un gran peso de la película a sus espaldas, con muy corta edad y con un papel muy agresivo por ejecutar. Jack Reynor regresa a Detroit como en la excelente película que también nos trajo eOne hace un par de años, pero esta vez del otro lado de la ley. Su interpretación pasa más desapercibida. Es quizá algo más variopinta la de un James Franco convertido en un gitanillo gangsta, similar al de ‘Future World’ pero sin ser tan caricaturesco.

Llama la atención su puesta en escena con un toque fluorescente que atrae al espectador nacido en los ochenta o que ya peina canas y el cuidado en mantenerse dentro de unos márgenes no excesivamente violentos. ‘Kin’ quiere gustar a todos y puede hacerlo. Comprendo que su inconcluso final y el tiempo que se toma para explayarse en su discurso pueden ser dos grandes pegas para algunos, no lo son en gran medida para mí. Antepongo las pequeñas pistas que va dejando, los valores que enarbola y el buen gusto a la hora de heredar referentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2019. Título original: Kin. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Baker, Jonathan Baker. Guion: Josh Baker, Jonathan Baker, Daniel Casey. Música: Mogwai. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Jack Reynor, Miles Truitt, Zoë Kravitz, Dennis Quaid, James Franco, Michael B. Jordan, Gavin Fox. Producción: 21 Laps Entertainment, Lionsgate, No Trace Camping. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://kin.movie/

Crítica: ‘John Wick: Capítulo 3’

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El asesino de élite John Wick (Keanu Reeves) está huyendo. Ha matado a un miembro del gremio internacional de asesinos y el precio por su cabeza asciende a 14 millones de dólares. John Wick se ha convertido en el objetivo de los hombres y mujeres más despiadados de todo el mundo.

Crítica

Quién dijo que tres es el estándar, yo quiero cuatro

Llega la tercera parte de John Wick y no tenemos porque usar para nada la palabra trilogía, porque al igual que Baba Yaya esto no va detenerse, la saga no va a parar aquí. Usualmente en el cine las historias se suelen cerrar con tres entregas pero ya sabemos que lo del personaje de Keanu Reeves no es algo que se enmarque dentro de lo común o que respete reglas. Fuera de esta última entrega que nos trae eOne Films ya se están publicando cómics y con la conclusión de esta podemos adelantar que habrá continuación ya que Lionsgate, productora del filme, ha marcado el 21 de mayo de 2021 como fecha para su estreno.

‘John Wick: Capítulo 3’ o ‘Parabellum’ arranca directamente en el punto en el que terminó la segunda parte. Y lo hace con una acción inmediata. De este modo ya nos anuncia que lo que nos espera es una película trepidante, explosiva y muy cortante. Su violencia ha subido de nivel, es mucho más explícita y abundante. Sobre todo en sus inicios y en su secuencia final, aunque hay que hacer mención especial a la parte de Casablanca. Creo que no hacía falta esta nueva entrega para usar esta afirmación pero desde luego John Wick es ya un clásico del cine de acción contemporáneo.

Y se ha convertido en un fenómeno por su planteamiento cada vez más cercano al de un videojuego. No solo por la macarrada de banda sonora, quizá el punto en el que si es inferior a sus predecesoras. Nos puede parecer que tenemos un mando entre las manos por el esquema del largometraje: cinemática inicial, avalancha de enemigos, acción, recarga, más acción, nueva secuencia para hacer progresar la trama y vuelta a empezar. El filme se estructura así, nos arrolla con un continuo cambio de escenarios y solo nos da respiro con alguna secuencia larga que ralentiza o retrasa el regreso de los tiros y las cuchilladas. Podemos sentir la vibración de los disparos y contemplar cómo se acumulan los cadáveres. No me gustaría formar parte del equipo de limpieza de El Continental.

En esas innumerables secuencias cargadas de sangre y tiros es donde se ve el compromiso de Keanu Reeves y del director/especialista Chad Stahelski. No solo por la apuesta por un contenido agresivo o para adultos si no por la cantidad de enemigos entre los que se tiene que mover el asesino y por la dificultad de las coreografías a realizar, con perros inclusive. Siempre que hablamos de películas con acción, venganza y un contador de muertes alto nos vienen a la cabeza títulos como ‘Oldboy’. ‘John Wick 3’ no tiene aquellos icónicos travellings de Chan-wook Park pero si puede considerarse a la altura de esta en cuanto a su calidad visual y su implacable ritmo. Stahelski consigue esto manteniendo miembros de su equipo como el director de fotografía Dan Laustsen, lo cual le da a la saga sabor propio. Y a la vez esta serie de largometrajes es capaz de rememorar a títulos míticos como ‘El bueno, el feo y el malo’, ‘James Bond’ o ‘Matrix’.

Se ha incrementado la violencia, se ha aumentado la duración, se ha explorado el entramado de la organización asesina y crece el número de rostros conocidos. En cuanto a esto último tres de ellos nominados al Oscar: Halle Berry, Anjelica Huston y Laurence Fishburne. Y dos conocidos de ‘Juego de Tronos’: Ian McShane y Jerome Flynn. Incluso hace un cameo Robin Lord Taylor (el Pingüino de ‘Gotham’). Aunque quien más os va a gustar es Mark Dacascos que encarna a un implacable asesino que aún así es igual o más fan de John Wick que nosotros. Tenéis dos buenas precuelas, tenéis acción en modo siglo XXI, actores y actrices de renombre… ¿Os faltan más excusas para ir a verla?

Las maquinaciones de la Alta Mesa continúan y John Wick seguirá lidiando para sobrevivir en ese mundo en el que se encuentra sumergido. Este ‘Parabellum’ es el sumun para el asesino conocido como Baba Yaga y para una saga que se ha vuelto más intensa y ha ganado trasfondo con los detalles aportados. De consecuencias habla la película y la consecuencia es que habrá cuarta entrega, la quiero.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2019. Título original: John Wick: Chapter 3 – Parabellum. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Chad Stahelski. Guion: Darek Kolstad, Shay Hatten, Chris Collins, Marc Abrams. Música: Tyler Bates, Joel J. Richard. Fotografía: Dan Laustsen. Reparto principal: Keanu Reeves, Halle Berry, Laurence Fishburne, Anjelica Huston, Ian McShane, Mark Dacascos, Asia Kate Dillon, Lance Reddick, Tobias Segal, Jerome Flynn, Saïd Taghmaoui, Randall Duk Kim. Producción: Lionsgate, Thunder Road Pictures, Summit Entertainment, 87Eleven. Distribución: eOne Films. Género: acción. Web oficial: https://www.johnwick.movie/

Crítica: ‘Pokémon: Detective Pikachu’

Sinopsis

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La historia arranca con la misteriosa desaparición del detective Harry Goodman que obliga a su hijo Tim, de 21 años, a averiguar lo que ha sucedido. El detective Pikachu, antiguo compañero Pokémon de Harry, va a ayudarle en su investigación. Se trata de un súper-detective adorable y muy divertido que asombra a todo el mundo, ¡incluso a sí mismo! Tim y Pikachu descubren que pueden comunicarse entre sí de forma absolutamente increíble y juntos emprenden una emocionante aventura para desenmarañar el extraño misterio. Buscan pistas por las calles iluminadas con neón de Ryme City, una enorme metrópoli moderna donde los humanos y los Pokémon comparten un mundo hiperrealista de acción real. Se encontrarán con distintos personajes Pokémon y descubrirán un escalofriante complot que podría destruir esta convivencia pacífica y amenazar a todo el universo Pokémon.

Crítica

Se propone ser divertida, mona y tontorrona y lo consigue

Los personajes creados por Ken Sugimori y Junichi Masuda han llegado a multitud de formatos. Desde las consolas portátiles, a la televisión, pasando por los cromos o los juguetes llegando hasta nuestros smartphones. Ahora se convierten en película de acción real. Rob Letterman, director de películas como ‘Pesadillas’, ‘El Espantatiburones’, ‘Monstruos contra alienígenas’ o ‘Los viajes de Gulliver’ se atreve ahora con un live action pero conservando la tónica infantil.

Más que infantil ‘Pokémon: Detective Pikachu’ se aproxima a un público adolescente. La baza más fuerte de esta película de Warner Bros. está en el doblaje de Ryan Reynolds  como Pikachu que por supuesto tiene que rebajar el nivel de lenguaje. Pasa de empalar enemigos en ‘Deadpool 2’ a poner voz de niño bueno para un personaje que pone ojos de codero degollado. Aún así su Pikachu es un buen sinvergüenza que nos hace reír con su descaro y su descontrolada lengua. Personaje que choca tanto en carácter como visualmente con el solitario y tímido muchacho interpretado por Justice Smith (‘Jurassic World: el reino caído’). Un contraste de  elementos ya empleado en películas como ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ o la más reciente ‘¿Quién está matando a los moñecos?’.

Eran imposibles las comparaciones con ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ en cuanto empezamos a ver los primeros tráilers. Nos pasa eso incluso en cuanto arranca el filme y parece que la trama va a llevarnos por unos pasos delimitados por las enseñanzas del cine negro, por un guión inspirado en las novelas noir. Nos daban a entender que la franquicia se podría haber rendido a los trucos que empleó en su película Robert Zemeckis, pero no es del todo así.

‘Pokémon: Detective Pikachu’ si muestra todo un elenco de personajes que tiene el videojuego original. Si nos desconcierta con mogollón de criaturas, a las cuales se incorpora en la ciudad de Ryme City con mucha originalidad, luego… ¿cuál es la diferencia con otras películas que mezclan personajes imaginarios con reales? Básicamente las reglas del juego. Al fin y al cabo el filme acaba respetando todas las normas que se seguían tanto en la serie como en los videojuegos. Sigue siendo ese juego de rol donde conseguir criaturas a las que subir de nivel y con las que explorar un mundo para derrotar a otros. Pero además se incluye una ciudad donde los Pokémon y los humanos se miran de igual a igual. ‘Pokémon: Detective Pikachu’ puede ser confusa si no has jugado a ningún juego o si no has visto la serie porque no vas a saber de qué palo va este o aquel bichejo.

Ya hemos visto diseñados a los Pokémon de multitud de formas. En la película no hay ninguno que no esté bien hecho. La mayoría está diseñado para buscar el «oooh» entre el público. Son todos muy coquetos y en especial Pikachu están realizados con mucho detalle y candidez. Y esta es una película producida también por la Toho, creadora de Godzilla, a si es que imaginad lo que os espera. Hay escenas grandiosas y otras sencillamente tronchantes, como la que protagoniza Mr. Mime.

Por supuesto que hay guiños al material que tantos fans ha generado durante estas décadas. Canciones, imágenes, objetos y por supuesto criaturas. Esta película es una golosina para los coleccionistas de huevos de pascua y por descontado para aquellos que se enganchaban a los juegos solo por el mero hecho de recopilar todos los Pokémon. Ya me estoy viendo el innumerable número de artículos que van a surgir bajo el título «todos los Pokémon que aparecen en la película».

Henry Jackman sigue engrosando su lista bandas sonoras en superproducciones. Yo creo que la primera vez que de verdad me encandiló con un buen tema principal fue con la canción de ‘Kick-Ass’ o la de ‘X-Men: Primera generación’. Muchos más temas (y buenos) ha compuesto desde entonces pero en ‘Pokémon: Detective Pikachu’ ha hecho una banda sonora bastante estándar.

Ya he dicho que este filme no sigue del todo los pasos de películas como la de Zemeckis ni ha convertido a la franquicia Pokémon en una agridulce novela negra. Es una aventura con bastantes puntos que se ven venir y un tono bastante suavizado o ameno. Lo que no nos esperábamos era el final. Un desenlace que se antoja un tanto retorcido y al que muchos le encontraríamos otras soluciones o una lógica distinta. Recuerdo que en la novela de ‘Blade Runner’ los humanos tenían mejores o peores mascotas sintéticas por el mero hecho de que eso significaba tener un estatus social. En esta nueva versión de Pokémon los humanos se asocian a las criaturas de origen japonés por un motivo distinto pero que al fin y al cabo condena al ostracismo a aquel que se mantiene sin un compañero Pokémon. No es que ‘Pokémon: Detective Pikachu’ busque hacernos pensar como la novela de Phillip K. Dick pero su final también va a un punto un tanto incomprensible que da para haber generado alternativas a elegir antes de haber optado por una opción tan convencional o cogida con pinzas que desluce al resto del filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de mayo de 2019. Título original: Pokémon Detective Pikachu. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Rob Letterman. Guion: Dan Hernandez, Benji Samit, Rob Letterman, Derek Connolly, Nicole Perlman. Música: Henry Jackman. Fotografía: Oscar John Mathieson. Reparto principal: Justice Smith, Kathryn Newton, Ken Watanabe, Ryan Reynolds, Bill Nighy, Suki Waterhouse, Chris Geere, Karan Soni, Josette Simon, Diplo. Producción: Nintendo, Toho, Legendary Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: Web oficial: detectivepikachumovie.com

Impresiones del regreso de la tercera temporada de ‘Ataque a los Titanes’

Analizamos el 3×13 de la serie de los gigantes devoradores de personas

La tercera temporada de ‘Ataque a los Titanes’ retoma su segunda mitad. Una temporada que se está emitiendo en dos partes y cuyo desenlace se ha hecho desear. A través de la web de SelectaVisión y de manera gratuita en este enlace (previo registro) podremos ir viendo todos los domingos a las 19:40h los nuevos episodios que nos mostrarán el destino final de la humanidad.

La serie nos dejó en octubre un tanto fríos tras doce episodios cargados de mucha política e intrigas palaciegas. Muy poca acción nos brindó la primera mitad tras dos primeras temporadas sanguinolentas que mermaron al Cuerpo de Exploración. Con esta vuelta han comenzado a resarcirnos pues ha estado más interesante y agitada. El arranque de esta nueva tanda de episodios ha sido titulado ‘The Town Where Everything Began (La ciudad del principio)’. Y es que Eren, Armin y Mikasa llegan en este episodio número cincuenta de la serie a su hogar.

La cosa se ha puesto más emocionante. Este ha sido un episodio que ha ido directo al grano. El equipo de protagonistas tiene una misión concisa y de vital importancia: recuperar el muro María. Aunque el capítulo ha de empezar con sigilo para que los protagonistas eviten ser descubiertos por los titanes y por los espías humanos que descubrimos en la primera mitad de la serie rápidamente comienza un tramo de vertiginosas maniobras. Tácticas a enemigo escondido que le dan a este regreso un toque de suspense. Estrategia donde antes hubo muerte y destrucción ¿quién pillará a quién por sorpresa? ¿Os esperaréis la sorpresa del capítulo? A mí me ha cogido algo desprevenido.

La presión está ahora más que nunca en el tejado de los tres principales protagonistas pues en ellos confían los miembros de su equipo, sobre todo en Eren que manifiesta su nerviosismo ante la llegada de enfrentarse a uno de los momentos clave para la humanidad. Confío en que también se note en los próximos episodios que los personajes han madurado.

Para el siguiente episodio ya nos prometen mucha más acción. Y no solo por que se titule ‘Lanzas de trueno’ si no por el final con el que nos deja este episodio 13 de la tercera temporada. Pero podemos aventurar que esta segunda etapa va a ser más movida. Así lo pronostica el nuevo opening, cuya canción e imágenes son bastante animadas.

Veremos si la cosa continúa así hasta completar los doce nuevos episodios que concluirán esta tercera temporada. Doce nuevas entregas que puede que nos desvelen muchos de los secretos que guarda la trama de ‘Ataque a los Titanes’, conocidos por los lectores del manga de Hajime Isayama. ¿Volveremos a ver a Historia? ¿Sabremos algo del padre de Eren? ¿Llegará Eren a meterse en su sótano? ¿Recuperarán el muro María?

Crítica: ‘La importancia de llamarse Oscar Wilde’

Sinopsis

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En la habitación de un hotel barato en París, Oscar Wilde (Rupert Everett) yace en su lecho de muerte cuando el pasado lo invade, transportándole a otros tiempos y lugares. ¿Fue alguna vez el hombre más famoso de Londres? ¿O fue el artista crucificado por una sociedad que un día lo adoró?

Ante la angustia de la muerte, Wilde repasa el intento fallido de reconciliarse con su sufrida esposa, Constance (Emily Watson), su fatal relación amorosa con Lord Alfred Douglas (Colin Morgan) y la calidez y la devoción de sus amigos Reggie Turner (Colin Firth) y Robbie Ross (Edwin Thomas), quienes intentaron salvarle de sí mismo. La importancia de llamarse Oscar Wilde es un retrato del lado oscuro de un genio que vivió́ y murió por amor en los últimos días del siglo XIX.

Crítica

Everett actúa con comedida tragedia y perspicacia

Oscar Wilde, poeta y dramaturgo nacido en el Dublín que por el siglo XIX pertenecía a Inglaterra y que hoy en día tanto para los ingleses como para los irlandeses representa uno de los exponentes máximos de su literatura. Su figura no necesita presentación, su vida privada quizá si necesite algo más de luz para aquellos que no se han acercado con curiosidad a tan póstumamente laureado escritor. Rupert Everett no solo se ha enfundado la piel del autor si no también la función de director y escritor en ‘La importancia de llamarse Oscar Wilde’. El actor conocido por películas como ‘Stardust’, ‘La boda de mi mejor amigo’ o ‘Crónica de una muerte anunciada’ se encuentra ante su primera película a los mandos y tras haber trabajado en más de 70 títulos como intérprete, se nota que atento ha estado y algo ha aprendido.

Como hilo central está la narración de uno de sus famosos cuentos, ‘El príncipe feliz’. Historia que representa el título original de la película y que se emplea para que el propio Wilde sea metáfora de ese tesoro desaprovechado por la humanidad del que habla su cuento, esa joya a rescatar de entre tanta injusticia. Así nos lo hace ver el guión de Everett que se centra mucho en el apaleamiento social que sufrió el escritor por ser acusado de homosexual y libertino. Se enmarca en la época final de la vida del autor, una etapa en la que estaba desacreditado tras salir de la cárcel y en la que vivía arruinado, desterrado, moviéndose casi de incógnito con sus amigos y amantes.

Partimos de que el parecido físico entre Wilde y Everett caracterizado es medianamente aceptable. Con una celebridad como el poeta habría sido muy fácil haber caído en el histrión pero Everett actúa con comedida tragedia y perspicacia. Capta al cínico poeta. De hecho un día Wilde dijo «un cínico es un hombre que conoce el precio de todo y no da valor a nada». Pues el personaje de Everett da a entender que sabe perfectamente el significado de esa frase, por lo que podemos suponer, entre otras cosas, que su esencia está bien vislumbrada.

A parte del enfoque del personaje otra cosa que se ha escogido correctamente y es el diseño de producción. La ambientación de los escenarios está muy bien configurada. La lúgubre Londres, los diferentes y sombríos bares ingleses y franceses que frecuentaba, la sucia cárcel en la que fue encerrado, el luminoso hogar que compartió con su amante, la triste habitación en la que murió… Todo ello nos transporta a una época de lámparas de gas y carruajes en la que solo había espacio para el color si eras adorado.

Como contrapeso en la balanza tenemos que el filme es muy poco emotivo. A pesar de que el Wilde de Everett es muy carismático no consigue transmitirnos la misma sensibilidad de sus obras. La película en su conjunto no sirve para emocionarnos de tal manera que suframos con su calvario, rupturas o muerte. Tampoco para rememorar los sentimientos surgidos al leer su obra. De hecho ni siquiera sirve para ilustrar la gestación de sus escritos. Como decía al principio es un buen título para quienes no tengan conocimiento de cuales eran sus gustos personales, sirve a título informativo, pero no emotivo.

Hay personas que parecen nacer para ser personajes. La historia ha hecho que con el tiempo Oscar Wilde sea considerado alguien con carácter de novela. Acierta el guión de ‘La importancia de llamarse Oscar Wilde’ pues lejos de mitificarle consigue mantener más viva a la celebridad pero dejando claro que fue también persona terrenal, que por otro lado nunca sabremos exactamente cómo fue.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de abril de 2019. Título original: The happy prince. Duración: 105 min. País: Reino Unido, Alemania, Bélgica, Italia. Dirección: Rupert Everett. Guion: Rupert Everett. Música: Gabriel Yared. Fotografía: John Conroy. Reparto principal: Rupert Everett, Colin Firth, Colin Morgan, Edwin Thomas, Emily Watson, Tom Wilkinson. Producción: Cine Plus Filmproduktion, Robert Fox Limited, BBC Films, Entre Chien et Loup, Raindog Films, Palomar S.p.a, Maze Pictures, Daryl Prince Productions, Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel de la Fédération Wallonie-Bruxelles. Distribución: Alfa Pictures. Género: biográfico, drama. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/la-importancia-de-llamarse-oscar-wilde/

Reseña: ‘John Wick’

Argumento

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Cuando un joven John Wick sale de la prisión y se embarca en su primera vendetta épica, se enfrenta a una extraña y poderosa comunidad de asesinos y debe aprender a dominar el Libro de Reglas que guía su negocio letal. ¿Quién son los Tres Bills? ¿Quién es Calamidad? ¿Y quién era John Wick antes de convertirse en Baba Yaga?

Reseña

Una historia de orígenes con mucha acción sin olvidar los elementos claves

John Wick, Juan Mecha, para los amigos de España, es un ídolo de masas que va más allá de lo que se denomina normalmente un «fenómeno de culto». La primera parte de su saga sí que comenzó su andadura casi de tapadillo siento toda una sorpresa de popularidad y convirtiéndose en un personaje mítico interpretado por Keanu Reeves, otro más. En el caso de ‘Pacto de sangre’ ya hablamos de un título esperado en el que el público demandaba algo ya en concreto: un actor haciendo algo que se le da bien, una música acorde, una estética cuidada y una historia con un trasfondo bien encajado.

Las historias de John Wick van más allá de un simple sicario con un objetivo. Hay un asesino con algo personal pendiente, hay una peculiar organización secreta detrás, El Continental. Se prendió una mecha, la de un hombre de armas tomar, la de un tipo capaz de cruzar cualquier continente para terminar con todo aquel que se interponga en su camino. Hechos los chistes fáciles sobra decir que está justificada la esperadísima tercera parte cinematográfica que está por llegar y que concluirá la trilogía dirigida por Chad Stahelski. Pero como otras muchas películas de matones y asesinos todo empieza con el protagonista siendo el amo del cotarro, a si es que es normal que muchos quieran conocer el génesis.

La respuesta a todo esto está en los cómics. Las películas no parten de las viñetas pero si se ha empleado el noveno arte para explicar la primera cruzada vengativa de Wick. Esto lo ha hecho Dynamite y lo ha editado de manera digital. Por lo tanto tenemos disponible en la red una precuela dividida en cinco entregas, una historia conclusiva en la que podemos ver al pistolero en sus primeros asesinatos.

Digamos que aquí comienza a forjarse la leyenda de Baba Yaga. Se ilustran sus primeros pasos en la enigmática comunidad de asesinos pues se refugia por primera vez en las sucursales de El Continental. Por supuesto leemos aquí sus inicios dentro de esa reservada cadena de alojamientos donde vemos en las películas que sirve para descansar, abastecerse o encontrar un lugar de tregua. Es decir, nos remarcan el funcionamiento de esa organización.

Conocemos a un John Wick niño y a un John Wick que aunque entrenado es neófito en el mundo de los asesinos secretos o por lo menos es independiente. Aún así toda su motivación sigue reduciéndose a una vendetta, aunque esta le lleve más años.

Sin un dibujo fotorealista reconocemos a actores de las películas como Keanu Reeves o Lance Reddick. Los primeros números están dibujados por Giovanni Valletta (‘La imposible Patrulla-X’) y a partir del tercero coge los lápices Matt Gaudio (‘Vampirella’). Lo cierto es que el estilo de Gaudio es más preciso, más acertado con las formas, mucho más definido y encaja mejor con los colores de David Curiel (‘Miles Morales: Spider-Man’). Curiel ha sabido usar trucos clásicos de los cómics para darle a los dibujos ese toque sucio que necesitaban las viñetas. Cuando el color proviene de Inlight Studios (‘Vampirella’) se rellenan las formas con degradados demasiado artificiales, dando apariencias algo más plásticas. Por eso los números tres, cuatro y cinco se salen más de la estética de las películas. No obstante en cualquiera de las entregas vais a tener escenas muy cinematográficas, las dos entregas de las películas de Chad Stahelski han sido una inspiración de acción que dan de sobra para dar rienda suelta a nuevos tiroteos. Aunque tal vez no se ha sabido conseguir los planos característicos de las películas sí que se ha conservado ese colorido tan fluoresccente mezclado con tonos oscuros tan peculiar de la saga.

En lo que se refiere a nivel de guión el cómic está más aproximado a las películas. En las últimas entregas el color está más lejos del diseño de producción. Como decía si está más acertado estéticamente en sus dos primeros números, donde además se aproxima a lo que deber ser El Paso, lugar donde transcurre. Aunque el dibujo si se mantiene, el color cambia y nos saca visualmente de una línea que inicialmente era acertada. También es un acierto que haya algunos componentes que se hayan mantenido. Como que Wick tenga esa fijación por las mascotas, que siga conduciendo un Mustang o que vista traje.

Buena historia que no para de tener acción, que tiene el gancho y el carisma del personaje y que nos quita el mono de John Wick mientras no tenemos nuevas películas. Muy bien traducida del cine al cómic.

Ficha del cómic

Guion: Greg Pak. Dibujo: Giovanni Valletta, Matt Gaudio. Color: David Curiel, Inlight Studios. Portada: Giovanni Valletta. Editorial: Dynamite (España: Fandogamia). Datos técnicos: 32 págs., color, grapa. Publicación: Septiembre 2017 (EE.UU.). Precio:  3,99$ (cada entrega, digital).

Crítica: ‘La boda de mi ex’

En qué plataforma ver La boda de mi ex

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Lindsay (Winona Ryder) y Frank (Keanu Reeves) se conocen en la boda del ex de ella. Pronto descubren que tienen muchas cosas en común: los dos odian a la novia, al novio, la boda y a ellos mismos. Cansados de todo el mundo que les rodea, ambos empezarán a sentir algo el uno por el otro y deberán decidir si es más fuerte el corazón o su sentido común.

Crítica

Reeves y Ryder en solitario se bastan

Mucho hacía que Keanu Reeves no era visto fuera del campo de la acción, el thriller o el terror para sumergirse en un asunto relacionado con la comedia romántica. Si no me equivoco han pasado diez años desde que se dejó ver en una película de semejante índole, en concreto fue en ‘La vida privada de Pippa Lee’, de Rebecca Miller. En aquel título compartió cartel con muchos artistas, entre ellos Winona Ryder. A si es que podemos decir que con quien se ha salido de toda una racha apta para amantes de la adrenalina y la testosterona es con la actriz de Minnesota. Ambos actores están en una época de popularidad muy buena, sobre todo entre un público muy joven gracias a títulos como ‘John Wick’ y ‘Stranger Things’. Aunque no lo parezca esta historia amorosa tiene un carácter impertinente que puede sorprender a ese mismo tipo de espectadores, a mi por lo menos, que no soy consumidor del género romántico, me ha pillado gratamente desprevenido.

Ambos intérpretes ya han coincido en otros títulos como ‘A scanner darkly’. Y estuvieron enamorados en un clasicazo como ‘Drácula de Bram Stoker’, pero aquí ni hay fantasía ni hay romanticismo. ‘La boda de mi ex’ es una comedia de personas desengañadas en temas del corazón, muy criticonas y en una situación extremadamente incómoda. Pese a ello esta no es una comedia de situación, es una cinta que depende de sus diálogos. Tanto es así que no tienen ni que hablar los demás personajes ni figurantes del filme, solo Winona y Keanu.

‘La boda de mi ex’ trata de dos personas que no se conocen pero que han oído hablar el uno del otro. Coinciden tras ser «egoístamente invitados» a una boda. Pero antes incluso de la celebración ya se van encontrando, o más bien van teniendo encontronazos. Son dos seres con rarezas, amargados, insociables, que nos brindan charlas muy corrosivas. Funcionan como espectadores de todo el proceso que supone una boda, de todo el martirio social que conlleva ser comensal de un enlace matrimonial.

Además de una tronchante escena de cama en plena campiña sus malévolas conversaciones sobre las relaciones son lo mejor de esta película. Seguro que alguna vez os habéis sentado y habéis caído en la perversión de poner verde a los asistentes, aunque sea de broma. Pues nuestros protagonistas lo hacen por puro narcisismo, porque les gusta rebozarse en ese fango que se llama soltería y porque en su pasado hay una página pegada que no pueden pasar y prefieren seguir sobre-escribiendo en ella decenas de mentiras auto-impuestas. Y por si tuviésemos poco con todo el humor negro y satírico, el director Victor Levin ha tenido el buen juicio de ahorrarnos todo el espectáculo de las nupcias, es decir, como sus protagonistas son indiferentes al enlace nos ahorra el pasteleo.

Se percibe que el filme debe haber costado poco por la baja calidad de muchas de sus imágenes. Podría haberse planteado el proyecto como una serie de sketches tipo Saturday Night Live y habría funcionado igual de bien. Victor Levin ha montado una graciosísima película con muy pocos recursos y dos actores que sabía que funcionan muy buen juntos. Realmente se podría representar fácilmente ‘La boda de mi ex’ en una pequeña sala de teatro. Lo más probable y triste es que pase clandestinamente cual boda secreta por nuestras carteleras, pero ‘La boda de mi ex’ tiene el suficiente ingenio como para darle la oportunidad de la indulgencia.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2019. Título original: Destination wedding. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Victor Levin. Guion: Victor Levin. Música: Williams Ross. Fotografía: Giorgio Scali. Reparto principal: Keanu Reeves, Winona Ryder. Producción: Regatta, Sunshine Pictures, Service Fish, Thefyzz. Distribución: Diamond Films. Género: comedia romántica. Web oficial: https://www.destinationwedding-movie.com/

Ben Affleck, Oscar Isaac, Charlie Hunnam, Garrett Hedlund y J.C Chandor presentan ‘Triple Frontera’ en Madrid

Los protagonistas de la nueva película de Netflix posan para nuestras cámaras

Se ha celebrado la premiere europea de ‘Triple Frontera’ en Madrid y casi todos sus protagonistas han estado en la esta presentación celebrada en los Cines Callao. Solo ha faltado Pedro Pascal a una cita a la que han acudido Ben Affleck, Oscar Isaac, Charlie Hunnam y Garrett Hedlund. También ha estado presente el director J.C Chandor y varios productores de esta cinta que ya hemos podido ver y de la cual podréis leer nuestra crítica aquí el próximo lunes.

‘Triple Frontera’ se estrena el 13 de marzo en Netflix y trata sobre unos soldados retirados que tienen la oportunidad de aprovechar todo aquello que han aprendido en sus años de formación y servicio para su propio beneficio. Por primera vez en su vida pueden hacer algo para ellos mismos y no para el país y nadie se va a enterar. Pero algo se tuerce en esa furtiva misión y comienza una historia de supervivencia.

A continuación podéis ver fotografías de los famosos citados y de personalidades que quisieron acercarse a ver esta nueva película de acción y aventuras en compañía de sus grandes estrellas.

 

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Crítica: ‘El candidato’

Sinopsis

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La película cuenta la historia del surgimiento y caída del carismático senador que capturó la ilusión de los jóvenes votantes y fue considerado el candidato favorito para la nominación presidencial demócrata de 1988. Su campaña fue boicoteada por la historia de su relación extramatrimonial con Donna Rice, en la que puede ser considerada como la primera vez en la que el periodismo político se mezcló con el periodismo de tabloides, y Hart tuvo que abandonar la campaña – eventos que causaron un profundo y duradero impacto en la política estadounidense y en el escenario político mundial.

Crítica

Muy importantes sus mensajes, poco relevante el personaje

Echar mano de argumentos políticos casi siempre ha dado buen resultado. Malo es que no haya una parte de la audiencia que no empatice con la ideología o alegatos de los personajes en pantalla. Con esta nueva película de Jason Reitman (‘Up in the air’) profundizamos en los acontecimientos que rodearon el intento de candidatura de Gary Hart, pero no es el personaje como tal lo que más importa, si no los hechos o planteamientos que presenta.

Gary Hart era alguien receloso de contar su vida personal, como deberíamos ser todos con la vida privada de los demás. ‘El candidato’ surge de una novela del también guionista Matt Bai titulada ‘All The Truth Is Out (Toda la verdad está fuera)’. En ella hay muchas escenas íntimas que se supone que tienen mucho de imaginación o se han recreado a partir declaraciones o entrevistas de los protagonistas. Pero también analiza lo sucedido a partir la repercusión de dichos actos públicos.

Hart es un político cuya carrera para mí me es indiferente, que no tiene trascendencia o no es muy conocida si no estás muy metido en política. Es más, la película lo que expresa en líneas generales es que a nosotros no nos debería importar su vida, por lo que en ese sentido me deja igual que antes de verla. Lo que sí que marca un punto de inflexión es el modo en el que los periodistas le acecharon y como explotó la exhibición de los trasuntos personales de los políticos desde entonces. A priori esta puede parecer la recreación de la gestación y posterior caída de una carrera política, desde las razones y elección del candidato hasta los motivos por los que no llegó a la Casa Blanca. Pero en realidad la vida de Hart es solo la excusa para enarbolar determinadas moralejas y materias.

Están muy bien varios de los discursos que proyecta ‘El candidato’ hacia nosotros. No me refiero solo a los mítines políticos, si no a problemáticas que pone sobre la mesa y que hoy en día siguen vigentes. Uno de los más tratados es la prostitución de los medios de comunicación. La caída en el sensacionalismo. El foco en temas equivocados, que se alejan de lo que es realmente importante. Una manera de rebajarse por parte de los noticieros que por otro lado está legitimada y pagada por los lectores o espectadores que consumen más temas morbosos que provechosos. De eso trata en gran medida ‘El candidato’, de la comercialización y faranduleo del mundo de la política. De que al final tendremos los políticos que nos merecemos. Un dicho que seguramente podría emplearse en cualquier país y época pero que con Trump se ha materializado más que nunca.

También se pone muchas veces sobre la mesa la dignidad y respeto de la mujer. Las consecuencias de un político mujeriego no repercuten solo sobre su carrera, sino también sobre su esposa e hija. Respeto por parte de la persona que hace daño a su pareja y respeto por aquellos que también aprovechan para hacer leña del árbol caído. También se habla en determinados puntos sobre la importancia de no prejuzgar por las apariencias o por las intenciones de aquellos que hipócritamente se acercan a los que parece que tendrán éxito.

Para encarnar al político demócrata no es que se haya planteado un papel excesivamente difícil pero Hugh Jackman lo interpreta bien. Es fácil que con un rostro tan conocido como el suyo nos cueste toparnos con el personaje más que con la persona. Pero se diferencia mucho de otros papeles que ha ejecutado.

Ayudan mucho a sumergirse en los ochenta y en el político que interpreta Jackman las diferentes imágenes televisivas que se intercalan con las escenas de otros personajes. Nos sitúa así en uno de los momentos en los que las campañas electorales se convirtieron más en un tablón sentimentaloide que en una apuesta de futuro para una nación. Reitman marca aquí un buen punto de inflexión en la historia política para que se haga examen de conciencia y algunos procuren cambiar los hábitos de consumo.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de febrero de 2019. Título original: The front runner. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Jason Reitman. Guion: Jason Reitman, Matt Bai, Jay Carson. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Eric Steelberg. Reparto principal: Hugh Jackman, Vera Farmiga, J. K. Simmons, Alfred Molina, Mark O’Brien, Molly Ephraim, Kaitlyn Dever, RJ Brown, Mamoudou Athie. Producción: Columbia Pictures, Bron Studios, Right of Way Films, Stage 6 Films, Creative Wealth Media Finance. Distribución: Sony Pictures. Género: política, drama, adaptación. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/thefrontrunner/

Crítica: ‘The prodigy’

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El perturbador comportamiento del pequeño Miles hace sospechar a su madre, Sarah (Taylor Schilling), que una fuerza maligna y probablemente sobrenatural se ha apoderado de él.

Temiendo por la seguridad de su familia, Sarah debe elegir entre su instinto maternal de amar y proteger a Miles y la desesperada necesidad de investigar qué o quién le está provocando ese inquietante comportamiento. Pronto descubrirá que para poder salvar a Miles se verá obligada a buscar respuestas en un pasado muy peligroso y aterrador.

Crítica

Explota medianamente bien un nuevo y terrorífico concepto de niño superdotado

La trama de ‘The prodigy’ me ha parecido una mezcla entre ‘Muñeco diabólico’, ‘La profecía’ y ‘El pequeño Tate’. En la película de Nicholas McCarthy se juntan los temas paranormales, los psicópatas y los niños prodigio. En ella un niño muestra desde bebé que es capaz de aprender muy rápido y a sus ocho años empieza a inquietar a sus padres, los cuales se encuentran con un serio debate que enfrenta su paternidad y su buen juicio.

Lo cierto es que con el título que tiene más cosas en común es con el del muñeco asesino, de hecho podría funcionar como secuela o historia alternativa a lo que sucede tras la primera parte de la criatura de Don Mancini. No me gustaría destripar nada y entrar en demasiados detalles pues lo cierto es que el filme esgrime buenos argumentos y además hace uso de acertadas herramientas. En este título nos encontramos con un equilibrio entre escenas que ya son clásicas en las películas de terror de la época y momentos realmente originales. Se pueden reconocer varios referentes cinematográficos y aún así el filme evita repetirse demasiado, no podemos decir mucho eso de «¡qué topico!». Sí que es cierto que con algunas escenas y con varios detalles nos salimos del ambiente generado en la cinta. Pero no es difícil volver a enganchar la senda del thriller y del terror y eso que no emplea una atmósfera excesivamente oscura. ‘The prodigy’ tiene varias escenas que intrigan o incluso inquietan lo suficiente como para que estemos pendientes de lo que va a pasar con el niño.

Un chico que está interpretado por Jackson Robert Scott. Este joven al que hemos conocido en ‘IT’ o en ‘Fear the Walking Dead’ está bastante más que acertado. En esta ocasión tiene que jugar aún más con su rostro angelical para alternarlo con miradas aviesas. Aunque ha contado con la carta de la heterocromía (un ojo de cada color), que no es lo que tenía David Bowie como muchos piensan o como se apunta malamente en el filme.

En el reparto adulto tenemos a Taylor Schilling ejerciendo de madre que se ve ante la seria duda de si recurrir a la protección materna o al sacrificio. Menos presente está quien ejerce de padre, Peter Mooney (‘Heroes Reborn’) al contrario que Colm Feore (‘The Umbrella Academy’, ‘House of cards’) que protagoniza uno de los mejores momentos del filme. Esperaba ver más a Brittany Allen, sobre todo después de que me gustase su trabajo en ‘Saw VIII’ o sobre todo en ‘Extraterrestrial’ o ‘What keeps you alive’, pero su participación aquí, aunque indispensable, es escueta. Aún así me queda constancia de lo bien que se le da interpretar a alguien con dolor. Y como curiosidad me gustaría decir que uno de los personajes está interpretado por alguien que actuó en la serie que se hizo sobre ‘La profecía’, Elisa Moolecherry.

Muy bien el niño, pero en quien tengo puesto mi foco de atención es en el guionista. Jeff Buhler es quien ha escrito esta historia, que como he dicho tiene aciertos y desaciertos. Vamos a poder ver su trabajo en la adaptación de la obra de George R. R. Martin, ‘Nightflyers’ o en la nueva versión del ‘Cementerio de animales’ de Stephen King. Me han gustado los cánones de terror a los que ha recurrido añadiendo además algún toque nuevo. Al final emplea una solución que nos llega a través de un buen giro pero que podría haber ido un poco más allá, podría haber sido más intrépida, estando más alejada de desenlaces comerciales o frecuentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de febrero de 2019. Título original: The prodigy. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Nicholas McCarthy. Guion: Jeff Buhler. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Bridger Nielson. Reparto principal: Taylor Schilling, Jackson Robert Scott, Colm Feore, Brittany Allen, Peter Mooney, Paula Boudreau, Oluniké Adeliyi. Producción: Vision Films, Orion Pictures. Distribución: Filmax. Género: terror, thriller. Web oficial: https://whatswrongwithmiles.com/ http://theprodigy.filmax.com/

Crítica: ‘Best F(r)iends: volumen 1’

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Un vagabundo se hace amigo se hace amigo de un empleado de una funeraria bastante peculiar. Entre ellos surge una asociación bastante improbable. Sin embargo entre ellos surge la paranoia y empiezan a cuestionarse conceptos como la amistad y la lealtad.

Crítica

La mejor película en la que aparece e intenta actuar Tommy Wiseau

Ya me he topado las suficientes veces en el cine con Tommy Wiseau y hablado con gente que ha trabajado con él como para tener una opinión sólida sobre su persona y talento. Tras haberle visto, por supuesto, en ‘The Room’ y posteriormente en ‘Samurain Cop 2’, ‘Cold Moon’ o ‘The disaster artist’ puedo decir con mucho esfuerzo, aunque haciendo justicia, que este es el mejor título en el que aparece Tommy Wiseau. Pero puedo ir más allá, si no me había gustado ninguna de las películas en las que ha intervenido, aunque sea solo con un cameo, con ‘Best F(ri)ends’ debo admitir contra todo pronóstico que incluso me ha gustado.

Tommy Wiseau es una persona tan peculiar que es capaz de convertir un viaje entre amigos en una lucha por su supervivencia llena de paranoia. Eso nos aseguran que pasó realmente en esa excursión que hizo con Greg Sestero, en la cual se basa ‘Best F(r)iends’. Sestero ha escrito el guión y Justin MacGregor lo ha dirigido. Un desconocido y primerizo director con mucho más talento que Wiseau, eso queda claro nada más ver el plano aéreo que abre el filme.

La película comienza con una misteriosa situación para el personaje de Sestero y toda ella está rodada desde su punto de vista. Él es un vagabundo que conoce a un funerario (Wiseau) que le acoge y da empleo. Arranca ahí una historia de amistad con más de una referencia a ‘De ratones y hombres (Of Mice and Men)’ de John Steinbeck. A partir de entonces los elementos enigmáticos se amplían ya que Harvey Lewis (Wiseau) también tiene sus cosas raras y ocultas. La trama avanza de manera correcta e incorpora elementos de thriller a un ritmo adecuado y sin necesidad de elipsis o flashbacks. Vi esta película tras una maratón de CutreCon a las doce de la noche y cuando llegó el final me di cuenta de que no es que no me hubiese dormido, si no que me había entretenido. Y es más, me quedé con ganas de ver cuanto antes la segunda parte porque te dejan con intriga. Curiosidad que fue en aumento con la extrañísima escena final y su escena post-créditos.

Pero aparte de suspense con la película puedes sentir ganas de reír. Principalmente por las incoherentes frases que dice Wiseau con su inconfundible acento y por la manera de actuar tan horrible que tiene. Es una persona tan peculiar y extravagante que el personaje raroso que le han dado le viene como anillo al dedo. No sé porqué se empeña en hacer esas risas tan falsas y en cantar de ese modo tan esperpéntico.

Salta a la vista que ‘Best F(r)iends’ tiene mejor factura que ‘The Room’, por lo menos tiene más escenarios y el diseño de producción es mucho más pulido y convincente. Y desde luego está claro que intenta vivir del fenómeno generado por sus dos protagonistas con ‘The Room’. Ya no solo conservando unas actuaciones bastante malas si no introduciendo guiños muy reconocibles por aquellos que hayan visto la desastrosa obra de Wiseau. Está el absurdo momento pasándose la pelota o la manera de saludar con un «oh! Hi…». También aparece el DVD de la película en una de las habitaciones del filme. Lo curioso es que en todo el filme, tiendo a pensar que de manera intencionada, no aparece ninguna cuchara, hasta el punto de comer una tarta con tenedor. Ahora es cuando podemos dudar de si Wiseau se aprovecha del personaje que ha creado involuntariamente para seguir explotándolo o si realmente es tan malo. Me da la espina que sucede un poco de cada.

Aunque está bien rodada y la historia es interesante hay alguna que otra pega que va a parte del trabajo de sus actores protagonistas. La banda sonora está compuesta de una música pop que parece sacada de un anuncio de ropa. No es que no sea partidario de ese tipo de música, es que la mayoría de veces no pega ni con cola. No me extraña que suceda esto pues su compositor es Daniel Platzman, al que seguro que habéis oído en títulos como ‘Escuadrón Suicida’ o escuchado en algún concierto ya que es el batería del grupo Imagine Dragons.

La verdad es que puedo entender que tenga medias de puntuaciones en torno a un seis en páginas como IMDB o Rotten Tomatoes y eso que nosotros no somos de dar puntuaciones, pero las impresiones son satisfactorias. Pensaba que el fenómeno de culto de ‘The Room’ y el éxito de ‘The Disaster Artist’ habrían producido daños colaterales con otra majadería de Tommy Wiseau y Greg Sestero. Pero ciertamente si me pones esta película con unos actores diferentes, actuando como es debido, podría decir que es un título muy bueno. Pero esas interpretaciones que responden al intento de continuidad de unos personajillos o a la falta de talento hacen que se quede en un «necesita mejorar». Tengo que reconocer que me he entretenido con el guión de Sestero, pero los encuentros con el inconfundible Wiseau distraen mucho la atención, además de causar carcajadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de enero de 2019 (CutreCon). Título original: Best F(r)iends: Volumen 1. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Justin MacGregor. Guion: Greg Sestero. Música: Daniel Platzman. Fotografía: Justin MacGregor, Farhman Umedaly. Reparto principal: Tommy Wiseau, Greg Sestero, Kristen StephensonPino, Paul Sheer. Producción: Sestero Pictures. Distribución: proyectada en festival. Género: thriller. Web oficial: https://www.bf-movie.com/

Reseña: ‘Batman: la boda’

Argumento

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El Caballero Oscuro, todo un icono tanto dentro como fuera del cómic, vivirá muy pronto un suceso inédito en sus casi 80 años de trayectoria. Batman contraerá matrimonio con otro personaje histórico del noveno arte, conocido por aficionados de todo el globo, ¡Catwoman!

Reseña

Pasa lo que tenía que pasar

Ya tenemos entre manos uno de los grandes eventos de DC cómics en este 2018. Por fin ha llegado a España el número 26 de la colección Batman y en él llega la tan anunciada boda de Batman. No es la primera ocasión que el hombre murciélago se casa, esto ha sucedido antes pero en la imaginación o sueños uno de los famosos Robin. Hemos visto fugazmente a Batman casado con Batwoman pero es realmente Catwoman quien, irónicamente dicho, se lleva el gato al agua.

El difícil justiciero ha abierto las puertas de su corazón a la felina ladrona. Durante números anteriores de la colección (8, 13, 19, 23, 25) hemos visto como este impactante anuncio causaba diferentes reacciones en los distintos personajes de Gotham y el universo DC. ¿Qué opinan los villanos? ¿Cómo será el vestido de la novia? ¿Está invitado el Joker? ¿Cómo fue la pedida de mano? Tras resolver todos esos acertijos llega en este número 26 la respuesta al enlace que ha tenido incluso un número especial como preludio.

Durante una noche acompañamos a Batman y Catwoman por los callejones y azoteas de la ciudad de Gotham. Mientras ellos deciden casarse al alba y nos van rememorando cómo se conocieron y contando las razones de su enamoramiento. Estos flashbacks y elucubraciones están representados a modo de splash pages. Páginas que podrían ser portadas por sí mismas y que son el verdadero tesoro de esta grapa. Ilustraciones que han sido realizadas por ases del cómic que alguna vez han estado involucrados en las historias de Batman. Os costará elegir una favorita entre las imágenes creadas por estrellas como Frank Miller, Lee Bermejo, Neal Admas, Rafael Albuquerque, Ty Templeton, Greg Capullo, Lee Weeks, José Luis García-López y un largo etcétera. Dibujos que nos llevan por distintas etapas que se han generado en los 80 años de Bruce Wayne como Batman y nos rememoran por lo tanto a distintos estilos gráficos o los respectivos cambios de traje.

Entre tanta galería de viñetas a página completa tenemos la historia hilada por Tom King y dibujada por el español Mikel Janin. El artista nacional conocido por su trabajo en ‘Justice League Dark’ (entre otros) ha elaborado un grandioso cómic con mucho sabor clásico pero a la vez con personajes muy modernos y definidos. Al igual que el entorno que les rodea, el cual no está falto de detalles y exhala tanto aires tradicionales como corrientes nuevas y frescas. El talentoso guionista Tom King nos ha reservado una estupenda y obvia resolución a este enlace que está precedida de conversaciones y pensamientos que van perfectamente acordes a los dos personajes protagonistas.

Batman decide ser feliz, alejarse del drama y la tragedia que dan sentido a su vida de justiciero para enlazarse a una de sus villanas más recurrentes y entrañables. La razón de ser de Batman se pone en entredicho con este evento que para bien o para mal podría cambiar la manera de ver al héroe.

Ficha del cómic

Guion: Tom King. Dibujo: Mikel Janin. Portada: Mikel Janin. Editorial: ECC. Datos técnicos: 48 págs., grapa, color, 16x25cm. Publicación: diciembre de 2018. Precio: 3,25€.

Crítica: ‘Lo que esconde Silver Lake’

Sinopsis

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Sam (Andrew Garfield) es un tipo desencantado de 33 años que descubre a una misteriosa mujer, Sarah (Riley Keough), bañándose en la piscina de su apartamento.

Cuando esta desaparece, Sam se embarca en una búsqueda surrealista a través de Los Ángeles para descifrar el secreto que hay detrás de su desaparición, llevándolo a las profundidades más oscuras del misterio, el escándalo y la conspiración de la ciudad.

Crítica

¡Vaya pulp-ería hay bajo Silver Lake!

Al igual que en un pulpo varias ramificaciones como si fuesen tentáculos se extienden por toda la película de David Robert Mitchell y nos van agarrando como si tuviesen ventosas. Esa extrañeza, esa fluidez de los pulpos, esa enigmática forma de nadar la tiene ‘Lo que esconde Silver Lake’. Su fantasía, su lascividad, su insolencia, su sarcasmo y su misterio se asemeja a las publicaciones pulp y eso a mí me engancha siempre. En ciertos aspectos nos puede recordar a ‘El Gran Lebowski’ y en otros a una absurda aventura gráfica. Este título que sucede a ‘It follows’ en la filmografía del director es una obra rara, atrevida y personal que demuestra que Robert Mitchell tiene talento.

‘Lo que esconde Silver Lake’ da juego para un montón de cavilaciones, algunas trascendentes otras más superficiales. Silver Lake tiene varias profundidades. Según vamos escudriñando el largometraje descubrimos estas ideas en primer plano o en el fondo de las escenas. Dependiendo de cómo estéis de receptivos os puede parecer que esta es una película que no tiene por donde cogerse o que la puedes enfocar de muchas maneras. Dentro de sus disparates y yo creo que analiza nuestra escala de valores, nuestra sociedad, los cánones establecidos, la vacuidad en la opulencia. Pero me gustará ver lo que se va comentando tras su estreno.

Tiene un muchos guiños y críticas a la cultura popular y a aquellas cosas con las que nos sentimos alineados día a día. La referencias cinéfilas están por todas partes, hay apuntes a Hitchcock así como a películas antiguas o modernas todo relacionado por supuesto con lo que decía antes de la cultura popular. Incluso hay guiños a Spider-Man, personaje que Garfield interpretó hace años. Llevaos una libreta a la película por si no queréis dejaros detalle que debatir tras su visionado pues son muchos. Lo que nos viene sugerir es que nos planteemos si elegimos nosotros el camino que recorremos y qué nos hace sentir bien durante nuestro trayecto.

Andrew Garfield está magnífico. Es el protagonista y la narración está siempre centrada en él. No siempre hace falta que un personaje nos haga llorar a chorretones o reír con la mandíbula desencajada. Su interpretación como un joven decaído, voyeur y vago funciona muy bien.

‘Lo que esconde Silver Lake’ es una locura, una ida de olla. Su trama desconcierta al personaje y desconcierta al espectador pero aún así engancha. Continuamente te preguntas ¿y por qué no? En su extravagancia y en sus rarezas encontramos multitud de componentes que nos mantienen a la expectativa y su resolución final me parece factible pese a ser una golosina para los amantes de las conspiraciones. Porque otra cosa no, pero paranoia no le falta al filme.

No es una obra maestra pero si es una película en la que se plasman buenas ideas y alusiones. Le sobran algunos tramos y tanto sexo gratuito. Tiene más erotismo que ‘It follows’ y eso que esa película parecía tratar sobre un cobrador del frac salidorro. Al igual que las publicaciones pulp, como el fanzine que lee el protagonista, lo más seguro es que este título quede para un público de culto, que seguro que con el tiempo irá sorprendiendo a todos aquellos a los que se lo recomienden.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de diciembre de 2018. Título original: Under the Silver Lake. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: David Robert Mitchell. Guion: David Robert Mitchell. Música: Disasterpiece. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Andrew Garfield, Riley Keough, Topher Grace, Jimmi Simpson, Grace Van Patten, Rex Linn, Sky Elobar, Stephanie Moore, Sibongile Mlambo, Laura-Leigh Claire, Patrick Fischer. Producción: Stay Gold Features, Michael De Luca Productions, Vendian Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: thriller. Web oficial: https://a24films.com/films/under-the-silver-lake

Crítica: ‘Bailando la vida’

Sinopsis

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Cuando ‘Lady’ Sandra Abbott (Imelda Staunton) descubre que su marido, con el que está casada hace 40 años, tiene una aventura con su mejor amiga, busca refugio en Bif (Celia Imrie), su hermana mayor. Las dos son diametralmente diferentes. Sandra es un pez fuera del agua en comparación con su descarada hermana que encadena citas sin el más mínimo complejo.

Sandra necesita probar algo nuevo y, de mala gana, deja que Bif la arrastre a su clase de baile donde poco a poco empieza a encontrar el ritmo… y el amor.

Crítica

Comedia ligera balanceada con drama y baile.

Imelda Staunton protagoniza una nueva película acercándose de este modo a los cien títulos en su carrera. ‘Mucho ruido y pocas nueces’, ‘Little Britain’, ‘Pride’… No cabe duda de que la comedia es su punto más fuerte y si de algún modo puede acaparar papeles principales es en ese género. Aunque también la hemos disfrutado en  ‘Vera Drake’ o en ‘Shakespeare in love’ títulos con más tintes dramáticos. En ‘Bailando la vida’ nos da una de cal y otra de arena, combina tanto humor como desventura, aunque parece que lo que más se impone en esta ocasión es el drama y esto lo podemos extrapolar al resto de la película.

Al igual que en el reciente estreno español de ‘La tribu’ nuestra protagonista sufre un revés en su perfecta vida y descubre que bailar es un medio ideal para ausentarse de su pasada realidad y ponerse en una posición que la hace más feliz de lo que era antes. Todo esto viene aderezado con un tipo de humor que se podría decir es diametralmente opuesto al de la película de Fernando Colomo, por supuesto. El humor inglés obviamente está presente, no tiene ni una frase ni una escena que se pase de la raya. ‘Bailando la vida’ es una comedia bastante cordial y sencilla con un guion bien estructurado en cuanto a ritmo pero quizá excesivamente cargado de tragedias. No hacía falta tanto contraste trágico para una comedia que tampoco es hilarante.

Pero la música y el baile no son los únicos revulsivos que encuentra la aristócrata que interpreta Imelda Staunton. Celia Imrie hace las veces de su reencontrada hermana en la ficción y como su personaje es radicalmente diferente tienen choques en ocasiones divertidos. Tanto ella como la pandilla variopinta de amigos londinenses en la que le sumerge le descubren el amor y la vida procaz que llevan, como si fuesen unos púber encerrados en los cuerpos de un sexagenario. Como he dicho antes esto nos lleva a situaciones cómicas bastante contenidas, pero también a muchos puntos la mar de tristes.

Esto nos acerca a algo curioso del filme. Porque con una de las personas con las que más escenas comparte Imelda Staunton en esta película es con Timothy Spall. Un actor con quien tiene en común dos grandes títulos como ‘Harry Potter y la Orden del Fénix’ y ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 1’ pero con quien jamás había compartido un set de rodaje, con quien nunca había rodado una escena. Esto no ha sido impedimento para que ambos funcionen bien en pantalla, para que haya química, no solo entre ellos, sino también con Celia Imrie con quien si había trabajado Staunton en ‘La niñera mágica’ o con quien Spall si que había coincidido en películas como ‘Un golpe brillante’.

Lo que nos transmite ‘Bailando la vida’, más que siempre estás a tiempo para encontrar el amor, es que siempre puedes darte cuenta de cuáles son tus prioridades y el estilo de vida que has querido llevar. No me ha parecido una película romanticona como sugiere su tagline «nunca es tarde para el amor», es más acertado (aunque comprendo el cambio por la dificultad de la traducción) el empleado en su versión original «everyone deserves a second dance» (todo el mundo merece un segundo baile). Hace un juego de palabras con la expresión chance (oportunidad) y dance (baile) en el sentido de que ni es tarde para disfrutar del amor, ni para descubrir nuevas vivencias.

Otro hecho curioso es que dos de los amigos de las protagonistas residan en dos barcos llamados Mayflower y Philona. Esto tiene su sentido, no solo son dos barcos emblemáticos que realmente se puedan encontrar por los canales de la City. El primero tiene el nombre de la que fue la embarcación que transportó por primera vez ingleses a tierras norteamericanas. ¿Significado de esto? Quizá su presencia se deba al hecho de que la protagonista se embarque en una nueva aventura en tierras hasta entonces inexploradas para ella. Y Philona es un barco de la Pequeña Venecia que al igual que esta película hace mucha referencia al baile dado que está decorado con músicos y bailarines. Puede que sea darle mucha vuelta de tuerca a algo anecdótico o puede que el director Richard Loncraine no haya querido dejar nada al azar en su película.

Hacer examen de conciencia, poner los pies en la tierra, tomarse el día a día o el amor de otra manera, mirar los reveses de la vida y esperar a la muerte con sentido del humor… son temas que se han manejado muchas veces en el cine. ‘Bailando la vida’ no viene para deslumbrarnos con nada transgresor. Es una comedia ligera que nos entretiene y puede que según en qué momento de tu vida te coja te toque la fibra sensible.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de abril de 2018. Título original: Finding your feet. Duración: 111 min. País: Reino Unido. Dirección: Richard Loncraine. Guion: Meg Leonard, Nick Moorcroft. Música: Michael J. Mcevoy. Fotografía: John Pardue BSC. Reparto principal: Imelda Stauton, Timothy Spall, Celia Imrie, David Hayman, John Sessions, Joanna Lumley. Producción: Eclipse Films, Catalyst Global Media, Powder Keg Pictures. Distribución: Wanda Visión. Género: comedia, romance. Web oficial: https://www.findingyourfeetfilm.com/

Impresiones del 3×13 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Final con fantástico para el Ministerio.

Nuevo homenaje  a Chicho Ibañez Serrador, van dos en una semana. Tras el que vivimos en el Festival Nocturna con el maestro presente, al cual podéis ver en nuestras fotografías, los guionistas de ‘El Ministerio del Tiempo’ han tenido a bien rescatar su época para que volvamos a verle en sus momentos más genuinos. Sergio Villanueva le ha interpretado maravillosamente en el episodio 34 de la serie de Javier y Pablo Olivares, el número 13 de esta tercera temporada que ha llevado el título de ‘Entre dos tiempos’.

Por avatares de la trama nos han brindado una versión sesentera de las serie, nos hemos sumergido en un meta universo, en un juego autorreferente, en una serie dentro de otra serie. Ha sido muy gracioso el opening vintage que ha jugado con los nombres reales de los actores. La recreación ha servido para revivir, aunque sea a modo de parodia, momentos entrañables de otras temporadas. Pero esa anécdota no ha hecho más que poner en peligro la mítica ‘Historias para no dormir’ y para muchos esta misión, el hecho de salvar estas historias puede haber sido más importante que salvar la propia historia de España.

Pero no ha sido lo más importante de esta última aventura que ha dirigido Miguel Acantud (‘Águila Roja’). Una gran verdad sobre la España actual ha llegado al Ministerio y a ella se han tenido que enfrentar nuestros agentes. Esa es la última misión han tenido que afrontar en este capítulo de cierre, no voy a dar más detalles pues las proporciones en esta ocasión han sido brutales. También hay que señalar que ha trabajado como actor el presentador Luis Larrodera, cerrando el círculo de este capítulo homenaje pues fue el último en presentar el programa que dirigió Chicho y que tantas noches nos mantuvo ensimismados, el ‘Un, dos, tres… responda otra vez’. Su rol no conviene desvelarlo tampoco por no destripar lo sucedido en el episodio, pero está muy bien traído. Sin duda  es un recurso mucho mejor que el de las sociedades secretas.

Ha sido el capítulo más afinado y acertado de todos los de la temporada, uno de los mejores de toda la serie, a la altura del gran homenajeado. Colofón de los buenos.

Además hemos descubierto más cosas sobre la vida de Lola Mendieta y Alonso da un paso muy importante en su vida. Esto sería muy valioso si el episodio no tuviese tanto sabor a despedida, de hecho no se han resistido a emitir una última frase con Rodolfo Sancho al final de los créditos. Javier Olivares ha adelantado en entrevistas que de momento no habrá cuarta temporada. ¿Queréis que continúe el Ministerio? En las redes sociales los ministéricos se pronunciaban pidiendo su continuidad con hashtags como #RenovacionMdT. Si os sumáis a ellos puede que la unión haga la fuerza.

Impresiones del 3×11 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Protagonismo cantado para Angustias.

Con el buen clima que está haciendo casi que le damos toda la razón al título de esta semana. Es ‘Tiempo de verbena’, obviamente el episodio más castizo de lo que va de serie. Una misión trivial a la par que simpática a la que ha costado ver la justificación de la intervención de la patrulla del ministerio pues no ha habido perturbación en la historia por parte de alguna sociedad secreta o alguien ajeno a la época. Con Fernando Albizu, Manuel Galiana y Bruno Oro como actores invitados interpretando a personajes de esa época hemos visto como los guionistas encontraban soluciones idénticas a las empleadas a las que vimos en el capítulo de Goya y su maja. Además esta pequeña aventura ha sido resuelta torpemente para poder darle su momento de gloria a Angustias, que por mucho que haya encontrado hueco para homenajear a Lina Morgan sigue sin tener razón para haberse inmiscuido en una historia en la que no parecía haber ocurrido nada sospechoso.

Más carga de importancia para la trama central han tenido las dos historias paralelas de este episodio. Las sociedades secretas tienen en el punto de mira al ministerio más querido de todos los españoles y ya están infiltrados hasta lo más profundo de sus estamentos. El cara a cara entre Alonso y Arteche, esa especie de Lobezno del Ángel Exterminador, ha sido de lo mejor del episodio y además ha dado como resultado la revelación que ya iba tocando que se produjese. Gran recurso y curioso personaje surgido de ‘Un soldado español de veinte siglos’ de José Gómez de Arteche que se ha quemado demasiado pronto. Suponemos que lo que ha hecho Arteche es evitar que su yo pasado beba aquello que le da la inmortalidad. Porque si lo que hace es morir sin más no borra lo que ha hecho hasta ese momento y no tiene sentido que cambie su rostro en el cuadro de Las Lanzas.

La otra historia paralela trata la Amnesia de Marta. Lo cierto es que es un elemento muy de telenovela y cada intento del ministerio por hacerla reaccionar parece más cruel: hacerla ver que ya no tiene 16 años mirándose en el espejo, mostrarla como la atacó su padre… Una cosa es dudar de ella y la otra es martirizarla. Métodos de Irene al margen esperemos que se resuelva pronto si Marta finge o si tiene utilidad dramática esta amnesia pues ocupa bastantes minutos de capítulo.

Enfilamos los tres últimos episodios, contando con este que acabamos de ver. Es decir, nos quedan dos a partir de ahora. Ya solo visitaremos un par de veces más el Ministerio del Tiempo, hay muchas cosas por cerrar y parece que cada vez se vuelve todo más complejo y fantástico. ¿Cómo se resolverá la temporada?

Impresiones del 3×09 de ‘El Ministerio del Tiempo’

A partir de ahora pueden cambiar muchas cosas.

‘El cisma del tiempo’. Ese es el capítulo que ha servido para que llegue la primera misión oficial de Lola Mendieta (Macarena García) con la patrulla del Ministerio. Y esta ha empezado a hacer uso de sus conocimientos en arte para sacar de más de un apuro a sus compañeros, algo muy coherente ya que cuando veíamos a la Lola interpretada por Natalia Millán siempre estaba relacionada con tráfico de piezas artísticas.

Un capítulo muy valorable, transcurrido casi todo en Peñíscola, pues cumple la función que muchas veces ha realizado la serie, la de enseñar historia. Y es que esta no es del todo tan conocida para muchos como cabría esperar y algunos espectadores han descubierto la historia del Papa Luna, Benedicto XIII, aquel cuya insistencia dio origen a la expresión de «mantenerse en sus trece». Un personaje histórico, y ahora televisivo, que ha sido interpretado muy entrañablemente por Gerardo Malla (‘Doctor Mateo’).

Según nos aproximamos al final de la temporada las misiones se van volviendo más críticas y delicadas para el Ministerio. En esta ocasión El Ángel Exterminador ha atacado a la raíz de El Ministerio del Tiempo secuestrando a Abraham Levi, el rabino que creó el Libro de las Puertas. Esta es muestra de la subida gradual de intensidad que se está realizando en la temporada. Además de que en este episodio hemos tenido menos gags.

Por otro lado ha habido una historia paralela, como suele ser habitual, en la que hemos vuelto a ver a Adolfo Suárez, en una escena que ya vimos recreada en el cómic, que por cierto hemos estado sorteando estas semanas. En dicha aventura ha aparecido también Enrique Villén haciendo un guiño a una serie española tan conocida como lo fue ‘Cámera Café’.

Pero quizá lo más importante de todo el capítulo es la conclusión de que si se puede viajar al futuro, aparte del viaje de regreso al tiempo del que se provenía como muchos decíamos que ya se estaba haciendo. Esto ha estado hilado con otro tema comiquero, con los tebeos y el serial ‘Diego Valor’, por lo que más tarea divulgativa para este estupendo episodio. Quién sabe, quizá en próximas entregas los guionistas de El Ministerio del Tiempo y los artistas de User T38 nos regalen algunas imágenes de una España en el 2025. De momento lo único que ya sabemos del futuro de la serie es que en el capítulo 10 regresa Velázquez, que no es poco.

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