Mientras el FBI intenta atrapar a un retorcido asesino en serie, una agente descubre una serie de pistas que podrían llevarla hasta el criminal y poner fin a su terrorífica ola de asesinatos.
Crítica
La tensión de ‘Longlegs’ me genera mono por el cine de Oz Perkins
Nicolas Cage levanta pasiones hoy en día, prueba de ello es que está viviendo una segunda o tercera juventud artística. Su último estreno, ‘Longlegs’, ha sido todo un taquillazo en USA, superado solo por la última película del universo ‘Gru’. Costó unos 10 millones, dejándose la mitad del coste del rodaje en el caché del actor y gastando casi lo mismo en publicidad. Se rentabilizó solo con la taquilla norteamericana en su primer fin de semana de estreno.
‘Longlegs’ ha llegado a cines anunciando que co-protagoniza Nicolas Cage, pero no se ha querido mostrar ni una sola imagen de él, ni en vídeos, ni en fotos, ni en carteles. ¿Justificado? Resulta que sí. Ese secretismo es parte del marketing que atraerá a sus fans con el dial de curiosidad al máximo y cuando empieza la película se prolonga como herramienta para fomentar el suspense, pero he de decir que a mi se me ha roto el efecto muy tempranamente.
Oz Perkins, hijo de Anthony Perkins (‘Psicosis’) y director de la versión oscura del cuento de Hansel y Gretel, es el director de este nuevo thriller policíaco. Tanto él como Cage han declarado que ‘Longlegs’ es un homenaje a sus madres. Mi impresión es que vista bajo ese prisma esta película es un tributo un tanto cuestionable y retorcido, no quiero saber cómo eran sus madres pues la película llega a ser por momentos turbia, inquietante y oscura, pero como decía antes, hay algo que destroza por completo la atmósfera conseguida.
Con imágenes y un devenir similares a ‘Zodiac’, ‘S7ven’, ‘El silencio de los corderos’ o ‘El coleccionista de huesos’ se consigue una película la mar de eficiente en la mayoría de sus secuencias. La película está compuesta por planos tranquilos rotos a veces por momentos o sonidos impactantes con un rojo setentero que siempre nos imbuye un horror sangriento. Es de admirar el cuidado que ha puesto Perkins en la imagen, llena de grandes y estudiadas composiciones, con zooms y algún paneo, sin travellings o steadicams que alteren el ritmo. En ese modus operandi de contar historias seguimos a una agente especial del FBI que tiene eso, bastante de especial. Se intuye que la protagonista reprime algo gracias a la gran interpretación de Maika Monroe y ello se suma al misterio del asesino al que persigue con una capacidad casi clarividente. Su papel me recuera un poco al Patricia T. Arquette en ‘Medium’. Teniendo en cuenta que dos de las películas más exitosas de Monroe, ‘It follows’ y ‘El extraño’, tratan sobre mujeres que son acosadas, pensaba que este filme iba a tratar una vez más de lo mismo. En parte sigue ese leitmotiv, pero se sale por la tangente. El problema no es ella ni esa especie de cruzada de concienciación que está haciendo con su carrera, sobra decir que argumentos y razones no le faltan.
Tanto el casting como el tratamiento de los personajes de Maika Monroe y Alicia Witt me parecen un acierto. Muchos le tienen estigmatizado pues lo suyo ha hecho para ganarse esa fama, pero Nicolas Cage tiene muy buenas películas sin necesidad de ser comedidas o chifladuras palomiteras. ‘Longlegs’ se suma a ese saco de buenos largometrajes en los que está participando Nicolas Cage últimamente, tales como ‘Pig’ (de la misma productora) o ‘Dream Scenario’. Pero no precisamente gracias a él, que una vez más demuestra que interpretar personajes extremos o lunáticos sacan su lado más histriónico. Hay que reconocer que el maquillaje, casi a lo Eric Stoltz en ‘Mask’ no ayuda y parece más un Celebrities de Joaquín Reyes. Esto y la manera de gritar y reír del descendiente de los Coppola desmontan la peli. Cage ha declarado que debido a su violencia no quiere volver a interpretar un papel como este, yo desde luego se lo agradecería pues no exhibe aquello que le hace divertido, ni en el buen ni en el mal sentido.
Aunque como fan de Cage estoy decepcionado y como amante del terror me esperaba una resolución más aterradora he de decir que ‘Longlegs’ es una gran experiencia. De hecho ahora tengo más ganas de ver ‘El mono’, el próximo proyecto de Oz Perkins que adaptará un relato de Stephen King contando con Theo James y Elijah Wood.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de agosto de 2024. Título original: Longlegs. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Oz Perkins. Fotografía: Andrés Arochi. Reparto principal: Nicolas Cage, Maika Monroe, Alicia Witt. Producción: C2 Motion Pictures Group, Oddfellows Entertainment, Range Media Partners, Saturn Films, Traffic. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror, suspense. Web oficial:https://c2motionpictures.com/project/longlegs/
Dos actores y una actriz se encuentran en plena actuación sobre el escenario de un teatro ante un público algo escaso cuando, de repente, un espectador se pone de pie e interrumpe la obra porque «no le está entreteniendo».
Crítica
Un acto de ridiculez subversiva
¿Alguna vez habéis oído eso de “tiene una puesta en escena muy teatral”? Pues Quentin Dupieux a.k.a. Mr. Oizo lo hace literal. ¿Habéis tenido alguna vez las ganas de levantaros en medio de una película u obra de teatro y exteriorizar vuestro descontento? Pues Dupieux lo hace también literalmente. ¿Habéis pensado alguna vez que a vosotros se os ocurriría mejor historia que a los guionistas? Nuevamente, Dupiex materializa esa posibilidad. Su última película estrenada en España, ‘Yannick’, no es un acto de provocación ni de apología por la falta de originalidad actual, pero si es un acto rebelde tan absurdo como como la vida misma.
A cualquier superproducción de esas que se realizan a base de talonario y superestrellas sin apenas guión se le puede tachar de poco inédita. Pero a las películas de Dupieux jamás se le puede atribuir esa falta. El director francés nos asalta de nuevo con su increíble capacidad de sorprendernos con situaciones cada vez más absurdas. En este caso se ciñe más a lo plausible y materialmente posible alejándose de lo fantástico de últimos títulos suyos como ‘Mandíbulas’, ‘Fumar provoca tos’ o ‘Increíble pero cierto’ y nos traslada a la platea de un teatro. Más que nunca el director se pone en la piel del espectador mostrando cuan exigentes podemos llegar a ser a cerca del entretenimiento que consumimos, evidentemente, haciendo uso de sus características situaciones desconcertantes.
¿Te crees con mejores ideas o talento que aquellos que producen historias? Pues como decía Edu Soto cuando interpretaba el personaje de David Mecha, “¡Hazlo tú! Parece que es lo que piensa el protagonista de la película, Yannick, interpretado magníficamente por RaphaëlQuenard. Nada fácil materializar a un tipo tan conflictivo, singular y a aparentemente inofensivo a la vez. Este individuo asiste a una obra de teatro pero se aburre tan soberanamente que decide interrumpirla. Por si es poco extraño e inaudito que esto ocurra, sucede que es un personaje que dice todo lo que le pasa por la cabeza, con lo que su interrupción se convierte en un acto de ridiculez subversiva.
La propuesta del filme cuadra perfectamente con las ideas locas que Dupieux pone habitualmente en marcha, desarrollando siempre con una duración corta, lo cual nunca se agradece lo suficiente. La de ‘Yannick’ podría ser perfectamente una película que esté completamente improvisada pero al final se revela un objetivo, quizá un intento por desvelar la falta de pasión en la profesión o quizá una manera de maximizar los anhelos del espectador por huir de la realidad.
Dicho así todo esto suena a drama profundo y meditabundo. Pero evidentemente hay mucha comedia aunque hay que advertir que con esta película hay que estar más versado que nunca en la obra del director, sobre todo para captar, no la broma, sino el estilo del chiste. Por que además este es uno de los títulos en los que se percibe más que nunca que tiene una habilidad incuestionable y admirable para alagar las escenas sin que se hagan pesadas. Al igual que sucede con los actos del protagonista, te hace rehén y partícipe de su historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de enero de 2024. Título original: Yannick. Duración: 67 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Raphaël Quenard, Pio Marmaï, Blanche Gardin, Sébastien Chassagne, Jean-Paul Solal, Mustapha Abourachid, Sava Lolov, Franck Lebreton, Félix Bossuet, Charlotte Laemmel, Agathe L’Huillier. Producción: Chi-Fou-Mi Productions, Atelier de Production, CNC. Distribución: Filmin. Género: comedia. Web oficial:https://diaphana.fr/film/yannick/
‘No me llame Ternera’ presenta una entrevista exclusiva con una de las figuras clave de ETA: Josu Urrutikoetxea, más conocido como Josu Ternera. El documental, presentado por Jordi Évole, analiza la trayectoria de la banda terrorista y aborda algunos de sus momentos más significativos hasta su disolución en 2018. Esta conversación permite a una víctima resolver incógnitas del atentado que sufrió hace casi 50 años.
Crítica
Un incómodo careo para ambas partes
‘No me llame Ternera’ es una entrevista documental que parte de una dolorosa sorpresa. El reportaje inicia con una conversación con un antiguo policía y víctima del terrorismo, Francisco Ruíz Sánchez, al cual se le descubre con asombro detalles del día en que fue tiroteado, hace casi 50 años. El resto de la entrevista es un cara a cara a base de plano contraplano que, como es habitual en los trabajos de Jordi Évole, no tiene pelos en la lengua y toca más que nunca un tema conflictivo, una herida que aún hoy en día está abierta. Y lo hace haciendo un repaso cronológico y empleando por supuesto imágenes de archivo.
‘No me llame ternera’ es un careo incomodo para ambas partes. Muestra de ello es el mismo título que parte de la constante negación por parte de Josu Urrutikoetxea alias Ternera a ser referido por un apodo que, según relata él, no fue escogido y como tal nunca lo ha utilizado. A pesar de lo intimidatorio que pueden resultarse mutuamente uno exhibe sus planteamientos sin tapujos ni medias tintas y el otro midiendo mucho sus palabras, con un discurso que ha ido evolucionando e interiorizando con los años, propio de alguien que se ha equivocado prolongadamente en el tiempo de una manera calamitosa y aun así intenta reacondicionar su discurso para mantener su causa. Esta película nos muestra al terrorista evitando cuidadosamente decir ciertas cosas o emplear ciertos términos para ofrecer su versión, por supuesto, esquivando el hecho de mencionar a algunas personas. Para él los atentados eran acciones, por ejemplo. Por el contrario Évole formula las preguntas y las adecúa también en función del relato que ofrece el entrevistado para, sin ningún miedo, ponerle contra las cuerdas.
Es una entrevista con muchísimo valor histórico que a muchos puede indignar, pues puede parecer que está dando voz a un miembro de la extinta E.T.A. Pero en mi opinión Ternera se ha exhibido demasiado y se ha retratado como muchos realmente pensábamos que era. En sus intentos por zigzaguear por las distintas etapas de la historia que Évole va enumerando, el abertzale queda expuesto y desenmascarado. Se intenta mover por una zona gris en la que solo en escasísimas ocasiones tiene justificación. Le pilla en más de un renuncio, como cuando se habla de clasificar las víctimas o la comparativa con los yihadistas.
‘No me llame Ternera’ se mueve por tres caras de la misma cosa: la víctima, el entrevistador y el miembro de la banda. Tres visiones muy distintas y encontradas solo en ciertos puntos del relato que sirven también para mostrar que en España todos los participantes de la historia se han encontrado de un modo o de otro. Ahora que se habla tanto de amnistía, aquellos que estén flojos de memoria, verán todo aquello que hizo sobre todo el gobierno de Aznar y también todos los errores y aciertos que cometieron las distintas legislaturas del PSOE. No respalda para nada la trayectoria de Josu Tenera pero si se atisba una intención hacia el entendimiento, la conciliación y el diálogo. Es por eso que ‘No me llame Ternera’ se percibe como algo atrevido y controvertido. Aún más de lo que han sido obras como ‘Fe de etarras’, ‘La línea invisible’, ‘Maixabel’ o ‘Patria’. Ver el conflicto desde estas perspectivas quizá nos ayude a superarlo y a pasar página evolucionando como sociedad en paz y democracia.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: No me llame Ternera. Duración: 101 min. País: España. Dirección: Jordi Évole, Màrius Sánchez. Guion: entrevista documental. Fotografía: Paco Amante. Reparto principal: Jordi Évole, Josu Urritikoetxea alias Ternera, Francisco Ruíz Sánchez. Producción: Producciones del Barrio. Distribución: Netflix. Género: documental. Web oficial:ver en Netflix.
Narra la historia de Tim Ballard, un ex Agente de Seguridad Nacional de Estados Unidos que dejó su trabajo para dedicar su vida, sumergiéndose en el submundo del tráfico de personas a lo largo de Latinoamérica, a intentar salvar las vidas de cientos de niños.
Crítica
Una película mucho menor que toda la controversia que se ha generado
Llega a nuestras taquillas ‘Sound of freedom’. Una película que se ha convertido en un fenómeno de esos que surgen de manera esporádica. Ya no se sabe si ha vendido muchas entradas por la polémica que ha generado o ha causado controversia a partir de sus proyecciones y aquello a lo que se le ha asociado. Incluso es un filme del que se dice que ha comprado su propia taquilla (con un «innovador» sistema de regalo de entradas a terceros), algo no tan extraño en la industria y en este caso no del todo errado pues Angel Studios, distribuidora que finalmente se hizo con el largometraje, ofrece poder verla gratis en USA proporcionándote un lugar donde visionarla.
Comencemos con Angel Studios. Parece que lo de apropiarse de la palabra “libertad” por parte de la derecha religiosa no es algo solo de España. Angel Studios (que solo tiene que ver con el Padre Ángel la afiliación a la palabra de Dios) surgió a partir de la inquietud de sus creadores a la hora de asegurar contenido apropiado para el público infantil. Con mensajes como “Nuestro compromiso de compartir contenido que amplifique la luz…” promocionan audiovisual como ‘The Chosen’ que también está teniendo cierto éxito a través de la narración de la vida de Jesús de Nazaret. La trama de ‘Sound of freedom’ no entiende de creencias o politiqueos. Y no, Hollywood no está evitando que la veas por estar presuntamente vinculado, simplemente no ha encajado en los planes de majors como Disney que la rechazó tras haber comprado Fox por no verla rentable. Obviamente ha habido un revulsivo que ha demostrado el error. Pero… ¿Sin este rechazo y soporte de las parroquias cristianas que apoyan a Angel Studios habría habido efecto llamada?
Evidentemente el abuso infantil y el tráfico de personas es algo que hay que erradicar. Lo malo de la película de Alejandro Monteverde es que se le ve el plumero con el sensacionalismo de algunas escenas y los alegatos patrióticos o ultraconservadores. La obra fue estrenada el 4 de julio, tenemos a un padre de familia numerosa, van a comer a un restaurante llamado American Burgers, es el típico héroe americano hace de caballero andante, el actor protagonista es abiertamente ultracatólico… Cabe señalar también que todo esto está basado en hechos reales. No encontramos aquí nada descarado ni dicen en ningún momento estar alineados con ningún movimiento conservador, pero los tópicos hablan por si mismos y el origen de la distribuidora que ha comercializado el filme es aún más indiscutible.
Dado su argumento se ha vinculado la película con teorías conspirativas de QAnon tales como aquella que afirma que Donald Trump tiene una cruzada contra determinadas élites demócratas que se dedican a la pedofilia o incluso a los ritos satánicos. De ahí parte el fenómeno de masas y hay que reconocer que ‘Sound of freedom’ en ningún momento se pronuncia contra esos lobbies sistémicos o carga contra nadie en concreto. Aunque hay que hacer honor a esa verdad también hay que conocer la trastienda y descubrir detalles tales como que el productor Eduardo Verastegui (protagonista de una de las películas de Monteverde), pone en su Instagram “los niños de Dios no están a la venta”. Que se lo digan a monaguillos como los que retrata ‘Gracias a Dios’, por ejemplo. Nos llega así la sensación de una gran hipocresía que revela una vez más que aquí solo queremos ver lo que nos interesa. Pero no voy a ser como los políticos que solo saben defenderse sacando mierda del lado contrario y nunca demostrando que son inocentes de aquello a lo que se les acusan. ¿La película logra incomodar a ciertos poderes fácticos o genera una alarma social desmedida? Una vez más habrá que decir aquello de que “nadie está en posesión de toda la verdad”. Aquí lo único evidente es que hay podredumbre en todas partes, da igual el color o la ideología.
Puestos en situación creo que ya he dejado claro que esta no es una película que se posicione voluntaria o abiertamente. Como thriller policíaco o película clásica de extracciones está bien rodada y se atreve con un tema cuanto menos incómodo. Un tanto excesivamente larga, llena de esos tópicos que tanto se han usado cuando se narra la historia de un agente con complejo de ángel de la guarda, pero hay que reconocer que en el plano técnico está bien realizada. A Jim Cavizel parece que ya solo le vemos en producciones que tienen que ver con sus creencias o realizadas por su grupo de amigos. Como actor creo que ha demostrado su valía muchas veces y en ‘Sound of freedom’ no está parco en recursos.
Morbo es una palabra que se ajusta bien a ‘Sound of freedom’. Un morbo repugnante empuja a los villanos que abusan de niños y menos deleznable y más comprensible es el morbo de aquellos que se acerquen al cine a ver qué sucede realmente con este largometraje. Ya hemos visto películas movidas por pulsiones repelentes como las snuff films o sin ir más lejos tenemos el ejemplo reciente de ‘Mantícora’ aquí en España. Lo que más se amolda a este largometraje si queréis recurrir a ficciones similares es la trilogía de Carmen Mola. Una obra que también habla de poderosos secuestrando niños y que tampoco está exenta de polémica por lo que ha generado un intenso debate. ¿A caso no es ese uno de los objetivos del arte y el entretenimiento?
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Título original: Sound of freedom. Duración: 131 min. País: EE.UU. Dirección: Alejandro Monteverde. Guion: Rod Barr, Alejandro Monteverde. Música: Javier Navarrete. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Jim Caviezel, Mira Sorvino, Bill Camp, Kurt Fuller, Gerardo Taracena. Producción: Metanoia, Santa Fe Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: suspense, hechos reales. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/sound-of-freedom
En la década de los 60’s y 70’s, repleta de libertad creativa y donde se inició el movimiento musical latinoamericano de éxito planetario: la Bossa Nova, un periodista musical de Nueva York comienza una trepidante investigación detrás de la misteriosa desaparición del pianista brasileño, Tenorio Jr, habitual de Vinicius de Moraes, entre otros. Este thriller de animación al ritmo de jazz y bossa-nova supone un punto de inflexión justo antes de que el continente latinoamericano fuera envuelto por regímenes totalitarios.
Crítica
Nostálgica y dolorosa a la par que pedagógica
Fernando Trueba vuelve a aliarse con Javier Mariscal, el mismo que diseñó a Cobi, la mascota de las olimpiadas de Barcelona 92, para hacer otra película de animación, ‘Dispararon al pianista’. De nuevo el aroma a club de jazz underground y el misterio embadurnan un proyecto realizado con mucha clase y estilo.
El hilo de la película lo marca un periodista musical (con la voz de Jeff Goldblum) que acaba de rebote indagando sobre la sospechosa o misteriosa desaparición del pianista brasileño Francisco Tenório Júnior, un personaje nada ficticio que resultó relevante y muy querido en la escena del jazz y la samba del Brasil de los 70. De hecho, es considerado por muchos el “eslabón perdido de la modernidad artística” ya que la última vez que se supo de él tenía 34 años y un solo álbum. ‘Dispararon al pianista’ nos traslada a un mundo marcadamente latino y agradecidamente musical, de hecho no es escasa la presencia de músicos reseñables con lo que la película se alza como una masterclass. Pero también hay un carácter político en el filme pues todo lo sucedido en los últimos días de este músico acaeció en el marco de las dictaduras de Sudamérica, lo cual nos lleva a la Operación Cóndor.
La historia es interesante y está bien narrada. Pero evidentemente llama mucho la atención su animación. Está hecha como por capas con todos los personajes como vectorizados y parcos en detalles. Estéticamente nos consigue llevar al Brasil de los setenta o a nuestros años recientes ya que en los planos generales sí que se recrean. Pero el movimiento es lo que le juega una mala pasada. Faltan frames, no hay fluidez y todo va a trabones. La sensación es de una animación torpe pero cabe señalar que se le da más importancia a los parecidos y al detalle de cada fotograma. Creo que este proyecto se ha hecho con consciencia de cómo se iban a mover los personajes de Mariscal, entre los que se mueve algún que otro perro con forma de Cobi. Con todo y con esto es como estar viendo un cómic en movimiento, de hecho, quizá sea más disfrutable el tomo con sus fotogramas plasmados en viñetas.
La película aporta mucha información sobre esta curiosa aunque trágica historia. Está repleta de detalles reales como las últimas palabras de Tenorio, «Voy a salir a comer un sándwich y a comprar un remedio. Ya vuelvo». Con ello quiero decir que ‘Dispararon al pianista’ funciona mejor como documental que como novela negra. Es nostálgica y dolorosa a la par que pedagógica. Cuenta con nombres como Vinicius de Moraes, João Gilberto o Caetano Veloso a si es que es un regalo para los melómanos en el sentido que he remarcado en la anterior frase.
‘Dispararon al pianosta’ te puede gustar si te gustó ‘Chico y Rita’ o ‘Black is Beltza’. Desde la animación bucea por la historia del otro lado del charco buscando perspectivas nuevas y descubriendo aquellas crónicas más olvidadas.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Título original: Dispararon al pianista. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Fernando Trueba y Javier Mariscal. Guion: Fernando Trueba y Javier Mariscal. Música: Joao Gilberto, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Vinicius de Moraes, Paulo Moura. Reparto principal: Jeff Goldblum. Producción: Fernando Trueba Producciones Cinematográficas, Constellation Productions, Gao Shan Pictures, Les Films d’lci Méditerranée, Prima Linea Productions, Submarine. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial:https://bteampictures.es/they-shot-the-piano-player/
La cinta de terror titulada ‘El hombre del saco’ es el nuevo largometraje de Ángel Gómez Hernández, que explora, revela y nos trae a la gran pantalla el popular personaje que tantas pesadillas ha provocado entre los más jóvenes y que nos sumerge en los orígenes españoles de la historia: un almeriense enfermo de tuberculosis dispuesto a cualquier cosa para curarse, incluso a beberse la sangre de los niños que secuestra en un saco. El rodaje de la película, que acaba de finalizar, se ha desarrollado en localizaciones de Cádiz, Madrid y Gran Canaria.
El actor Javier Botet (‘IT: Capítulo 1 y 2’, ‘Mamá’, la saga [•REC]’), figura clave del cine de terror a nivel nacional e internacional, se convierte en El Hombre Del Saco, acompañado por la reina del grito y nominada al Goya Macarena Gómez (‘30 Monedas’, ‘Musarañas’, ‘Las brujas de Zugarramurdi’) y el ganador del Goya Manolo Solo (‘El buen patrón’, ‘30 monedas’, ‘Tarde para la ira’).
Además, ‘El hombre del saco’ cuenta con un destacado reparto de jóvenes intérpretes como Lorca Prada (‘El universo de Óliver’), Claudia Placer (‘Verónica’), Iván Renedo (‘Mamá o papá’ ¨Malasaña 32¨), Carla Tous (‘Alma’), Guillermo Novillo (‘Veneno’) y Lucas de Blas (‘Voces’).
¿Ficción o realidad?, ¿leyenda o historia negra de España?, se nos plantea en ‘El hombre del saco’. El primer largometraje de ficción que se atreve con una figura tan popular que ha alimentado y sigue alimentado las pesadillas de millones de niños de nuestro país y de todo el mundo desde hace años.
Álvaro Ariza, productor de la película revela que “’El hombre del saco’, nace con un personaje real de mi tierra, Andalucía. La historia era tan fascinante que cuándo Ignacio Cucucovich me ofrece desarrollar y producir juntos este guion vinculado al terror juvenil, de la mano de Juma Fodde (‘No Dormirás’, ‘Lobo Feroz’, ‘Virus 32’) y con las aportaciones creativas del que es su socio y un referente del género, Mother Superior, Gustavo Hernández (‘La casa Muda’, ‘Virus 32’…), no lo dudé. Si encima incorporamos a la dirección a otro gran gaditano, Ángel Gómez Hernández, y se suman al proyecto Bowfinger International Pictures, AF Films, BTF Media, Atresmedia Cine y Prime Video, la película se convierte en un sueño cumplido”.
Ignacio Cucucovich añade: “Como productor y fan de cine de género me dedico a investigar y desarrollar historias que asusten, y si son populares y universales mucho mejor. Nos dimos cuenta de que ‘El hombre del saco’, o El Viejo de la Bolsa — como es conocido en el Río de la Plata, de donde provengo— o el Ropavejero en México, está basado en un personaje que existió realmente en Andalucía, España, y se expandió por todo el mundo. ¡¡Teníamos todos los ingredientes!! Para mí es maravilloso trabajar con productores como Álvaro Ariza y Mª Luisa Gutiérrez para ponerlo en marcha y hacerle justicia al mito. Si sumamos a un equipo artístico maravilloso, liderado por Ángel Gómez Hernández y secundado por Juma Fodde Roma, llevamos esta historia a otro nivel”. “’El hombre del saco’ es un proyecto único en su género, del cual nos sentimos orgullosos de coproducir. Es el tipo de películas que reúne todos los elementos para ser exitosa tanto en Europa como en América. Estamos seguros que la leyenda trascenderá toda frontera y conseguirá aterrar a niños y adultos por igual», afirman Francisco Cordero y Ricardo Coeto de BTF Media.
Su director Ángel Gómez Hernández comenta: “Cuando Álvaro Ariza me ofrece este proyecto pensé que con ‘El hombre del saco’ hablamos del primer monstruo que cualquier niño descubre en algún momento temprano de su vida. Antes que Frankenstein, Drácula, Slenderman… Millones de niños pertenecientes a muchísimas culturas y países han oído hablar de él. Pero, ¿qué es y quién es en realidad ‘El hombre del saco’?”.
Está producida por Esto También Pasará, Mother Superior y Bowfinger International Pictures, en asociación con AF Films, BTF Media, Atresmedia Cine, CREA SGR y Mogambo. La película llegará a las salas de cine en 2023 y posteriormente aPrime Video.
Una historia de tres mujeres relacionada por el Estado Islámico
‘Sinjar’, el tercer largometraje de la directora Anna M. Bofarull, podrá verse dentro de los Pases Especiales de la Sección Oficial que organiza el Festival de Málaga en su 25 edición y, posteriormente, en el BCN Film Fest.
La película está dirigida y producida por la propia Bofarull y muestra hasta dónde están dispuestas a llegar tres mujeres para recuperar a sus familiares, en una ficción basada en historias reales.
‘Sinjar’ está protagonizada por la reciente ganadora del Goya, Nora Navas (‘Libertad’, ‘Dolor y gloria’, ‘Pa negre’) y por la actriz Halima Ilter (‘Jiya, Zagros’). Junto a ellas, participa en la película Eman Eido, una víctima real del Estado Islámico, secuestrada y vendida con 9 años. Eido se pone por primera vez frente a cámara para este proyecto.
El filme se ha rodado en el Kurdistán iraquí, escenario de dos de las historias, grabadas en localizaciones reales en Oriente Medio. También cuenta con secuencias grabadas en las localidades de Barcelona, Tarragona y Sant Boi de Llobregat.
Los largometrajes documentales ‘Notas al pie’ (2009) y ‘Hammada’ (2011) de Anna M. Bofarull han sido premiados y proyectados en festivales internacionales como Montréal, Sao Paulo, Thessaloniki, Reykjavik, Dubai y Las Palmas, entre otros. Su primer largometraje de ficción, ‘Sonata para violonchelo’ (2015), fue proyectado y premiado en más de 20 festivales internacionales -Montréal, Málaga, Filipinas, Valladolid, Milán, Gijón, Londres, etc. Su segundo largometraje de ficción, Barcelona 1714, se estrenó en salas en 2019. ‘Sinjar’ es su tercer largometraje de ficción, seleccionado en L’Atélier – Cinéfondation del Festival de Cannes 2019 y premiado en el European Work In Progress Cologne 2020.
Integrada por la guionista y directora Anna M. Bofarull y los productores Marian Matachana y Heiko Kraft, los proyectos de KaBoGa cuentan con un marcado carácter social de interés universal, así como un espíritu joven, femenino y arriesgado. KaBoGa ha producido los largometrajes documentales Notas al pie, Hammada y La noche que no acaba, así como los largometrajes Sonata para violonchelo, Barcelona 1714 y Sinjar.
Sinopsis oficial:
En Barcelona, Carlota emprende desesperadamente la búsqueda de Marc, su hijo adolescente que ha huido de casa sin dejar rastro. A miles de kilómetros, Sinjar, la región situada en la frontera entre Irak y Siria, vive bajo la amenaza de la guerra. Allí, Hadia es obligada a vivir como esclava junto a tres de sus hijos al servicio de una familia. En cambio, Arjin consigue escapar del cautiverio y, en su intento de regresar a casa, terminar uniéndose a las milicias kurdas. Tres mujeres separadas de sus seres queridos. ¿Hasta dónde estarán dispuestas a llegar para recuperarlos?
El próximo miércoles 17 de noviembre tendréis en la parrilla de RTVE Play la serie de 6 episodios llamada ‘Yrreal’. Un título juvenil, descarado, violento y desmadrado. Una historia que pese a recordar a dramas como el de Marta del Castillo o Diana Quer logra divertir y sensibilizar a partes iguales.
En ‘Yrreal’ una chica (Veki Velilla) busca con la ayuda de las redes a su hermana desaparecida. Pero precisamente el social media se vuelve en su contra cuando es grabada secuestrando al principal sospechoso del caso. Comienza así una persecución en compañía de una excéntrica compinche (Angy Fernández).
La trama de la serie es del tipo carrera a contrarreloj, Coyote versus Correcaminos. Seguimos los pasos de dos agentes que van en busca de las protagonistas y los de estas en busca de la solución del misterio. El camino que siguen está lleno de tensión pero sobre todo predomina el humor negro y la violencia. La pareja de esta especie de buddy movie se convierte en un equipo justiciero de andar por casa que a la vez esconde un misterio extra.
El devenir de las dos jóvenes puede recordar al de muchos personajes de Guy Ritchie por su carácter delictivo y torpe. ‘Yrreal’ tiene ese punto cómico y sarcástico del director británico y al estar dirigida a una audiencia más bien joven me parece una buena propuesta que puede sembrar el gusto por este tipo de historias. Pero uno de sus mayores ganchos, que nos aportan ese sabor tan moderno y actual, es la animación. La serie tiene muchos momentos en los que la imagen se adorna o enfatiza a través de efectos animados 2D, al más puro estilo ‘Scott Pilgrim’. Sin duda la serie de Alberto Utrera bebe del manga o el anime y Nuño Benito lo plasma muy bien con sus dibujos.
Salvando las distancias a otra historia que me ha recordado es a ‘Kick-ass’. Los personajes están bastante trastornados, las justicieras son totalmente novatas, la violencia no se camufla y se trata un fenómeno viral de carácter cuestionable. Está claro que Utrera, director de ‘Smoking club’, tiene estilo y sentido del humor, algo que empieza a ser la marca de MoA Studio. Con ‘Yrreal’ logra un resultado más satisfactorio que con su película de 2017. Ambas tienen mucho diálogo y fumeteo pero hablando coloquialmente con la serie se ha flipado más pues introduce muchos efectos visuales y bastante acción. Y usa esos elementos para enarbolar una trama de venganza femenina, de justicia ciudadana.
Hay que reconocer que se nota diferencia entre Veki y Angie, es decir, que una tiene más tablas o talento que la otra. Aunque al cabo de poco importa muy poco esa diferencia porque el personaje de Angie está tan zumbado que divierte mucho. La verdad es que viéndola en esta historia me han dado más ganas de ver a Veki Velilla en ‘¡García!’ la serie que adaptará el cómic que os reseñamos aquí.
Con mayor o menor acierto en España se van sacando producciones que se quitan los corsés clásicos y que reciben apoyo o financiación para poder adaptarse a los nuevos tiempos. Ejemplos son el ‘Xtremo’ o ‘El vecino’ de Netflix. Y ahora con muchísimo más tino ‘Yrreal’.
Macarena García, Iñaki Ardanaz y Gorka Otxoa nombres destacados
Ayer tuvo lugar la presentación a medios de ‘Paraíso’, la nueva serie original de Movistar+, producida en colaboración con The Mediapro Studio, que se estrenará en exclusiva en Movistar+ el viernes 4 de junio. Fernando González Molina (‘Palmeras en la nieve’) dirige esta serie de género fantástico, con elementos de aventura y misterio, ambientada en la España de 1992. La serie ha sido creada por el mismo González Molina, junto a Ruth García (‘El incidente’) y David Oliva (‘El incidente’).
En el acto estuvieron presentes los protagonistas de ‘Paraíso’: Macarena García (‘El ministerio del tiempo’), Iñaki Ardanaz (‘La víctima número ocho’), Gorka Otxoa (‘Fe de etarras’) y los jóvenes intérpretes Pau Gimeno (‘Billy Elliot’), Cristian López (‘Billy Elliot’), León Martínez (‘Superlópez’), Héctor Gozalbo (‘Nada será igual’), María Romanillos (‘Antidisturbios’) y Patricia Iserte.
Ya podemos ver un primer teaser donde vais a notar muchas similitudes con ‘Stranger Things’, música incluida.
El director Fernando González Molina ha explicado cómo se gestó la serie: “’Paraíso’ nace de todas nuestras obsesiones infantiles y juveniles. El cine de Spielberg, de Joe Dante, de John Hughes, de Zemeckis. Esa necesidad de sumergirte en una realidad paralela es el principal objetivo que nos ha llevado a construir este mágico Paraíso. La ambición de Paraíso es sentar delante de la televisión a toda la familia. En el fondo, nuestra historia habla de la pérdida, de la necesidad de trascender, de la adolescencia como ese momento vital en el que nos sentimos perdidos y también capaces de todo. Habla de crecer y ser adulto, y del miedo que eso nos provoca. Y de que la vida no merece la pena si no es para vivirla con la gente a la que amamos”.
Ruth García, creadora y guionista de la serie, ha contextualizado la historia de ‘Paraíso’: «Retrata una época de incertidumbre en la que todo se hace por primera vez. Un viaje iniciático de madurez que habla del descubrimiento del amor, de la construcción de una amistad indestructible entre cuatro chicos normales y corrientes, que se convierten en héroes, pero que son peces fuera del agua en un mundo donde parece que no hay hueco para ellos. La serie es el regreso a las pelis de los 90, al cine con el que crecimos y que nos hizo amar el oficio de contar historias».
El rodaje, que duró 15 semanas, se desarrolló a lo largo de 2020 en diferentes localizaciones de Valencia (Parque Natural de la Albufera, Sueca; El Perelló, Xilxes; Requena; Oliva y Villargordo del Cabriel), Alicante (Benidorm; Altea, Jávea, Santa Pola, Calpe, Parque Natural de Sierra Helada y Alfaz del Pi) y Madrid.
Sinopsis oficial:
Levante, 1992, final del verano en un pueblo de la costa. Sandra, Eva y Malena, de 15 años, desaparecen en una discoteca sin dejar rastro. La policía no parece estar buscando en la dirección correcta, por eso Javi, el hermano pequeño de Sandra, comienza una investigación junto a Quino y Álvaro, sus mejores amigos, y Zeta, el matón de la clase. Juntos descubren que quienes tienen a su hermana no son de este mundo.
‘Paraíso’ consta de siete episodios de 50 minutos de duración.
Para celebrar el estreno de ‘Paraíso’, Movistar+ pondrá en marcha una atractiva oferta de contenidos que hará las delicias de quienes recuerdan con emoción aquellos años 90 y de los más jóvenes que quieran descubrir aquella época que sirve de referente a la serie. Movistar VHS (dial 23) será un canal efímero basado en nuestro retroverano del 92. Aquel en el que sonaba la música de Mecano y OBK, íbamos en bici, quemábamos los recreativos y pasábamos las noches viendo pelis del videoclub. En Movistar VHS estarán disponibles algunas de las películas que los protagonistas de la serie habrían encontrado en el videoclub de su barrio. Un homenaje a ‘Paraíso’ y a todo su universo.
Tyler Rake (Chris Hemsworth) es un intrépido mercenario del mercado negro sin nada que perder que recibe un encargo muy peligroso: rescatar al hijo secuestrado de un capo de la mafia que se encuentra en prisión. En el turbio submundo de los traficantes de armas y los narcos, una misión que se preveía letal pasa a convertirse en un desafío prácticamente imposible que cambiará para siempre las vidas de Tyler y el chico.
Crítica
La mano de un especialista a la dirección hace buen tándem con los puños deHemsworth
Sam Hargrave es especialista de acción (o coordinador de estos). Por sus entrenamientos y coreografías acrobáticas han pasado actores como Charlize Theron, Ryan Reynolds, Jason Momoa, Chris Evans, Ben Affleck… pues ha trabajado en películas como ‘Conan el bárbaro’, ‘Los Vengadores’, ‘Green Lantern’, ‘El llanero solitario’, ‘Runner runner’… Ahora por primera vez asume el papel de director de largometrajes con ‘Tyler Rake’.
Así es que de nuevo bajo la atenta mirada de sus anteriores productores, Anthony y Joe Ruso, ha cogido a una de las estrellas con las que ha trabajado todo este tiempo (Chris Hemsworth) y ha elaborado una película de pura acción la mar de solvente y tan bien encapsulada como una bala de 9 mm.
En ella Hemsworth es un rudo mercenario que acepta el encargo de rescatar al hijo de un mafioso de la India, el cual, está encerrado en la cárcel. Obviamente todo es aún más duro de lo que parece porque el chico está en manos de un rival al que se refieren como “el Pablo Escobar de la India”. Pero nuestro protagonista es un soldado de fortuna que ahoga sus penas en alcohol y se lanza al peligro de cabeza, que continúa hasta el final aunque su camino le lleve por cloacas en las que vomitando se mejoraría el olor.
Con este director, actor protagonista y sinopsis evidentemente nos proporcionan una coreografía más compleja que la que Hemsworth luce en la saga ‘Vengadores’. Y ya fuera de la infantilización de Marvel Studios podemos hablar de una cinta más violenta. Tyler Rake es un tipo que lucha hasta la extenuación por las largas situaciones de peligro en las que le vemos y eso también nos muestra que en lo que se refiere a exigencia física y pragmatismo esta película le ha pedido un plus a Hemsworth. Plus que ha aportado perfectamente. ‘Tyler Rake’ nos da muy buenas persecuciones y tiroteos acompañados de lucha cuerpo a cuerpo con pistola. La ciudad es un campo de tiro y por ella nos llevan a buen ritmo. Simplemente se nos da un descanso muy largo y con poco que aportar a la hora de película, justo en el momento en el que se incorpora a la trama DavidHarbour. Pero si alguien contribuye muy bien a que esta sea una película de acción completa es Randeep Hooda, un buen rival en pantalla.
No tenía conocimiento de esta película hasta hace muy poco, hasta el punto de que se nos pasó en nuestra tertulia de cine inspirado en cómics. Y es que ‘Tyler Rake’ surge de la novela gráfica ‘Ciudad’ de Ande Parks, que sucede en Ciudad del Este (Paraguay). Una obra en la que los hermanos Ruso (uno de ellos también guionista de la película) estaban tras la concepción de la historia. De esas viñetas extrae algunos encuadres parecidos, un guión calcado al que le añade cosas, la violencia con los niños, el carácter temerario del protagonista y la inclusión de una constante acción. Pero como he dicho la película está ubicada en la India, no en Sudamérica, tiene que rescatar a un chico en vez de a una chica, el mercenario descansa en la Australia natal de Hemsworth y no en Madagascar… Sutiles cambios que no dejan de hacer que esta sea una buena adaptación. No entrará en las listas de los mejores cómics adaptados por la poca repercusión que tendrá o por no tratarse de un cómic mediático pero es muy fiel tanto al espíritu original como a los giros de guión que importan.
Es de estas películas que arrancan adelantando su clímax, pero sin destriparse a sí misma. Y me ha gustado como llega la primera de sus muertes, de sopetón, como declarando que esta no es una película para niños. Más adelante puedes adivinar ciertas cosas, son clásicas en estas películas de malos absolutos contra tipos duros con corazoncito. Lo que no me esperaba era que tuviese ciertas escenas difíciles de manejar para el protagonista, donde vemos que tiene sus límites pero tampoco se anda con tapujos.
Aún no entiendo cómo funciona la cabeza de los «creativos» o comerciales que cambian el título a las películas en España. El nombre original de ‘Tyler Rake’ (‘Extraction’) habría funcionado perfectamente. Quizá han querido hacer un Bourne o un Wick, ambas películas con buenas peleas y además una de ellas también dirigida por un buen especialista de acción. Tampoco entiendo que la película no acabe en el puente, a no ser que como en los otros casos quieran hacer saga.
Película de acción que pese a ser predecible cumple con el objetivo de darnos adrenalina mezclada con sangre y olor a rueda quemada. Si además sabemos que es leal a la novela gráfica de la que parte puedo asegurar que es una película muy sincera con sus pretensiones.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de abril de 2020. Título original: Extraction. Duración: 107 min. País: Estados Unidos. Dirección: Sam Hargrave. Guion: Joe Ruso. Música: Alex Belcher, Henry Jackman. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto principal: Chris Hemsworth, Rudraksh Jaiswal, Randeep Hooda, Golshifteh Farahani, Pankaj Tripathi, Priyanshu Painyuli, David Harbour. Producción: AGBO, India Take One Productions, T.G.I.M. Fillms, Thematic Entertainment. Distribución: Netflix. Género: acción. Web oficial: ver en Netflix
Ganadora del premio «Nuevas Voces/Nuevas Visiones» en el Festival de Palm Springs
La película ‘Canción sin nombre’ ha sido reconocida con el premio Nuevas voces/Nuevas visiones del Festival Internacional de Cine de Palm Springs. Este certamen es uno de los festivales de cine más grandes de América del Norte. Cada año recibe a más de 135.000 asistentes, célebres largometrajes y documentales internacionales. El Festival también es conocido por su gala anual de premios de Cine, en honor a los mejores logros cinematográficos del año y este año celebra su 31ª edición.
‘Canción sin nombre’ es la ópera prima de Melina León protagonizada por Pamela Mendoza, Tommy Párraga y Lucio Rojas. Es la historia de Georgina Condori, una música andina cuya bebé recién nacida desaparece misteriosamente. En medio del caos político de la época, Pedro Campos, un joven periodista limeño toma a su cargo la investigación y emprende junto a ella la desesperada búsqueda.
Elena recibe una llamada de Iván, su hijo de seis años, quien le dice que está perdido en una playa en Francia y que no encuentra a su padre. Esas palabras desesperadas de su hijo fueron lo último que supo de él.
Diez años más tarde, Elena vive en la misma playa donde desapareció su hijo, trabaja de encargada en un restaurante y está empezando a salir de ese oscuro túnel donde lleva anclada tanto tiempo.
Su vida se agita de nuevo cuando conoce casualmente a Jean, un adolescente francés que le recuerda a su hijo. Entre ellos surge una fuerte conexión que acabrá sembrando el caos y la desconfianza a su alrededor.
Crítica
Un ‘Call me by your name’ malsano
Al igual que el filme con el que he hecho un símil en mi titular, ‘Call me by your name’, la película tiene instantes donde es claramente contemplativa y otros donde la intensidad está muy medida. El filme es igual de cristalino, de veraz y de emotivo. Pero de manera muy diferente a la película de Guadagnino ‘Madre’ se torna en algo bastante insano, algo que es perjudicial para la salud mental y sentimental de la protagonista interpretada por Marta Nieto. Ella está inmersa en una ofuscación y un trauma que solo se puede quitar con una catarsis. Lo malo es que para encontrar ese punto de inflexión el modo que elige o más bien se encuentra, es del todo nocivo o perjudicial, tanto para ella como para los que la rodean. No obstante se detecta entre ella y el joven que conoce una simbiosis que a ambos les da la vida.
Sorogoyen resuelve el cortometraje tan agobiante y fuerte que le llevó a estar nominado al Oscar. Nos da un final pero es muy distinto a como muchos habrían imaginado que podría haber sido, quizá de ahí puedan venir muchas decepciones con esta versión extendida en forma de largometraje de más de dos horas. También es cierto que por el modo en como acaba el corto o empieza la película la imaginación del espectador puede volar por muchas vías y eso hacer que esté predispuesto a desilusionarse con la resolución de Sorogoyen y Peña. Explica poco y también explica mucho. No cuenta cómo o qué pasó con el niño perdido en el corto. Está más centrado en el impacto que tuvo esa pérdida. Por eso podemos decir que si explica mucho ya que si ahonda en una obsesión que condena a la vida sentimental de la protagonista casi al suicidio.
El filme comienza con la repetición del cortometraje, al espectador no le hará falta rebuscar para verlo, y acaba con casi una repetición de este. Está lleno de momentos de calma con largos paneos pero también de agitadas situaciones. Se vuelca una y otra vez en los mismos argumentos y le resta razón de ser a esta expansión a largometraje.
De la película salvo la gran interpretación de Marta Nieto. Ella se lleva casi todo el peso del filme con una interpretación la mar de emotiva. Hace que el ‘Madre’ resulte interesante aunque sea redundante. Sin ella o sin sus aportaciones como actriz esta ‘Madre’ nos habría dejado huérfanos de entretenimiento y sentimiento.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Madre. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Marta Nieto, Álex Brendemühl, Jules Porier, Anne Consigny, Frederic Pierrot, Guillaume Arnault. Producción: Amalur Pictures, Arcadia Motion Pictures, Caballo Films, Le Pacte, Malvalanda, Noodles. Distribución: Wanda Films. Género: drama. Web oficial:https://www.wandafilms.com/site/sinopsis/madre
Diciembre de 2012. Al cabo de cuatro meses de cautiverio en Siria, dos periodistas franceses son liberados. Gabriel, el más joven, tiene algo más de 30 años. Después de pasar chequeos médicos y contestar a muchas preguntas, puede estar con su familia y su novia. Transcurren unas semanas, e incapaz de encontrar un rumbo, decide ir a Goa, donde creció. Allí conocerá a Maya.
Crítica
Da el espacio necesario al drama y al romance
Un joven consigue escapar de su secuestro por parte del ISIS y regresa a París, ciudad donde reside. Otros podrían haber realizado un dramón con esta película, otros podrían haberse centrado en los traumas que sufren las personas retenidas contra su voluntad o amenazadas de muerte y otros podrían haber generado un thriller político a partir de esta premisa. En lugar de ello lo que nos propone la parisina Mia Hansen- Løve en su sexta película es un tratamiento más valiente y menos desalentador. Se agradece este enfoque diferente que tiene ‘Maya’ sobre un tema actual y que en el cine siempre se ha ajustado a los términos de la tragedia o la desdicha.
El protagonista está interpretado por Roman Kolinka, quién ya trabajó con la directora y con Isabelle Huppert en ‘El porvenir’. Me ha encantado la manera en como el guión hace que este reportero afronte poco a poco la situación de la que se acaba de salvar. También me ha gustado cómo lo ejecuta el actor. Hay una frase que lo define: «el psicoanálisis lo necesitan mis captores», recuerdo que dice grosso modo. Rehuye el trato de víctima e intenta pasar página volviendo a sus raíces. Ese es el punto fuerte de ‘Maya’, la manera en cómo se diferencia de otros títulos con similar sinopsis.
En ese regreso al lugar donde se crió es donde el francés conoce a Maya, la hija de su padrino. A la India es donde se trasladó su madre en su infancia y allí es donde nos topamos con un choque de culturas. La debutante Aarshi Banerjee es quien interpreta a Maya. Tengo que reconocer que no me ha parecido una interpretación buena. Me ha resultado muy forzada, demasiado pausada. Su personaje cambia de tema con cada pestañeo y me ha costado creérmelo. Pero si me ha quedado claro que está tratada con una sensibilidad cuidada. Más que la interpretación del personaje tenemos que observar lo que representa para el protagonista.
El filme tiene virtudes, como una acertada música que funciona en cada momento en el que se introduce. También posee buenas tomas y buenas secuencias. Se me ha quedado grabada la transición que se realiza para pasar de París a la India con solo un plano contraplano en un coche.
Como en casi todas las películas podemos extraer varias lecturas de ella. Una de ellas es que alojarse en grandes urbes no tiene porque ser el sueño de toda persona inteligente o civilizada. Pero sobre todo me gustaría señalar que hay un momento en el que el protagonista consulta una web llamada Zero Censorship. Lo hace por motivos que no quiero desvelar pero me viene muy bien para deciros que esta es una película que nos dice que no pongamos censura ni a nuestros sentimientos ni a nuestros sueños.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo de 2019. Título original: Maya. Duración: 107 min. País: Francia, Alemania. Dirección: Mia Hansen-Løve. Guion: Mia Hansen- Løve. Fotografía: Hélène Louvart. Reparto principal: Roman Kolinka, Aarshi Banerjee, Alex Descas, Pathy Aiyar, Suzan Anbeh, Judith Chemla, Johanna Ter Steege. Producción: Les Films Pelléas, Razor Films. Distribución: Golem. Género: drama, romance. Web oficial:http://www.lesfilmspelleas.com/film.php?id=173
Jarvis Dolan (Eddie Marsan) es el periodista estrella del exitoso late night radiofónico londinense The Grim Reality (La cruda realidad). Al comienzo de su programa, unos macabros encapuchados irrumpen en el estudio, tomando el control a punta de pistola. Están allí para sacar a la luz un escándalo que podría suponer el final de Jarvis. Obligado a continuar con el programa, en directo, siguiendo el guion de los asaltantes, la noche se convertirá en una pesadilla.
Crítica
Descuida algunos detalles importantes dignos de recibir y corregir con feedback
Dos incendiarios presentadores de radio están enemistados por una razón que a priori desconocemos. Uno de ellos ha sufrido un ataque personal dadas sus controvertidas opiniones acerca del Brexit u otras cuestiones y está a punto de dejar el programa. Finalmente decide trabajar esa noche y dos enmascarados interrumpen su emisión en directo a punta de escopeta y navaja.
Jaume Collet-Serra ha estado más acertado con otras producciones como ‘Infierno azul’ o ‘Extinction’. Sabe oler un buen thriller pero en esta ocasión aunque palpamos la presión que sufren los personajes en varias escenas su guión no nos permite sentir sorpresa o no nos cautiva con algo atrevido. Nos salimos del filme principalmente en cuanto suceden dos cosas. Una de ellas es que todo transcurre realmente por motivos muy manidos. El acicate de los asaltadores es mucho menos prometedor y rompedor de lo que parecía inicialmente. La otra es que hay momentos en los que nos damos cuenta de que es imposible que todo lo que pasa en el estudio sea ajeno al resto de personas del edificio. De ese modo desaprovecha a un actor como Anthony Head (‘Buffy Cazavampiros’).
El programa radiofónico se llama «La cruda realidad» y eso provoca que a favor tenga una diatriba inicial que se basa en atacar a la yugular de la actualidad, de golpear a la posverdad con la que nos rodean. Tanto ese discurso como el resto del filme están muy bien tratados en el apartado de sonido. ‘Feedback’ nos deja momentos de total silencio ambiental, en los que lo único que oímos son las voces aisladas de sus protagonistas. De ese modo sus charlas suenan más sinceras y rotundas. Esto es debido a su radiofónico escenario y con eso puedo enlazar diciendo que una virtud del guión de Alonso,Marini y Bussi es saber entretenernos con un solo emplazamiento.
También encontramos alguna que otra interpretación digna de mención. Por ejemplo la de Richard Brake, al cual estamos acostumbrados a concebir siempre como alguien vil o terrorífico. Tiene algo de eso en esta película pero su rol es mucho más humano que de costumbre. Eddie Marsan también está muy solvente en su función de protagonista y eso que por lo general suele ejercer de secundario.
La puesta en escena del filme también es muy importante. No solo por el tratamiento de sonido que comentaba al transcurrir todo en una emisora, si no también por la luz, la claustrofobia que puede dar o lo escalofriantes que pueden parecer las máscaras de los asaltantes.
Los feedbacks han de ser constructivos para que sean útiles. La primera película de Pedro C. Alonso lleva este título porque los presentadores del programa ven en directo las aportaciones (dañinas por lo general) que les llegan desde las redes sociales. Tampoco es que el filme trate exactamente de eso, es un mínimo detalle que nos deja. Para hacer más justicia a su nombre ‘Feedback’ tendría que haber explorado más las posibilidades que ofrece el mundo virtual a la hora de comunicar opiniones y no ser simplemente un thriller en el que unos desconocidos van desvelando poco a poco la verdadera razón de su ataque.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2019. Título original: Feedback. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Pedro C. Alonso. Guion: Pedro C. Alonso, Alberto Marini, Beto Bussi. Música: Sergio Moure de Oteyza. Fotografía: Ángel Iguácel. Reparto principal: Eddie Marsan, Paul Anderson, Ivana Baquero, Richard Brake, Alexis Rodney, Oliver Coopersmith, Nacho Aldeguer, Alana Boden, Anthony Head. Producción: Jaume Collet-Serra, Vaca Films, Ombra Films. Distribución: eOne Films. Género: thriller. Web oficial:https://www.vacafilms.com/feedback/
El 26 de octubre llega la nueva película de Mar Targarona.
Protagonizada por Mario Casas (‘Bajo la piel del lobo‘, ‘El bar‘) llega ‘El fotógrafo de Mauthausen‘, que nos trae la historia de Francesc Boix, un fotógrafo preso en Mauthausen que arriesgó su vida para sacar del campo de concentración unos negativos que revelasen las atrocidades cometidas por los nazis. La directora Mar Targarona, vuelve a la dirección tras ‘Secuestro’, ( aquí podéis leer la crítica).
El rodaje se ha repartido entre las ciudades de Terrassa (Barcelona) y Budapest, donde se han recreado los espacios de la acción.
Además de Mario Casas, en la cinta encontramos a Alain Hernández (‘El Rey tuerto’, ‘Palmeras en la Nieve’), Macarena Gómez (‘Pieles’, ‘Musarañas’) y Richard Von Weyden.
‘El fotógrafo de Mauthausen’ está producida por Rodary Rodar, We Produce 2017 AIE, Filmteam y con la participación de RTVE, TV3, ICCA, ICEC y Netflix. Será distribuida en cines gracias a Filmax.
Os dejamos la sinopsis esperando que pronto nos den más infomación de la cinta, o algún adelanto.
Con la ayuda de un grupo de prisioneros españoles que lideran la organización clandestina del campo de concentración de Mauthausen, Francesc Boix (Mario Casas), un preso que trabaja en el laboratorio fotográfico del campo, arriesga su vida al planear la evasión de unos negativos que demostrarán al mundo las atrocidades cometidas por los nazis en el infierno del campo de concentración austríaco. Miles de negativos que muestran desde dentro toda la crueldad de un sistema perverso. Las fotografías que Boix y sus compañeros lograron salvar fueron determinantes para condenar a altos cargos nazis en los juicios de Núremberg en 1946. Boix fue el único español que asistió como testigo.
En el verano de 1976, cuatro secuestradores, dos palestinos y dos radicales alemanes de izquierdas, se hacen con el control en pleno vuelo de un avión de Air France que cubría el trayecto de Tel Aviv a París. Cuando el aparato es desviado a una terminal abandonada del aeropuerto de Entebbe, en Uganda, los aterrados pasajeros se convierten en moneda de cambio en un letal pulso político. A medida que la posibilidad de encontrar una solución diplomática parece desvanecerse, el gobierno israelí pone en marcha un plan extraordinario para liberar a los prisioneros antes de que se agote el tiempo.
Crítica
Buena recreación del suceso aunque políticamente es superficial.
Muy cerca de la ubicación de nuestro amado Wakaliwood y también tiempo antes de la cuna de este peculiar cine ugandés tuvo lugar un suceso que marcó de algún modo la manera de gestionar los secuestros aéreos por parte de algunos países y las relaciones internacionales para con Israel. Al sur de Uganda, en una ciudad llamada Entebbe se vivió un episodio que duró hasta siete días y mantuvo en jaque al gobierno israelí, haciéndole cuestionarse sus políticas y métodos.
‘7 días en Entebbe’ es una historia real, que está muy bien dramatizada y que sigue uno a uno los pasos de lo que sucedió realmente, aunque ponga palabras en boca de los protagonistas que sean parte de una ficción acorde al género del suspense. La pugna entre Israel y Palestina ha llevado a estos últimos a realizar acciones como las que se recrean en la película del director José Padiha. La intención de los palestinos era entre otras, al menos como aquí se quiere señalar, la liberación de presos y atraer la atención de la comunidad internacional, por lo menos por aquel entonces que llevaban varias décadas luchando desde que la ONU había reconocido como nación a Israel. Lo que sucedió en Entebbe es que aterrizó un avión secuestrado por Palestinos y simpatizantes de su causa, en el cual volaban decenas de judíos. Si sois muy jóvenes o no estáis documentados al respecto no os diré el resultado de este rapto, por si no sabéis las consecuencias finales ya que es la pequeña parte de thriller que tiene. Pero no vayáis a pensar que es una película angustiante o muy intrigante. Está narrada a modo de diario para que contemos las jornadas junto con los secuestrados, pero no consigue que vivíamos la aflicción de estos. En ese sentido la película no funciona.
No hace falta ser un experto en el conflicto israelí-palestino para seguir la película, de hecho al contrario, si uno quiere introducirse en él está muy bien explicado, Padiha lo da todo mascado. No entra en complicaciones, no es una película que profundice mucho en la historia pero la pone sobre la mesa de un modo claro y conciso, de tal forma que alguien que no esté familiarizado con el tema lo pueda entender y no se le ofrezca una versión parcializada. Un servidor tiene su opinión al respecto de la disputa que tienen ambos pueblos y la película me parece bastante objetiva. Pese a todo estaba claro que a alguien tenían que mostrar como bueno o malo en ambos bandos para poder crear la tensión y generar interés hasta el final.
Me alegra ver que el discurso del filme se inclina mucho por el dialogo, por la cantidad de años que llevan Palestina e Israel sin negociar. Hace hincapié en lo tozuda que es esta lucha entre esos pueblos que se niegan a perdonar y a olvidar, que no son capaces de convivir en paz con sus vecinos. Y como he dicho consigue ser bastante imparcial, sin justificar el terrorismo o los bombardeos de una parte u otra por supuesto pero si exponiendo los argumentos y equivocaciones de ambos bandos sin que realmente se comprometa con una de las dos partes ni acabe condenándolas.
Daniel Brühl es quien desde sus orígenes alemanes muestra con su personaje su disconformidad con el pasado de su país. Junto a él Rosamund Pike protagonizan la cinta y aportan una dimensión más a toda esta circunstancia. Tanto actores como personajes están muy comprometidos con su causa y ambos son traicionados pues tal vez cabría esperar que el guión les hubiese dejado más margen, más espacio para ahondar. En lugar de ello el director se ha ido por lo simbólico. En la película se ha introducido a una bailarina que a mí me sobra y junto a ella todo el discurso alegórico y paralelo de su tramo final. Sé que tiene lo suyo de metáfora entre lo nuevo que ha llegado y las tradiciones que hay que dejar atrás, pero es un derroche artístico que realmente para la película no me aporta la profundidad suficiente, que no le pega al tono del filme y que sigue estando en lo huidizo a la hora de mojarse hacia un lado u otro de la contienda. Este personaje viene junto con un soldado interpretado por un muy poco convincente Ben Schenetzer que parece que también se nos queda descolgado pero es en el mismo final cuando descubrimos por que Padiha y el guionista Gregory Burke han tenido a bien incluirle en la historia, a él o más bien a su unidad.
De este director brasileño el único largometraje que había visto era la nueva versión de ‘Robocop’, a si es que al igual que su protagonista (Joel Kinnaman) tras ‘Altered Carbon’ puedo decir que está redimido, en cuanto a mi criterio se refiere. Esta película está mucho mejor construida, tiene mucha más intencionalidad y estructura.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de abril de 2018. Título original: Entebbe. Duración: 107 min. País: Reino Unido. Dirección: José Padiha. Guion: Gregory Burke. Música: Rodrigo Amarante. Fotografía: Lula Carvalho. Reparto principal: Daniel Brühl, Rosamund Pike, Eddie Marsan, Lior Ashkenazi, Denis Menochet, Ben Schnetzer. Producción: Participant Media, Pellikola, Working Title Films. Distribución: eOne Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.entertainmentone.com/home/ES/7-d-as-en-entebbe-
Drama bien construido que deja muchas vías posibles en su primer episodio.
Con ‘The Disappearance (La desaparición)’ nos llega una propuesta diferente en lo que se refiere a series sobre personas que de repente se ausentan. Tras ver su primer episodio he podido comprobar que este es un drama muy misterioso y familiar sobre un niño, Anthony Sullivan, que en el día de su cumpleaños se volatiliza casi sin dejar rastro. La familia se angustia y empieza, como es normal, a movilizar a toda la localidad y a utilizar todos sus recursos. Los miembros de la familia están interpretados por PeterCoyote (‘Patch Adams’), JoanneKelly (‘Almacén 13’), AdenYoung (‘Yo, Frankenstein’) y CamilleSullivan (‘El hombre en el castillo’).
Lo más anormalmente escabroso es que no hay sospechosos, como suele ser habitual, pero la serie sí que se ocupa de establecer un cierto número de escenas que nos sientan las bases para unas buenas conjeturas. Casi todo el primer capítulo se centra en esto, en ubicar a los personajes, en establecer el drama, en plantear la situación que ocupará el resto de la serie… Existen varios conflictos que pueden ser el detonante de la desaparición del niño, es por eso que al finalizar el primer episodio tendréis un buen número de teorías y alternativas de lo que puede haber pasado con Anthony, pero no lo tendréis nada claro. Eso sí, queda patente que casi todos los protagonistas tienen algo que ocultar, guarde o no relación con la desaparición del protagonista a si es que según avance ‘The Disappearance’ lo iremos descubriendo’.
Se nota que se ha trabajado para lograr una buena atmósfera, con una fotografía que ha corrido a cargo de ClaudineSauvé (‘The wild hunt’) y un diseño de producción de la mano de PatriciaChristie (‘La vida de Pi’). Sus tomas reflejan un ambiente hogareño, en una ciudad que parece ser harto segura y acogedora. Su trabajo está bien realizado para que contraste con el ritmo que le ha impreso el director PeterStebbings (‘Killjoys’) y los sonidos pausados que vamos escuchando. La cadencia, al menos del primer episodio, es conflictiva para los más adeptos a las series rápidas, pero la duración no es larga a si es que se puede hacer fácil de consumir.
¿Anthony Sullivan está perdido, huido, secuestrado, accidentado? Tengo ganas de que se estrene ya para que lo discutamos y lo descubramos juntos. El estreno de ‘The Disappearance’ es el próximo martes 6 de febrero a las 22h en Calle 13 con un doble episodio. La serie cuenta con 6 episodios.
Brigsby Bear Adventures es un programa de televisión para niños producido para una audiencia de uno: James. Cuando el espectáculo termina abruptamente, la vida de James cambia para siempre, y se propone terminar la historia él mismo.
Crítica
Una aventura emotiva y cinéfila.
Es palpable que muchos cineastas o miembros de la industria que se hacen llamar artistas han perdido el gusto por hacer cine, si algún día realmente lo tuvieron. Me refiero a aquellos que emplean el séptimo arte como un único medio para ganarse el pan. No lo condeno, para nada, es algo totalmente admisible, pero el cine merece seguir teniendo idealistas, soñadores y narradores que vayan más allá de las cifras en taquilla, que lo que cuiden sea la historia y que lo que amen sean sus personajes y el proceso de gestación de estos. Eso es lo que mima y pone de manifiesto ‘Brigsby Bear’ de un modo magistral y tierno. Ve en sus personajes algo que realmente está vivo, que tiene un fin útil y no les industrializa para monetizarles.
Por suerte la película de Dave McCary me permite contar muy poco de su argumento pues nada más arrancar nos sorprende con un giro muy chocante. Pero para poder argumentar mis impresiones si puedo decir que trata de una persona adulta que ha crecido obsesionada con un personaje cuyo equivalente en nuestra vida sería Espinete y cuya serie ha de ser cancelada por determinadas causas que no puedo revelar. ¿Qué puede hacer entonces? Nuestro protagonista se decide a finalizar la historia y ahí es donde comienzan no solo una serie de sorpresas sino una aventura reveladora y emotiva, tanto personal como cinematográfica. Con el protagonista emprendemos un camino de descubrimiento que además despertará, o avivará, en nosotros las ganas de rodar cine o de perseguir nuestros sueños sean cuales fueran, el rodaje del protagonista puede servirnos de metáfora para cualquier otra meta.
Muchos de los partícipes de esta película, incluido su director y protagonista, son habituales de Saturday Night Live. A si es que podéis estar seguros de que los artífices dominan bien las emociones del público y el tipo de ingenios que deben emplear para hacernos reír. Pero no hay que tomar ese programa como tal a la hora de buscar una referencia pues la comedia de esta película es mucho más peculiar y menos hilarante que la de ese late show. Es más, ‘Brigsby Bear’ tiene mucho drama y necesita un tono sensible, por lo que la vis cómica del programa no encaja en esta narración. Tampoco están incluidos en la saca del humor del programa que he citado dos de los nombres destacados del filme: Mark Hamill y Jane Adams. Pese a que son dos estrellas que pueden atraer a muchos fans a ver la película hay que advertir que el filme no bebe de ellas, aunque tienen varias escenas clave y bastante importancia en la trama.
Si acabáis la película y tenéis las mismas ganas de iniciar un rodaje o estáis con el mismo ímpetu de conseguir hacer realidad aquello que realmente disfrutáis del mismo modo que me sucedió a mi, estoy seguro de que la película habrá conseguido su meta. Dave McCary logra contagiarnos una pasión y eso es magia casi perdida en el cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2018 (Blu-ray y digital). Título original: Brigsby Bear. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Dave McCary. Guión: Kevin Costello, Kyle Mooney. Música: David Wingo. Fotografía: Christian Sprenger. Reparto principal: Kyle Mooney, Mark Hamill, Jane Adams, Greg Kinnear, Ryan Simpkins, Michaela Watkins, Matt Walsh, Jane Adams, Alexa Demie, Jorge Lendeborg Jr. Producción: 3311 Productions, Kablamo!, Lord Miller. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, drama. Web oficial:http://sonyclassics.com/brigsbybear/
‘Animal de compañía’ es la historia de Seth (Dominic Monaghan, ‘Perdidos’), empleado de un refugio de animales que se reencuentra por casualidad con Holly (Ksenia Solo, ‘Cisne negro’), de quien estuvo enamorado en el instituto, y que ahora es camarera. Tras intentar seducirla sin éxito, decide secuestrarla y encerrarla en una jaula para animales del refugio en el que trabaja.
Crítica
Una historia de amor tóxica que a nuestros protagonistas se les va de las manos.
Carles Torrens nos trae la típica historia de chico se encuentra con su amor platónico, la acosa y como no surge el amor la secuestra. Bueno, si, típica, típica… pero sí puede ser la típica historia en el cine de secuestros, algo sencillo y sin complicaciones.
He de admitir que ‘Animal de compañía‘ con su corta duración ha tenido partes con muy poco ritmo y pesadas, pero que todo esto lo arregla con un giro muy bueno durante la segunda mitad de la cinta.
Al fin y al cabo decir que la cinta de Carles Torrens fue la premiada a mejor guión en Sitges, un buen giro y sorpresa nos tenía que dar. Aunque es un tanto descabellado, pero funciona, que es lo importante.
Otra cosa a su favor es el ambiente que crea, entre otras cosas gracias a las interpretaciones de Dominic Monaghan que hay veces que nos pone los pelos de punta, sobretodo en la primera parte de la película. Su compañera de reparto, Ksenia Solo, también está estupenda mostrándonos su desesperación por salir y sus tretas para engañar a su captor. Pero no solo las actuaciones son las que logran este ambiente, sino que el lugar escogido y las tonalidades hacen que en muchas escenas tengas verdadera claustrofobia.
Aunque no solo los personajes principales aquí son importantes, los secundarios también son una parte muy importante en la trama y todos cumplen bien en su papel.
También tiene una fotografía curiosa. El encargado de ello es Timothy A. Burton, el cual hace unos primeros planos muy buenos y nos muestra detalles precisos para que no nos perdamos nada.
En general la cinta es entretenida, admito que no ofrece mucho mas, pero qeu si merece la pena su visionado por el giro tan brusco y bueno que tiene y os aseguro que no os vais a esperar.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de junio. Título original: Pet. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Director: Carles Torrens. Guión: Jeremy Slater. Música: Zacarías M. de la Riva. Fotografía: Timothy A. Burton. Reparto principal: Dominic Monaghan, Ksenia Solo, Jannette McCurdy, Da’Vone McDonald, Nathan Parsons, Janet Song, Sean Blakemore. Producción: MAgic Lantern, Revolver Picture Company. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: Thriller. Web oficial:http://laaventuraaudiovisual.com/animal-de-compania/
Mar Targarona ha dirigido “Secuestro” en el que es su segundo largometraje. Durante las actividades de presentación de la película pudimos entrevistarla a su paso por Madrid. Contamos además con la presencia de dos de sus protagonistas: Blanca Portillo y Antonio Dechent. Entre los tres nos hablaron de este trabajo que cuenta con el guión de Oriol Paulo (“Los ojos de Julia”).
Tras ver la película vemos que no es un film de buenos y malos, si no que tenemos a gente real.
MT: Precisamente es eso, una película de personas y todas las personas tenemos grandes cualidades y algún defectillo. No creo que sea una película de buenos y malos ¿no?
AD: Bueno. Yo como autoridad policial voy a decir cualquier cosa, pero en fin (risas).
Has trabajado en películas en las que has hecho de productora, películas escritas por Oriol Paulo. ¿Era indispensable que guionizase la película o estaba antes el guión?
MT: No, todo fue muy natural. En Rodar y Rodar (productora de Mar Targarona) ya llevamos muchas películas, thrillers. Empezamos con Guillem Morales con su primer largo que se llamaba “El habitante incierto” que es un thriller pequeñito que muy poca gente conoce y que creo que es un gran thriller. Y bueno luego continuamos con “El Orfanato” y “Los ojos de Julia” donde ya intervino Oriol. Después hicimos “El Cuerpo” también con él. Este era un guión que corría por la productora que a mí me gustó mucho y que me decidí tirarme a la piscina y dirigirlo.
Mi percepción es que es una película con dos partes. Pero las dos mantienen el tono de thriller. ¿Cómo lo has conseguido Mar?
MT: Es verdad que tiene la misma estructura que psicosis. En principio va de una chica que está escapando de robar dinero y la otra media película va de que la han matado y cómo se resuelve… Aun así, cuando trabajas una película la trabajas globalmente. […] El personaje es el mismo, las localizaciones son las mismas… La protagonista es la misma en situaciones muy distintas y opuestas incluso. Lo difícil de este guión es hablar de él sin decir nada.
AD: Yo llevo así tres horas (risas).
MT: Y yo (risas). Lo interesante son estos giros que se van dando que van atrapando al espectador. Creo que es lo complicado en el cine, que espectador no se aburra y siga con el interés. Que la curiosidad siga hasta el final.
¿Cómo ha sido dirigir a Marc?
MT: Fantástico. Marc ha sido el milagro de la película. Es un hecho excepcional, el niño existe (risas). Siempre tuvimos claro que queríamos que fuera un niño sordo de verdad. Porque es imposible imitar su forma de hablar y su forma de gesticular. Esto en un niño pequeño hubiera sido imposible. En cuanto nos pusimos a buscar vimos que había niños así de interesantes. Lo que pasa que Marc brilló enseguida, en las pruebas brilló enseguida. A la última prueba que fue una improvisación vimos que él improvisa, es increíble, tiene el talento del actor ya innato. Ya tiene ese talento, él se crea su universo y además no le costaba nada.
AD: ¡Qué asco de niño! (risas).
MT: Hacía de todo, de script. Porque se fijaba en todo, es un curioso que lo quiere saber todo, quiere aprender de todo, preguntaba todo… muy fácil trabajar con él.
Entiende muy bien, lee muy bien los labios con lo cual yo… lo único que a veces te despistas y hablas mirando para otro lado.
AD: Luego además hay una cosa. Y es que él cambia el ritmo de la película. Si eso lo hubiera imitado alguien nos hubiéramos adelantado de alguna manera a los acontecimientos, si yo sé lo que va a decir… En este caso el ritmo lo marcaba él. El niño tiene que leer los labios, después tiene que responder, nosotros… Ese miniclima que crea, por ejemplo con la madre en el interrogatorio, está muy bien. No es el ritmo normal, es el ritmo de una persona sordomuda.
MT: Bueno sorda. Que él habla, le encanta hablar. Es superexpresivo. Eso también forma parte de su talento, que en la película es un niño introvertido y sin embargo su personalidad es completamente distinta.
La relación entre Blanca y Marc, como directora, ¿qué te ha parecido? Porque es una persona muy experimentada con un niño que debuta cinematográficamente.
MT: Para ellos ha sido muy fácil. Cuando hables con Blanca te lo dirá. Cualquier actor cuando le dices que vas a trabajar con un niño de entrada es “ah socorro”. Porque son pesados, porque se aburren, porque son los papas los que quieren que el niño sea actor… Sin embargo este niño no, él quiere ser actor. No es un niño al que los papas arrastren al mundo del espectáculo. Él quiere serlo, tiene todo el talento del mundo para serlo, es supersimpático y con Blanca hubo un gran chispazo desde el principio. Se hicieron muy amigos, se quieren mucho, se tuitean, se siguen queriendo, mandando e-mails…
Antonio. Como autoridad policial…
AD: ¡Digame!
¿Cómo te has preparado el personaje?
AD: El personaje lo he preparado acercándolo a mí. Porque si tenía muy claro que era un investigador, un peso pesado de la policía, un tipo que lleva mucha trayectoria encima. Pero es verdad que la película no nos da ninguna pista de quién es este señor. No sabemos si está casado o a que dedica su tiempo libre. Entonces lo que hice fue acercarlo a mí, pero para una cosa muy clara, para dotarlo de humanidad. Para que, dentro de este mundo de engaños, de falsedades y de corruptelas tuviera una mirada honesta. Esa es la única manera de cómo intenté hacerlo. Acercándolo a mi parte más noble, no a la otra (risas).
Cuando vi el vestuario que me había preparado Mar dije “ya está, sé por dónde cogerlo, vale, es un tipo que dedica su vida a la investigación”. Esa mirada franca, por decirlo de alguna manera, es la que tiene el espectador. Yo me voy enterando de las cosas a la vez que el espectador y siempre voy un paso detrás igual que el espectador. Eso me interesaba bastante del personaje. El que los demás sepan todo, tienen sus telarañas, sus hilos, sus señuelos, sus trucos o sus trampas. Decidí que este hombre no tuviera ninguna sombra, más que la profesionalidad. La amabilidad con el niño, que se le viera cabreado con el poder y el mal uso del poder y estas cosas. Si lo he conseguido estupendo.
(Entra en la entrevista Blanca Portillo)
¿Cómo te has preparado tú el personaje Blanca? ¿El no ser madre ha hecho que te cueste algo más comprender estas situaciones límites?
BP: No. Además, que si para hacer un personaje tú tienes que ser eso no podría hacer ni la mitad de la mitad de lo que hago (risas). Es verdad que es un vínculo muy especial. Pero todos nosotros somos hijos. Yo no soy madre pero soy hija y tengo un referente materno tan claro y mi abuela. Mi madre es madre de ocho hijos y los ha criado ella sola. Dime tu si no es un buen referente para saber cuál es el vínculo entre una madre y un hijo. He visto a mi madre hacer cosas insospechadas para sacar a sus hijos. Nos ha protegido, nos ha querido, nos ha mimado y nos ha tratado con toda la delicadeza del mundo y afuera ha sido una mujer dura, luchadora, batalladora… No es necesario. Empatizo muy bien con las madres.
No se trata de preparar la maternidad. La maternidad no se puede preparar, porque cada madre es un mundo como cada persona es un mundo. Lo importante era tener claro cuál era el vínculo y para ella su hijo es el centro del mundo, lo demás está por detrás. Entonces ese amor infinito que tiene por su hijo, que le ha llevado a hacer un motón de cosas por su hija, y a construirse como mujer y como persona hacia fuera de una determinada forma es lo que empiezas a trabajar. Es un personaje para trabajar de dentro a fuera. Así es como ella se ha construido era esto y ha ido colocando capas para construir una imagen hacía fuera, para que el mundo no la dañe y para hacer lo que a ella se le plante en su cabeza.
¿Tu experiencia con el niño? Aunque ya nos ha contado algo Mar.
BP: Maravillosa. Yo he aprendido un montón de él. Es un ángel, es un niño muy especial además. Habéis visto como mira, como te escucha, como todo le interesa, le importa y está siempre alerta. Ha sido muy fácil trabajar con él. Hemos hablado de la secuencia, de los personajes, de por qué se querían como se querían, de por qué ella no le ayudaba a hacer su nave espacial… de todo. El niño se sabía mi texto, el suyo, el de Antonio… Lo sabía todo.
¿Te has sentido maestra?
BP: No, no, no. Yo no me siento maestra nunca. Por eso aprendo mucho en los rodajes. Hay gente que va dando lecciones por el mundo y por la vida. Si te encuentras con un niño como este como le vas a dar lecciones si te pega a ti veinticinco mil vueltas. Es fascinante, lo del niño ha sido maravilloso. De hecho nos escribimos, nos hemos hecho amigos, se sabe mi cumpleaños…
¿Creéis entonces que le espera un gran futuro en el cine español?
BP: Tal cual está el cine español y teniendo en cuenta que es un niño sordo. No sé si le espera un futro muy fácil.
MT: Fácil no lo es para nadie.
AD: Para nadie claro.
MT: Pero que es un niño que tiene un gran talento, que puede ser actor o director. Y él ya ha dicho “o productor”.
BP: Lo que está claro es que este mundo le mola, le mola mucho. Y tiene mucha inquietud y ganas de aprender. Ya ha dicho “también querría hacer televisión, y teatro, ¿por qué no?
MT: Él ha estado encantado con este trabajo. Que esto es un trabajo extra que no se ve y que en el mundo del cine y le encanta.
AD: Y lo contabiliza. Ayer hice seis entrevistas, hoy he hecho siete.
BP: Ya me lo dijo ayer “en realidad nos pagan por esto, porque lo otro lo haríamos gratis”.
Blanca, tengo entendido que aprendiste lengua de signos para hacer la película y no sé si te has introducido en el mundo de la abogacía para completar el papel.
BP: Tengo grandes amigos abogados. Por unas razones u otras no es la primera vez que me topo con un personaje que tiene que ver con la ley. He ido a juicios, he visto cómo funciona, he preguntado mucho… Y esa cosa de que hay que defender a muerte a alguien, aunque tu pienses que es culpable mientras los hechos no lo demuestren, tú tienes que dejarte la vida defendiendo a un corrupto, asesino, violador, lo que sea. Y ver como es el lenguaje de los abogados, que también es tela marinera.
Lo de los signos aprendí el guión a decir cada frase en lengua de signos. Luego algo más para poder comunicarme con Marc de una forma más o menos normal. Pero no tengo ni idea. Es un idioma que se estudia en cuatro años, es una lengua que hay que aprender de cabo a rabo para practicarla con fluidez. Me he acercado a eso y se me ha abierto un mundo. Es que permite comunicarte con un millón y pico de personas. Estuve tres meses antes de empezar.
MT: Hay una cosa que quiero añadir. Y es que hay lengua de signos en catalán, que es la que el niño sabía. Y hay la lengua de signos en castellano que es la que Blanca aprendió. Y hubo un momento de lio en el que tuvimos que poner a las dos intérpretes para que trabajaran juntos y le enseñaran al niño el castellano.
BP: Claro yo le hacía el signo de la policía y él me hacía otro, y yo decía ¡ah!
AD: ¡Los apuntes, los apuntes! (risas). Y en inglés también lo hace. El niño habla castellano, catalán, inglés y creo que un poco de francés. Es un enano poliglota.
Ya nos ha quedado claro que la temática es la maternidad, pero creo que también tiene más lecturas. Como que a diferencia de otros thrillers que pueden ser oscuros, tiene grises… Queríais convertir la película en un thriller así.
MT: Si. Hombre grises no, yo lo que diría es que diría es que es un thriller de múltiples colores, que abarca muchos tipos de temas y matices. Desde luego no queríamos hacer un thriller de buenos y malos en el que gana el bien y el mal. Por desgracia no es la realidad que vivimos. Queríamos hacer un thriller de personas. Todos tenemos en nuestra vida zonas oscuras y es todo esto llevado a un extremo. Un extremo de una mujer que está llevada al límite que hace un viaje personal muy importante.
BP: Hay una cosa interesante. En este tipo de género, casi siempre te hueles quién es el malo, quién es el bueno… y hay una cosa de buenos y malos. A mí eso me parece poco real. Las personas no somos buenas o malas. Puedes tener cosas reprochables, o incluso deleznables, y otras admirables. A mí eso me parece muy inteligente.
MT: Yo conozco a mucha gente que tiene cosas muy buenas y cosas no tan buenas.
BP: Yo, yo… Vamos el que esté exento…
AD: Yo de las cosas buenas (risas). Por otro lado es otra manera de tener al espectador atrapado.
Totalmente de acuerdo, muchas gracias a los tres.
A continuación, tenemos fotografías del día de esta entrevista, durante el cual, se presentó la película en Madrid con todo el equipo.
Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.
Entre “La que se avecina”, cortos, largometrajes y otros proyectos que están por venir Macarena Gómez ha realizado un pequeño, pero no irrelevante, papel en “Secuestro” la película de Mar Targarona protagonizada por Blanca Portillo, Antonio Dechent y Marc Doménech entre otros. Su personaje es el de una embarazada que se ve en una encrucijada entre el amor y la moral. Hemos aprovechado la ocasión para poder entrevistarla y conocerla más a fondo.
Cuéntanos un poco cómo te has preparado tu personaje, ¿Cómo te has preparado a Raquel?
Huy pues me lo ha preguntado mucha gente y tampoco tenía mucha complejidad. Yo creo que es uno de los más sencillitos de los que he hecho de mi carrera. Ya sabéis que no es un personaje trastornado psicológicamente, ni con un trauma ni con nada así. Una chica humilde cuyo mayor conflicto es dudar si creerse la versión del marido o no, luego ver si traicionar al marido o traicionar sus principios. No tenía mayor dificultad que esa a la hora de preparármelo. No me he ido a documentarme, a hablar con mujeres de personas acusadas de algún delito, para nada…
Es algo tan sencillo como llevártelo a tu terreno. Así es como nos preparamos los personajes lo actores. Si un día tienes que hacer de que se te ha muerto un familiar y nunca se te ha muerto ninguno… pues no sabes cómo se siente como se muere. Pero si te acuerdas del día que se murió tu perro. Es de estas veces que dudas de si contarle a tu amiga lo que sabes o no sabes. ¿sabes?
Se agradece que te venga así un personaje más tranquilo después de haber hecho otros más locos…
Si, ya me apetecía leerlo, quizá por esa normalidad o sencillez del personaje. O sea leerlo, interpretarlo, estar en la película. Si es cierto que los personajes pequeños, cuando haces secundarios en películas son muy difíciles porque careces de información. El personaje es lo que dice en el texto, en el guión. El guión te va dando lo que dices, tu eres lo que dices, se va viendo los pensamientos el personaje según lo que dices y haces. Cuando tienes un personaje con tan poca información es más difícil construirlo, tienes que tirar de tu imaginación, puedes construirlo y equivocarte… Tienes que construirlo a base de una información que no tienes. Es más complicado. Muchas veces es más fácil hacer un protagonista. Porque en el guión se dice cómo es el protagonista, para un secundario te dan muy poca información.
Un tema muy importante en la película es el de la maternidad. Pero otro también muy presente es el de la delincuencia. ¿Crees que a pesar de que tu personaje sea secundario se las tiene que ver, y mucho, con esos dos temas?
Lo importante de mi personaje es que da una información, que hace que la película de un giro brutal.
Te parece entonces que es algo que aporta más al argumento de la película, no al tema en sí.
Ah vale vale. No al tema de la película no… Es que antes me preguntaron si me parecía que era una película sobre mujeres. Y no, es una película que va sobre corrupción y sobre como una persona haría cualquier cosa con tal de… pasaría por encima de cualquier persona por salvar o por intentar descubrir quién ha hecho daño a su hijo. Independientemente de si eres un hombre o una mujer. Pero mi personaje no aporta nada al tema de la delincuencia, está ahí para dar un giro a la película.
¿Habrías tomado en la vida real la misma decisión que en la película? ¿O crees que estaría preparada para tomar esa decisión?
No sabría decirte. Claro, como nunca me he encontrado en esa tesitura o en una situación de decir “digo la verdad, me la callo, o traiciono a la persona a la que amo…”. Me pasa muchas veces cuando veo películas que digo “yo si hubiera dicho la verdad”. Como nunca me he visto en esa tesitura no sabría cómo reaccionaría. Pero sí que antes, que me preguntó un compañero tuyo, le dije que quizá yo al final todos hemos recibido… vivimos en un país donde se nos ha dado una educación cristiana y entonces el tema del arrepentimiento, el pecado… estos conceptos cristianos están como muy inherentes a nosotros. Por mucho que digamos “yo no soy creyente” pero seguro que muchos pensamos “que mal he hecho esto, no se debe hacer…”. Creo que yo quizá ante todo antepondría mis principios morales ante cualquier otra cosa.
¿Agobia más preparar un personaje como el tuyo en la película o pensar que realmente esa gente puede existir?
Estar dentro del personaje no me agobió mucho, lo hice en tres días. Es mucho más agobiante pensar que hay personas sin tener recursos para poder defenderse ante la justicia. Igual que el caso del chico que hace de protagonista que tiene el aparato para escuchar. Le pregunte si su padre era sordo y me dijo que sí. Y le dije que porqué él no lo tenía “porque es muy caro y ha preferido ponérmelo a mí” me dijo. Claro con eso se te cae el alma al suelo. Es una grandísima pena que haya gente que no tiene recursos para defenderse ante la sociedad, la injusticia…
Tienes un personaje que es intenso, dramático. Pero creo que eres más conocida como actriz de comedia, por la serie y tal. ¿En qué personajes te encuentras más cómoda?
Yo creo que la gente de la calle, el público, me conoce más por la comedia por “La que se avecina”. Pero luego a lo mejor, gente más de tu entorno, del entorno profesional, no se vosotros, me conoce más por cine. ¿En qué género me encuentro más cómoda? No lo sé. Yo en ese aspecto soy un poco chaquetera (risas). Cuando llevo mucho tiempo haciendo comedia quiero hacer drama, cuando llevo tiempo haciendo drama digo “quiero hacer comedia”. Según el momento de mi vida en el que me preguntéis diré que quiero hacer una cosa u otra.
Si es cierto que la comedia en mi es algo innato, la chispa esta de ser andaluza… La chispa, el duende para hacer comedia lo tienes o no lo tienes. Yo creo que la comedia no se aprende, o tienes el duende, la chispa… Es algo natural intuitivo, la pausa que tienes que hacer entre la frase de un compañero, la acción y tu reacción… es algo que no se aprende. Con el drama vas a tener tus técnicas y tus trucos para encajar en tu interior el personaje y todo eso. Pero a mí me gusta mucho el drama. Supone más un reto para mí, ver una cosa nueva que yo desconocía. A veces los personajes son como una catarsis. Disfruto mucho haciendo drama.
Considero que este personaje que he hecho es de los menos dramáticos. Me decían que era un personaje muy sufrido. No por Dios, yo no veo que sea tan sufrido. No lo he querido llevar por el sufrimiento. Lo podría haber hecho más dramático pero la directora no me ha dejado (risas). Yo es que soy muy visceral y entonces a todo le pongo mucha pasión.
No dejas de enlazar un proyecto con otro. Acabas de rodar “Pieles” ahora estrenas esta película. ¿Cómo defines el momento que vives?
En el fondo creo que esta racha de trabajo que estoy teniendo la tengo desde hace unos añitos ya, no creas que ha sido “Musarañas” y esto. Compagino mucho, hago mis dos películas al año, mi serie de televisión, mis ochenta mil cortos de por medio… Lo compagino bastante bien. Llevo haciendo eso muchos años eh. Lo que pasa que para el cine parece que suena más porque se escucha más en los medios, lo sacáis más a relucir.
Llevas muchos años así y la maternidad no te ha frenado, sigues con el mismo ritmo.
Pero yo te voy a decir una cosa. En el mundo hay muchas madres, ser actriz y madre no es distinto a ser… cajera y madre. Más complicado es ser cajera a lo mejor o médico y madre. Lo mío no tiene ningún mérito, tu madre lo ha hecho y muchas madres han compaginado maternidad con trabajo. A mí me hace muy feliz trabajar con lo cual voy a seguir compaginándolo toda mi vida. Para mí el trabajo es fundamental para mi ánimo espiritual, para mi salud mental y física. Necesito trabajar, me gusta mucho y lo compagino como cualquier otra madre.
¿Qué proyectos tienes ahora?
Voy a rodar una peli, pero yo hasta que no la haga… Voy a rodar peli, pero toco madera. Estoy contenta porque se avecina trabajo. Tengo la décima de la que se avecina y me han salido unas cuantas películas, sí. No voy a contar algo no vaya a ser que luego no salga la película y entonces…
Yo tengo curiosidad por “Pieles” y tengo ganas de saber si tiene algo que ver con “La hora del baño”, si es continuación… o con “Eat my shit”.
“Pieles” lo escribió Eduardo a raíz de “Eat my shit”. ¿Lo habéis visto? La historia de una chica que tiene un ojete por boca… A raíz de ese corto decidió escribir un largo en el que hay cinco historias y en cada historia hay un protagonista que es una persona con algún defecto físico. A raíz de cada personaje con esa deformación física se crea una historia. Yo soy la chica de una de las historias. Si le preguntas a él que qué pretende con esto te dirá “que nada, que lo hace por qué le da la gana”.
Dirá que “viva la mierda” como suele decir.
Si, que viva la mierda. Dirá que la sociedad es mierda. Pregúntaselo a él que pretende.
¿En qué te basas para elegir un proyecto? ¿Qué tiene que tener para que tú digas este si o este no?
Mira yo creo que estas actrices que te dicen “es que me ha llegado al interior…”. ¡Es mentira! Porque no te llegan veinte guiones al mismo tiempo que no sabes qué película hacer. Eso te lo puede decir a lo mejor Julia Roberts. A veces puede ser que te coincidan dos o tres películas en la misma época y tienes que elegir. Pero a mí me ha pasado con cortometrajes. Yo le doy mucha importancia a los cortos porque hago muchísimos y he aprendido mucho de los cortos, mis amigos son cortometrajistas y he hecho mucho cine a raíz de los cortos. Sí que llega un momento en que digo, este personaje no que ya lo he hecho y me da igual que el cortometraje me lo proponga un director de prestigio a que me lo proponga un alumno de segundo de la ECAM. Si me gusta el guión… Más que nada si el personaje me aporta algo nuevo. Si ya lo he hecho puede ser que no, pero si me aporta algo nuevo sí que lo hago. Normalmente no me baso en si me gusta el guión o en quien sea el director, si no si creo que voy a aprender algo haciendo mi personaje. Que vaya a suponer un nuevo reto para hacerlo.
Volviendo a Secuestro. ¿Has llegado a ver la película? Que sé que muchos actores no las ven o tardan en hacerlo.
No…
Te quería preguntar por algo que tienen todos los personajes, incluido el tuyo. Es que todos tienen claroscuros, no son o blanco o negro.
¿Te refieres a la fotografía?
No, al matiz o la personalidad que tienen los personajes.
O sea que hacen dudar al espectador. ¿Pero me quieres decir que eso te ha gustado o no te ha gustado?
A mi ese aspecto me ha gustado.
Entonces quiere decir que es muy interesante. Normalmente cuando el espectador ve una película se posiciona de parte de uno. Yo soy de las que me enfado viendo películas. Creo que es muy interesante que te mantenga siempre como…
Claro, sin hacer spoilers, el personaje de Blanca me ha recordado un poco en ese sentido al Walter White de “Breaking bad”.
Calro. Ala, que piropo que te recuerde. Si quizás tienes razón. Es que como no la he visto no sabría decirte. Al principio mi personaje quiere defender a su marido a toda costa, pero luego me doy cuenta que no, que la verdad por encima de todo, ha de primar por encima de todo.
Y no sé hasta qué punto, con tu personaje, te has llegado a plantear eso de… yo no haría esto porque yo no soy así…
Hay una cosa fundamental y es que lo actores nunca podemos juzgar a nuestros personajes. Imagínate, a mí me ha tocado hacer de todo. Asesina, neonzai, prostituta, yonki… si los juzgas no los haces. Cualquier persona que sea muy malvada también tiene su punto de humanidad. Tú tienes que humanizarlos a todos, no juzgarlos. Siempre te aferras a cualquier experiencia que hayas podido tener por muy pequeña o poco similar que sea. Haces una cosa que es la sustitución. Por ejemplo, nunca he tenido que decidir si traicionar a mi marido o contar a la policía la verdad. Pero alguna vez tu madre te ha preguntado “¿Oye ayer tu hermana rompió un plato?” y tu te debates ante la duda de si decirle o no. Esas pequeñas experiencias son las que luego trasladas a la hora de hacer tu personaje. No sé si me he explicado bien.
Muy bien si ¡muchas gracias!
A continuación, tenemos fotografías del día de esta entrevista, durante el cual, se presentó la película en Madrid con todo el equipo.
Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.
Patricia de Lucas (Blanca Portillo), una prestigiosa abogada, ve como su vida se convierte en una pesadilla cuando su hijo Víctor (Marc Domenech) desaparece del colegio sin dejar rastro. Horas más tarde, el niño reaparece magullado y perlado en sudor, confesando que un hombre le ha intentado secuestrar, pero que ha logrado escapar. La policía se moviliza y, tras una rueda de identificación con Víctor, logran dar con el aparente responsable. Sin embargo, las pruebas no son suficientes, y el presunto secuestrador queda en libertad. Es entonces cuando Patricia, asustada y temiendo por su hijo, decide hacer lo que no ha hecho nunca: tomarse la justicia por su cuenta. Pero la situación se le escapará de las manos y las consecuencias de sus actos serán imprevisibles…
Crítica
Un drama infantil secuestrado por el género policial.
Los secuestros son un tema muy recurrido en el cine. Es muy fácil para el espectador, que siempre es posible que tenga un hijo o sobrino, empatizar con el, o la, protagonista de la cinta. Alejándose de películas de acción como “El fuego de la venganza” o “Venganza”, “Secuestro” se encuentra dentro de esos thrillers que como “Rescate” o “Cautivos” nos intrigaron y nos acongojaron por temer por la seguridad del personaje infantil de la cinta. Por suerte no es una película de buenos y malos, si no una historia realista con personajes con claroscuros con los cuales el espectador tendrá que decidir si empatizar o no.
Al menos esta parece la idea que ha buscado plasmar Oriol Paulo (“Los ojos de Julia”) con el guión que ha escrito. Lo obvio sería que la trama girase entorno a Victor, el niño que interpreta muy bien Marc Domenech. Pero a mediados del film la historia cambia su curso, a raíz de una revelación que habría sido buen final de historia. A partir de ese instante en quien se centra la atención es en el personaje de Blanca Portillo, perdiendo de este modo casi todo el gancho o el atractivo que tenía. Bien es cierto que la personalidad y la sordera del niño contribuyen a crear un personaje aún más vulnerable para la película. Pero también contribuye esto a ver una figura más humanizada de la abogada sin escrúpulos que es Patricia de Lucas (Blanca Portillo), por lo que parece más bien incluido como un personaje satélite de esta. El título y tráiler nos habían vendido algo diferente. Ya nos avisaba la inclusión final de Blanca Portillo en el cartel de quien iba a ser realmente la protagonista. Eso sí, el tagline, que tengo entendido está inspirado en una frase de Angelina Jolie, deja bien claro que su personaje no se anda con medias tintas.
Quien se lleva la película de calle es la premiada actriz protagonista. Con su personaje y con su interpretación acapara la cinta. Ha entendido bien que su papel no es el de una abogada que se dedique a ser una picapleitos, sino que es una depredadora que hace lo que sea para ganar sus litigios. Esto también lo extrapola a su vida cotidiana donde procura mantener un control absoluto de todo y de no lograr esto recurre a las prácticas que sean necesarias. Blanca Portillo ejecuta con rigor a este personaje llevándolo a su terreno y poniéndole al límite.
Coronado figura en la película como una “aparición especial” pero por relevancia y por tiempo en pantalla es mucho más que eso. El actor madrileño realiza un papel cambiante y que gradualmente va a más. Otro gran nombre que aparece en la película es el de Macarena Gómez, haciendo alarde de sus dotes para el drama pero interviniendo más bien poco. Pero también cabe destacar la labor de Antonio Dechent, con su fuerte presencia se convierte en coprotagonista.
Es por todo esto que podemos decir que la película de Mar Targarona juega al despiste y si uno la enfoca como una trama policial, más que como la historia de un secuestro, puede salir satisfecho de la sala de cine. “Secuestro” es una película de policías, de corruptos, de maleantes y de mentirosos. Su atractivo reside en ir viendo quien desempeña realmente todos estos papeles. Salvo algún fallo de raccord, la duración de la película y como se aleja de la trama propuesta, podemos decir que “Secuestro” es una película bien hecha que presenta varias cuestiones y temas muy de actualidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de agosto de 2016. Título original: Secuestro. Duración: 105 min. País: España. Director: Mar Targarona. Guión: Oriol Paulo. Música: Marc Vaillo. Fotografía: Sergi Bartoli. Reparto principal: Blanca Portillo, Marc Domenech, Antonio Dechent, Vicente Romero, José Coronado, José María Pou, Andrés Herrera, Macarena Gómez, Paco Manzanedo. Producción: Rodar y Rodar. Distribución: Sony Pictures. Género: Thriller.
Ahora sí, tras el tráiler que vimos el 21 de abril y las imágenes publicadas el 12 del mismo mes nos ha llegado el tráiler definitivo de “Secuestro”. Esta película de Mar Targarona narra como una mujer llamada Patricia de Lucas (Blanca Portillo), que es una prestigiosa abogada, ve como su vida se convierte en una pesadilla cuando su hijo Víctor (Marc Domènech) desaparece del colegio sin dejar ningún rastro. Horas más tarde, el niño reaparece magullado y perlado en sudor, confesando que un hombre le ha intentado secuestrar, pero que ha logrado escapar. La policía se moviliza y, tras una rueda de identificación con Víctor, logran dar con el aparente responsable. Sin embargo, las pruebas no son suficientes, y el presunto secuestrador queda en libertad. Es entonces cuando Patricia, asustada y temiendo por su hijo, decide hacer lo que no ha hecho nunca: tomarse la justicia por su cuenta. Pero la situación se le escapará de las manos y las consecuencias de sus actos serán imprevisibles…
Su estreno ya está muy cerca, el 19 de agosto. Completan el reparto Andrés Hererra, Macarena Gómez, Nausicaa Bonnín, Daniel El Rojo, Paco Manzanedo, Raquel Pérez, Miguel Angel Jenner, Ramón Fontseré, Lluïsa Castell y Mercè Montalà.
“Secuestro” la película de la que ya os hablamos aquí, acaba de lanzar su primer tráiler. Una presentación que nos presagia una película intensa y emocionante.
Este film la productora, actriz y directora, Mar Targarona llegará el 5 19 de agosto. Cuenta con el guión de Oriol Paulo (“El cuerpo”, “Los ojos de Julia”) y la interpretación de Blanca Portillo, Antonio Dechent y Vicente Romero, con la aparición especial de Jose Coronado y la colaboración de José María Pou.
Secuestro es un thriller dirigido por Mar Targarona (productora de “El Cuerpo”). En ella una mujer llamada Patricia de Lucas (Blanca Portillo), que es una prestigiosa abogada, ve como su vida se convierte en una pesadilla cuando su hijo Víctor (Marc Domènech) desaparece del colegio sin dejar ningún rastro. Horas más tarde, el niño reaparece magullado y perlado en sudor, confesando que un hombre le ha intentado secuestrar, pero que ha logrado escapar. La policía se moviliza y, tras una rueda de identificación con Víctor, logran dar con el aparente responsable. Sin embargo, las pruebas no son suficientes, y el presunto secuestrador queda en libertad. Es entonces cuando Patricia, asustada y temiendo por su hijo, decide hacer lo que no ha hecho nunca: tomarse la justicia por su cuenta. Pero la situación se le escapará de las manos y las consecuencias de sus actos serán imprevisibles…
Además de los ya mencionados protagonistas están en el reparto Antonio Dechent (“Cuéntame cómo pasó) y Vicente Romero (“Bajo sospecha”). Se suman José Coronado (“El príncipe”) y Josep María Pou (“Blancanieves”).
La película se estrena el 5 19 de agosto. Ya tenemos algunas imágenes del rodaje y fotogramas de del film.
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