Crítica de la serie ‘Snowpiercer. Rompenieves’

Asesinato en el Snowpiercer exprés

El cómic de ‘Snowpiercer’ vuelve a ser objeto de una adaptación (podéis leer nuestra reseña aquí). Tras la versión cinematográfica de Bong Joon Ho (‘Parásitos’) el día 25 de mayo Netflix publicará su serie, de la cual nos ha permitido ver ya tres episodios. Se irán publicando semanalmente, algo que no es habitual en Netflix, pero vivimos una época poco común. Quizá la razón es que esta serie en USA la controla TNT.

También es poco frecuente el plantel que vive la humanidad en ‘Snowpiercer’. La idea de Jacques Lob, Jean-Marc Rochette y Benjamin Legrand permanece intacta en esta serie que ha producido el equipo de la película: Bong Joon Ho (Parásitos), Miky Lee, Tae-sung Jeong, Park Chan-wook, Lee Tae-hun y Dooho Choi. La poca población humana que queda sobre la faz de la Tierra está confinada en un tren de mil y un vagones. Se ha añadido una pequeña variación. La razón es como siempre que el mundo está congelado, pero esta vez se debe a un error humano al intentar corregir el cambio climático.

Graeme Manson (‘Orphan Black’) es quien ha orquestado esta serie que en sus primeros episodios está dirigida por James Hawes (‘Black Mirror’) y Sam Miller (‘Luther). Y si querían ser fieles a los cómics la serie se tenía que parecer a la película. Así es en algunas escenas de su inicio, el cual fue modificado tras un piloto fallido. Pero también hay cambios, algunos muy interesantes, que hacen que la serie tenga un aliciente y unas soluciones por las que merezca la pena ser vista. De hecho podría funcionar como algún episodio previo a lo sucedido en las otras versiones que hemos visto, aunque realmente esta es una variable distinta de la premisa.

Todo empieza un poco al estilo ‘Altered Carbon’. Los ricos de arriba (en este caso de la parte delantera del Snowpiercer) rescatan a un hombre (interpretado por Daveed Diggs) de la miseria para que resuelva un extraño crimen. Siendo más sangrienta que la película e incluso que el propio cómic la situación se convierte en una especie de ‘Asesinato en el Orient Express’ pero post-apocalíptico. Cual Poirot tenemos al protagonista, esta vez llamado Layton, investigando por el tren mientras se mueve entre prejuicios, secretos, rencillas, odio y las propias sorpresas que le da el descubrir lo que hay en los vagones que ha tenido durante más de siete años al otro lado de la puerta. Vagones que por cierto algunas veces tienen interiores sobredimensionados. Si esta trama hubiese servido como herramienta para elevar el mensaje de la idea original estaría aplaudiéndola, pero me temo que solo funciona para poder justificar el formato de serie.

Sin lugar a dudas se conserva el mensaje de diferencia entre estratos sociales y la vaga resistencia de los ricos a adaptarse a un nuevo orden mundial. En este rompehielos motorizado hay muchos más pobres que ricos y sin embargo los privilegiados tocan a más trozo del pastel. Los de primera clase viven en su mundo particular y los de tercera aunque inferiores están en todas partes gracias a que viven, sirven y trabajan en todas partes del tren. Dudoso equilibrio piramidal en un mundo lineal que hoy en día vemos en muchos países, empresas o sociedades, como por ejemplo España, donde unos cuantos viven en su propia burbuja y llegan a tal punto de ignorancia que se olvidan del bien común. La lucha de clases sigue siendo uno de los argumentos principales y las cuestiones revolucionarias siguen estando muy presentes en esta historia que transcurre a mil revoluciones. No me refiero a una sensación de frenesí en la serie, si no al avance implacable del tren. Porque el ritmo, aunque no es pausado, tampoco se puede decir que nos haga segregar adrenalina. No arriesga en ninguno de esos aspectos, ni es una aventura comprometida ni se moja a la hora de abordar un estilo más rápido y directo que podría estar acotado a un público más reducido.

‘Snowpiercer’  lastra las carencias de un actor algo falto de carisma que interpreta a un personaje que se tiene sobrestimado y que además ha de liderar a los parias de la humanidad. También le quita encanto la mala gestión de los momentos musicales. Sin embargo hay brotes verdes en la heladora corteza terrestre. Está mucho mejor Jennifer Connely, no solo por su actuación si no por ese halo de misterio de su personaje y por el giro tan sugerente que tiene. Su secreto es mucho más atractivo que el que pueden revelar todos los demás pasajeros del tren.

Obviamente no hace falta haberse visto ni la película ni haber leído el cómic para captar todo lo que nos cuenta. Uno puede entretenerse con ‘Snowpiercer’ sembrándose la expectativa por cómo va a acabar este o aquel personaje, pero tampoco hay que ponérsela muy alta pues no hay giros excesivamente inteligentes. A mí, tras cinco episodios e indagar algo en la serie lo que más me ha seducido no es que ya tenga una segunda temporada planificada, sino que en ella estará Sean Bean.

Tertulia sobre placeres culpables del cine

¿Cuáles son vuestros placeres culpables?

La expresión «placeres culpables» a veces tiene que ir entrecomillada porque el hecho de que una película sea buena o mala depende del gusto de cada uno. ¿Qué consideráis vosotros placer culpable? En este programa nos hemos juntado con compañeros como Raquel Hernández Luján (HobbyConsolas), Juan Manuel González (Libertad Digital / esRadio / Par Impar), Manu Carbajo (escritor, autor de ‘Cartas desde el desierto’ entre otras) y Gonzalo Contreras (Vivir de Cine) para intentar abordar la definición de placer culpable y poner sobre la mesa y sin vergüenza aquellos títulos que nos encantan a pesar de que históricamente se hayan llevado palos.

Nos hemos desnudando hablando de títulos como ‘Mi amigo Mac’, ‘Valerian y la ciudad de los mil planetas’, ‘Cats’, ‘Freddy Vs Jason’, ‘Sharknado’, ‘Transformers’, ‘El señor de las bestias’… ¿Las comentáis con nosotros? ¿Cuáles son vuestros placeres culpables? Comentadlo aquí o en nuestro canal de Youtube donde tenemos más tertulias como esta.

En junio veremos ‘Podría destruirte’

Serie de HBO protagonizada por Michaela Coel

El próximo 8 de junio llega a HBO España ‘Podría destruirte’. Está producida, escrita y protagonizada por Michaela Coel. Se define esta serie como algo intrépido, honesto y provocativo que explora la cuestión del consentimiento sexual en la vida contemporánea y cómo, en el nuevo panorama de citas y relaciones, hacemos distinción entre liberación y explotación.

Como hemos dicho ‘Podría destruirte’ está protagonizada por Michaela Coel (‘Chewing Gum’). El reparto también incluye a Weruche Opia (‘Inside Nº9’), Paapa Essiedu (‘Kiri’), Aml Ameen (‘Yardie’), Adam James (‘Belgravia’), Sarah Niles (‘Catastrophe’), Ann Akin (‘Philip K. Dick’s Electric Dreams’), Harriet Webb (‘Plebs’), Ellie James (‘Giri/Haji: Deber/Deshonor’), Franc Ashman (‘ Peep Show ‘), Karan Gill (‘Into the dark: Flesh & Blood’), Natalie Walter (‘Horrible Histories’) y Samson Ajewole.

Los productores ejecutivos de Various Artists Ltd. son Phil Clarke y Roberto Troni; por parte de FALKNA, Michaela Cole ejerce como protagonista, directora, escritora, productora y productora ejecutiva; Simon Maloney y  Simon Meyers son productores; y Sam Miller dirige; las producción correa a cargo de Various Artists Ltd y FALKNA Productions. ‘Podría destruirte’ es una coproducción entre HBO y BBC.

Calle 13 estrenará la temporada 2 de ‘Cóndor’

Protagonizada por Max Irons

El próximo 16 de junio Calle 13 estrena la segunda temporada de ‘Cóndor’. Después de cada emisión los episodios estarán disponibles bajo demanda en todos los operadores hasta 12 de octubre de 2020. Si queréis ver antes la primera temporada la tendréis disponible del 30 de mayo al 29 de junio.

En ella Joe Turner (Max Irons) se ve obligado a volver a la hermética comunidad de la CIA en Virginia para encontrar al traidor ruso, y enfrentarse a los demonios de su pasado.

Al empezar esta nueva temporada de ‘Cóndor’, Turner sigue recorriendo Europa, viajando constantemente y marchándose antes de echar raíces para no poner en peligro a la gente que conoce. Intenta alejarse de su pasado, pero todo cambia cuando aparece un misterioso agente de inteligencia ruso que dice trabajar para su tío Bob. El agente teme por su vida y está dispuesto a revelar la identidad de una persona rusa infiltrada en la CIA a cambio de asilo. Joe no parece dispuesto a ayudarle, no quiere tener nada que ver con la CIA. No obstante, lo que está ocurriendo en Estados Unidos le obliga a pasar a la acción y reencontrarse con una vida que creía haber dejado atrás.

Como directores de la serie tenemos a Andrew McCarthy (Eps. 201-202), Ali Selim (Eps. 203-204), Alexis Ostrander (Eps. 205-206), Rachel Leiterman (Eps. 207-208), Jason Smilovic (Ep. 209-210).

HBO España estrenará ‘Territorio Lovecraft’ en agosto

De la mano de Jordan Peele y J.J. Abrams

La combinación de Jordan Peele, J.J. Abrams y el terror tipo Lovecraft se antoja cuanto menos interesante. ‘Territorio Lovecraft’ es la serie que HBO España estrenará en agosto inspirada en la novela de Matt Ruff. Cuenta la historia de a Atticus Freeman (Jonathan Majors) que se une con su amiga Letitia (Jurnee Smollett-Bell) y su tío George (Courtney B. Vance) para emprender un viaje por carretera a través de la América de las leyes Jim Crow de los 50 en busca de su padre desaparecido (Michael Kenneth Williams). Lo que comienza siendo un viaje, se convierte en una lucha por sobrevivir y superar los terrores racistas de la América blanca y los monstruos terroríficos que podrían haber salido de las páginas de cualquier libro de Lovecraft.

‘Territorio Lovecraft’ tiene como productora ejecutiva a Misha Green, que también ejerce de showrunner, J.J. Abrams, Jordan Peele, Bill Carraro, Yann Demange (que también dirige el Episodio 1), Daniel Sackheim (que dirige los Episodios 2 y 3) y David Knoller (productor ejecutivo del Episodio 1).

Crítica del 4×06 de ‘Rick y Morty’

‘Rick y Morty’ vuelve para arrollarnos con un tren de historias

Que ‘Rick y Morty’ no es tan popular por sus gotitas de humor inteligente está claro, sobre todo abundan los fans que buscan sus idas de olla, su ritmo arrollador y su desmadrada creatividad. Pero no se puede negar que está realizada por unos buenos y maquiavélicos estrategas. Dan Harmon y Justin Roiland saben que el público adulto demanda este desborde de imaginación, que puede guardar mensajes implícitos en sus tramas, pero que también da rienda suelta a una explosión de sandeces tan bien hiladas que nos encantan.

Me encanta como se estrujan el seso para retorcer cada vez más las cosas. En este episodio 4×06 se nota que hay detrás un guión muy imaginativo que trata una vez más de plasmar la nefasta imaginación de Morty. Para hacer personajes tan tontos y dementes hacen falta mentes perspicaces. Y Rick y Morty intentan esta vez escapar de los lápices y las ocurrencias que les imponen sus creadores.

Sonaría a risa si pareciese que intento hacer un estudio pormenorizado o cerebral de un episodio de ‘Rick y Morty’. Eso de hecho sería más digno de un gag de alguno de los capítulos de esta serie que hoy 4 de mayo ha vuelto a España en TNT para seguir con su cuarta temporada, la cual nos dejó con un coitus interruptus allá por diciembre, dándonos un corto entre medias. Ha regresado en el día de Star Wars (May the 4th) y no le falta ni Yoda ni espadas láser (no os preocupéis esto no es parte de la trama, contenerse los radicales de los spoilers con sus comentarios).

La realidad virtual, las simulaciones y sobre todo los narradores de historias son el eje central de este episodio que se ambienta en un tren al más puro estilo ‘Polar Express’ o ‘Snowpiercer’ y acaba tirando de giros nolanianos. Ahí nos topamos con grifos de cerveza con forma de cobra, culos pedorros de tres nalgas, tripas desperdigándose en el vacío del espacio… Para llegar hasta niveles sacrílegos, ya sabéis que ‘Rick y Morty’ no se corta ni un pelo.

También llega un punto en el que este episodio puede parecer hasta de recopilación. Reúne a muchos personajes surgidos en otras entregas, hasta el punto de que si me juráis que estos veinte minutos cierran la de temporada me lo habría creído. Con esto ya estaréis predispuestos a un capítulo lleno de auto-referencias, guiños y apariciones que os van a dar risas y sonrisas momentáneas pues su ritmo se hace cada vez más saltimbanqui. Por supuesto no están todos ni los más famosos, ya son muchas las criaturas descacharrantes las que han acumulado en estas treinta y seis cápsulas de multiversos e inventos.

Este es el episodio en el que ponía voz Paul Giamatti, el actor de ‘Billions’ o ’12 años de exclavitud’. Y su intervención es prolongada, no tiene un cameo como Elon Musk. Su personaje acaba conversando con otro que también ha sido doblado por un famoso, Chris Meloni (‘Happy!’, Comisario Gordon en la serie de Harley Quinn). No es la primera vez que hacen esto en un solo episodio los directores de casting que trabajan para la serie de Adult Swim.

Lo que sí que no han hecho es como ‘Los Simpson’ que ponían en marcha todas las webs que sacaban en sus episodios. Aunque el dominio al que nos invita a acudir su escena post-créditos si pertenece a Turner (podéis comprobarlo aquí) la dueña de Adult Swim. No os esforcéis http://www.story-train.com/ no funciona y muchos fans que vieron este 4×06 en Estados Unidos mostraron su frustración en las redes. ¡En fin! Picando en la ironía y la trampa consumista, lo que os decía de sus pequeñas gotas de humor inteligente. Bravo ‘Rick y Morty’.

Debate sobre la influencia de las series en nuestras vidas

Los spoilers, el verlas más tarde, el cómo las veíamos antes…

Nuevo programa en el que hablamos de series. Pero no de títulos concretos si no de cómo pasan por nuestra vida. Nos planteamos preguntas sobre los spoilers, la dependencia de ver series, los hábitos que nos crean. En esta ocasión hemos juntado a Raquel Hernández Luján (HobbyConsolas) y Alberto Garrido (Tomos y Grapas) y con ellos debatimos sobre este tipo de  fenómenos.

En junio veremos la temporada final de ‘Los 100’

SYFY estrena la temporada siete

La fecha seleccionada para dar carpetazo a ‘Los 100’ es el 15 de junio. La temporada final, la séptima, se estrenará ese día en SYFY a las 22h con un doble episodio. Dado que en la actualidad los dobladores no pueden hacer su trabajo la emisión será en VOSE (versión original subtitulada al castellano). Los operadores de televisión tendrán los episodios disponibles durante 30 días (a partir de la emisión en SYFY) en sus servicios bajo demanda.

Esta es una de las series más populares del canal. En ella y durante seis temporadas, sus héroes han hecho todo lo posible para sobrevivir en la Tierra … y nada ha funcionado. Ahora, después de 125 años, viajando a través de las estrellas, se despiertan en un nuevo hogar, un regalo final de su querido amigo Monty. Un lugar donde pueden volver a intentarlo. Se les da una tarea simple: hacerlo mejor. Clarke y Bellamy (Eliza Taylor y Bob Morley) conducen a un grupo a este mundo misterioso, con la esperanza de comenzar de nuevo, para finalmente encontrar la paz. Pero no todo es lo que parece, cuando descubren una sociedad idílica, rápidamente queda claro que no todo en Sanctum es tan perfecto como parece. A pesar de su determinación de mejorar, las amenazas tanto internas como externas, obligarán nuevamente a nuestros héroes a luchar por sus vidas y el futuro de la humanidad.

¿Qué futuro les espera a Bellamy, Clarke, Octavia y los demás protagonistas? Los 100 han luchado por sobrevivir, esta lucha les ha dividido, enfrentado y se ha llevado la vida de aquellos que más querían… Tendrán que aprender a convivir en esta nueva realidad.

Crítica: ‘Code 8’

Sinopsis

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Él es un tipo corriente y los superpoderes están prohibidos en su mundo. Pero, ¿usará los suyos para salvar a su madre?

Crítica

Se sale tan poco de la norma que sabe a repetición de lo mismo

Se ha estrenado en Netflix ‘Code 8’ un filme que parte de un cortometraje homónimo que también estaba realizado por Jeff Chan (‘Grace’) y tenía una configuración actoral muy similar. Una película que se me escabulló en Sitges por concurrencias en mi planificación pero que tampoco me habría supuesto una gran aportación. Está protagonizada por Robbie Amell (‘The babysitter’) el primo de Stephen Amell, el famoso Arrow de la serie de DC Comics que casi co-protagoniza la cinta con él.

Nos sumergen en una realidad alternativa donde muchas personas nacen con poderes. En un rápido inicio nos indican que la sociedad les teme y les rechaza y estos quedan relegados al plano de los parias. Exclusión y racismo que además tiene algunos toques de fascismo ya que los «empoderados» como les llaman (por lo menos en su traducción) son perseguidos por drones y robots que les dan caza si estos no acatan los límites que se les imponen.

Las similitudes con otras historias de gente con poder mezclada entre los humanos comunes son muy grandes. A lo que más recuerda la cinta es a ‘X-Men’. Nos vuelve a la cabeza el mentor con telepatía, los centinelas que cazan a los mutantes, las leyes en contra de los poderes… La única diferencia que veo con sagas del tipo ‘X-Men’, ‘Smallville’ o ‘Héroes’ es que por ejemplo nadie se dedica a ser un superhéroe. Todos miran por sus condiciones laborales, su familia, sus derechos, su papel en la comunidad… de un modo bastante mundano. Por otro lado el protagonista lleva precisamente una vida alejada de lo heroico, es un delincuente, aunque lo haga para salvar a alguien no deja de estar haciendo el mal. Esto podría recordarnos a la británica ‘Misfits’ pero la comedia brilla por su ausencia. También hay que puntualizar que esta no es la historia de un supervillano.

‘Code 8’ no es espectacular, no tiene escenas que desborden epicidad o sean grandiosas. Hay que enfocar esta nueva distopía como algo con pocas pretensiones lo cual no significa que tenga malos efectos. Sabemos que las tecnologías de hoy en día permiten recrear cosas fantasiosas con mucha más facilidad que antes. Es por eso que tanto por su tono, como por su capacidad actoral o por su factura visual la sensación que tenemos es la de ver un episodio de una serie, una de esas que tenemos disponibles en canales como SYFY. De hecho ya se ha anunciado que habrá una producción en formato serie ambientada en el mundo de esta película. Contará también con Robbie Amell y Stephen Amell, de nuevo será realizada por Jeff Chan. Será subida a Quibi, la plataforma de contenido para móviles.

Si la ciencia ficción trata temas como las ciencias, lo social y lo natural en el caso de ‘Code 8’ me quedo con que trata sobre todo lo social. Porque lo que es ciencia tiene bien poca y lo vais a notar en cuanto veáis que llaman verdura al tomate cuando es un fruto o una baya y cuando hablan de incinerar una droga que es líquida. A esto tenemos que sumarle algunos fallos en ciertas escenas. Al menos consigue ser exacta con algo que en otras películas se falla, me explico. En una escena habla de que llegan los guardianes en veinte segundos y si cronometras así sucede, rara avis.

La película se ha sufragado a través de un crowdfunding que superó con creces su objetivo. Es un filme independiente en el que además yo he querido entender que uno de los pósters que sale en sus escenas supone un guiño al logotipo de Valiant, la editorial indie. Además en ese cartel pone «new wave», como alineándose aún más con las corrientes alejadas de lo más comercial y con inquietudes diferentes.

Sirva como muestra esta película de las muchas que vemos en festivales de cine fantástico, no como su estándar de calidad pero si como la señal de que el fantástico, en concreto la ciencia ficción, está al alcance de muchos manteniéndose muy viva.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de abril. Título original: Code 8. Duración: 98 min. País: Canadá. Dirección: Jeff Chan. Guion: Jeff Chan, Chris Pare. Música: Ryan Taubert. Fotografía: Alex Disenhof. Reparto principal: Robbie Amell, Stephen Amell, Sung Kang, Kari Matchett, Greg Bryk, Aaron Abrams, Kyla Kane. Producción: XYZ, Colony Pictures. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.

Próximas series que estrenará Movistar+

‘Baghdad Central’, ‘The Salisbury Poisonings’ y ‘The Investigation’

Dentro de muy poco Movistar+ ampliará su ya extenso catálogo de series con nuevas propuestas. Obras que publicará en Movistar Seriesmanía (dial 12) y que llegan de más allá de nuestras fronteras. Series muy prometedoras que además tienen caras conocidas en sus repartos. Todo esto ha sido posible gracias a un acuerdo con Fremantle. Estad atentos.

BAGHDAD CENTRAL

Próximamente en Movistar Seriesmanía (dial 12).

Un thriller ambientado en las ruinas de una ciudad derrotada que nos brinda un punto de vista único de una historia que creemos conocer. Basada en la novela de Elliot Colle.

Noviembre de 2003. Bagdad está ocupada por las fuerzas de la coalición liderada por EE UU, pero la disolución de las estructuras del establishment iraquí tras la invasión significa que no existe ley alguna. Esto abre muchas oportunidades para quien tenga pocos escrúpulos en lo político y en lo mercantil. En medio de este caos está Khafaji: un expolicía iraquí, que lo ha perdido todo y lucha a diario por sobrevivir junto a su hija Mrouj, gravemente enferma. Cuando su hija mayor Sawsan desaparece, Khafaji emprende una búsqueda desesperada. Pronto descubrirá que Sawsan y sus dos amigas han llevado una peligrosa doble vida. Khafaji aprovechará la ocasión que se le brinda de colaborar con las fuerzas de ocupación para averiguar dónde está. Aún no lo sabe, pero está a punto de entrar en las tripas de una Baghdad que no conoce.

movistarplus.es/baghdadcentral

THE SALISBURY POISONINGS

Próximamente en Movistar Seriesmanía (dial 12).

En marzo de 2018, los ojos de todo el mundo se giraron hacia la ciudad británica de Salisbury, epicentro de lo que se definió como uno de los más grandes sucesos políticos del siglo XXI. La serie recrea con gran suspense el caso real de una cadena de envenenamientos ocurridos en una ciudad del condado de Wiltshire en 2018 con ‘novichok’, uno de los agentes nerviosos más letales desarrollado en la URSS en los años 1970 y 1980. Cientos de rastros de este veneno fueron encontrados por toda la ciudad, sumiendo a la población en una situación de extrema alerta e incertidumbre. Detrás del escándalo, un objetivo político: el intento de asesinato del exespía ruso Sergeoi Skripal y de su hija.

Detrás de los titulares y las conjeturas políticas, el extraordinario heroísmo cotidiano de una población inocente que se movilizó ante una crisis para la que nadie les había preparado. Una historia nunca contada… hasta ahora.

Protagonizada por Rafe Spall (La guerra de los mundos, La vida de Pi), MyAnna Buring (The Witcher) y Anne-Marie Duff (La materia oscura, Sex Education), esta miniserie británica recrea los hechos basándose en los testimonios de las víctimas afectadas. Especialmente los del policía Nick Bailey y la jefe local de Sanidad Pública, Tracy Daszkiewicz, que han trabajado muy de cerca con los productores para contar sus historias dentro de la investigación.

movistarplus.es/thesalisburypoisonings

THE INVESTIGATION

Próximamente en Movistar Seriesmanía (dial 12).

El 10 de agosto de 2017, la periodista sueca Kim Wall subía a bordo de un submarino con la intención de entrevistar a su propietario. Tras no regresar nunca a tierra, fue declarada desaparecida. Poco después, el submarino fue encontrado hundido y el capitán arrestado tras rescatarlo en el mar. No había cuerpo, ni móvil, ni arma homicida.

Creada por Tobias Lindhom ­–guionista detrás de series como Mindhunter y Borgen y nominado a un Oscar como director por A War (Una guerra)–, The Investigation es un true crime centrado en los esfuerzos sobrehumanos que la Policía de Copenhague, liderada por el jefe de homicidios Jens Moller, llevó a cabo para tratar de resolver un crimen que conmocionó al país danés y acaparó los titulares internacionales entre 2017 y 2018. Seis meses de concienzudo y frustrante análisis para encontrar el cadáver, encontrar pruebas convincentes, determinar los acontecimientos y poder juzgar al sospechoso. Un procedimiento criminal de lo más habitual, si no fuera porque el sospechoso no paraba de cambiar la historia y el caso se hacía imposible de cerrar.

La serie está protagonizada por dos caras conocidas de la televisión danesa: Pilou Asbaek (Borgen, Juego de Tronos) y Soren Malling (Borgen, The Killing, Bajo la superficie, 1864).

movistarplus.es/theinvestigation

Crítica de ‘Ghost in the Shell SAC_2045’

Por dentro no tiene el mismo alma y por fuera no es eficiente

Es curioso que el último episodio, el doce, de esta nueva serie sobre ‘Ghost in the Shell’ se llame ‘Nostalgia’. Ya podían aplicarse el ejemplo de su trama, pasar página y dejar el pasado atrás. Porque uno ya no sabe como tomarse el que se retome una y otra vez una historia tan mítica, clásica y referente de la ciencia ficción cyberpunkarra como esta. Todo partió del manga de Masamune Shirow y desde entonces hemos tenido serie de anime, varias películas de animación, videojuegos, el live action con Scarlett Johansson y Takeshi Kitano (crítica aquí)… Ahora Netflix mete mano a este producto y publica ‘Ghost in the Shell SAC_2045’.

Con el tiempo se ha ido perdiendo el toque original de ‘Ghost in the Shell’ y esta ya es una versión desdibujada de lo que debería ser, ya os diré más abajo porqué además esto tiene un sentido literal. Lo que más se nota tras acabar la serie es que no hay una meditación cavilada y desarrollada en esta serie. No es capaz de generar reflexiones como anteriormente. Y aburre. No por sus superficiales divagaciones si no porque se evade mucho de la trama principal o la aborda demasiado desde la diplomacia. Se va a temas como la economía global, el acoso infantil, la crueldad de la gente en la red… pero en momentos puntuales, sin profundizar.

Esta es una nueva historia muy política, algo detectivesca y militar que sucede unos catorce años después de que se disolviese la Sección 9. Por supuesto tiene acción pero es más escasa y vibrante que de a menudo. Al menos la tecnología está constantemente presente y la serie vuelve a sorprendernos con algunos diseños de artefactos muy originales.

El caso es que desde el principio a mi me ha perdido. Y es que no comparto este estilo de animación que se está usando tanto en Japón. Es una estética similar a la que se ha empleado en series como ‘Ultraman’, ‘Los Caballeros del Zodíaco’ o juegos de ‘Dragon Ball’. Y no la veo para nada eficiente salvo por el hecho de que se parece a un dibujo manga al que le han aplicado directamente volumen. Las nuevas versiones de los personajes no cuadran con el paisaje, esto se nota de una manera mayúscula en el último episodio donde tenemos una aldea y un bosque estupendamente realizados y son recorridos por vehículos e individuos hechos pobremente. Los directores de esta serie son Kenji Kamiyama y Shinji Aramaki, ambos directores de ‘Ultraman’. Parece que uno ha estado a cargo de la animación de los elementos móviles tales como vehículos, robots y humanos y otro al mando de los escenarios. Y nadie al timón del doblaje, porque (y hablo de la versión original que es la que está disponible) está fatalmente doblada, con mucho desfase con las bocas que ya de por si tienen un movimiento muy torpe. O bien ‘Ghost in the Shell SAC_2045’ es parca en detalles ahorrando en texturas o bien usa elementos casi realistas, muy contradictorio. Por lo menos las luces están bien trabajadas.

En algunos aspectos procura ser adelantada a su tiempo, como hace con el planteamiento de las llamadas «Guerras sostenibles» o con los movimientos que hace con las monedas a nivel internacional. Usa esto como herramientas junto a una nueva amenaza para volver a reunir una vez más a los miembros de la Sección 9, que acaban por hacer lo mismo de siempre a pesar de comenzar ubicados en un ambiente bien diferente.

Regresan por lo tanto la Mayor Motoko Kusanagi, como siempre algo sexualizada, Saito, Bato, Aramaki, Togusa… Por supuesto se han añadido nuevos personajes, bastante carentes de carisma y que sirven sobre todo a esa trama de politiqueo. A parte están los «posthumanos» que vienen acompañados en sus momentos clave del ridículo sonido de una tecla de piano que no es para nada eficiente.

Si el incidente de «El hombre que ríe» tenía paralelismos con ‘El guardián entre el centeno’ en esta nueva etapa se ha querido enlazar con el ‘1984’ de Orwell, como se ha hecho tropecientas veces. Pero esto sucede prácticamente solo en su tramo final y además de un modo que parece casi superfluo. Si consigues llegar hasta el último capítulo acostumbrándote a los inexpresivos rostros, la trama política presente en exceso y las poco dinámicas peleas comprobarás que encima tras doce episodios nos dejan con un final excesivamente inconcluso. Creo que se logra una cinemática más elaborada con este tipo de animación pero no es tan fluida, se pierden muchos detalles, se transmiten menos sensaciones e incluso se pierde espectacularidad, el precio no vale la pena.

Crítica de ‘The Bay’

‘The Bay’ se fundamenta en un guión plagado de mentiras bien aplicadas

El género policíaco es una clase de historias a las que no les cuesta encontrar público. Suele estar muy colindante con la realidad, aunque se adorne con algunos artificios, como sucede bastante en ‘CSI’. En el caso de ‘The Bay’ estamos hablando de una serie dramática y de investigación. Se compara esta serie con ‘Broadchurch’ pero como no la he visto os puedo decir que los tiros van por un tono muy adusto como en ‘Caso abierto’ o ‘Ley y orden’. Es decir, tenemos una historia bastante seria pero los capítulos siguen todos un mismo hilo, no hablamos de casos concluyentes. Además ‘The Bay’ mezcla bastantes personajes que confluyen en sus últimos episodios de algún modo. Personajes adultos y algunos de ellos adolescentes, es un poco la jugada de ‘The accident’ solo que con diferente discurso y con una buena fotografía  que os comentaré más adelante.

Esta serie creada por Daragh CarvilleRichard Clark trata sobre la desaparición de un chico y una chica que son gemelos. Todo sucede en una pequeña localidad costera llamada Morecambe, ubicada al norte de Mánchester. Su bahía da de comer a muchos de sus habitantes con la pesca y alguno de nuestros protagonistas navegan todos los días en busca de lo que el mar pueda ofrecerles.

En este ambiente marinero de grises paisajes moteados del color de las ropas y el césped transcurre la trama detectivesca. La protagonista es Morven Christie en el papel de la detective Lisa Armstrong. Ella tiene que ser capaz junto a su nuevo, joven y entusiasta compañero, de localizar a los dos desaparecidos.

En sus primeros compases parecía que esta sería una especie de buddy movie pero tiene muy pocos compases que nos conecten con ese tipo de desarrollos. ‘The Bay’ aborda las historias de otros personajes que rodean a la detective. Sus hijos, su madre, los padres de los desaparecidos, sus amigas, los muchachos y muchachas del instituto local… La protagonista se ve fortuitamente implicada de manera personal en el caso y se involucra muchísimo. Es por eso que esta serie conduce bastante y muy bien por el manejo de conflictos: cómo dar una mala noticia, cómo llevar a cabo métodos que pueden incomodar, cómo soportar la presión y exigencia de su puesto de trabajo.

Y es que la detective se compromete incansablemente con la investigación intentando hacer un alarde de profesionalidad, hasta llegar al punto de descuidar a sus propios hijos. ‘The Bay’ aborda muchas situaciones vividas por púberes y las relaciones con sus padres, sobre todo en el caso particular de una madre soltera y muy trabajadora. Por otro lado se fundamenta en un guión plagado de mentiras bien aplicadas y planta semillas para que desarrollemos nuestras propias conjeturas, en mi caso algunas acertadas otras desatinadas. Sabe causar confusión. Además genera un suspense que si bien no nos pone en tensión nos suscita interés. Más aún siendo una de esas series que consigue aportar un buen cliffhanger al final de cada uno de sus seis episodios. En resumen, es una serie con matices familiares y de enredos que causan expectación.

Dado su punto de partida podríamos pensar que es un dramón. Pero no se explota demasiado el dolor, como hacen otras series que hacen del sufrimiento su bandera. Aunque tenemos al personaje de Chanel Cresswell (ganadora del BAFTA por ‘This is England ’90’) que no tiene apenas una escena sin soltar lágrima y eso que tiene muchas, esta es una serie que se centra más en su goteo de pistas y a veces de insensateces.

De la ciudad inglesa en la que se ambienta no han tocado prácticamente ni gramo de arena. Está la estatua del cómico Eric Morecambe, sus pubs, su paseo marítimo… Y el interior de sus feas casas. El olor a moqueta y mueble desgastado casi atraviesa la pantalla. Y aún con toda esa fealdad extrae unas imágenes muy buenas. Sobre todo en los episodios rodados por Lee Haven Jones, director de series como ‘Dr. Who’. De ambientes que pueden ser bastante deprimentes capta imágenes muy bonitas. Mayormente lo consigue tirando de la regla de los tres tercios, de bokeh y de algunos planos simétricos. Con esto sitúa a los personajes en zonas de la imagen algo apartadas o alejadas, pero consiguiendo que nos centremos en ellos.

En Reino Unido ha sido criticada por el cerrado y variado acento de sus personajes. En España si no sois capaces de seguirla ponéis los subtítulos y a correr. Que sus pronunciaciones no sean una barrera para seguir el hilo. En 2019 tanto la actriz de la madre protagonista como uno de sus directores fueron nominados al BAFTA. No es de extrañar y acalla un poco las bocas de los que pueden criticar ‘The Bay’ por algo así.

Estrenada en Reino Unido ya en 2019 ahora Filmin nos la trae a España. Puede verse desde el martes 28 de abril. Se ha confirmado una segunda temporada para este 2020 (podéis ver el anuncio hecho por la protagonista en su Instagram), pero desconozco en qué fecha será. No os preocupéis que no vais a tener una larga espera ya que la serie es buena por todo lo que os he comentado y porque cierra totalmente el caso que plantea, sin dejar cabos sueltos para la nueva temporada.

Crítica de ‘The Midnight Gospel’

La sobradísima serie animada de un youtuber espacial no apta para niños

Se ha generado la moda o tendencia que hace que surjan multitud de series de dibujos animados de carácter adulto. Pero no me refiero a series tipo ‘Beabis y Butt-head’, me refiero a locuras aún más absurdas e idas de olla como ‘Rick y Morty’, ‘Tigtone’, ‘Hora de aventuras’, ‘Mr. Pickles’… Ese es el caso de ‘The Midnight Gospel’ la serie creada por Duncan Trussell, quien ha trabajado en series como ‘Hora de aventuras’ o ‘Stupidface’.

El protagonista de ‘The Midnight Gospel’ es Clancy una especie de youtuber astral (o locutor espacial como dice él) que va a diferentes mundos gracias a un simulador. Sus viajes son reales, siente lo que le pasa a su avatar, entrevista a sus habitantes, se lleva obsequios… Es como si pudiésemos meternos en los mundos del videojuego ‘Spore’ y los pervirtiésemos con palabrotas y sangre.

Clancy adopta formas diferentes para mezclarse entre las criaturas de esos planetas. Así es que cada vez le vemos como un hombre pájaro con piernas de serpiente, un pulpo sheriff, una pequeña criatura parecida a Qbert o un arcoíris musical. Todos esos mundos y personajes están realizados como para niños y desde luego esta serie no es para nada infantil. Son animaciones que parecen hechas para poder reproducir los cuelgues de un drogadicto con verborrea. El estilo es muy colorido, lleno de degradados y personajes muy redonditos. Podríamos decir que estodo una mezcla de estilo del opening de Muchachada Nui y series como ‘Steven Universe’. Si no fuese por lo macabra que es podrían sacarse de ella libros para colorear.

Aunque para un adulto podrían editarse mandalas surgidos de sus fotogramas. Y es que esta serie va mucho de buscar el nirvana o algo así. Los personajes hablan y hablan y al final ese palique ni te importa, más que nada por todo lo que pasa al rededor. Parlotean sobre magia, religión, espiritualidad… y tienen una especie de obsesión con el mindfulness. El protagonista dice en el cuarto episodio que ha perdido su capacidad de escucha. ¡Normal, si no para de hablar! Al final la serie nos parece decir que ya puedes filosofar y meditar lo que quieras que el mundo es violento. Al rededor siempre hay masacre y se acaba convirtiendo en una especie de reto de concentración, a ver si puedes enterarte de la monserga que te están soltando mientras ante tus ojos destripan adorables criaturas. Por todo esto os recomiendo no verla del tirón, puedes acabar con un buen cuelgue y el cerebro frito de tanta tabarra. Nunca ha sido tan necesario el aviso que da Netflix y dice «¿Todavía sigues viendo ‘The Midnight Gospel’?»

Si os lanzáis a verla os esperarán tripas, zombies que vomitan zombies, un perro de muchas patas con una galaxia en su interior, peces parlantes y marineros… Ya podéis ver en Netflix esta majadería de 8 episodios en los que constantemente muere algún pajarillo y Clancy siempre consigue unos zapatos nuevos.

Crítica de ‘Devs’, la serie de Alex Garland

‘Devs’ es una serie para mentes curiosas

El titular que he empleado para esta crítica estaba casi predestinado a aparecer puesto que esta serie vista en HBO España está firmada por Alex Garland. El director de ‘Aniquilación’ o ‘Ex_machina’ y escritor de ’28 días después’ o ‘Dredd’, lo ha vuelto a hacer con ‘Devs’ sorprendiéndonos con un argumento original y bastante sesudo. En esta ocasión podemos hablar de la obra en la que pone más a flor de piel las emociones, sin perder su enfoque crítico y científico ante el comportamiento humano.

También puedo decir que ese subtítulo tenía que aparecer sí o sí porque esta serie va de eventos predeterminados a suceder. Maneja corrientes de pensamiento deterministas e hipótesis cuánticas. Dicho lo cual no voy a profundizar en esos conceptos de causa/efecto y de metateoría en los que se mezclan ideas lógicas, casuales y epistémicas, que si no estaría adelantando mucho de la trama. Pero si puedo afirmar que se aplican de un modo bastante acertado y sin dar pie a agujeros de guión, dudas o confusiones.

Os puedo adelantar que ‘Devs’ es un thriller donde el poder corporativo persigue a nuestra protagonista, una ingeniera informática interpretada por Sonoya Mizuno (‘Ex_Manina’) que investiga la desaparición de su novio y recela de su empresa. Una empresa que se llama Amaya y cuyo departamento de desarrollo se llama Devs. Una corporación que está en la vanguardia tecnológica y que da a sus empleados un ambiente moderno para trabajar ofreciéndoles condiciones muy «molonas». Pero obviamente tras esta fachada tan flamante y amigable se esconde un secreto que descubrimos de sopetón en el primer episodio (no es el único giro de guión que os espera).

Es de estas series que hacen pensar y nos dejan ese «y si esto fuese de esta manera… cómo cambiaría tu concepto de ver las cosas». Además todo su discurso, tan lleno de conjeturas, está rodeado de personajes que se dejan llevar por la deducción y la analítica por encima de la impulsividad. Con esto también os tengo que decir que es una serie que va pausada y no tiene acción. Aún así visualmente es magnética. Tanto los decorados fractales y ornamentados de Devs como su entorno están diseñados para sugerir.

La protagonista sin duda es Sonoya Mizuno (actuando por tercera vez en un trabajo de Garland) que debe moverse entre tecnicismos y dramas. Por ella es muy fácil sentir empatía y encontrarse igual de perdido. Pero por los villanos cuesta más encontrar motivos para amistarse, por lo menos al principio. Por ejemplo vemos que los que trabajan en Amaya disfrutan de un jefe comprensivo, paciente, abierto o lógico. Pero los que trabajan en concreto en la división Devs saben que también aprieta, restringe y más cosas… Para este polifacético personaje ha sido todo un acierto contar con Nick Offerman (‘Fargo’). Si os digo que aparece en esta serie Alison Pill, la que fue batería en ‘Scott Pilgrim’ y os cuento además que aquí hace de una fría e impasible científica no me creeréis, pero esta serie va de eso, de abrirse a lo increíble. Y también de tener algo de miedo, más que nada por el papel de Zach Grenier que me ha recordado a algunos estadios del personaje de Jonathan Banks en ‘Breaking Bad’.

Que si, que ‘Devs’ cae en clásicos como el mostrar que los programadores solo usan el teclado y para nada el ratón, que las grandes empresas son despiadadas, que la gente aún no tiene ni idea de cómo se usa una copia de seguridad en la nube… Pero son detalles para un segundo plano, porque hasta la enorme y omnipresente figura infantil o el papel de Stephen McKinley Henderson nos hacen ver que esta es una serie sopesada y humana. Realmente este nuevo trabajo de Garland es como la caja de Schrödinger, que puede tener dos estados totalmente opuestos hasta que te decides a abrirla. En este caso no es un vivo o muerto, pero si un te atrapa o te mata de aburrimiento, según el interés o la atención de cada uno. Yo os animo a abrirla y a descubrir esa realidad.

Crítica de ‘Penny Dreadful: City of Angels’

Vuelve ‘Penny Dreadful’ con sus personajes enigmáticos en una nueva e intrigante trama

El 27 de abril al igual que en Estados Unidos podréis empezar a ver ‘Penny Dreadful: City of Angels’ con un episodio nuevo cada lunes. En España será Movistar+ quién la ponga a vuestra disposición y para que os podamos hablar de ella nos han permitido ver ya los dos primeros episodios. Empezamos con una historia nueva que cambia tono, personajes, lugar… pero conserva algo en común, esta es una serie con toques sobrenaturales y con elementos también muy realistas, lo vais a ver nada más comenzar.

En la anterior entrega tuvimos a Frankenstein, mediums, brujas, hombres lobo, el Dr. Henry Jekyll e inmortales como Dorian Gray o Drácula… además de los personajes secundarios tras muchos de ellos que siempre les acompañan. Una serie inmensamente cargada de mitos y criaturas de terror clásico. Ahora empezamos de momento con la Santa Muerte (título del primer episodio) y magia negra, pero seguro que se incorporarán más personajes que contribuirán a que este vuelva a ser un crossover fantástico. O quizá me equivoco y en esta ocasión han sido más parcos no optando por un reparto tan coral.

La anterior versión de la serie mezcló de maravilla en sus tres temporadas un buen número de mitos que recorrieron las calles del Londres victoriano, además del oeste estadounidense. Para esta segunda etapa el escenario es Los Angeles, durante la época en la que Hollywood vivía su esplendor y mientras los cimientos de la sociedad temblaban con los diferentes conflictos políticos y raciales. Un marco histórico verídico vuelve a sujetar el lienzo de una historia que se pintará con oleos fantasiosos.

En esta ocasión el género que maneja ‘Penny Dreadful’ es el del cine o las novelas negras. Un detective tiene que resolver un asesinato con tintes rituales que podría haber sido obra de un Jack el Destripador de tez bronceada por el sol californiano. Unos cuerpos aparecen sin corazón y con el rostro descuartizado para emular la famosa calavera de la Santa Muerte. Y mientras tiene que ir del lujoso Beverly Hills a las barriadas donde vive su familia y donde la policía quiere acallar a porrazos las reivindicaciones de los mexicanos nacidos allí.

Para lograr esa sensación detectivesca, peligrosa y casi fatalista tenemos una puesta en escena de diez. El ambiente es hostil en todas partes, algo que tal vez no sea exagerado para la coyuntura de la época. Sus decorados además son un viaje en el tiempo y su música acompaña igualmente. En su conjunto me ha recordado a cuando jugaba juegos tan logrados como el ‘Mafia’ o ‘El padrino’.

Los nombres más destacados entre los productores son John Logan (el creador) y Sam Mendes (‘1917’). Pero para poner de nuevo en marcha esta producción de Showtime está al volante un nombre que supone un sello de calidad, Paco Cabezas (‘Adiós’). El director español, que yo sepa, firma los dos primeros capítulos y los suma a los que ya dirigió en la tercera temporada de la trama pasada. Cuando uno piensa en ‘City of Angels’ se le puede venir a la cabeza el tagline de la secuela de ‘El Cuervo’ o aquella película romanticona de Nicolas Cage y Meg Ryan. Pero precisamente Cabezas (Paco) hará que tengáis esas tres palabras asociadas unas nuevas e impactantes imágenes. Y por suerte lo hace haciendo una vez más un uso esplendoroso de la cámara lenta, con la que nos deja pasmados por su potencia visual.

Pero, ¿y el reparto? De momento tenemos rostros conocidos pero tal vez no tan mediáticos como los de la serie madre. El protagonista es Daniel Zovatto (‘It follows’) con su papel de detective con raíces latinas. También acapara muchos minutos en los primeros compases Natalie Dormer que al margen de lo que misteriosamente pueda ser está su papel camaleónico que va más allá de una cara bonita y de lo que hizo en ‘Juego de Tronos’. Repite en ‘Penny Dreadful’ Rory Kinnear y esta vez no hace de monstruo, a no ser que interprete a alguien del tipo Josef Mengele, porque de momento lo único que sabemos es que un alemán nazi. Tanto Kinnear como Dormer os van a sorprender con un trabajadísimo acento. Os va a imponer bastante también la chilena Lorenza Izzo (‘Érase una vez en… Hollywood’) pues es quien representa a la Santa Muerte. Por ahí también tenemos a Adam Rodriguez (‘CSI’) quien ejerce del hermano del protagonista o a Brent Spiner (‘Star Trek’) como jefe de policia.

Los temas relacionados con la fe parece que van a ser también muy importantes en este nuevo período de la serie de John Logan. Se mezcla además con asuntos de odio racial, nazis infiltrados, cultos… Los dos primeros episodios se pasarían volando aún viéndolos por segunda vez. Tras Paco Cabezas cogen el testigo Sergio Mimica-Gezzan (‘The Terror’) o Sheree Folkson (serie ’12 monos’). Tengo fe en que estos dos directores van a continuar con tan buen arranque.

J.J. Abrams llevará a cabo varias series para HBO Max

‘La Liga de la Justicia Oscura’, ‘Duster’ y un spin-off de ‘El resplandor’

HBO Max es la plataforma mejorada o ampliada de HBO que incorporará las series y películas de Warner (como las del universo DC). Añadirá a su catálogo contenido de canales como The CW, Cartoon Network, Adult Swim, Looney Tunes, CNN, TNT… Aún no se sabe cuál será su coste cuando supuestamente llegue en mayo pero si se sabe que los usuarios podrán pasar automáticamente a esta modalidad de suscripción.

Algunas de las novedades que incluirá son obras de J.J. Abrams. Se ha anunciado que el famoso cineasta está trabajando para crear series de ‘La Liga de la Justicia Oscura’, un spin-off de ‘El resplandor’ y otra serie llamada ‘Duster’. Tres buenas razones para seguir siendo seguidores de todo lo que saca Bad Robot.

Al tener HBO Max en su próximo conglomerado las series de The CW es muy probable que se rescaten personajes y actores para ‘La Liga de la Justicia Oscura’. Nos morimos de ganas de ver esta especie de asociación de anti-héroes de DC Comics creada por Peter Milligan en la que suelen destacar personajes como Constantine, Zatana, La Cosa del Pantano, Enchantress, Deadman o Etrigan el Demonio e incluso Batman cuando coopera con ellos. Según los rumores a esta serie se sumarán otras sobre Green Lantern Corps. y Aquaman.

‘Duster’ tratará acerca de un conductor de la mafia. Está ambientada en el suroeste de USA en los años 70 y ha sido co-escrita con LaToya Morgan (‘The Walking Dead’). Por lo visto la serie va de lo horrible, lo salvaje, lo estúpido y lo terriblemente peligroso.

‘El resplandor’ y Stephen King nunca pasan de moda. Ahora más que nunca están de nuevo en boca de todos tras el estreno de ‘Doctor Sueño’ y tras series como ‘Castle Rock’ o la gran escena de ‘Ready Player One’. En el spin-off conoceremos en detalle lo sucedido en el Overlook antes de la llegada de los Torrance, cuando se gestó su espíritu maligno. ‘Overlook’ es el título de la serie y se sabe que Stephen King anda metido en el proyecto, otra oportunidad más para corregir todo aquello que no le gusta de la película de Kubrick.

«Qué comienzo tan sorprendente para nuestra asociación con el equipo de Bad Robot, increíblemente imaginativo, con  J.J. y Katie», dijo el jueves Kevin Reilly, director de contenido de HBO Max, en un comunicado. «¿Qué podría ser mejor que una idea original de J.J. y luego Warner Bros. dejándolos perder en la icónica propiedad intelectual de Stephen King y DC Universe y proporcionar más programación imprescindible en HBO Max».

Fuente: The Hollywood Reporter.

Nace el directorio RAMPA (Red Abierta de Mujeres Profesionales del Audiovisual)

Con el fin de fomentar la especialización profesional de las mujeres

Desde el pasado 8 de marzo de 2020, Día Internacional de la Mujer, está activa RAMPA, la Red Abierta de Mujeres Profesionales del Audiovisual (www.plataformarampa.com), un directorio interactivo, abierto y gratuito de información para contacto y localización geográfica de las profesionales y técnicas del audiovisual (cine / televisión / publicidad / videojuegos) que trabajan en todo el territorio español.

Desde entonces RAMPA no ha parado de crecer y se ha puesto en marcha con el apoyo de 41 asociaciones, federaciones y agrupaciones del sector audiovisual. Entre las entidades colaboradoras del proyecto hay 24 asociaciones de ámbito estatal, 3 de Andalucía, 3 de Canarias, 2 de Galicia, 3 de la Comunidad Valenciana, 2 de Cataluña, 2 del País Vasco, una de la Región de Murcia y una de las Islas Baleares. Clasificadas por ámbito de actividad, RAMPA ya cuenta con 17 entidades que cubren todo el espectro del audiovisual, 17 especializadas en cine, 3 en videojuegos, 2 en publicidad, una en televisión y una en realidad extendida. Cada día se siguen sumando apoyos.

Esta abrumadora respuesta por parte del sector pone de manifiesto que RAMPA es un recurso necesario, una herramienta fundamental para fomentar la especialización profesional de las mujeres, favorecer su inclusión en el mercado laboral en puestos que no estén feminizados o que sean exclusivamente de servicios.

Sus principales objetivos son ayudar a vertebrar paritariamente un sector muy atomizado, combatir su discriminación histórica, ya sea estructural y/o difusa, mejorar las condiciones de visibilidad de las mujeres e incrementar su oferta profesional para que se produzca una efectiva igualdad de oportunidades entre hombres y mujeres en un ámbito profesional muy disgregado que, además, sufre de una notable fragmentación sectorial y de una gran dispersión geográfica. Esta problemática queda manifiesta en la visible diseminación de asociaciones técnicas y territoriales que tienen poco contacto entre sí.

Hasta hoy no existía en España ninguna base de datos abierta que tuviera en cuenta a todas las profesionales y técnicas que participan en las diferentes especialidades en cualquier punto del territorio español, ya sea en el cine, la televisión, la publicidad o los videojuegos. RAMPA nace para cubrir esa carencia al ser un directorio interactivo específico que facilita la búsqueda de mujeres del audiovisual con el objeto de que los distintos organismos, agencias, productoras, televisiones, empresas, entes y demás estructuras de la industria de todo el mundo puedan contactarlas y adoptar medidas de acción positiva para la creación de empleo femenino.

Mediante 37 categorías y 285 subcategorías laborales el directorio permite encontrar los perfiles que mejor se adaptan a cada producción audiovisual y propiciar el intercambio laboral, cultural y artístico entre las mujeres de la industria audiovisual. Además, esta herramienta va a favorecer la internacionalización de las mujeres del sector, puesto que la proporción de rodajes a cargo de compañías extranjeras y el desarrollo de coproducciones aumenta de manera constante en todo el territorio español y de esta forma tendrán un lugar donde localizarlas.

Las mujeres profesionales y técnicas del sector audiovisual que se registren como usuarias, ya sean consolidadas o jóvenes promesas, pueden mostrar su trabajo publicando sus fotografías, CV, contacto, links a ejemplos de trabajos anteriores: clips, bobinas o demo reels, calificaciones y recomendaciones. Además de favorecer la generación de empleo este hub profesional va a permitir recoger datos reales y fiables sobre las mujeres profesionales del sector.

Hay una necesidad de mostrar las múltiples voces y miradas de las mujeres para que, en tanto que creadoras, profesionales o como intérpretes de la realidad, sean reconocidas por la industria cinematográfica y por el público. Estamos cansadas de escuchar que «no hay mujeres profesionales» en tal o cual especialidad del sector. Así, mediante la visibilización de mujeres cuyos nombres en muchos casos son poco conocidos, se apuesta por la consolidación de nuevos referentes profesionales que pongan en valor el talento femenino que reside dentro y fuera del país.

RAMPA es una actividad promovida por el Festival de Cine por Mujeres y subvencionada por el Ministerio de Cultura y Deporte. La web está diseñada por Ombretta, etc.

Diferentes organismos y empresas crean una ayuda para profesionales del audiovisual

Netflix, Acción Cultural Española, la Academia de Cine y el ICAA crean una línea urgente de ayuda asistencial a los profesionales del sector audiovisual más afectados por la Covid-19

Netflix, Acción Cultural Española (AC/E), la Academia de Cine y el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) han sumado fuerzas para impulsar una línea asistencial para los profesionales del audiovisual más impactados por la crisis de la COVID-19 en España.

Las ayudas estarán dirigidas a los trabajadores del apartado artístico y/o técnico que estén atravesando una situación económica precaria y no puedan trabajar debido al cese de la producción audiovisual. Netflix contribuirá a lanzar esta línea de ayuda en España dotándola de un millón de euros.

«Desde el Ministerio de Cultura y Deporte celebramos que en poco tiempo se haya podido articular una colaboración entre organizaciones de distinta naturaleza, públicas y privadas, con el fin de buscar soluciones de apoyo al sector del cine y el audiovisual como requiere esta situación sobrevenida. Uno de los objetivos de esta iniciativa era la agilidad de su puesta en marcha, garantizando el rigor y la transparencia, algo que solo es posible gracias al consenso entre las partes implicadas, cada una aportando conocimientos y recursos humanos, técnicos y en el caso de Netflix, también económicos. Desde aquí agradecemos esta muestra de generosidad, compromiso y solidaridad de la plataforma con la industria del audiovisual en España», ha subrayado José Manuel Rodríguez Uribes, ministro de Cultura y Deporte del Gobierno de España .

«Desde la Academia de Cine saludamos iniciativas como esta, destinadas a paliar los daños que está causando la pandemia en los trabajadores del cine. Animamos a que se articulen otras iniciativas privadas y públicas para la reactivación de las industrias culturales. Estamos convencidos de que en este momento excepcional son necesarias medidas excepcionales. Confiamos en que los poderes públicos impulsen y canalicen cuantas medidas sean necesarias para garantizar la supervivencia de nuestra industria», ha indicado Mariano Barroso, presidente de la Academia de Cine.

«Las circunstancias excepcionales (y la pandemia producida por la COVID-19 lo es) exigen respuestas excepcionales. Este es el momento de unir las fuerzas de todos para paliar el daño que el virus está causando en la vida de las personas, en la economía y en la sociedad. Netflix ha querido hacer un ejercicio de solidaridad en el sector audiovisual, que desde AC/E agradecemos, apoyamos y acompañamos, con la esperanza de que haya más empresas, organizaciones e instituciones que se sumen”, ha añadido José Andrés Torres Mora, presidente de Acción Cultural Española.

«Estamos muy agradecidos de poder trabajar junto con el ICAA, Acción Cultural Española y la Academia de Cine para apoyar a los trabajadores más afectados de la industria del cine y la televisión. Queremos poner de nuestra parte para ayudar a aquellos que más lo necesitan en estos tiempos sin precedentes”, ha explicado Diego Ávalos, vicepresidente de Contenidos Originales en Netflix.

Todos los detalles de esta línea de ayuda, los criterios de elegibilidad y el nivel de financiación individual se elaborarán con los distintos agentes sociales del sector. Esta iniciativa está abierta a recibir colaboraciones de cualquier entidad que quiera contribuir a ayudar a los trabajadores de apartados artísticos y/o técnicos más afectados por la COVID-19 en España.

Por parte de Netflix, la creación de esta línea de ayuda forma parte de una iniciativa global (anunciada el 20 de marzo) que destina 100 millones de dólares a apoyar a los trabajadores del cine y la televisión. Una gran parte de este importe está dirigido a ayudar a las producciones de Netflix en España y en el mundo. El resto (15 millones de dólares) se destina a fondos de emergencia dedicado a los profesionales del sector audiovisual en diferentes países como Reino Unido, Italia o Francia, entre otros.

HBO estrenará ‘En casa’ una serie antológica sobre y desde el confinamiento

Creada y dirigida por Leticia Dolera, Rodrigo Sorogoyen, Paula Ortiz, Carlos Marqués-Marcet y Elena Martín

Próximamente HBO estrenará en 21 territorios europeos la serie ‘En casa’. Cinco directores de cine y televisión. Cinco historias de ficción. Una misma situación: el confinamiento. Este es el punto de partida de ‘En casa’, una serie antológica de ficción nacida de la situación excepcional provocada por la pandemia global del Coronavirus. Creada para HBO Europe por Warner Bros. ITVP España en colaboración con Caballo Films, la serie acaba de iniciar su producción. ‘En casa’ está formada por cinco episodios de duración aproximada de 15 minutos y presenta una mirada autoral sobre las relaciones personales en el marco de la experiencia colectiva del confinamiento.

Cada capítulo de ‘En casa’ estará creado y dirigido por uno de los/as cinco directores/as que se han sumado a este proyecto, autores de la talla y la proyección de Leticia Dolera (‘Vida perfecta’, ‘Requisitos para ser una persona normal’), Rodrigo Sorogoyen (‘Madre’, ‘El reino’, ‘Que Dios nos perdone’), Paula Ortiz (‘La novia’, ‘De tu ventana a la mía’), Carlos Marqués-Marcet (‘Los días que vendrán’, ‘Tierra firme’, ‘10.000 kilómetros’) y Elena Martín (‘Julia Ist’). Cinco creadores con una filmografía que respalda su capacidad de contar historias centradas en la intimidad de sus personajes y que, con ‘En casa’, acompañarán al espectador en esta vivencia social sin precedentes. Cinco diferentes planteamientos de ficción que mostrarán su particular mirada de la vivencia colectiva más extrema que esta joven generación de directores ha vivido.

Los límites que ha impuesto la pandemia también serán protagonistas de las historias de ‘En casa’. Todos los capítulos se verán limitados al ámbito doméstico de la propia casa en la que los directores se encuentran confinados. Además, se enfrentarán a un reto marcado por las circunstancias: rodarán sus historias con la ayuda de un “Filmmaker Kit”, compuesto por un teléfono de última generación y una serie de complementos que les permitirán grabar sus propuestas en un espacio reducido y con un número muy limitado de intérpretes, que en algunos casos incluirán a los propios directores.

‘En casa’ es una serie en la convivirán diferentes géneros como la comedia romántica, el drama e incluso los tintes fantásticos. A través del punto de vista de cada director, ‘En casa’ cuestionará el inusual contexto que plantea la serie: ¿Qué pasaría si tu novio te dejara la mañana en que decretan el confinamiento? ¿Puede ser confinarte en casa una experiencia brutalmente liberadora? ¿Y si el confinamiento te hace descubrir que tu pareja no es quién tu creías? ¿Es posible viajar en este contexto sin salir de una misma habitación? o ¿Cómo sería vivir esta experiencia en una comuna con siete amigos? Estas serán algunas de las preguntas que abordará ‘En casa’ en cada uno de sus episodios.

Crítica de ‘Historias del bucle’

Genial exposición, escasa resolución

Las series antológicas tienen en común que enganchan al espectador planteando en cada episodio una situación diferente. Por lo general estas series son de carácter fantástico o terrorífico y en el caso de ‘Historias del bucle’ podríamos ubicarnos en el primer género. La serie creada por Nathaniel Halpern (‘Legion’) inspirándose en la obra del ilustrador Simon Stålenhag (por favor buscad sus increíbles dibujos) tiene mucho de antología. Cada episodio supone una nueva sorpresa y si bien podemos ver de manera independiente todas y cada una de las historias, estas están interrelacionadas entre sí formando un todo.

La idea está muy bien, pero falta o bien una trama central que le dé un sentido global a toda la serie o más profundidad en sus argumentos, ya que estos carecen prácticamente de mensaje. Pocas veces nos topamos con moralejas. Es muy fácil plantear elementos extraños y no parar de sumar misterios (todos ellos relacionados con algún artilugio o tecnología). Pero lo complicado y una de las virtudes de la buena ciencia ficción es darle una salida, un final y una explicación que de sentido a la exposición esbozada. En el caso de ‘Historias del bucle’ tenemos un planteamiento excelente con su ritmo, su ambientación y sus personajes pero la razón de ser brilla por su ausencia. Sucede que muchas de las «aventuras» que vemos en la serie nos recuerdan horrores a entregas de ‘Los Simpsons’ y la sensación con la que nos quedamos es la misma, esto ha sido algo episódico.

Los ocho episodios fueron estrenados el 3 de abril en Amazon Prime Video. En el reparto está Rebecca Hall, Jonathan Pryce, Daniel Zolghadri, Paul Schneider, Ato Essandoh, Nicole Law, Dominic Rains, el joven Duncan Joiner… ¡Y en un episodio está Jon Kortajarena! Uno no puede obviar el talento de Pryce el cual ejerce de introductor de la trama cargándose del misterio de series como ‘The Twilight zone’. Pero también destacaría el papel de madre ejercido por Rebecca Hall y el de hijo por parte de Joiner. Ambos se mueven con incredulidad y temor por este científico pueblo.

A colación de eso cabe destacar otro de los fallos de la serie. ¡Aquí prácticamente todo el mundo tiene conocimientos técnicos! Indiferentemente de la edad y formación de cada uno. Y otra cosa que tienen en común los habitantes del pueblo asentado sobre El Bucle es ir gritando por el bosque el nombre de alguien perdido o desaparecido. En casi todos los episodios tenemos una situación así. Efectivamente tenemos una sensación de bucle con esto.

En ‘Historias del bucle’ lo visual y lo dramático están por encima de lo aclaratorio. Como he dicho antes el guión se esfuerza poco o nada en dar explicación a lo que sucede. Esta producción parece más bien concebida para generar un drama cargadísimo de melancolía con la música de Paul Leonard-Morgan (‘Dredd’, ‘Sin límites’) y para lucirse visualmente. Porque si hay algo innegable en la serie de Prime Video es que atrapa con su diseño de producción. Mezcla maquinaria y naturaleza al estilo de Miyazaki y conforme vamos por un campo, un bosque o una barriada nos topamos con inmensas estructuras o robots que eliminan cualquier posible ambientación en un lugar ordinario. En muchas de sus localizaciones nos puede recordar a la URSS de la guerra fría con sus tipografías, tableros de ajedrez, relieves en las paredes, logotipos, ropajes… Pero a mí a lo que más me ha recordado es a esas películas de Neill Blomkamp (‘Distrito 9’, ‘Elysium’, ‘Chappie’) en las que los grandes avances, pese a ser portentos de la técnica, parecen chatarra.

Las tramas son predecibles y más aún cuando vas indagando a cerca de las películas que aparecen en el cine del pueblo de Ohio (‘La máscara del demonio’, ‘Un verano con Mónica’, ‘Missing’). Al menos están bastante bien dirigidas y eso que podríamos tener sensación de falta de continuidad al tener diferentes directores en cada capítulo. Puede llamar la atención la presencia de Jodie Foster por ser más conocida pero los episodios que brillan más son ‘Echo Sphere’ (1×04) y ‘Control’ (1×05) dirigidos por Andrew Santon y Tim Mielants.

Esta es una serie que a veces es muy ‘Lost’ y a veces es muy ‘Dark’. No intentéis verla encontrándole sentido. Ni siquiera se molesta en indicar por qué teniendo una instalación bajo tierra todos los objetos detonantes de las maravillas y misterios están desperdigados por todo el pueblo al alcance de cualquier incauto, sin que nadie de parte a las autoridades de que han visto algo peligroso o extraño, quiero entender porque lo inaudito es algo a lo que están acostumbrados, aunque sea en secreto.

HBO España estrenará la serie ‘Betty’

También tendrá disponible ‘Skate Kitchen’ la película en la que se basa

El próximo 2 de Mayo en exclusiva a HBO España podremos ver ‘Betty’. Una serie que se basa en la aclamada película ‘Skate Kitchen’ de Crystal Moselle. Protagonizada por Dede Lovelace, Moonbear, Nina Moran, Ajani Russell y Rachelle Vinberg, protagonistas del largometraje original. ‘Betty’ cuenta la historia de un diverso grupo de chicas jóvenes que navegan por sus vidas a través del mundo del skateboarding, predominantemente masculino, en Nueva York.

Con carácter y muy leal, Janay (Lovelace) es fuerte y testaruda para bien y para mal. Honeybear (Moonbear) es un caos calmo. Su estilo excéntrico es una máscara que lleva para esconder sus emociones. Kirt (Moran) es una amante (para las mujeres), una luchadora (para el resto del mundo) y una niña pequeña en el cuerpo de una mujer. Es la persona más graciosa del mundo, y aunque lo supiese le daría igual. Por su parte, Indigo (Russell) es una superviviente callejera atrapada en el cuerpo de una niña bien que dejó la escuela de arte. Camille (Vinberg) comedida, inteligente, atenta y rarita, quiere ser una más en el grupo de tíos del skate park, y ha luchado duro por el hueco que se ha ganado con ellos. Lo que no entiende, es que todo lo que ha conseguido con ellos, en términos de “molar”, no significará nada en la vida ni para ella, ni para las demás chicas que la rodean.

El reparto incluye a Reza Nader como Farouk, Edmund Donovan como Bambi, Caleb Eberhardt como Donald, Katerina Tannenbaum como Ash, Jules Lorenzo como Yvette y Brenn Lorenzo como Celia.

‘Betty’ está dirigida por Crystal Moselle; producida por Moselle, Lesley Arfin, Igor Srubshchik y Jason Weinberg; y producida por Arfy Material y Untitled Entertainment.

Crítica de ‘El último show’, la serie de «Marianico el Corto»

De-construcción de un personaje entrañable

Si pensamos que un comediante es en su vida normal tal y como se muestra en el escenario lo más probable es nos equivoquemos. ‘El último show’ viene para rescatar de nuestra memoria a «Marianico el Corto» o Miguel Ángel Tirado y a la vez para plantear de nuevo esa verdad. Pero más allá de mostrar cómo es un humorista tras bambalinas, pues eso ya lo han hecho series como ‘Life’s too short’ o más próximamente aquí en España ‘Paquita Salas’, se dedica a hacer un discurso sobre el cómo es la construcción de un personaje que pueda llegar a calar en la memoria de los espectadores, una audiencia que se siente más feliz cuando está embriagada de nostalgia, aunque esta esté más repetida que los episodios de ‘Los Simpsons’ en Antena 3.

Este es un drama que dentro de su amargor tiene momentos cómicos. Y es irónico porque en la ficción Miguel Ángel Tirado quiere hacer una película surrealista al estilo de las que hacía Luis Buñuel, otro aragonés, y su vida ya se pinta bastante alejada de la normalidad. No olvidemos que esta es una ficción que deconstruye un mito que está en su ocaso. Le saca del ámbar en el que está conservado, rodeado de mucha publicidad de la zaragozana cerveza Ambar por cierto. Pero quizá por no ser demasiado negra y deprimetne la serie también lleva a cabo una re-construcción, sobre todo de relaciones, como la que tiene el protagonista con su ex, el vínculo con su nieta o la aparición del padre huido.

En cierto sentido me ha recordado a ‘En las estrellas’, la película de Zoe Berriatua. Un soñador quiere hacer una obra de arte contra viento y marea, cuando otros le piden lo mismo de siempre. Y a la vez procura traspasar ese espíritu y conocimientos a una mente más tierna. De alguna manera ‘El último show’ juega con el espectador. ¿Habrá hecho alguna vez «Marianico el Corto» cortos caseros? ¿Tiene un escorpión como mascota? Y mientras esto pasa los episodios intentan dar respuesta a cómo se podría cerrar toda una carrera de éxitos en un mundo tan complejo y difícil como es el de la comedia.

El próximo 17 de abril se estrenan en HBO España los ocho episodios de ‘El último show’, la serie protagonizada por «Marianico, el corto» que un día antes emite su último episodio en Aragon TV. Una obra creada por Álex Rodrigo, un zaragozano que saca pecho en ‘El último show’ por su ciudad y por los talentos que su tierra ha dado citando nombres como Escartín, David Civera, Bunbury, Luis Larrodera e incluso Fluvi la mascota de la Expo de Zaragoza 2008. Así muchos pueden ver que el talento no solo se encuentra en núcleos como Madrid o Barcelona. De hecho el director de ‘Vis a Vis’, ‘El embarcadero’ o ‘La casa de papel’ incorpora dos actores tan buenos como  María Isabel Díaz Lago y Álvaro Morte, de Cuba y Algeciras.

A ‘El último show’ le falta algo de chispa, algo que capte más nuestra atención. Está bien el ver que un cómico como «Marianico el Corto», que ha vivido de hacer gracias a base de juegos de palabras, es capaz de hacer drama, hasta el punto de ser más propenso a darnos bajona en lugar de partirnos de risa. Pero las tramas desarrolladas con su ficticia ex (Luisa Gavasa) y su nieta (Laura Boudet) acaparan mucho tiempo y están bastante desvinculadas de lo que le pasa a Marianico. Sobre todo porque a veces parece que la serie gira solo en torno a ellas y además la trama de Boudet funciona mucho mejor cuando esta hace de nieta que cuando hace de adolescente insurrecta. Eso sí, hay que reconocer que a veces hila muy fino, como con esa confusión de Marianico con Álvaro Morte llamándole «el maestro», doble alusión, a su papel en ‘La casa de papel’ y a su pasado como maestro de primaria. También es hilarante la escena techno-etílica poniendo a Benidorm como un Magaluf para la tercera edad.

Este es el ocaso de un viejo comediante y el amanecer de un nuevo entusiasta de la comedia. Por eso se enfrenta la figura del monologuista con la del cómico tradicional. Es muy curiosa la diatriba que suelta en determinado momento el personaje de José Luis Esteban, manager de Marianico. El cómico tiene una handicap más, tiene que crear un personaje, aunque muchos monologuistas casi implementan esto a sus espectáculos. Y así volvemos a lo que comentaba al principio, delante del hombre está el personaje.

Marianico es una personalidad que iba de la mano de Barragán (por primera vez le he visto sin estar caracterizado), Pedro Reyes, Emilio Laguna, Manolo de Vega o posteriormente aquellos que cogieron el testigo como Chiquito de la calzada o Paz Padilla. Su único objetivo era soltarnos esas pequeñas cápsulas que nos hacen reír y se llaman chistes. Nos retrotrae a esos tiempos, arrinconados en pequeñas salas o locales de Karaoke. Lugares donde el recuerdo y el cameo van de la mano casi por extrema necesidad. Ahí es donde entroncamos con otra serie conocida, ‘¿Qué fue de Jorge Sanz?’. La diferencia es que Marianico huye de los conflictos y su gloria está algo más atrás. Pero igualmente todo acaba narrándose a base de mendicidad artística, cotilleos y hartazgo. A mí me ha causado penilla la serie, igual que aquel vídeo del sacerdote intentando dar misa a través de las redes sociales mientras todos se reían de él por equivocarse poniéndose ridículos filtros. Es todo un agrio absurdo.

Por último solo dos peticiones. Quiero un Playmobil de Barragán y que nos cuenten el chiste del vegetal (no sé si lo contará en el último episodio pues he podido ver siete de ocho).

Tertulia sobre doce series más que recomendables

Hablamos sobre series de todo tipo y ubicadas en varias plataformas

En estos días las series se han convertido en una de las mejores armas para combatir el aburrimiento y el paso del tiempo. Por eso para nuestra serie de programas hemos querido reunir a varios periodistas expertos en el tema y recomendaros algunas obras que o bien han sido estrenadas hace poco o están disponibles en plataformas como Netflix, HBO España, Movistar+, Amazon Prime Video, Sky o Disney+.

Junto a Raquel Hernández Luján (HobbyConsolas) y a Juan Manuel González (Libertad Digital / esRadio / Par Impar) los moviementarios hemos realizado un compendio variado en el que la ciencia ficción, la comedia, el romance, el drama o el terror están presentes. Os hablamos de las siguientes series: ‘Altered Carbon’, ‘Devs’, ‘Foodie Love’, ‘Historias del bucle’, ‘Kingdom’, ‘La línea invisible’, ‘Lo que hacemos en las sombras’, ‘Patrick Melrose’, ‘Sex Education’, ‘The mandalorian’, ‘Tigtone’ y ‘Zerozerozero’.

 

La serie sobre Miguel Ángel Tirado (Marianico el Corto) estará en HBO España

Estreno de ‘El último show’ el 17 de abril

El próximo 17 de abril HBO España pondrá a disposición de sus usuarios ‘El último show’. Esta es una serie ideada por Álex Rodrigo y codirigida junto a Carlos Val. En ella tiran de drama y comedia para mostrar como Miguel Ángel Tirado intenta huir del personaje que le llevo a la fama, Marianico el Corto. La serie consta de ocho capítulos que han sido escritos por Sara Alquézar, Enrique Lojo y el propio Álex Rodrigo.

Miguel Ángel sale al escenario convertido una vez más en el personaje que le dio celebridad en toda España hace ya varias décadas. Sin embargo, su mente vuela lejos porque sus propios chistes ya no le hacen gracia. Ha tocado fondo. Testarudo, socarrón e inteligente, Miguel Ángel solo mantiene dos sueños: recuperar el amor de su exmujer, y dirigir una película surrealista como las de su admirado Luis Buñuel.

Para narrar esta historia obviamente se cuenta con el propio Miguel Ángel Tirado (Marianico el Corto) junto a Luisa Gavasa, Itziar Miranda, José Luis Esteban, Pablo Lagartos, los jóvenes Laura Boudet y Denis Cicholewski, Ken Appledorn y Laura Gómez Lacueva. Además, cuenta con la colaboración especial de Armando del Río, María Isabel Díaz, Álvaro Morte y Rubén Martínez.

Crítica de ‘Pure’

Explícita, descaradamente abierta y aún así con mucho tacto

El próximo 7 de abril Filmin estrena ‘Pure’. Una serie de 6 episodios de 35 minutos cada uno que cuenta la peculiar situación de Marnie (Charly Clive). Esta historia parte de la autobiografía de Rose Cartwright. En ella cuenta sus propias vivencias al enfrentarse a un TOC. Pero no un TOC común como el que pueden sufrir muchas personas al querer tener siempre su entorno en orden. Es un trastorno que la hace tener siempre imágenes obscenas, extravagantes y bastante perturbadores en su cerebro. Está obsesionada con el sexo y sin necesidad de provocación su mente genera pervertidas imágenes, indiferentemente de si está ante un desconocido en el metro o ante sus propios padres.

Como otras muchas series británicas esta es una comedia pero con algo de acidez ya que hay momentos con una ligera carga de drama. Los flashes tremendamente explícitos que tiene la protagonista se entremezclan con situaciones muy incómodas y estresantes, a veces hasta claustrofóbicas muy a pesar de situarnos en espacios amplios. Es interesante porque explora un concepto poco conocido de los TOCs y maneja también conceptos como el F.O.M.O (fear of missing out o temor a perderse algo).

Me ha gustado porque es una serie muy sincera, algo extravagante, descarada y abierta, pero para nada desmedida. Teniendo en cuenta que no tiene reparos a la hora de mostrar aquello que surge de la cabeza de Marnie puedo decir que no cae en lo obsceno y tiene bastante tacto. A pesar de que la protagonista tiene pensamientos raros e intrusivos, más allá de lo erótico y calificables como salidorros o porno está un mimado discurso interior que desarrolla una joven que se busca a ella misma sumergiéndose en el anonimato en Londres, lejos de su localidad escocesa donde todos parece que la conocen.

Charly Clive os puede sonar por tener facciones muy típicas de las chicas de Inglaterra, no puede negar que es británica, pero realmente en pantalla ha hecho muy poco. Es una actriz en cuyo currículo figura poco más que la película ‘Never Better’ pero es porque realmente ha estado dedicando su tiempo a la comedia, en concreto a reírse de su situación. En 2015 se le descubrió un tumor en la cabeza y ella para sobreponerse elaboró un show en el que le ponía nombre, Britney. Ahora, recuperada, ha protagonizado ‘Pure’, una serie en la que tiene que encarnar a un personaje con dilemas muy parecidos a los que ha vivido. Cambio de personalidad, descubrimiento de una enfermedad, vivir la vida con optimismo… Sin duda su propia experiencia le habrá valido poder interpretar este papel pero también para ella habrá sido algo catártico.

Aunque dada la peculiaridad del personaje es muy difícil empatizar con ella si se pueden extrapolar lecciones para otro tipo de ámbitos. Es una historia de superación y adaptación, no de cambios. ‘Pure’ nos muestra que ir a mejor no necesariamente significa subir en el escalafón o que tu vida se transforme trascendentalmente. Nos habla del descubrimiento y aceptación de uno mismo. Obviamente es una lucha con una enfermedad que afecta a los que rodean a la protagonista y por eso los personajes secundarios están colocados para generar el conflicto social y esto para la protagonista significa el retirar una máscara y poder abrirse libre y valientemente a los demás con todo lo que supone.

Estos personajes están interpretados por gente muy joven en su mayoría. La irlandesa Niamh Algar, por ejemplo, es una conocida por aquellos que exploran el catálogo de Filmin ya que forma parte del reparto de ‘The Virtues’, una serie muy aplaudida en la plataforma. También la habréis visto en la serie de la BBC (distribuída por StarzPlay en España) ‘MotherFatherSon’. Igual que conoceréis a Anthony Welsh y Kiran Sonia Sawar. Ambos británicos como la actriz principal y parte del reparto del episodio ‘Crocodile’ de la cuarta temporada de ‘Black Mirror’.

‘Pure’ podría llamarse así porque el personaje de Charly Clive está machacada (hecha puré) de tanto lidiar con su problema, casi siempre recurriendo a la bebida. Pero hay que darle un significado mucho más inglés. Esta serie trata de la «pureza» de asumir lo que nos pasa y también, por qué no, de intentar emitir con sinceridad lo que desfila por nuestros cocos, sin la necesidad de llevar unas copas de más.

Tenemos imágenes de la nueva serie de Ryan Murphy e Ian Brennan (‘GLEE’, ‘The Politician’)

‘Hollywood’ una miniserie producida por Netflix

Netflix ha publicado hoy las primeras imágenes de ‘Hollywood’, la nueva miniserie original de Netflix creada por Ryan Murphy (‘GLEE’, ‘The Politician’, ‘American Horror Story’, ‘Ratched’) e Ian Brennan (‘GLEE’, ‘The Politician’, ‘Ratched’), ambientada en el Hollywood de después de la Segunda Guerra Mundial.

‘Hollywood’está protagonizada por David Corenswet, que interpreta a Jack, Darren Criss como Raymond, Jeremy Pope como Archie, Laura Harrier como Camille, Samara Weaving como Claire, Dylan McDermott como Ernie y Holland Taylor en el papel de Ellen Kincaid. Además, Patti LuPone interpreta a Avis, Jim Parsons a Henry Willson, Jake Picking  a Rock Hudson, Joe Mantello a Dick y Maude Apatow interpreta a Henrietta.

Janet Mock, productor ejecutivo, co-guionista y director de la serie explica que “En un presente tan turbulento y con un futuro tan incierto, volvemos al pasado en busca de ayuda y orientación, desenterrando la verdadera historia de Hollywood para crear una nueva realidad basada en el «qué pasaría si…»: ¿Qué pasaría si a un grupo de forasteros se le diera la oportunidad de contar su propia historia? ¿Y si la persona con el poder de dar luz verde fuera una mujer? ¿O el guionista un hombre negro? ¿Y si la heroína fuera una mujer de color? ¿O el icono de la televisión abiertamente gay?  ¿Y si todos ellos fueran invitados a la sala en la que se toman las verdaderas decisiones, entrasen de lleno y dejasen, victoriosos y orgullosos, su huella en la historia del cine? ‘Hollywood’ es una carta de amor a nuestra pequeña ciudad industrial, donde habitan los soñadores, nacen las estrellas y la magia supera a la realidad”.

El nuevo proyecto de Ryan Murphy e Ian Brennan es una miniserie que cuenta la historia de un grupo de aspirantes a actores y cineastas que buscan alcanzar la fama en Tinseltown cueste lo que cueste. Cada personaje ofrece un punto de vista diferente y único sobre la realidad encubierta de la Edad de Oro de Hollywood y desvela las injusticias y los prejuicios en cuanto a raza, género y sexo que hoy en día continúan. HOLLYWOOD analiza y traslada a la pantalla las dinámicas de poder de la industria cinematográfica de hace décadas y muestra cómo sería el mundo del entretenimiento si estas dinámicas hubieran desparecido.

SYFY estrenará ‘Spides’

Lanzamiento de la temporada 1 el 27 de abril

Ambientada en el Berlín actual, ‘Spides’ está protagonizada por Nora – Rosabell Laurenti Sellers (‘Juego de Tronos’) – una joven que despierta de un coma sin recordar nada de su vida anterior. La primera temporada de ‘Spides’ consta de ocho episodios, el primero se estrenará el 27 de abril a las 22:00. Tras el estreno, la temporada completa pasará a estar disponible bajo demanda.

La joven Nora despierta de un coma sin ningún recuerdo. En busca de su vida anterior, hace algunos descubrimientos aterradores.

Ambientada en el Berlín actual, ‘Spides’ trata de una joven que despierta de un coma sin recordar nada de su vida anterior.  Solo se sabe que ha consumido una droga misteriosa, la misma que ha provocado docenas de casos de adolescentes desaparecidos.

En el primer episodio de ‘Spides’ la joven Nora se despierta de un coma sin ningún recuerdo de su vida anterior, evidentemente fue víctima de una nueva droga. Nora está tratando de recuperar sus recuerdos, cuando descubre que el Dr. Herter ya la trató cuando era una niña. Después de una misión encubierta en Rapture Club, el policía de narcóticos David Leonhart descubre a dos traficantes de Blis asesinados en un vagón. Los cuerpos están extrañamente desfigurados. El oficial Nique Navar de personas desaparecidas se está poniendo en contacto con él: muchos usuarios jóvenes de Blis desaparecen durante días y luego aparecen más tarde, extrañamente diferentes. Nora recibe un video anónimo. ¿Es ella una asesina?

Movistar+ estrenará ‘La unidad’, de Dani de la Torre

Thriller con Nathalie Poza, Michel Noher, Marian Álvarez y Luis Zahera 

‘La unidad’la nueva serie original de Movistar+ que llegará a la plataforma el próximo mes de mayo, ha estrenado su tráiler oficial. Esta producción está basada en el trabajo desconocido de la unidad de Policía Nacional que lucha contra el terrorismo, una de las más eficaces del mundo.

La serie es un thriller cuyo guion ha contado por primera vez con la colaboración de miembros reales de esta unidad de Policía Nacional; un minucioso trabajo de documentación e investigación que combina entretenimiento con una trama de plena actualidad, y que ofrece una perspectiva desconocida del trabajo policial a través de una compleja operación antiterrorista liderada por esta Unidad y que abarca distintos países.

Creada por Dani de la Torre y Alberto Marini y producida en colaboración con Vaca Films, ‘La unidad’ ha sido rodada en numerosas localizaciones nacionales como Madrid, Cataluña, Melilla, Málaga o Galiciae internacionales, como las ciudades francesas de Perpignan y Toulouse o las localizaciones de Lagos y Makoko (ambas en Nigeria).

Es un dato no muy conocido que, desde el 11 de marzo de 2004, España es uno de los países con más operaciones antiterroristas del mundo. A través de sus seis episodios de 50 minutos ‘La unidad’ revela cómo actúan y viven los miembros de la Unidad de Investigación Policial liderada por la Comisaria Jefa Carla. Personas normales y anónimas capaces de conseguir victorias extraordinarias.

Los miembros de esta Unidad están interpretados por Nathalie Poza (‘No sé decir adiós’), en el papel de Carla Torres; el actor argentino Michel Noher, como Marcos, Jefe del Grupo de Investigación y pareja de Carla, con la que se encuentra en pleno trámite de divorcio; Marian Álvarez (‘La herida’), que encarna a Miriam; Luis Zahera (‘El reino’), que interpreta a Sergio; la actriz española de origen persa Fariba Sheikhan como la agente Najwa; Raúl Fernández de Pablo como Roberto, y Carlos Blanco como Ramón.

Además, forman parte del reparto principal Fele Martínez, Alba Bersabé, Francesc Orella y Pepo Oliva, así como un variado casting internacional que cuenta con Amina Leony, Moussa Echarif, Hamid Krim, Mourad Ouani, Mekki Kadiri, Omar Bentaleb, Bouzan Hadawi, Said El Mouden y Tarik Rmili.

Por otro lado, el viaje internacional de ‘La unidad’ ya ha comenzado. Beta Film será la encargada de distribuir los derechos de esta serie fuera de nuestras fronteras y ha anunciado que HBO ha adquirido sus derechos para Latinoamérica.

Sinopsis oficial:

La detención en España del líder terrorista más buscado del mundo convierte al país en el principal objetivo terrorista. Ha empezado una cuenta atrás sin que la población lo sepa y los miembros de la Unidad especial contra el terrorismo yihadista, liderados por la comisaria Carla Torres, se enfrentan a la misión secreta de desarticularla contra reloj, mientras intentan resolver los conflictos de unas vidas personales que su oficio, en parte, les ha arrebatado.

Un thriller trepidante basado en la realidad poco conocida de un grupo de personas de carne y hueso con vidas aparentemente normales cuyas caras no se conocen porque hay victorias que deben ser invisibles.

Crítica de ‘La línea invisible’ de Mariano Barroso

Una serie bien llevada y con mucho que contar

El próximo día 8 de abril llega a nuestras pantallas gracias a Movistar+, la nueva serie de Mariano Barroso, ‘La línea invisible’. El comienzo de ETA contado desde los ojos de Txabi Etxebarrieta, la primera persona que traspasó esa línea invisible y mató por primera vez en nombre de la banda terrorista. La serie que ha adelantado su estreno por el covid-19 tendrá una premier gratuita el mismo día del estreno, a las 22:00 en el canal de Movistar+ en Youtube. Enlace al estreno aquí.

Hemos tenido la oportunidad de ver la serie al completo y puedo deciros que engancha y mucho. Los personajes atraen desde el comienzo, sobre todo los interpretados por Antonio de la Torre y Àlex Monner, ambos enemigos que harán lo posible por terminar el uno con el otro.

El final de la serie ya lo conocemos, y Mariano Barroso nos cuenta cómo se llegó a este 7 de junio de 1968 cuando Txabi Etxebarrieta taspasa esa línea al acabar con la vida de José Antonio Pardines. Fue el primero en asesinar y el primer terrorista en morir, esto fue un antes y un después lleno de consecuencias.

Me encanta la manera que tiene Barroso de dirigir y llevar las historias. No deja un detalle suelto y los gestiona sin hacer que la serie se haga tediosa, todo lo contrario. La historia creada por Abel García Roure, nos adentra en un mundo oscuro y lleno de rencor.

Se nota perfectamente el trabajo de investigación, está muy trabajada toda la historia, hasta el pequeño y curioso detalle de la pistola que lleva Txabi, que había sido encargada por la Alemania nazi.

Explica bastante bien todo el comienzo de la banda, los fundadores, el cómo comenzaron por pequeños atentados o pintadas haciendo que la policía no les tomase en serio, cosa que les frustraba bastante. Txabi es esa pieza que les faltaba, un muchacho intelectual, poeta y con unos ideales bastante claros. El piensa que actuar es la mejor manera de que vean que van en serio y le da igual arriesgar su vida por ello.

Este personaje está interpretado de manera magistral por Àlex Monner, al que hemos visto en ‘La hija de un ladrón’ o ‘El silencio de la ciudad blanca‘. Nos da una de las mejores actuaciones de la serie, un personaje lleno de sensiblería y a la vez el más fuerte y sanguinario de todos.

En su lado contrario encontramos al Inspector jefe de la Brigada Político Social de San Sebastián, Melitón Manzanas, un hombre que no se toma en serio a la banda hasta que comienzan a actuar mediante atentados en distintos lugares, sin muertes claro. Antonio de la Torre, representa a este colaborador de la Gestapo alemana que se llevará la peor parte de la venganza por la muerte de Txabi. No es un personaje amable para nada, como he dicho no sientes devoción apenas por nadie, simplemente les conoces, puedes escucharles y comprenderles dentro de ese contexto histórico, que aquí, creo que es donde la serie falla un poco.

Me hubiese parecido interesante que nos contarán mejor el contexto en el que nuestros personajes se mueven, si que nombran a Franco y si que vemos que la policía no es para nada como ahora. Las huelgas de trabajadores, las pequeñas manifestaciones se dejan caer, pero aun así no está bien explicado, al igual que el contexto europeo, la situación en la que se encuentra el continente en este momento. Una temporada llena de revoluciones en todo el mundo y como también influye en la banda.

El resto de reparto es espectacular, ningún personaje secundario está de más, todo lo contrario. Todos y cada uno hacen que la historia sea coherente, cada uno con su manera de pensar y sus distintas opiniones, gracias a esto, también vemos las diferencias dentro de la banda.

Joan Amargós, Enric Auquer, Anna Castillo, Patrick Criado, Asier Etxeandia, Xóan Fórneas, Patricia López Arnaiz, Aia Kruse o Josean Bengoetxea son parte de este conjunto que logran recrear una parte de la historia de nuestro país que mucho ha tardado en salir en formato de serie o cinta.

Comentar el buen trabajo de producción de la serie, es perfecto.  La música, vestuario, localizaciones o la fotografía de Marc Gómez del Moral (‘Vida perfecta o ‘El día de mañana’), que hace un trabajo exquisito, hace que la serie sea realista al 100%. Todavía da miedo hablar del tema, pero este año con ‘La línea invisible‘ y ‘Patria’ van a ser dos las series de ficción que tratan esto y me parece estupendo que poco a poco se hable de esta parte oscura de nuestra historia.

Serielizados Fest se celebrará en octubre de 2020

Séptima edición que tendrá lugar en Barcelona

Serielizados Fest anuncia las fechas de la séptima edición del festival, que se celebrará del 20 al 25 de octubre de 2020 en Barcelona. La mayor parte de la programación tendrá lugar en el CCCB, que desde 2017 es la sede principal del festival, y en la sala Phenomena.

En su séptima edición el Serielizados Fest volverá a contar con las principales secciones que vienen articulando el festival desde hace tiempo: Sección Pro (encuentro entre agentes de la industria televisiva españoles y europeos); Sección Panorama (preestrenos de series internacionales); Invitados/as principales (showrunners de proyección internacional con proyectos en curso); Showcase de Pilotos (Certamen de joven talento nacional); Premieres (preestrenos de series de las principales plataformas), Masterclass (Clases magistrales dirigidas por showrunners a alumnos de comunicación audiovisual y cine).

En ediciones anteriores han pasado por el festival showrunners de la talla de David Simon (‘The Wire’, ‘Generation Kill’, ‘The Deuce’), Vince Gilligan (‘Breaking Bad’, ‘Better Call Saul’), Ludovica Rampoldi (‘Gomorrah’, ‘1992’), Dan Harmon (‘Rick and Morty’, ‘Community’), Jeppe Gjerving (‘Borgen’), Steve Pemberton (‘Inside nº9’), o Isobel Waller-Bridge (‘Fleabag’).

Además, el Serielizados Fest ha tenido siempre una mirada puesta en Europa, de ahí la presencia de un ‘País invitado’ en la programación del festival.

Más información en la web oficial: http://www.szsfest.com/es/

HBO adelanta el estreno de la nueva temporada de ‘Killing Eve’

13 de abril disponible la tercera temporada

Hay buenas noticias para los fans de ‘Killing Eve’. HBO ha adelantado al 13 de abril la temporada tres que continuará la historia de estas dos mujeres con pasados brutales, adictas entre sí pero que ahora intentan desesperadamente vivir sus vidas sin su droga preferida. Para Villanelle, la asesina sin trabajo, Eve está muerta. Para Eve, la ex agente del MI6 que se esconde a vista de todos, Villanelle nunca la encontrará. Todo parece estar bien hasta que una muerte impactante y cercana las pone nuevamente en marcha. El viaje de vuelta de la una a la otra les costará a ambas amigos, familiares y lealtades … y tal vez un trozo de sus almas.

Se han anunciado nuevas incorporaciones al reparto de la próxima tercera temporada de ‘Killing Eve’, que incluyen a Harriet Walter (‘Succession’), Danny Sapani (‘Harlots: Cortesanas’), Gemma Whelan (‘Juego de Tronos’), Camille Cottin (‘Call My Agent’) , Steve Pemberton (‘Inside No. 9’), Raj Bajaj (‘Un príncipe de navidad: La boda real’), Turlough Convery (‘Ready Player One’), Pedja Bjelac (‘Harry Potter’) y Evgenia Dodina (‘Una semana y un día’).

La escritora británica Suzanne Heathcote (‘Fear the Walking Dead’) es la guionista principal y productora ejecutiva de la tercera temporada, continuando con la tradición de pasar el testigo a una nueva voz femenina. Los productores ejecutivos para la próxima temporada son Sally Woodward Gentle, Lee Morris, Phoebe Waller-Bridge, Gina Mingacci, Damon Thomas, Jeff Melvoin, Suzanne Heathcote y Sandra Oh. Nige Watson también ejerce como productor en la serie. ‘Killing Eve’ está producida por Sid Gentle Films Ltd. para BBC America y distribuido por Endeavour Content. La serie está basada en las novelas ‘Codename Villanelle’ de Luke Jennings.

Crítica de ‘Kingdom’, la serie de zombies en la corea feudal

Dos emocionantes temporadas disponibles en Netflix

Mientras llega el largometraje ‘Península’, la esperadísima película dentro del universo de ‘Train to Busan’ y ‘Seoul Station’ obra de Yeon Sang-ho, desde corea del sur nos llegan más zombies. En esta ocasión basada en un cómic digital de Kim Eun-heeYang Kyung-Il podemos ver en Netflix ‘Kingdom’, una serie que ha sido escrita por el propio Eun-hee.

Desde el 13 de marzo está disponible la segunda temporada (también de seis episodios) que cierra la serie aunque queda con un final que abre la posibilidad a una tercera. Nos podemos conformar con este cierre ya que resulta conclusivo y además los dos o tres giros que tiene casi contradicen en demasía algunas de las bases establecidas durante los últimos compases de la serie.

¿Es posible reinventar o innovar en el género de zombies? Es posible, y aunque esta no es la primera ficción con muertos vivientes en una época lejana a la nuestra que vemos (ahí está ‘El ejercito de las tinieblas’ u ‘Orgullo y prejuicio y zombies’) quizá si es la que explora mejor sus repercusiones sociales en una época donde predominaban las supersticiones alimentadas por el neoconfucianismo y las tretas entre nobles.

La trama de ‘Kingdom’ nos lleva la época de la dinastía Joseon (1392-1897). En corea vemos como un reino asolado por dos recientes e invasivas guerras han dejado al pueblo sumido en la miseria. Ahora, como si de Alfonso XIII se tratase en su visita a Las Hurdes, el Príncipe Heredero viaja por su país observando la hambruna reinante. Y a la vez se enfrenta a enemigos que le acusan de querer usurpar el trono de su padre y su falaz madrastra. Y para darle más emoción a esta intriga la serie nos transporta a Dongnae, antigua Busan. Casualidad o no allí se origina un contagio que se convierte en un colérico ataque de muertos vivientes.

A todos los elementos descritos se le suman giros durante la segunda temporada. Giros que me han recordado a ‘The Strain’, tanto por los componentes que incorpora como por el tratamiento «científico» que se le da al estudio de la plaga que sufre el reino. Se podría decir también que a estos zombies no les viene bien tampoco el cambio climático.

Se ve muy bien. No solo por su buen ritmo, que se aleja de la reiteración y la parsimonia a la que nos suele tener acostumbrado el cine asiático. Tiene momentos frenéticos, con acción de espada y dentelladas. Porque esta serie va de zombies que corren y que además son monstruos frenéticos  que se dedican a morder más que a comer carne humana. La tensión y las coreografías que tiene ‘Kingdom’ elevan el nivel de la producción. Hay mucho traveling y steadycam entre los atemorizados coreanos y los infectados que nos muestra cómo se libran auténticas batallas, con sus tácticas y sus giros inesperados. No anda falta de extras la serie, dicho sea de paso, las masas de muertos vivientes casi siempre están recreadas por figurantes maquillados que corren de acá para allá. Y tampoco se olvida de relajar un poco el ambiente con un personaje secundario cómico como es el de Suk-ho Jun que interpreta a Cho Beom Pal, un magistrado enamorado y en un cargo que no deseaba.

‘Kingdom’ no es solo una serie para los amantes del terror y el fantástico. También es una historia para aquellos que amen los tejemanejes de las guerras y las pugnas por los tronos. ¿Y si la historia fue reescrita por los historiadores encubriendo una plaga de zombies y tapándola como una guerra más de las que asoló el país? ‘Kingdom’ juguetea con esa idea, sobre todo en sus últimos episodios y teniendo en cuenta que se ambienta en una época aislacionista que les llevo a ser conocidos como el «reino ermitaño. Es otra de sus brillantes ideas. Las conversaciones entre ministros, magistrados, nobles y plebeyos muchas veces giran en torno a la lealtad hacia un heredero u otro y toda esa trama funcionaría como una serie independiente si extirpamos el tema de los putrefactos caminantes. Hay que valorar toda esa riqueza política y los matices logísticos que están relacionados con el manejo de una crisis epidémica.

La ambientación, el vestuario y el alto número de localizaciones o personajes han hecho de esta una serie muy costosa. Una producción que nos deja estampas bellísimas y encarnizadas. En la fotografía de ‘Kindom’ se ensalza las intensísimamente documentadas vestimentas y los paisajes con claroscuros. Ni la sangre mancha fotogramas que se quedan grabados en la retina y que nos hablan de un oriente tanto poético como ominoso.

Ji-Hoon Ju, uno de los protagonistas de ‘Along with the gods’, es el protagonista también de esta historia metiéndose en la piel del príncipe que busca encontrar la verdad tras sus acusaciones de traidor y tras la epidemia zombie. Pero tras ver la serie seguro que como yo vais a querer un spin-off del cazador de tigres. Es el personaje interpretado por Kim Sungkyu (‘The gangster, the cop and the devil’) y está claro que lanzarse de cabeza a la acción, con todo lo que tiene, es lo suyo.

Corea está pegando fuerte, no es solo una moda generada por ‘Parásitos’. Los títulos que he citado en esta reseña pueden ser buena muestra de la calidad de muchas de las películas que nos están llegando desde allí. Os recomiendo tanto esta serie como gran parte del cine que generan.

Anunciada la segunda temporada de ‘Locke & Key’

Continuará la adaptación de los cómics de Joe Hill y Gabriel Rodríguez

Netflix ha confirmado a través de sus redes sociales que ‘Locke & Key’, volverá para una segunda temporada. Carlton Cuse y Meredith Averill, productores ejecutivos de la serie, declararon: “Estamos entusiasmados de continuar el viaje de ‘Locke & Key’ junto con todos nuestros colaboradores. Estamos agradecidos a Netflix por su apoyo, especialmente en esta época tan difícil, y esperamos llevar a la audiencia el próximo y emocionante capítulo de nuestra historia”.

En la segunda entrega, a medida que los peligros aumentan, los hermanos Locke asumen su nuevo papel como Guardianes de las Llaves. El reparto de la primera temporada de ‘Locke & Key’ incluía a Darby Stanchfield, Connor Jessup, Emilia Jones, Jackson Robert Scott, Laysla De Oliveira, Aaron Ashmore, Petrice Jones y Griffin Gluck.

Otros productores ejecutivos de la serie incluyen a Aron Eli Coleite, Joe Hill, Chris Ryall con Lydia Antonini y Ted Adams para IDW, Andy Muschietti, Barbara Muschietti, David Alpert y Rick Jacobs para Circle of Confusion, Lindsey Springer, John Weber y Frank Siracusa para Take 5.

Tras el asesinato de su padre en unas circunstancias misteriosas, los tres hermanos Locke y su madre se mudan a una casa ancestral, Keyhouse, en la que pronto descubrirán que está lleno de llaves mágicas que pueden estar relacionadas con la muerte de su padre. A medida que los niños Locke exploran las diferentes llaves y sus poderes únicos, un misterioso demonio despierta y no se detendrá ante nada para robar las llaves. Creada por Carlton Cuse (Lost, Bates Motel) y Meredith Averill (La maldición de Hill House), ‘Locke & Key’ es una serie de misterio que explora el amor, la pérdida y los lazos inquebrantables que definen a la familia. La serie ‘Locke & Key’, disponible en Netflix, es la esperada adaptación de las exitosas novelas gráficas escritas por Joe Hill e ilustradas por Gabriel Rodríguez para IDW Entertainment.

 

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