Henry Cavill, Eiza González, Alan Ritchson, Alex Pettyfer y Hero Fiennes Tiffin protagonizan ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’
Promete el tráiler de la nueva de Guy Ritchie, la cual esperamos como agua de mayo. Prime Video estrenará ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’, una historia sobre las malas artes durante la II Guerra Mundial, si es que en los conflictos armados hay algún arte que pueda considerarse buena. Una película con mucha expectativa ya que está hecha con la participación de Jerry Bruckheimer (‘Con Air’, ‘Top Gun’).
Como casi siempre Ritchie combina acción con comedia. De hecho, el título original The Ministry of Ungentlemanly Warfare’ hace el chascarrillo llevando la contrario a uno de sus últimos títulos, ‘The gentlemen: los señores de la mafia’. Tipos bueno siendo poco caballerosos y tipos malos siendo ultraeducados.
El 25 de julio podremos ver en Prime Video esta historia que, aunque tiene bastante de fantasioso se basada en los documentos recientemente desclasificados de la Oficina de Guerra Británica. ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ nos da a conocer la historia de la primera organización de fuerzas especiales creadas durante la Segunda Guerra Mundial, evidentemente de la mano de Winston Churchill. Un equipo de agentes que fue el germen del SAS británico.
‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ está protagonizada por Henry Cavill (‘El hombre de acero’, ‘Mission: Impossible – Fallout’), Eiza González (‘Baby Driver’), Alan Ritchson (‘Reacher’), Alex Pettyfer (‘In Time’), Hero Fiennes Tiffin (‘After’), Babs Olusamokun (‘Dune’), Henrique Zaga (‘Más allá del universo’), Til Schweiger (‘Malditos bastardos’), Henry Golding (‘Crazy Rich Asians’) y CaryElwes (‘La princesa prometida’).
‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ está dirigida y coproducida por Guy Ritchie (‘Sherlock Holmes’, ‘The Gentlemen’), producida por Jerry Bruckheimer (‘Top Gun: Maverick’, ‘Piratas del Caribe’, ‘La búsqueda’), Ritchie, Chad Oman, Ivan Atkinson y John Friedberg. La película está escrita por Guy Ritchie, Paul Tamasy, Eric Johnson y Arash Amel, basada en el libro de DamienLewis.
En el Japón de la posguerra surge un nuevo terror. ¿Podrán sobrevivir las personas devastadas… y mucho menos defenderse?
Crítica
Exprime sus recursos al máximo y aún así es capaz de alinearse con las originales y los gustos del público actual
¿Habéis oído alguna vez la expresión “lo bueno de tocar fondo es que solo te queda subir”? Pues es cierta hasta que aparece Godzilla en tu vida. El monstruo gigante o kaiju, casi siempre azote de japón y a veces el vengador radiactivo, regresa con una producción hecha en casa que lleva al país del sol naciente a niveles peor que tercermundistas, de ahí su título.
En ‘Godzilla: Minus One’ se recupera el grito original, algunas notas de la música de las primeras películas y detalles como el no mostrar al monstruo comiéndose a gente de manera expresa. Aunque también lo disfruto, he de celebrar que este regreso a las raíces le ha valido a la Tōhōmejor resultado en cifras y críticas que el Monsterverse de Warner. Es un logro para una película de quince millones de dólares. Pero no todo es nostalgia.
Este Godzilla que recupera un aspecto y propiedades más mutantes solo está presente en pantalla once minutos. Con todo y con eso la película es tan capaz de sembrar terror e incertidumbre que parece omnipresente. Aparecía más en ‘Shin Godzilla’ y todo el mundo coincidió en que esa fue una película excesivamente humana y burocrática. Es otra medalla para ‘Godzilla: Minus One’, la cual, ha tenido que exprimir su presupuesto.
Se llevó un Oscar a los Mejores Efectos Visuales y me imagino que fue un reconocimiento a lo bien que está realizado todo con mucho menos presupuesto que las películas con las que competía. Pero además imagino que influye el homenaje al autor de los efectos de los primeros Godzilla, tanto por el nombre del protagonista como por la postura que pone el kaiju al caminar, la cual, recuerda a la que adoptaban aquellos que vestían el traje en las películas de los 50s y 60s. Y no solo hay que hablar del diseño de la criatura, también de la mezcla con efectos prácticos y su capacidad de crear la ambientación basada en el Japón de la ocupación estadounidense.
La II Guerra Mundial y las bombas nucleares vuelven a ser el marco, hasta tal punto de introducir rebuscados guiños a detalles reales y trágicos relacionados con Hiroshima. Así es como vemos a Japón, como una nación que resurge de sus cenizas y tiene un fuerte sentimiento de comunidad y sacrificio. Esto último es algo habitual en la cinematografía del director Takashi Yamazaki, tachado muchas veces de ser nacionalista. Pero esta película está lejos de pecar de orgullosa o soberbia, al margen de mostrar la capacidad nipona de recuperarse, es capaz de reflejar una disposición de asumir los errores del pasado. El protagonista hace las veces de metáfora de un país capaz de redimirse y aprender lo que es vivir.
Mi yo más lógico me hace decir que también ‘Godzilla: Minus One’ dispone una de las soluciones más ingeniosas y científicas para intentar acabar con Godzilla. Lo que plantean no es algo nada disparatado, que evidentemente está dentro de la ciencia ficción y que por fin muestra por qué Godzilla siempre asoma todo su cuerpo por encima de las aguas sea cual sea la profundidad del océano.
Con tantas versiones que ha habido y sigue habiendo de Godzilla, Takashi Yamazaki ha conseguido una película épica, original y lo que es más difícil, capaz de alinearse con las originales y los gustos del público actual. ‘Godzilla: Minus One’ da espectáculo y destrucción con el aliento atómico contemporáneo, pero no da el fan service de las producciones hollywoodienses alineándose con un concepto japonés de criatura destructiva y aterradora, un tatarigami.
La teoría loca para el final. El director orquestó las películas live action de ‘Parasyte’. En las últimas escenas hay un detalle en el cuello de uno de los personajes que quizá nos sugiera, no que ambas franquicias vayan a confluir, pero quizá si una curiosa idea para continuar las películas de Godzilla por derroteros hasta ahora nunca vistos.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de mayo de 2024. Título original: Gojira -1.0. Duración: 124 min. País: Japón. Dirección: Takashi Yamazaki. Guion: Takashi Yamazaki. Música: Naoki Sato. Fotografía: Kôzô Shibasaki. Reparto principal: Minami Hamabe, Ryunosuke Kamiki, Sakura Andô, Rikako Miura, Munetaka Aoki. Producción: Robot Communications, Toho Studios. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción. Web oficial:https://www.instagram.com/godzilla231103/
Viernes 27 de diciembre de 1945. Cinco veteranos militares se reúnen en el ornamentado salón de una casa de piedra rojiza de Brooklyn. Mejores amigos desde la infancia, se han reunido para apoyar a su problemático anfitrión, pero cuando su invitación a tomar un cóctel se convierte en una sesión de espiritismo improvisada, los fantasmas metafóricos de su pasado se vuelven demasiado literales. Atrapados en el salón de su anfitrión, la Generación de los Grandes se enfrenta ahora a una última prueba, en la que su único camino hacia la libertad es un mayor derramamiento de sangre.
Crítica
Parece que va a ser tipicona pero se reserva unas cuantas sorpresas que la hacen fresca y original
Ted Geoghean sigue enciscado con el más allá. Tras títulos como ‘Satanic Panic’, ‘Todavía estamos aquí’ o ‘The Disco Exorcist’ nos traslada a una nueva historia de fantasmas y sangre ambientada esta vez en 1945, en las Navidades de ese año. ‘Brooklyn 45’ tiene mucho sabor a veterano de la Segunda Guerra Mundial y menos de lo esperado a navideño. Y digo esto porque la trama nos presenta a un grupo de excombatientes y amigos de toda la vida que se reúnen para consolar a uno de sus compañeros de armas, recientemente enviudado y empeñado en llevar a cabo una sesión de espiritismo. Todo esto transcurre un 27 de diciembre y la decoración navideña, aunque está presente, queda relegada a un plano olvidado.
La filmografía de este director está repleta de demonios y en este caso lo está por partida doble. La sesión consigue su objetivo pero se les va de las manos y ello hace que los fantasmas del pasado acechen a los protagonistas. Fantasmas que el guión plantea de manera tanto figurada y literal. Se palpa la tensión, los secretos y los traumas reprimidos desde el primer minuto y eso es lo que va explotando la película según progresa y según se alcanza el clímax sobrenatural. Lo de ‘Brooklyn 45’ es un flirteo con el otro lado que podría haber sido algo lovecraftiano o un tonteo de adolescentes como el de ‘Verónica’. Objeto personal, no cerrar el círculo, golpes en las paredes, la puerta se ha quedado abierta… Todo son elementos que nos suenan y están requeteutilizados. El libreto nos hace pensar que esta va a ser la típica sesión que se malogra, pero se reserva unas cuantas sorpresas para el público que hacen que ‘Brooklyn 45’ sea fresca y original.
Es de estas películas que son vapuleadas por los siempre cuestionables sistemas de notas de las bases de datos cinematográficas. Si has llegado hasta esta reseña espero haberla puesto lo suficientemente bien como para que te animes a verla pero a la vez sin elevarte excesivamente la expectativa. Probablemente tenga una calificación baja debido a su sencillísima propuesta, escasa en personajes y escenarios, como suele decirse, muy teatral. Pero a mi gusto está bien interpretada y es lo suficientemente truculenta como para conservar un buen recuerdo de ella.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Brooklyn 45. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Ted Geoghegan. Guion: Ted Geoghegan. Música: Blitz//Berlin. Fotografía: Robert Patrick Stern. Reparto principal: Anne Ramsay, Ron E. Rains, Jeremy Holm, Larry Fessenden, Ezra Buzzington, Kristina Klebe. Producción: Divide/Conquer, Hangar 18 Media, Raven Banner Entertainment, Shudder, Line Film Company. Distribución: por determinar. Género: terror, misterio. Web oficial:https://www.divideconquer.us/#/brooklyn-45/
Wanda Visión nos ha enviado un tráiler de ‘La zona de interés’, la nueva película del director y guionista Jonathan Glazer. Una cinta que ha sido elegida como la Mejor Película del año por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles. Además, ha obtenido los premios al Mejor Director (Jonathan Glazer), Mejor Intérprete Protagonista para Sandra Hüller (también por su papel en ‘Anatomía de una caída’, ex aequo con Emma Stone) y Mejor Música (Mica Levi).
‘La zona de interés’, que además está nominada a los Globos de Oro 2024, como Mejor Película Dramática, Mejor Banda Sonora Original y Mejor Película en Lengua No Inglesa, será estrenada en nuestro país por Elástica Films y Wanda Visión el próximo 19 de enero de 2024.
Tras sacudir la Sección Oficial de Cannes, donde se alzó con el Gran Premio del Jurado, y tener su estreno nacional en la sección Perlak del Festival de San Sebastián, la película, basada en la exitosa y controvertida novela homónima de Martin Amis, está protagonizada por Sandra Hüller (‘Toni Erdman’, ‘Anatomía de una caída’), Christian Friedel (‘La cinta blanca’) y Ralph Hertfort. Para construir el estremecedor diseño de sonido de la película Glazer vuelve a contar con la compositora Mica Levi, con la que ya colaboró en ‘Under the Skin’.
Sinopsis oficial:
El comandante de Auschwitz Rudolf Höss y su esposa Hedwig se esfuerzan en construir una vida de ensueño para su familia en una casa con jardín cerca del campo.
‘La zona de interés’ retrata uno de los sucesos más oscuros de la Segunda Guerra Mundial, desde un punto de vista diferente: el de los captores.
’30 monedas’ y la gran oleada zombie de Sitges los grandes protagonistas del día de hoy
Hoy ha sido la noche en la que los zombies acechan Sitges y salen a desfilar como uno más en la ciudad. También ha sido el día en el que ÁlexdelaIglesia nos ha vuelto a traer sus ’30 monedas’, en esta segunda temporada que pronto llegará a nuestras pantallas. Y también hemos podido ver ‘Moscas’, dirigido por AritzMoreno y protagonizado por ErnestoAlterio, de la película ya os hablamos ayer en nuestro diario (aquí tenéis el enlace).
Pero como siempre, hemos tenido muchas más estrellas en Sitges. MaryLambert, GarethEvans, CosimoFusco, MiguelÁngelSilvestre, MacarenaGómez o AnnaZlokovic, han sido algunas caras que han pasado por la alfombra roja.
Además, hoy también se han dado los Premios SGAE Nueva Autoría que pertenecen al Sitges Festival, aquí os dejamos los ganadores.
El Premio SGAE Nueva Autoría a la Mejor Dirección-Realización ha sido para MikelGarrido, director y guionista del cortometraje ‘Tenemos Patria’, presentado por la ESCAC.
KarenJoaquín, directora y guionista del cortometraje ‘O que me parta un rayo’, presentado por la ECIB, ha obtenido el Premio SGAE Nueva Autoría al Mejor Guion. Este corto también ha recibido una mención especial “por la excelente interpretación de las dos chicas protagonistas y por la mirada única de la directora, que ha sabido cautivar a los miembros del jurado Nueva Autoría 2023”.
El Premio SGAE Nueva Autoría a la Mejor Música Original, ha sido para MárcioEchevarria, autor de la banda sonora ‘The Son Thief’, presentado por el IDEM Barcelona.
Os dejamos con nuestras críticas de hoy a continuación.
‘Winnie the Pooh: miel y sangre’
El cuento infantil del osito Winnie the Pooh se convierte en una historia macabra. Como en ‘Hook (El Capitán Garfio)’ un niño abandona su mundo de juegos y fantasía para vivir su vida de adulto. Pero este Christopher Robin no recibe precisamente la visita de Campanilla. Tampoco acuden en su ayuda sus peluches como en la versión de Ewan McGregor. En su lugar se encuentra con una criatura que ha crecido sola y ha tenido que hacer abominaciones o simplemente seguir el curso de la naturaleza para sobrevivir. El adorable osito que se pirra por la miel se ha convertido en un robusto asesino con pinta de redneck y ansia de sangre.
Divertida premisa para una película que solo podía funcionar dentro de la Serie B y para un público como el de Sitges. El tarro de miel rebosa sangre pero por desgracia no explota bien la broma y la película se precipita en un festival de muertes ridículas y peores actuaciones. No se le puede llamar comedia involuntaria porque dudo que esta película esté hecha en serio, pero le falta ser más autoconsciente. Vale que en estos filmes slasher no suele haber mucho estudio de personajes, pero por lo menos se habría agradecido una motivación más plausible para el grupo de amigas protagonistas que no son más que otro cliché. No sé si es porque actúan mal o porque los personajes no demuestran tener muchas neuronas, pero estás deseando todo el rato que el villano tenga éxito. Lástima que cuando lo tiene no hay sorpresa o talento con la cámara, tampoco extraña viendo el guión tan ridículo que han escrito/roodado. La idea que dio luz a este proyecto es buena, sin embargo más allá de eso no hay nada destacable por encima de cualquier otra producción tipo Asylum. A los de ‘Mad Heidi’ les salió mejor eso de reventar un mito de nuestra infancia.
Ryan Stevens Harris nos trae una cinta bastante turbia en la que una niña después de un accidente casero queda en coma y vive en una pesadilla terrible en la que debe seguir la voz de su madre para poder salir de allí y despertar.
‘Moon garden’ es una película llena de pesadillas. Rodada con una película de 35 mm caducada, algo que le da un toque siniestro a todo el mundo que ve la niña. Aparte que los efectos especiales son tradicionales, algo que hace todo más real. El maquillaje es genial y la creación de las criaturas me parece de lo mejor del film. Es una cinta, que da verdadero mal rollo. Además que la historia que hay detrás del accidente de la niña da mucha pena. No os lo cuento porque sería spoiler. Y la verdad que ‘Moon garden’ merece ser vista, al menos por todo el tema estético de la cinta.
No se si se estrenará en salas de cine, pero al verdad que el trabajo de Ryan Stevens Harris, merece ser visto en pantalla grande. Se nota que han trabajado mucho todo el tema artístico mucho y vemos sufrir a la niña un montón. Haven Lee Harris, está maravillosa en la película y me encanta ver en las escenas de los créditos, como la han cuidado. Porque realmente sufres con ella, al ser tan pequeña lo bien que trabaja.
Ted Geoghean sigue enciscado con el más allá. Tras títulos como ‘Satanic Panic’, ‘Todavía estamos aquí’ o ‘The Disco Exorcist’ nos traslada a una nueva historia de fantasmas y sangre ambientada esta vez en 1945, en las Navidades de ese año. Mucho sabor a veterano de la Segunda Guerra Mundial y poco navideño pues un grupo de excombatientes y amigos de toda la vida se reúnen para consolar a uno de sus compañeros de armas, recientemente enviudado y empeñado en llevar a cabo una sesión de espiritismo.
La filmografía de este director está repleta de demonios y en este caso lo está por partida doble. La sesión consigue su objetivo pero se les va de las manos y ello hace que los fantasmas del pasado acechen a los protagonistas. Se palpa la tensión, los secretos y los traumas reprimidos desde el primer minuto y eso es lo que va explotando la película según progresa y según se alcanza el clímax sobrenatural. Un flirteo con el otro lado que podría haber sido algo lovecraftiano o un tonteo de adolescentes como el de ‘Verónica’. Objeto personal, no cerrar el círculo, golpes en las paredes, la puerta se ha quedado abierta… Todo son elementos que nos suenan y están requeteutilizados. El guión nos hace pensar que esta va a ser la típica sesión que se malogra, pero se reserva unas cuantas sorpresas para el público de Sitges que hacen que ‘Brooklyn 45’ sea fresca y original.
‘Un millón de zombies: la historia de la plaga zombie’
Cuatro amigos, acostumbrados a rodar cortos desde niños, deciden hacer una película de zombies, así fue como nació ‘Plaga Zombie’. ‘Acción Mutante’ o ‘Bad Taste’ son películas que animaron a estos chicos a realizar la película que les gustaría ver. Nos van contando como ellos solos hicieron todo, dirección, guion, actuación o montaje. Y lo más difícil y por lo que hemos visto, unos efectos especiales bastante currados.
Vamos viendo como consiguieron el dinero para poder hacer la primera tirada en VHS y poder meterla en un videoclub para darla a conocer. Además del gran éxito que tuvo y como se atrevieron hacer una segunda parte. Y de ahí a un pequeño negocio con su productora. Esto ya se convirtió en algo más serio y les pesó bastante en su grupo de amigos. Entre alguna situación que tuvieron que pasar, fue por terapia de grupo.
El documental, uno de tantos que se proyectan en este Sitges 2023, aunque al final se va un poco por las ramas, es bastante curioso y además vemos como con ilusión se logran muchas cosas. Y con ese ímpetu y esa pasión sentaron un precedente en Argentina.
La próxima película que estrenará la directora aragonesa Paula Ortiz (‘La Novia’) en cines es, ‘Al otro lado del río y entre los árboles’, y se podrá ver a partir del 11 de octubre.
El primer largometraje de Paula Ortiz rodado en inglés tiene como protagonistas a Liev Schreiber (‘Ray Donovan’, ‘Salt’, ‘X-Men: Origenes’), Matilda de Angelis (‘La ley de Lidia Poët’, ‘El robo a Mussolini’), Josh Hutcherson (‘Los juegos del hambre’, ‘Jumanji: El siguiente nivel’) y Danny Huston (‘Yelowstone’, ‘Wonder Woman’, ‘El jardinero Fiel’) entre otros; el guion está escrito por Peter Flannery. La historia transcurre en dos noches y dos personas que están en una encrucijada vital (él está al final de su camino, ella está empezando el suyo).
La directora comenta «‘Al otro lado del río y entre los árboles’ es la adaptación de una de las últimas novelas de Hemingway, una canción de amor, vida y muerte. El encuentro de un hombre herido con una mujer joven que se ayudan a aceptarse a sí mismos conectando de nuevo con el centro de la vida y volviéndose profundamente humanos.
La película se rodó en Venecia y fue un reto increíble, ya que se rodó en plena pandemia de Covid. Sin embargo, debido a esta situación que muchas producciones sufrieron, consiguieron una Venecia desprovista de turistas quizás parecida a la Venecia real de 1946…. silenciosa, evocadora y vacía.
Paula Ortiz y Javier Aguirresarobe (director de Fotografía) abrazaron con entusiasmo la idea de rodar Venecia en blanco y negro. Se consideró el medio obvio para contar una historia «llena de sombras» como ésta.
Sinopsis oficial:
Ambientada en Italia durante la Segunda Guerra Mundial, el coronel Richard Cantwell, un auténtico héroe de guerra, afronta la noticia de su enfermedad terminal con estoica indiferencia. Decidido a pasar un fin de semana en tranquila soledad, cazando patos y visitar viejos lugares de Venecia, un encuentro fortuito con una joven condesa comienza a despertar en él la esperanza de una renovación. Basada en la última novela completa que Ernest Hemingway publicó en vida, «AL OTRO LADO DEL RÍO Y ENTRE LOS ÁRBOLES» captura un fugaz momento de inmortalidad en el que el tiempo se detiene. La historia contiene los grandes temas de Hemingway: el amor, la guerra, la juventud y la edad.
Vértice 360 traerá a cines la película que trata la figura de Lee Miller, quien con su talento y tenacidad nos brindó algunas de las imágenes más indelebles del siglo XX. Más allá de ser uno de los iconos de la fotografía del siglo XX, Lee Miller es la protagonista absoluta de ‘Lee’. Durante la Segunda Guerra Mundial, a la célebre y prestigiosa corresponsal de guerra Lee Miller (Kate Winslet), una de las figuras más icónicas del siglo XX, que tras abandonar su glamurosa carrera como modelo de portada en la revista Vogue, con artistas como Man Ray (artista francés que la lanzó al estrellato como modelo de alta costura), decidió ponerse tras su cámara de fotos e iniciar una peligrosa cruzada como corresponsal de guerra para las ediciones británica y estadounidense de Vogue. Esta odisea le valió para relatar la lucha en el frente aliado, dar a conocer las atrocidades que la Alemania nazi de Hitler perpetró contra los judíos en los campos de concentración y difundir los oscuros secretos del Tercer Reich.
Entre los innumerables logros de Lee Miller se encuentra ser la autora de muchas de las primeras imágenes que existen de los campos de concentración después de que los nazis huyeran de ellos.
El próximo 9 de septiembre, ‘Lee’ tendrá su premiere mundial en el Toronto International Film Festival (TIFF) festival en el que participará la película dentro de su sección Oficial.
Sinopsis oficial:
La película gira en torno a la corresponsal de guerra Lee Miller en su viaje a las primeras filas de la Segunda Guerra Mundial para llevar a cabo su misión de destapar las verdades ocultas del Tercer Reich. Pero a consecuencia de la traición, deberá enfrentarse a un ajuste de cuentas en el que afrontará las verdades de su propio pasado.
Ben Foster protagoniza este biopic basado en hechos reales
La película ‘El superviviente de Auschwitz’ es un drama biográfico dirigido por el ganador del Oscar Barry Levinson (‘Rain Man’, ‘The Wizard of Lies’). Está basada en una historia real, la de Harry Haft, un judío que se ve impulsado por su amor a una mujer a sobrevivir a los horrores inimaginables de los campos de concentración alemanes. El guion, de Justine Juel Gillmer (‘Los 100’), está basado en la novela Harry Haft: Survivor of Auschwitz, Challenger of Rocky Marciano escrita por Alan Scott Haft, el hijo mayor de Harry.
Ben Foster (‘Comanchería’, ‘No dejes rastro’) es el protagonista del filme que Diamond Films estrenará en cines el 22 de septiembre. Completan el reparto Danny De Vito (‘Colgados en Filadelfia’, ‘Dumbo’), Vicky Krieps (‘El hilo invisible’, ‘Tiempo’), Peter Sarsgaard (‘Jackie’, ‘BlueJasmine’), Saro Emirze (‘Bad Banks, ‘Los amos del aire’), Dar Zuzovsky (‘Papa’, ‘Punch’), John Leguizamo (‘Moulin Rouge’, ‘John Wick: Pacto de sangre’) y Billy Magnussen (‘La gran apuesta’, ‘Sin tiempo para morir’).
Sinopsis oficial:
Harry Haft (Ben Foster), un boxeador que luchó contra sus compañeros en los campos de concentración vive atormentado por sus recuerdos y por la culpa. Después de la Segunda Guerra Mundial, intenta utilizar peleas de alto nivel contra leyendas del boxeo como Rocky Marciano para intentar reencontrarse con su primer amor.
Escrita y dirigida por Christopher Nolan, ‘Oppenheimer’ es un épico thriller rodado en IMAX® que transporta a los espectadores a la trepidante paradoja de un enigmático hombre que deberá arriesgarse a destruir el mundo para salvarlo.
Cillian Murphy como Julius Robert Oppenheimer y con Emily Blunt interpretando a su esposa, la bióloga y botánica Katherine Oppenheimer. El ganador de un Oscar® Matt Damon se convierte en el general Leslie Groves Jr., director del Proyecto Manhattan, y Robert Downey Jr. da vida a Lewis Strauss, un miembro fundador de la Comisión de Energía Atómica de los Estados Unidos.
Crítica
Un caramelo para los antibelicistas y los amantes de la ciencia
A pesar de su proximidad en el tiempo es muy probable que la historia de J. RobertOppenheimer nos haya llegado con detalles tergiversados, ya sea por la desinformación, por las campañas de descrédito o por el material clasificado. A pesar de que no han pasado aún ni cien años lo único verdaderamente fiable y contrastable a la hora de reproducir su vida serían sus logros científicos. Ante la imagen tan desdibujada o borrosa que la historia ha creado de este importantísimo científico Christopher Nolan ha decidido basar su primer biopic en ‘Prometeo americano’, el libro de Kai Bird y Martin J. Sherwin.
Primera película biográfica del autor de películas como ‘Origen’ o la trilogía de ‘El Caballero Oscuro’. Es un director que siempre nos ofrece espectáculo o nos deja rallados. Cuesta creer que se haya pasado a los códigos de esas películas que narran la vida o la etapa de un personaje real y relevante. Pero Nolan es muy suyo y ha creado una comunión un tanto difícil de digerir. Para mí ‘Oppenheimer’ es una gran película que recrea detalles importantes de nuestra historia que hoy en día tienen mucho eco además de acercarnos a las figuras que estuvieron tras ello, pero el modus operandi de Nolan la convierten en un “mucho ruido y pocas nueces”.
Aunque me pese y mi amor por la ciencia se resienta habrá que decir que más allá de descubrir a este científico el atractivo de ‘Oppenheimer’ es el de recrear los hechos que hicieron a este neoyorquino citar la frase “ahora me he convertido en la muerte, el destructor de mundos”. En el 45 se detonó la primera bomba atómica, en la prueba Trinity, como fruto del proyecto Manhattan en las instalaciones de Los Alamos. Hitler estaba muerto, pero aún había que derrocar a los japoneses. Para ello se hizo uso del triunfo en la mayor apuesta científica de la historia, la carrera armamentística de la bomba atómica. Gran parte del ruido o la promoción del filme ha sido el ver esa bomba que ha recreado Nolan con diversos efectos prácticos, nada de ordenador. Esto sucede a las dos horas de película y no es para tanto, aunque la escena está muy bien montada. Lo cual me lleva a la otra obsesión de la campaña de marketing. No veo tan necesario ver este filme en las específicas condiciones que pide el director a pesar de que su fotografía es magnífica y su edición de sonido hace que te tiemblen hasta las tripas con la vibración.
Está claro una vez más que a Nolan le chifla la ciencia. A mí me ha enganchado porque no es parca en detalles y nombres, ya faltaría con tres horas de duración. No se deja a casi ningún científico o hecho relevante, aunque la fase en la que Oppenheimer se dedicaba a la cuántica queda a un plano secundario por motivos obvios que la propia historia también se ha ocupado en tapar. No veréis por lo tanto cómo se saltaba cursos enteros o cómo llegó a formular la aproximación de Born-Oppenheimer. Pero si otros detalles como que fue quien importó la física cuántica a los Estados Unidos o su estrecha relación con Albert Einstein. Todo esto a partir de otro amor que tiene Nolan, el de sus amigos actores. El reparto podría arruinar a cualquier productora con su caché y a algunos de nosotros a base de pagar entradas de cine. Las actuaciones de Cillian Murphy y Robert Downey Jr. son laureables. Ambos lucen en pantalla como si fuesen estrellas del Hollywood dorado y son capaces de llevar a cabo un duelo interpretativo a pesar de que no comparten muchas escenas.
‘Oppenheimer’ está mejor armada, concebida o es más comprensible que ‘Tenet’. Aunque de nuevo, salvo en los compases iniciales y finales, Nolan descuida el ámbito emocional. ¿Será que Christopher Nolan está acusando no escribir junto a su hermano Jonathan? Recordemos que no lo hace desde ‘Interstellar’. Intenta suplirlo con una banda sonora que de nuevo a estado a cargo de un Ludwig Göransson que cada vez imita mejor a Hans Zimmer. Algo que también nos transmite el guión es una saturación de temas, lo cual hace que la película sea densa o dispersa al mismo tiempo. Toca el ámbito científico con la incursión de la física cuántica, los nuevos inventos cuando están al servicio de lo bélico (el hombre siempre pervierte el progreso, como nos recuerda Nolan al comienzo con el mito de Prometeo), es a todas luces un thriller político que incluye hasta la permisibilidad de USA en la Guerra Civil Española y el auge del fascismo, por supuesto funciona como biopic de un científico que a muy poco podría haber sido como ‘La Teoría del todo’ o ‘The imitation game’, también reflexiona el cómo cambió el mundo a partir de aquello y cómo lo comprobamos hoy en día que tenemos candente una guerra violenta que a la vez es fría… Para todo esto se ha dispuesto un montaje en tres tiempos fílmicos distintos. El mayor tiempo de metraje se dedica a cómo Oppenheimer progresó en el campo de la física dentro de determinados ámbitos académicos y a cómo se desarrolló su moral durante su etapa como director en el proyecto Manhattan. A parte de eso saltamos por una auditoría en la que fue martirizado y una comisión ante el Congreso. Son tres horas de concatenación de escenas que no llegan a superar los cinco minutos cada una y por eso agradezco que se pasa rápido. Pero el montaje podría considerarse intenso y agotador. En mi lugar habría recortado algunas escenas, como muchas en las que interviene Florence Pugh que están no solo fuera del tono del filme, también de lo que acostumbra a mostrar Nolan.
Aunque tiene muchas temáticas pienso que se centra la atención en la caza de brujas y el escarnio que sufrió Oppenheimer por parte de ciertos miembros de su propio país, lo cual fue desvelado tras la desclasificación en 2014 de los juicios que fueron llevados a cabo en su contra. Él era de opiniones progresistas, consideradas de izquierdas y tal y como se empeña en mostrar el filme, con lazos comunistas. En lo que coinciden los historiadores es sobre todo que su carácter era pacifista. De ahí su segunda temática principal. Esta película es la filmación de su camino hacia la culpa que sintió toda su vida, llegando a manifestar su propia vergüenza, la oposición al uso de su propio invento, tras lo que consideró un verdadero abuso de poder y una masacre. ‘Oppenheimer’ nos deja como último mensaje la constatación de que ya hemos puesto el último clavo en el ataúd de la humanidad con la invención de la bomba atómica. Su mensaje es sin duda melancólico y catastrofista, esperemos que eso no sea vaticinio de lo que les espera a las salas de cine tras la invención del streaming y las IAs.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de julio de 2023. Título original: Oppenheimer. Duración: 180 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Nolan. Guion: Christopher Nolan. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Reparto principal: Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damon, Robert Downey Jr., Florence Pugh, Benny Safdie, Michael Angarano, Josh Hartnett, Rami Malek, Kenneth Branagh, Dane DeHaan, Dylan Arnold, David Krumholtz, Alden Ehrenreich, Matthew Modine. Producción: Universal Pictures, Atlas Entertainment, Gadget Films, Syncopy. Distribución: Universal Pictures. Género: biografía. Web oficial:https://www.instagram.com/oppenheimermovie/
Hoy podemos daros noticias sobre ‘La luz que no puedes ver’, una obra que transcurre durante la ‘Segunda Guerra Mundial’. La nueva miniserie de Netflix dirigida por Shawn Levy (‘El proyecto Adam’) y escrita por Steven Knight (‘Peaky Blinders’), estará protagonizada por las actrices noveles Aria Mia Loberti y Nell Sutton en el papel de Marie-Laure (de mayor y menor, respectivamente), así como por Mark Ruffalo como Daniel LeBlanc, Hugh Laurie como el tío Etienne, Louis Hofmann como Werner, Lars Eidinger como Von Rumpel y Marion Bailey como Madame Manec.
‘La luz que no puedes ver’ entrelaza hábilmente los destinos de Marie-Laure, una joven ciega de origen francés, y de Werner, un brillante adolescente reclutado por el régimen de Hitler para rastrear emisiones de radio ilegales a lo largo de una década.
A través de una trepidante narración, ‘La luz que no puedes ver’, cuenta una historia sobre el extraordinario poder de las conexiones humanas: una luz que puede guiarnos incluso en los momentos más oscuros.
El 30 de septiembre Adso Films estrena en cines ‘Corazones valientes’. Una película, dirigida por MonaAchache (‘El erizo’, ‘Las Gacelas’), que está basada en hechos reales y toma el punto de vista de los niños protagonistas como eje conductor del film. La mirada de ellos ante el horror de la guerra y su experiencia en el Castillo de Chambord (que protegía las grandes obras de arte del momento), dan forma a esta película a medio camino entre la fantasía y el relato histórico.
Protagonizan el film junto a los niños, la actriz Camille Cottin (‘La Casa Gucci’, ‘Killing Eve’, ‘Cuestión de sangre’) y el actor Swann Arlaud (‘La vida sin ti’, ‘Quiero hablar sobre Duras’, ‘Un héroe singular’).
Sinopsis oficial:
Verano de 1942. Durante la Segunda Guerra Mundial, seis niños judíos buscan refugio donde nadie pensaría encontrarlos: dentro del Castillo de Chambord, en medio de las obras de arte escondidas del Louvre. A pesar del peligro que los amenaza, de la muerte que los acecha, estos corazones valientes aprenden a saborear el momento presente.
La historia documentada ha ignorado descaradamente las proezas de las mujeres en muchos momentos clave y la lucha clandestina de las mujeres polacas durante la Segunda Guerra Mundial ha sido uno de ellos. ‘Guerreras’, una serie creada por la televisión pública polaca TVP 1, es el antídoto contra esta ceguera de género.
Este martes 31 de mayo a las 22.00 horas COSMO estrena el final de la primera temporada de ‘Guerreras’, una exitosa serie que ya ha sido renovada por una quinta entrega. Este drama bélico narra la invasión nazi desde una nueva perspectiva: la de tres valientes mujeres cuyos caminos se cruzan en la Varsovia ocupada.
Ewka (Vanessa Aleksander) fue educada por unos pequeños delincuentes y sobrevive cometiendo pequeños delitos. Irka (Marta Mazurek) es una joven enfermera de una familia acaudalada e influyente de Polonia. Y Marysia (Aleksandra Pisula) es la hija de un rico industrial judío de Lodz. Estas tres jóvenes provienen de entornos muy distintos, pero cuando Polonia es invadida por los nazis no pueden quedarse de brazos cruzados y deciden unirse al movimiento de resistencia para luchar por su país.
Ewka, Irka y Marysia participarán en acciones de guerra como sabotajes y misiones de espionaje, con la aprobación de la organización clandestina a la que pertenecen o sin ella. Además, ayudarán a la población judía tratando de salvarlos de la persecución nazi y el Holocausto.
‘Guerreras’ es una necesaria aproximación a la participación de las mujeres en los movimientos de resistencia durante la Segunda Guerra Mundial. Pero también un emotivo drama sobre la amistad entre las mujeres, su lucha por la independencia y su deseo participar activamente en la sociedad.
COSMO estrena el final de la primera temporada de ‘Guerreras’ el martes 31 de mayo a las 22.00 horas. En este último capítulo la situación de las protagonistas cada vez es más peligrosa. Con la Gestapo pisándoles los talones Irka, Marysia y Ewka huyen al campo ayudadas por Witold, el hermano de Irka.
Una vez emitido el episodio, la primera temporada completa de Guerreras estará disponible en COSMO ON. COSMO ON, el servicio de vídeo bajo demanda de COSMO sin coste adicional para los abonados.
Warner Bros. ha publicado el tráiler de ‘El arma del engaño’. Una película basada en el bestseller de Ben MacIntyre que está dirigida por el realizador ganador del Oscar John Madden con los productores de ‘El discurso del Rey’, See-Saw Films y Cohen Media Group en asociación con Archery Pictures.
Cuenta la extraordinaria historia real de la operación de desinformación bélica de mayor éxito de la historia y que cambió el curso de la Segunda Guerra Mundial.
Estamos en 1943. Los aliados están decididos a acabar con el control de Hitler en la Europa ocupada y planean un asalto total a Sicilia; pero se enfrentan a un desafío imposible: cómo proteger a sus tropas de una posible masacre durante una invasión de enormes proporciones. La operación depende de dos brillantes oficiales de inteligencia, Ewen Montagu (Colin Firth) y Charles Cholmondeley (Matthew Macfadyen) que diseñan la estrategia de desinformación más inteligente descabellada de la guerra, centrada en el agente secreto más improbable: un hombre muerto.
En el reparto también figuran Emmy Kelly Macdonald, Penelope Wilton, Johnny Flynn y JasonIsaacs. Además aparecen Hattie Morahan, Simon Russell Beale, Paul Ritter, James Fleet y Mark Gatiss.
‘El arma del engaño’ se estrena en España el 20 de mayo de 2022 solo en cines.
Basada en hechos reales. Henrik Kauffmann es el embajador danés en Washington en 1939. Al comenzar la II Guerra Mundial la situación se vuelve crítica, sobre todo después de que las tropas alemanas invadan y ocupen Dinamarca.
En ese momento, Kauffmann toma una decisión crucial en la historia: declararse el único representante verdadero de una Dinamarca libre en oposición a los nazis.
Crítica
Rosendahl nos descubre a un héroe diplomático con una interesante historia
Como admirador de Mads Mikkelsen y de ‘Druk (Otra ronda)’ aún estoy saboreando su éxito en los pasados Oscars y esperando con ganas la siguiente película danesa con el actor ‘Jinetes de la justicia (Riders of justice)’. Mientras llega ese título me he lanzado con gusto a ver otra película procedente de Dinamarca. En este caso ha tocado ‘The good traitor’, un thriller basado en hechos reales que se me ha pasado volando por lo interesante que es y por no quedarse estancada en ningún momento, incorporando giros con una buena periodicidad.
Como buena película danesa la bebida abunda y los personajes están desde el principio sujetando una copa. Ahí se paran las similitudes con ‘Otra ronda’ porque nos trasladamos a los años de la Segunda Guerra Mundial. Ahí sucede que el embajador de Dinamarca en Estados Unidos (de ahí el título original, ‘Nuestro hombre en América’), interpretado por UlrichThomsen, rechaza la decisión de su país a someterse dócilmente a los nazis. Esta es la historia de un diplomático que desobedeció las órdenes de su rey y su gobierno, quedándose en tierra de nadie, intentando convencer a varias naciones de la necesidad de hacer frente a los alemanes. De ahí lo de ‘The good traitor’, no acató las normas, pero en aras de un mundo libre.
A parte de con efluvios alcohólicos la película empieza con una inquietante muerte para terminar con un nacimiento, el de las Naciones Unidas, esa organización en las que España tardó en entrar unos diez años. Henrik Kauffmann, que así se llamaba el embajador danés, contribuyó a la fundación de la ONU pero sobre todo influyó de manera más o menos legal (según se mire) al desarrollo de la Segunda Guerra Mundial y la entrada de EE.UU. en ella, que como todos sabemos se precipitó con el ataque a Pearl Harbour.
Por lo tanto el valor que le vemos a ‘The good traitor’ es el de los momentos tras bambalinas en una guerra que dejó de ser de trincheras. Es muy carismático el momento en el que vemos a Roosevelt y Churchill comiendo pavo en una pequeña cocina, instante en el que se nos menciona por primera vez la Organización de Naciones Unidas. El filme de Christina Rosendahl suscita curiosidad y es apasionado por momentos. La Segunda Guerra Mundial fue una contienda que como sabemos saltó del viejo al nuevo continente, muy a pesar de la reticencia o pasividad inicial de Estados Unidos. Vemos aquí como hubo también una guerra en los despachos en la que las decisiones cambiaron según los intereses se vieron alterados.
Dos cosas más puedo decir de este thriller político e histórico. El título ‘The good traitor’ además de hacer referencia al status de traidor que Dinamarca otorgó a su sublevado embajador se refiere al carácter que adquiere este mismo frente a su esposa ya que le es infiel con su propia hermana. Bien es cierto que toda la trama amorosa que se ha introducido rellena cual peluche de Toys “R” Us la película, inflando demasiado su duración. Pero hace que la ironía esté más que presente.
Por otro quisiera comenta el detalle que más me ha gustado del filme. Mientras Europa y la mente del protagonista se debate en una guerra toda la acción sucede en una plácida casa en Estados Unidos, en una cómoda embajada. Rosendahl ha introducido muy acertadamente una serie de paneos y travellings donde vemos la vida recreativa o acomodada de la familia del embajador mientras de fondo suenan emisiones radiofónicas reales de la guerra, anunciando el avance de los nazis. Ese contraste me ha encantado.
De las guerras, en concreto de la Segunda Guerra Mundial, se recuerda la resistencia armada, a aquellos que son recordados como héroes por empuñar un fusil. Pero lo que consigue ‘The good traitor’ es recordar que los discursos, firmas y documentos también supusieron actos igualmente vitales para su resolución.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de junio de 2021. Título original: Vores mand i Amerika. Duración: 110 min. País: Dinamarca. Dirección: Christina Rosendahl. Guion: Kristian Bang Foss, Dunja Gry Jensen, Christina Rosendahl. Música: Jonas Struck. Fotografía: Louise McLaughlin. Reparto principal: Ulrich Thomsen, Denise Gough, Burn Gorman, Zoë Tapper, Ross McCall, Henry Goodman. Producción: Nimbus Film Productions, Copenhagen Film Fund, Danmarks Radio, Det Danske Filmistitut, Nordisk Film, SF Studio. Distribución: Vercine Distribución. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://nimbusfilm.dk/film/vores-mand-i-amerika/?lang=en
La actriz ganadora del Oscar Helen Mirren conduce un documental que explica la vida de Anna Frank a través de las páginas de su diario: un texto extraordinario que ha dado a conocer la tragedia del nazismo a millones de lectores en todo el mundo. La historia de Anna se entrelaza con la de cinco supervivientes del Holocausto, adolescentes como ella, con los mismos ideales, el mismo deseo de vivir, el mismo coraje: Arianna Szörenyi, Sarah Lichtsztejn-Montard, Helga Weiss y las hermanas Andra y Tatiana Bucci.
Crítica
Una historia que no debe ser olvidada
El 22 de mayo llega ‘Descubriendo a Anna Frank. Historias paralelas’ en donde conoceremos un poco la historia de esta niña que estuvo unos dos años y medio escondida de los nazis para terminar en un campo de concentración. Su diario no solo nos muestra la evolución del paso que tuvo Anna de la niñez a la adolescencia, sino que vamos conociendo poco a poco los terrores de la guerra a través de lo que la familia escuchaba por la radio. El miedo a ser encontrados se palpaba todos los días.
Pero no solo la conoceremos a ella. También tendremos la oportunidad de escuchar a cinco mujeres que tuvieron más suerte que Anna y lograron sobrevivir a los horrores que les hicieron sufrir.
HellenMirren es la encargada de narrar esta historia. Sentada en la antigua habitación de Anna Frank, en la Casadeatrás, va leyendo pequeños retazos de este diario tan íntimo para irnos contando todo lo sucedido.
A su vez, acompañamos a MartinaGatti, la actriz nos va llevando a los lugares por los que pasó Anna o que fueron importantes a lo largo de todo su diario. A través de una App tipo Instagram, va subiendo las imágenes al nombre de @KaterinaKat. Un toque visual y moderno para atraer sin duda a los jóvenes que no conozcan la historia de AnnaFrank. Ámsterdam, París, Terezín o el campo de concentración de Bergen-Belsen (donde murieron Anna y su hermana Margot), son alguno de los lugares que poco a poco vamos conociendo gracias a este trabajo de investigación.
Desde mi punto de vista, el documental es bastante didáctico, es una manera de presentar a Anna Frank. Como he dicho antes a la gente más joven que quizás no haya escuchado hablar sobre ella, este documental les parecerá bastante interesante e incluso seguramente se animarán a leer su diario. Eso sí, si conoces su historia y el holocausto, el documental quizás os parezca un poco más de lo mismo. Aunque no quita que siga dejando muy mal cuerpo todo el mal que se llegó hacer en aquellos años.
AriannaSzörenyi, SarahLichtsztejn, HelgaWeiss y las hermanas Andra y TatianaBucci, son las cinco supervivientes a las que escucharemos en este documental. Ellas nos van contando sus penurias en los distintos campos en los que terminaron, lo que vieron y lo todo lo que las hacían hacer. Siendo niñas, cuentan, cómo debían mover cadáveres entre varios para llevarlos a zanjas. Una de ellas Helga Weiss nos muestra su diario, el cual escribió mientras estaba en Terezin, uno de los primeros campos de concentración, con dibujos incluidos de todo lo que iba viviendo allí.
Nos hablan de Mengele o de la terrorífica IrmaGrese. En el documental se ven también escenas bastante duras dentro de los campos. Además de la casa donde Anna y su familia tuvieron que estar escondidos. La vemos en directo y también nos muestran una maqueta para situarla mejor.
La cinta dirigida por SabinaFedeli (guionista de ‘Pintores y reyes del Prado’) y AnnaMigotto (guionista de ‘Citizen Rosi’), llega a nuestras casas a través de Sala Virtual de Cine, Movistar +, Vodafone, RakutenTV, AppleTV, GooglePlay y Orange.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de mayo 2020. Título original: #AnneFrank. Vite parallele. Duración: 92 min. País: Italia. Dirección: Sabina Fedeli, Anna Migotto. Música: Lele Marchitelli. Reparto principal: Hellen Mirren, Martina Gatti, Arianna Szörenyi, Sarah Lichtsztejn, Helga Weiss, Andra Bucci, Tatiana Bucci Producción: Nexo Digital, Rai Cinema. Distribución: A Contracorriente Films, Sherlock Films. Género: Documental, historia. Web oficial:https://www.salavirtualdecine.com/es
Netflix ha publicado hoy las primeras imágenes de ‘Hollywood’, la nueva miniserie original de Netflix creada por Ryan Murphy (‘GLEE’, ‘The Politician’, ‘American Horror Story’, ‘Ratched’) e IanBrennan (‘GLEE’, ‘The Politician’, ‘Ratched’), ambientada en el Hollywood de después de la Segunda Guerra Mundial.
‘Hollywood’está protagonizada por David Corenswet, que interpreta a Jack, Darren Criss como Raymond, Jeremy Pope como Archie, Laura Harrier como Camille, Samara Weaving como Claire, Dylan McDermott como Ernie y Holland Taylor en el papel de Ellen Kincaid. Además, Patti LuPone interpreta a Avis, Jim Parsons a Henry Willson, Jake Picking a Rock Hudson, JoeMantello a Dick y Maude Apatow interpreta a Henrietta.
Janet Mock, productor ejecutivo, co-guionista y director de la serie explica que “En un presente tan turbulento y con un futuro tan incierto, volvemos al pasado en busca de ayuda y orientación, desenterrando la verdadera historia de Hollywood para crear una nueva realidad basada en el «qué pasaría si…»: ¿Qué pasaría si a un grupo de forasteros se le diera la oportunidad de contar su propia historia? ¿Y si la persona con el poder de dar luz verde fuera una mujer? ¿O el guionista un hombre negro? ¿Y si la heroína fuera una mujer de color? ¿O el icono de la televisión abiertamente gay? ¿Y si todos ellos fueran invitados a la sala en la que se toman las verdaderas decisiones, entrasen de lleno y dejasen, victoriosos y orgullosos, su huella en la historia del cine? ‘Hollywood’ es una carta de amor a nuestra pequeña ciudad industrial, donde habitan los soñadores, nacen las estrellas y la magia supera a la realidad”.
El nuevo proyecto de Ryan Murphy e Ian Brennan es una miniserie que cuenta la historia de un grupo de aspirantes a actores y cineastas que buscan alcanzar la fama en Tinseltown cueste lo que cueste. Cada personaje ofrece un punto de vista diferente y único sobre la realidad encubierta de la Edad de Oro de Hollywood y desvela las injusticias y los prejuicios en cuanto a raza, género y sexo que hoy en día continúan. HOLLYWOOD analiza y traslada a la pantalla las dinámicas de poder de la industria cinematográfica de hace décadas y muestra cómo sería el mundo del entretenimiento si estas dinámicas hubieran desparecido.
1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la Armada Imperial Japonesa se prepara para un nuevo ataque. Pero el Almirante Nimitz (Woody Harrelson) y Dick Best (Ed Skrein), el mejor piloto de la armada estadounidense, preparan un contraataque al imponente ejército japonés. Dick encabezará un ataque masivo que hará que Japón se dé cuenta de su error. Una decisión que cambió el curso de la historia para siempre.
Crítica
El exceso de un director alemán con un patriotismo norteamericano desorbitado
La contienda sucedida en Midway ha encontrado de nuevo su lugar en el cine más de 75 años después de que tuviese lugar en el marco de la II Guerra Mundial. Roland Emmerich nos tiene acostumbrados a las películas bélicas o con mucha destrucción, pero lo cierto es que no nos sumergía en una contienda armada y basada en hechos reales desde que en el año 2000 estrenase ‘El patriota’. Vuelve por lo tanto a los derroteros del cine de explosiones y exaltación del patriotismo norteamericano con una película que se estrena poco después de haber sido hallados en el mar varios navíos de esta batalla.
Emmerich y el guionista Van Tooke (‘Colony’) han querido ser muy fieles a la realidad. Hay algo que se percibe en la película y son los muchos detalles, gestas y eventos que son históricamente muy exactos. Muchos datos de hecho surgen del libro ‘Batalla de Midway’ escrito por el soldado Geoge Gay, que tuvo que ser rescatado de las aguas del Pacífico tras la batalla y al cual vemos en la película interpretado por Brandon Sklenar.
Esa re-construcción de un lance históricamente aproximado es lo que ha hecho que la película no sea tan emocionante ni espectacular como suelen ser los títulos de Emmerich. De hecho se deja muchos flecos a cerrar con los cartelones finales e introduce muchas partes que realmente no nos aportan gran cosa. Como el ver de nuevo el ataque a Pearl Harbor, las escenas del submarino, las de las esposas de los aviadores o la presencia de John Ford (Geoffrey Blake) en el frente grabando el documental que luego fue galardonado con el Oscar. Se podría decir que toda la película es como una expansión del documental de Ford. Porque, eso sí, los pormenores, la estrategia, los aciertos y errores, todo lo acontecido en esos días sobre el océano está muy bien explicado.
Si lo que buscáis es un patriotismo desorbitado aquí lo tenéis. Todos y cada uno de los personajes interpretados por Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, AaronEckhart, Nick Jonas, Dennis Quaid… contribuyen a reproducir los tópicos de los militares norteamericanos que habitualmente hemos visto en cine. Sus frases, posturas y gestos construyen una alabanza a aquellos soldados que consiguieron provocar la huída de los japoneses. Y por otro lado la película también hace un esfuerzo por congratularse con los chinos ofreciendo una pequeña trama en la China invadida por el país del sol naciente. Algo que no me extraña tampoco que se haga pues la producción del filme se debe en buena parte a capital chino.
Emmerich ha vuelto a las hazañas aéreas repletas de héroes como en ‘Independence Day’, solo que esta vez sus armas apuntan hacia el mar y no hacia el espacio. De nuevo deja claro que la construcción de los dramas y los personajes no son lo suyo, que el espectáculo visual es lo que se le da mejor. Porque cuando de verdad se sumerge en la acción es cuando la cinta realmente tiene algunos destellos de luz. Sobre todo si hay algo que me gusta de ‘Midway’ es su nivel de detalle y exactitud con los aviones, los barcos o las armas de la época.
Esta es una historia de testosterona, de aguerridos, de osados y de comprometidos. Parece que hay que tener un poco de todo eso para trabajar realmente con Emmerich y es por eso tal vez que repiten con él actores como Dennis Quaid o Woody Harrelson. Pero también repiten habituales que están tras las cámaras como los compositores Harald Kloser o Thomas Wanker, quienes han puesto música a casi toda la filmografía del director. En ‘Midway’ si que hacen un buen trabajo que dista de la música que John Williams hizo para la película que protagonizaron Charlton Heston, Henry Fonda, Glenn Ford y compañía.
Casi siempre he gozado las películas desatadas de Emmerich como ‘Independence Day’ o ‘El día de mañana’, yo le guardo cariño por ‘Stargate’ o su ‘Godzilla’. Pero últimamente tras la segunda parte de ‘Independence Day’ y esto, aunque haga taquilla, en lo que a mí respecta se le va acabando el crédito.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2019. Título original: Midway. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Roland Emmerich. Guion: Wes Tooke. Música: Harald Kloser, Thomas Wanker. Fotografía: Robby Baumgartner. Reparto principal: Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Aaron Eckhart, Nick Jonas, Mandy Moore, Dennis Quaid, Darren Criss, Luke Kleintank, Alexander Ludwig, Mark Rolston, James Carpinello, Tadanobu Asano, Jake Manley, Ellen Dubin, Keean Johnson, Kevan Ohtsji, Brandon Sklenar, Russell Dennis Lewis, Tyler Elliot Burke, Nobuya Shimamoto, Garret Sato, Robert Crooks, Johan Strombergsson-Denora, Alexandre Dubois, Michael Daniel Murphy, Jason Smiley, Dean Schaller, Adam Rogers, Svitlana Campbell, James Hicks. Producción: Centropolis Entertainment, Starlight Culture Entertainment Group, The Mark Gordon Company, Entertainment One, RuYi Media, Street Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: hechos reales, bélico. Web oficial:https://www.diamondfilms.es/pelicula/midway
La película de Taika Waititi se estrenará en enero de 2020
Hace unos meses os hablamos de ‘Jojo Rabbit’ con la aparición de su tráiler. Ahora bajo el sello de Disney esta producción que ha dirigido Taika Waititi (‘Lo que hacemos en las sombras’) tiene un nuevo tráiler en castellano. Además sabemos que la película será estrenada en cines el 17 de enero de 2020.
Además del propio Waititi (convertido en Hitler) en el reparto están Sam Rockwell, Scarlett Johansson, Rebel Wilson, Alfie Allen y Stephen Merchant. Antes de hablar de su sinopsis merece la pena que echéis un vistazo al tráiler.
Sinopsis oficial:
El director y guionista Taika Waititi imprime su sentido del humor y patetismo en su nueva película ‘Jojo Rabbit’, una sátira de la Segunda Guerra Mundial que sigue a un solitario muchacho alemán llamado Jojo (Roman Griffin), cuya visión del mundo se pone patas arriba cuando descubre que su madre soltera (Scarlett Johansson) está escondiendo a una joven judía (Thomasin McKenzie) en el ático. Con la única ayuda de su estúpido amigo imaginario Adolf Hitler (Taika Waititi), Jojo deberá enfrentarse a su nacionalismo ciego.
Mitsuru Sasaki es un cocinero que puede hacer maravillosas comidas sin siquiera pensarlo. Pero es tan perfeccionista que pierde su reputada restaurante y se ve obligado a cocinar por encargo. Un día, recibe una solicitud especial para cocinar un mítico banquete espectacular del siglo pasado. El problema es que necesita descubrir la receta del famoso chef Yamagata que estuvo en la Manchuria ocupada por China en la década de 1930.
Crítica
Una deliciosa historia de amistad y confianza
Después de ver ‘El cocinero de los últimos deseos’ solo os recomiendo tener un restaurante de comida japonesa cerca, os aseguro que saldréis con mucha hambre.
Esta tierna película del director Yôjirô Takita, ganador del Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa por ‘Despedidas’, nos cuenta la historia del cocinero Mitsuru Sasaki, cuyo trabajo es realizar comidas por encargo para clientes muy especiales. En su último encargo no solo tendrá que cocinar, sino que además se adentrará en una bonita historia en la búsqueda de las recetas del famoso chef Yamagata.
No puedo hacer otra cosa que recomendar la película, aunque tenga momentos de drama, la cinta te deja con una sonrisa en la boca. Vamos conociendo la historia de una familia vista desde la perspectiva de sus propios protagonistas y por supuesto de la cocina, mientras que Mitsuru debe desentrañar el puzle en el que le han metido.
La cinta está muy bien rodada y narrada, sus dos horas de duración pasan rapidísimo mientras vemos distintos platos de deliciosa comida y conocemos a todos los personajes entrañables de la película.
Basado en la novela de Keiichi Tanaka, ‘El cocinero de los últimos deseos’ no solo trata de comida, dentro de todos los temas que podemos ver están la amistad, confianza y sobre todo la familia. Además que vamos también a temas raciales, ya que la película viaja desde el 2002 al año 1933 donde la Segunda Guerra Mundial está latente y las diferencias entre japoneses y chinos están a flor de piel.
En el reparto encontramos a KazanuriNinomiya (‘Gantz’, ‘CartasdesdeIwoJima’), HidetoshiNishijima (‘Elvientoselevanta’), GoAyano (‘Ikari’) y AoiMiyazaki (‘Ikari’). Cada uno con su historia, pero todos tienen algo en común y es su empeño por lograr que el nombre de Yamagata no se olvide.
En cuanto al nivel técnico no hay mucho que señalar, es una cinta muy sencilla sin grandes planos ni detalles, donde la historia es lo que realmente cuenta.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de agosto. Título original: The last recipe: Kirin no shita no kioku. Duración: 126 min. País: Japón. Dirección: Yôjirô Takita Guión: Tamio Hayashi, basado en la novela de Keiichi Tanaka. Fotografía: Yoshinori Oshima. Reparto principal: Kazunari Ninomiya, Hidetoshi Nishijima, Aoi Miyazaki, Gô Ayano, Daigo Nishihata, Yoshi Oida, Togo Igawa. Producción: Pipeline. Distribución: Sherlock Films y A Contracorriente Films. Género: Drama. Web oficial:http://www.sherlockfilms.com/pelicula/543/el-cocinero-de-los-ultimos-deseos/
Uno de los proyectos Fox que Disney intentará encajar como pueda
Estas cosas iban a pasar antes o después y han pasado antes. A Disney le va a costar mucho encajar en su política algunos productos de 20th Century Fox si lo que quiere es unificar todo bajo un mismo sello. Y no nos referimos a si ‘Deadpool 3’ será calificación R o para mayores de 13 años, nos referimos al próximo estreno de Taika Waititi el futuro director de ‘Thor: amor y trueno’ y el aclamado autor de ‘Lo que hacemos en las sombras’.
Resulta que ya tiene rodada una película en la que el mismo Waititi interpreta a Hitler, siendo este el amigo imaginario de un niño. El tono sarcástico/sádico del filme obviamente no encaja con la línea habitual de la productora de Burbank pero es que tanto los gags de su tráiler como el reparto que luce hacen que esta película se venda sola. Obviamente está Waititi y junto a él están Sam Rockwell, Scarlett Johansson, Rebel Wilson, Alfie Allen y Stephen Merchant.
A Disney ya le salió el tiro por la culata cuando por ejemplo en España escondió el estreno de ‘Swiss army man’ la delirante película con Daniel Radcliffe y Paul Dano. Dudamos que dejen pasar esta gran oportunidad y nos priven de esta comedia en cines.
Pasamos del frío hielo al Japón de la Segunda Guerra Mundial
Resulta emocionante la perspectiva de la segunda temporada de ‘The Terror’ pues parece nos devolverá al terror japonés que tanto éxito tuvo en la primera década del siglo XXI. AMC estrenará próximamente una nueva historia ambientada en los campamentos de la Segunda Guerra Mundial. Un espíritu persigue a los protagonistas, unos estadounidenses de origen nipón que viajan desde California hasta las islas del pacífico por culpa de la guerra.
El actor DerekMio (‘Greek’) es el protagonista de esta nueva etapa en la que veremos a otros actores como KikiSukezane (‘Héroes’), LeeShorten (‘The man on the high castle’), AlexShimizu (‘The Blacklist’), CristinaRodlo (‘Miss Bala’), YukiMorita (‘Colony’), JamesSaito (‘Tortugas Ninja’), NaokoMori (‘Everest’), EijiInoue (‘Click’), TeachGrant (‘Van Helsing’), WilliamdeVry (‘Nikita’) o HiraAmbrosino (‘House’).
El nuevo título de Roland Emmerich es ‘Midway’. El director vuelve al cine de acción recreando la batalla acaecida en 1942, una exitosa contienda que sumó enteros a la hora de declinar la balanza hacia el bando aliado. Una misión conseguida contra todo pronóstico que el cineasta alemán empleará para exaltar la amistad, el sacrificio y la lealtad. Un título que próximamente estrenará Diamond Films en España.
En ‘Midway’ podréis ver a Ed Skrein (‘Juego de tronos’, ‘Deadpool’), Woody Harrelson (‘Los juegos del hambre’, ‘Han Solo’), Patrick Wilson (‘Aquaman’, ‘La monja’), Luke Evans ( ‘El Hobbit’, ‘La bella y la bestia’), Aaron Eckhart (‘Sully’, ’El caballero oscuro’), Nick Jonas (‘Uglydolls: Extraordinariamente feos’, ‘Jumanji: Bienvenidos a la jungla’), Mandy Moore (‘This is us’, ‘Un paseo para recordar’), Dennis Quaid (‘El día de mañana’, ‘Lejos del cielo’) y Darren Criss (‘American crime story: El asesinato de Gianni Versace’, ‘Glee’).
Sinopsis oficial: 1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la Armada Imperial Japonesa se prepara para un nuevo ataque. Pero el Almirante Nimitz (Woody Harrelson) y Dick Best (Ed Skrein), el mejor piloto de la armada estadounidense, preparan un contraataque al imponente ejército japonés. Dick encabezará un ataque masivo que hará que Japón se dé cuenta de su error. Una decisión que cambió el curso de la historia para siempre.
Mientras estos dos titánicos enemigos emprenden una letal batalla para cambiar el rumbo de la guerra, todas las miradas se vuelcan hacia la remota isla de Midway, donde una serie de impactantes ataques aéreos y marítimos pondrán a prueba la potencia y la fortaleza de ambas naciones.
Actualizamos nuestra entrada con el tráiler en versión original subtitulado.
Segunda Guerra Mundial. En Marsella, refugiados de toda Europa embarcan rumbo a América, huyendo de la ocupación nazi. Entre ellos, el joven alemán Georg, quien suplanta la identidad de un escritor muerto para utilizar su visado y viajar a México. En Marsella se enamora de Marie, una joven que busca desesperadamente al hombre a quien ama, sin el que no está dispuesta a irse.
Crítica
Refinado ejercicio de abstracción
Christian Petzold cierra su trilogía ‘El amor en tiempos opresivos’ con una película curiosamente atemporal. Preceden a este film ‘Barbara’ y ‘Phoenix’, dos filmes ambientados en la Alemania de los 80 y de postguerra. Peculiarmente ‘En tránsito’ nos transporta unos años más atrás pero de un modo intemporal. Y curiosamente el protagonista de ‘En tránsito’ tiene cierto parecido con Joaquin Phoenix. Franz Rogowski (‘Victoria’) es quien encabeza esta película y quien conecta con otros intérpretes como Paula Beer (‘Frantz’) o Godehard Giese (‘Inmersión’).
En esta nueva propuesta un alemán huye del avance de las tropas nazis hacia el sur de Francia. Para poder salir del país necesita no solo billetes de embarque si no también el permiso de tránsito que garantiza a los países donde va a hacer escala que solo está de paso. Y para ello usurpa la vida de un fallecido escritor, lo cual le aporta más crédito ante los trámites burocráticos. Pero en ese recorrido se cruza con muchas personas, como la bella Marie o un afectivo niño llamado Driss (Lilien Batman) que le hacen replantearse sus planes. Todos ellos son personas intentando sobrellevar una situación, encontradas en el transcurso de un viaje, hallados por cruces fugaces, porque cuando se en tránsito no hay tiempo para nada duradero.
A pesar de que esta sea una historia con un contexto sacado de los años de la invasión de los nazis está ambientada en nuestra actualidad. Se habla del avance de las tropas alemanas, de los refugiados de guerra, de los campos de concentración… Pero todo transcurre en nuestros días. De este modo Christian Petzold nos demuestra que no hace falta invertir en una cara puesta en escena que nos sitúe visualmente en el pasado para abstraernos a esa época. A parte de ese ejercicio de traslación al pasado el director también nos dice con este experimento que estamos en una situación bastante similar. Aunque por motivos diferentes a los de entonces circulan por Europa cantidades ingentes de refugiados cuya acogida es motivo de debate en todos los países.
El título no hace solo referencia a la situación de huída y viaje del protagonista. También a la cantidad de personas que pasan por delante de él, que entran y salen de su vida. Están cuidadas todas las localizaciones del largometraje, todo transcurre por lugares de tránsito: el hotel, el puerto, el vagón, los consulados… Pero no solo eso si no que cada individuo se encuentra sentimentalmente en tránsito. Personas que necesitan contar su vida, vaciarse para sentirse acompañados en su itinerario.
‘En tránsito’ está narrada con una cada vez más presente voz en off. Esta cuenta en tercera persona no solo lo que hace y ocurre a su alrededor, si no también lo que siente el protagonista. Por como cuenta la historia es alguien que le sirvió de confidente a este fugitivo, como sirven de oyentes muchas veces los camareros de los bares, otro lugar de tránsito. Un narrador que podría ser el receptor de la novela de Anna Seghers, en la cual se basa el filme, haciendo así un poco de meta. Él es testigo y confesor de las vidas que ve pasar por su barra. Por eso esta es una película con varios personajes secundarios que darían para una película propia. El mismo director asegura que para cada uno de ellos escribe una biografía completa, para que los actores se puedan preparar el papel y se palpe el realismo y el trasfondo.
Son varios los momentos entrañables, heroicos y sensibles. Me quedo con la secuencia en la que reparan el niño y el inmigrante juntos una radio y este canta una canción de su infancia. Faltan quizá más instantes de este tipo en la película o un giro que la haga aún más interesante y mantenga la tensión inicial del filme, la sensación de peligro que debería también haberse sentido mayor conforme avanza la película y con ella los nazis hacia Marsella. Pero sin duda este ejercicio me parece una forma refinada de tratar la Segunda Guerra Mundial sin caer en estereotipos.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de junio de 2018. Título original: Transit. Duración: 101 min. País: Alemania. Dirección: Christian Petzold. Guion: Christian Petzold. Música: Stefan Will. Fotografía: Hans Fromm. Reparto principal: Frank Rogowski, Paula Beer, Godehard Giese, Lilien Batman, Maryam Zaree, Barbara Auer, Matthias Brandt, Sebastian Hülk, Emilie de Preissac, Alex Brendemühl, Trystan Pütter. Producción: Neon Productions, Schramm Film. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial:http://www.neoncinema.com/production-film/transit/fr/
Presentada por Focus Features y producida por Working Title Films, es una emocionante e inspiradora historia que tiene lugar días antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. A los pocos días de convertirse en primer ministro de Gran Bretaña, Winston Churchill (Gary Oldman, nominado por la Academia) debe hacer frente a una de las decisiones más difíciles de su carrera política: negociar un tratado de paz con la Alemania nazi o mantenerse fiel a sus ideales y a la libertad de una nación. Con las imparables fuerzas nazis adentrándose en Europa Occidental, la amenaza de una invasión inminente, un pueblo que no está preparado, un rey escéptico y su propio partido conspirando en su contra, Churchill, a pesar de vivir el instante más oscuro, guiará a una nación e intentará cambiar el curso de la historia mundial.
Crítica
Un Gary Oldman que roza la clonación.
No es de extrañar que Gary Oldman se haya llevado el Globo de Oro al Mejor Actor en la categoría de drama en la última edición pues su trabajo en esta película es magnífico. Tampoco me asombra su nominación al Oscar y de hecho me sorprendería si no lo ganase. Las fotografías y tráilers previos al estreno de la película eran vaticinio de un parecido digno de un mellizo. Aunque reconocemos mínimamente a Oldman bajo todo el maquillaje y la mímica, es innegable que tanto actor como equipo de caracterización han logrado clonar en la gran pantalla al primer ministro. Sus rasgos faciales, su ropa, su cuerpo… Los enérgicos gestos que realizaba, sus tics, sus míticas poses, su voz… Oldman ha trabajado muy bien la dicción, el acento, la entonación y el timbre del político inglés. Si antes de ver la película os buscáis audios y vídeos de Winston Churchill comprobaréis que las diferencias son mínimas.
El filme en lo que más efectivo resulta es en remarcar la importancia de la construcción de los discursos del Primer Ministro, en los mensajes que transmitía, en una época en la que la motivación era una de las armas más importantes para ganar la guerra pues el enemigo tenía las armas físicas más potentes y avanzadas. Realmente dan ganas de que surjan líderes así y la película funciona bien si lo que pretende es trasladar una imagen de gran dignatario.
Al margen del inconmensurable trabajo de Oldman hay que tener en cuenta el papel del director. Se palpa que Joe Wright ha intentado crear un largometraje casi a modo de veneración cargado de historia, ideología y simbolismo. Me parece elocuente, aunque no sé si intencionada, la secuencia en la que Churchill da un discurso, estando aún solo y sin apoyos. Ahí es cuando gracias a su carisma y carácter parece ganar enteros. Es entonces cuando, se le acerca una primera persona a darle la mano pero saliendo de detrás de una columna, como simbolizando que a partir de ese momento saldrán de las sombras todos esos partidarios que estaban escondidos. Me parece una manera brillante y casi subliminal de representar como con sus palabras era capaz de hacer cambiar no solo la opinión que se tenía de su persona si no las circunstancias de toda una guerra.
Pero si nos quedamos solo con la interpretación de Oldman y algunos instantes que consigue salvar Wright la película a nivel global se nos queda vacua. Hay buen reparto, en algunos casos con más o menos fidelidad en lo que se refiere hacia la persona real a la que interpretan, pero ninguno brilla más allá de lo habitual. Desde luego creo que John Hurt habría plasmado mejor a Neville Chamberlain que Ronald Pickup. Pero casting a parte, sin Oldman la película es insípida, sin sustancia ni revelación alguna. Es un drama histórico con un final harto conocido, que además se suma a las múltiples películas que hemos visto esta temporada sobre Dunkerque (‘Dunkeque’, ‘Su mejor historia’).
‘El instante más oscuro’ arranca con un parlamento inglés envuelto en tinieblas, dota a la secretaria de Churchill del rincón más lóbrego para colocar su máquina de escribir y recrea el nº 10 de Downing Street con habitaciones sombrías. Todo ello para acabar llevándonos a un momento de inflexión, cuya luz se ve al final del túnel. Y ese túnel no es otro que el del mítico Tube londinense donde veréis otra escena en la que se luce Gary Oldman citando incluso el ‘Horacio’ de Thomas Babington: «¿Qué mejor manera de morir puede tener un hombre, que la de enfrentarse a su terrible destino, defendiendo las cenizas de sus padres y los templos de sus dioses?». Palabras apropiadas para un hombre que parecía encontrarse solo y desesperado ante el peligro. Es decir Joe Wright nos lleva desde las sombras a la luz, pero tampoco es que consiga deslumbrarnos.
Para una carrera con tantos altibajos como la de Joe Wright la actuación de Oldman le viene de lujo. Por supuesto que está por encima de la media de sus películas, pero deja mucho que desear como drama político pues no consigue contar nada relevantemente nuevo.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Darkest hour. Duración: 125 min. País: Reino Unido. Dirección: Joe Wright. Guión: Anthony McCarten. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Bruno Delbonnel. Reparto principal: Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Lili James, Stephen Dillane, Ronald Pickup, Ben Mendelsohn. Producción: Working Title Films. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial:http://www.elinstantemasoscuro.es/
De la mano del director Christopher Nolan llega a las salas el épico thriller de acción Dunkerque.
Nolan ha dirigido Dunkerque a partir de un guion original suyo, utilizando una mezcla de IMAX y película de 65 mm para llevar el largometraje a la gran pantalla.
Dunkerque empieza con una escena en la que cientos de miles de tropas británicas y aliadas se encuentran rodeadas por tropas enemigas. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, se enfrentan a una situación imposible a medida que el enemigo se acerca.
Crítica
Una historia sencilla y claudicante contada de manera sublime.
Innovar en el cine bélico es harto difícil con la gran cantidad de perspectivas y versiones que hemos visto ya. Atraer a grandes masas de espectadores para ver una película más sobre la trillada Segunda Guerra Mundial se podría considerar tarea de titanes. E intentar sacar además partido e interés de una historia de derrota es sumar más piedras en el camino. Pero un coloso como Nolan no es que se haya saltado esas piedras, es que encima las ha empleado para construir este pedazo de monumento al cine de guerra que es ‘Dunkerque’.
Que no engañe el adjetivo que empleo para referirme al director, no soy un fanático de su trabajo, tan solo un admirador que sabe rendirse a lo obvio. Hay que reconocer, y en esta ocasión sus detractores tendrán que retractarse de todo lo dicho hasta la fecha, que en este filme, al igual que en gran parte de muchos de sus últimos trabajos, arroja una visión novedosa sobre un género que parecía no poder exprimirse más.
Encontrar un largometraje sobre una hazaña bélica en el que no se vea al enemigo me parece que sería buscar entre lo excepcional. En ‘Dunkerke’ se logra narrar una historia de soldados que huyen con el rabo entre las piernas sin necesidad de mostrar a un solo enemigo. Vemos sus disparos, sus aviones, sus bombas… pero no hay ni un solo momento en el que se muestre el rostro del rival que tiene acorralado y desesperado al ejército inglés. Y todo esto Nolan lo cuenta sin apenas diálogos, consiguiendo de este modo plasmar el sentimiento de abatimiento que sufren los soldados que tienen que volver a casa sin haber logrado la victoria en el campo de batalla y encima siendo rescatados.
Si leíais esto con un tono encendido como el que empleo yo al escribirlo ahora tendréis que subir de escala. Uno de los puntos fuertes de la película es la banda sonora del habitual de Nolan, Hans Zimmer. Este genio de la música funciona como una máquina de hacer éxitos, al son de un tic tac imparable como el tiempo. Haciendo algo casi exótico de encontrar, reemplaza las conversaciones con sus compases. Y no solo eso, sus notas se solapan de tal manera con el sonido del filme hasta el punto de que podemos hablar de «banda de efectos de sonido». No sabría tararear alguna de las canciones que aparecen como si puedo hacer con las de ‘El código Da Vinci’, ‘Interstellar’ u ‘Origen’, pero os aseguro que es memorable. Con todo esto el compositor nos influye y transmite sensaciones que convierten la película en una experiencia para todos los sentidos. Porque la vista también se deleita en ‘Dunkerque’. Christopher Nolan ha rodado secuencias y planos fuera de lo ordinario. Ha buscado perspectivas y métodos que nos sumergen en la película de un modo absorbente. Estas escenas han sido montadas con maestría, tanto que parece que vivimos una sola historia y no varias (ahora hablaré de eso). Chapó por lo tanto no solo por Zimmer si no también por el editor de sonido y el montador, Richard King y Lee Smith respectivamente, ambos también habituales de Nolan.
Hasta ahora no he dicho, no siendo yo muy partícipe de hablar del argumento, que la historia se divide entre tres protagonistas, tres historias ubicadas en distintos lugares y momentos de este episodio de nuestra triste historia. Rápidamente se les ubica por sus localizaciones en tierra, mar y aire. Pese a estar sus andanzas desplazadas en el tiempo y espacio no nos perdemos. Es más, la perspectiva de todas ellas nunca desaparece pues comparten instantes clave, incluido el clímax del filme, que es cuando nos damos cuenta de que todo ha confluido de la manera más natural.
Actoralmente tampoco hay por dónde buscarle pegas. Fionn Whitehead, Mark Rylance, Cillian Murphy, James D’Arcy o Kenneth Branagh son buenos actores que con sus pocas frases retratan magníficamente a sus personajes. Pero son Tom Hardy y Tom Glynn-Carney los que tienen más mérito. Sobre todo Hardy, sin que nunca se le vea de cuerpo entero, con un más difícil todavía tras su papel de Bane, actúa con poco más que su mirada.
En esta historia de soldados abatidos y desesperados que tienen casi a la vista su hogar está claro que lo técnico sobrepasa a lo argumental con creces. Es por eso que se pasa literalmente volando. Hacía mucho que cuando se acercaba el final de una película miraba el reloj y decía ¿ya?
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: Dunkirk. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Nolan. Guión: Christopher Nolan. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Reparto principal: Kenneth Branagh, Cillian Murphy, Fionn Whitehead, Mark Rylance, Tom Hardy, Tom Glynn-Carney, Jack Lowden, Harry Styles, Aneurin Barnard, James D’Arcy, Barry Keoghan. Producción: Warner Bros. Pictures, Syncopy. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: bélico, thriller, hechos reales. Web oficial:http://www.dunkirkmovie.com/
1942. El tercer Reich está en su máximo apogeo. La resistencia checa en Londres decide planear la operación militar más ambiciosa de la Segunda Guerra Mundial: Antropoide. Dos jóvenes reclutas, Jozef Gabcik (Jack Reynor) y Jan Kubis (Jack O’Connell), son enviados a Praga para asesinar al líder nazi más cruel de todos, Reinhard Heydrych (Jason Clarke), jefe de las SS, la Gestapo y arquitecto de la «Solución Final».
Crítica
Un corazón de hierro para intentar ablandar el nuestro.
Ligera decepción me he llevado con el filme de Cédric Jimenez. Una película que pese a estar muy bien rodada y contar con un elenco de actores muy provechosos está sobrada de duración y de información. El título nos anuncia una película protagonizada por un hombre de férreas entrañas y efectivamente cumple eso durante una hora. El problema es que el resto está protagonizado también por aquellos que le rondaban, sobre todo por los que atentaron contra él. Profundiza tanto en la misión y vidas de estos que perdemos de vista al auténtico protagonista, se pierde la interesante perspectiva con la que empieza y que parecía que nos iba a permitir «congeniar» con el protagonista. Es por todo esto que creo que ni su título español, ‘El hombre del corazón de hierro’, ni tu título original, ‘HHhH’, son acertados. El segundo significa «Himmlers Hirn heißt Heydrich», que quiere decir en alemán «el cerebro de Himmler se llama Heydrich». También hace clara referencia a un único personaje y como he dicho, la mitad del filme se centra en otras personas.
Lejos de tener un motivación morbosa me habría gustado que se indagase en la elaboración de la «Solución final», ya que él fue uno de los artífices. En vez de eso durante la primera hora se nos pone en contexto, se nos presentan los motivos de su afiliación al partido nazi, así como la crueldad que fue capaz de emplear in crescendo y sin escrúpulo alguno. Se llega hasta el punto de toparse con la histórica decisión de exterminar a los judíos pero no se nos indica cómo se forjó la idea o cómo se desarrolló, simplemente que fue él quien la redactó. Esos detalles habrían dotado a esta historia de un carácter y una magnitud diferentes. Al menos se le puede otorgar el atrevimiento a Jimenez y los guionistas que le han acompañado de saber mostrar la otra cara de un miembro importante del régimen del Tercer Reich, sin caer en temas peliagudos, algo que hemos visto en pocas películas.
Como he dicho, buena ambientación, buenos planos y buenos actores. Jason Clarke no es quizá el actor más parecido en la actualidad a Heydrich pero su rostro parece sacado de los mismísimos carteles propagandísticos. Un riguroso semblante que parece evocar el horror de por entonces. No exenta tampoco de veracidad su interpretación podría haber sido más intensa. Jimenez ha contado también con buenos intérpretes como Rosamund Pike, Mia Wasikowska, Jack O’Connell o Jack Reynor. Pero les desperdicia dejándoles papeles que parece tendrán más importancia y sin embargo están repletos de inservible profundidad.
Normalmente cuando hablamos de nazis se nos vienen a la cabeza nombres como Hitler, Himmler o Mengele. Esta película podría servir para sumar a la memoria colectiva el nombre de Reinhard Heydrich. Para que todos le tengamos en la lista de lunáticos que marcaron el pasado de Alemania y del mundo. En vez de eso resulta más útil para narrar una historia trágica y para reconocer la labor de agentes como Jan Kubiš y Jozef Gabčík, los cuales llevaron a cabo operaciones tan heroicas y suicidas como la Antropoide.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de julio de 2017. Título original: HHhH. Duración: 120 min. País: Francia. Dirección: Cédric Jimenez. Guión: Audrey Diwan, David Farr, Cédric Jimenez. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Laurent Tangy. Reparto principal: Jason Clarke, Rosamund Pike, Mia Wasikowska, Jack O’Connell, Jack Reynor, Stephen Graham. Producción: Adama Pictures, Légende Films, The Weinstein Company. Distribución: DeAPlaneta. Género: adaptación, histórico, drama. Web oficial:http://www.deaplaneta.com/es/el_hombre_del_corazon-_de_hierro
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