La película de Kike Maíllo participará en la Sección Oficial
Adaptando la novela ‘Cosmética del enemigo’ de la autora belga Amélie Nothomb, Kike Maíllo estará presente en el Festival de Sitges. El último trabajo del director catalán, será uno de los títulos que se presentarán en Sitges 2020. El film es una coproducción entre España, Francia y Alemania y cuenta con un reparto internacional formado por Tomasz Kot (‘Cold War’), AthenaStrates (‘The Good Liar’), Marta Nieto (‘Madre’) y Dominique Pinon (‘Delicatessen’).
Se trata del tercer largometraje de Kike Maíllo, que inauguró Sitges 2011 con ‘Eva’ y ganó el Goya a la mejor dirección novel. ‘Cosmética del enemigo’ es su primera producción internacional, para la cual ha confiado una vez más en un equipo técnico integrado, en su mayoría, por profesionales formados en ESCAC (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Catalunya).
El filme está centrado en la historia de Jeremiasz Angust, un arquitecto de éxito que pierde su vuelo a causa de una misteriosa joven que lo aborda de repente. Los dos personajes iniciarán una conversación que irá enrareciéndose hasta convertirse en algo siniestro y criminal.
Los Gardner se mudan a una granja remota de Nueva Inglaterra. Están ocupados adaptándose a su nueva vida cuando un meteorito se estrella en su patio. El misterioso aerolito parece derretirse en la tierra, infectando el terreno con un color brillante de otro mundo. Para su horror, la familia descubre que esta fuerza alienígena está mutando gradualmente cada forma de vida que toca… incluido ellos.
Crítica
Un tripi visual con terror y un Cage que va a lo suyo, todo bien
¿Qué da más miedo, una interpretación de Nicolas Cage o una historia de H.P. Lovecraft? Cuando vi esa combinación pensé “historia de Lovecraft, bien. Nicolas Cage, bien (pero en plan cómico)”. Cage es capaz de arruinar muchas historias buenas, pero por suerte este no ha sido el caso. Durante toda la película se mantiene un pulso entre lo inquietante de la trama y la siempre turbadora interpretación del sobrino de Francis Ford Coppola.
Basada con bastante fidelidad en un relato de Lovecraft ‘Color out of space’ nos cuenta el episodio que vive una familia cuando un meteorito cae en su granja. Un perturbador color desconocido (que se ejemplifica con un magenta) les deslumbra y en la zona todo empieza a cambiar de un modo inimaginable.
Mutaciones, deformaciones, voces, alucinaciones, emponzoñamiento… La tierra se corrompe con algo que no es de este mundo, comienzan a pasar cosas raras y la familia se ve encerrada irremediablemente. La ecuación de este largometraje se resume con la suma entre ‘Aniquilación’ más ‘La cosa’ más ‘Poltergeist’.
El filme tiene una buena puesta en escena y en ocasiones supone un verdadero tripi visual. En su exploración de lo extraño, tanto en el plano mental como en el físico, nos ofrece amorfas aberraciones muy bien maquilladas con sabor del terror de antaño. Eso si, hay que advertir que en una de las variaciones del relato original sucede algo no apto para animalistas.
Podríamos catalogar este título como un retrato de algún tipo de agonía. Sus personajes sufren a la vez que el espectador puede sentir esa clase de fascinación morbosa que tantos éxitos da en el cine.
Cage interpreta al padre de familia. Como siempre tiene momentos casi desternillantes, llevándose algo al personaje a su propio terreno. Pero podría decirse que está más contenido de lo habitual. Considero esto un logro de Richard Stanley y de la historia que lo consigue enmascarar o disimular. Aunque me consta que Stanley pidió a Cage que actuase como en ‘Vampire Kiss’. Además el director ha conseguido que el resto del reparto supla las carencias de Cage, en especial con la manera de usar a los personajes más jóvenes.
Hay muchos guiños lovecraftianos y a la propia filmografía del director. Esta es de esas películas que pica la curiosidad no solo de poder ver qué sucede hasta el final sino también de buscar más en la filmografía del director, aunque seguro que también habéis visto su ‘Isla del Dr. Moreau’ o ‘Los abandonados’, esta última muy recomendable. Richard Stanley tiene fama de ser raro y de no quitarse nunca su sombrero. La película tiene unos magníficos y oníricos efectos especiales realizados por los españoles de User T38 y nos confirmaron en la Muestra SYFY que efectivamente Stanley es un tipo peculiar, de ahí sus películas.
Esta es una cinta de personajes raros trabajando en ella pero de cosas aún más raras que hacen que merezca la pena ser disfrutada. Sumergíos en esta región de Arkham con alpacas y momentos rosáceos y ya me contaréis si volvéis con la mente de una sola pieza. Si para entonces tenemos suerte, ya estará en marcha la próxima entrega ya que esta será una trilogía de películas, seguramente inconexas argumentalmente, que seguirá con ‘El horror de Dunwich’.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de agosto de 2020. Título original: Color out of space. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Stanley. Guion: Scarlett Amaris, Richard Stanley. Música: Colin Stetson. Fotografía: Steve Annis. Reparto principal: Nicolas Cage, Q’orianka Kilcher, Joely Richardson, Tommy Chong, Madeleine Arthur, Brendan Meyer, Julian Hilliard, Elliot Knight, Melissa Nearman. Producción: SpectreVision, ACE Pictures Entertainment, BRO Cinema, XYZ Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, ciencia ficción, adaptación. Web oficial:http://www.finefilms.co.jp/color/
Ya se pueden presentar obras a este foro que une lo editorial con lo audiovisual
El Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya abre hoy, jueves 18 de junio, la convocatoria de inscripciones para la cuarta edición de Taboo’ks, el foro profesional que reúne la industria editorial y audiovisual. Taboo’ks se realiza en el marco del Festival, que este año se celebra entre el 8 y el 18 de octubre.
Editores, productores, realizadores, escritores, guionistas y otros profesionales del universo editorial y audiovisual son los protagonistas de Taboo’ks, que nació el año 2017 como una apuesta del Festival de Sitges para acercar las obras, los proyectos y los contenidos editoriales de género fantástico a la industria cinematográfica. De entre todas las candidaturas recibidas, el programa selecciona cuatro obras (novela, teatro, cómic o novela gráfica) para presentarlas en un pitch delante los productores acreditados en el Festival, con el objetivo de explorar sus posibilidades de trasladarse a la pantalla. El proceso de inscripción de obras que empieza hoy, finalizará el 18 de agosto.
Taboo’ks actúa como un mercado de derechos especializados en el género fantástico y una jornada de reflexión, debate y diálogo sobre la industria de las adaptaciones. El foro presenta masterclasses, mesas redondas, sesiones one-to-one y una agenda de contactos para favorecer el networking y la concreción de proyectos. En las dos últimas ediciones, Taboo’ks ha tenido como invitados de prestigio al reconocido autor sueco John Ajvide Lindqvist –‘Déjame entrar’ (2004), ‘Descansa en paz’ (2005) y ‘Himmelstrand’ (2014)– y la guionista norteamericana Nicole Perlman –responsable de la adaptación de ‘Guardianes de la galaxia’ (2014)–.
Durante la última edición, Taboo’ks organizó –con la colaboración del Servei de Desenvolupament Empresarial (SDE –ICEC)– la mesa redonda From books to movies. Film Festivals as Matchmakers–, que contó con la participación de los principales responsables de los foros de adaptaciones literarias del Festival de Cannes i de la Bienal de Venecia, entre otros.
Taboo’ks se realiza con la colaboración del Institut Català de les Empreses Culturals de la Generalitat de Catalunya (ICEC), el Gremi d’Editors de Catalunya, la Federación de Gremios de Editores de España y el sello Minotauro.
Willem Dafoe y Robert Pattinson nos regalan unas impresionantes actuaciones
En la pasada edición del Festival de Sitges tuvimos la oportunidad de ver por primera vez ‘El Faro’ (crítica aquí), una cinta extraña donde dos marineros a base de grandes diálogos y pedos poco a poco van volviéndose locos. Una maravilla visual que el pasado 8 de mayo salió a la venta en su formato doméstico y hoy os hablamos de esta edición.
Protagonizada por WillemDafoe y RobertPattinson, la película está dirigida por RobertEggers (‘La bruja’). En el Blu-ray encontramos la película, con un menú muy sencillo a base de símbolos simples podemos acceder a distintas escenas, idiomas (Ingés DTS-HD Master Audio 5.1. ; Castellano, Francés y Alemán), subtítulos (Inglés para sordos, Castellano, Árabe, Danés, Holandés, Finés, Francés, Alemán, Hindi, Noruego, Islandés, Portugués y Sueco). Además de tener acceso al Contenido adicional.
Contenido Adicional
Con casi una hora de extras, se nos divide en tres, podemos ver la película con comentarios del director, RobertEggers.
Escenas eliminadas
Barriendo la cocina (04:55 min.)
En la que vemos a RobertPattinson barriendo.
Un joven desnudándose (02:09 min.)
Robert Pattinson vuelve a ser el protagonista de la escena eliminada.
La verdad que no dicen mucho y es material que perfectamente es innecesario y que hubiese alargado mucho más la película.
‘Un cuento oscuro y tormentoso’
El siguiente contenido es bastante interesante. Tenemos tres episodios en los que nos van desentrañando parte de todo el trabajo que hay detrás de las cámaras
El mito tras la locura (18:38 min.)
Aquí conocemos toda la labor de documentación del director, que me parece impresionante. Después de ver este pequeño trozo de extra, conocemos lo metículoso que es Eggers y sabe perfectamente lo que quiere y todo lo que ha aprendido después de dirigir su primera película
En este extra vemos lo contentos que están los dos actores a la hora de poder estar en esta película, a ambos les gustan los grandes retos y sin duda ambos papeles eran grandes regalos.
También vemos la documentación a la hora de vestuario y lenguaje.
Embrujo bajo la luz (15:13 min.)
En este apartado conocemos el secreto del lenguaje fotográfico, de como el director de fotografía JarinBlaschke y el director trabajaron mano a mano para lograr la textura y atmósfera que la película necesitaba.
Productos de la imaginación (4:06 min)
Sin duda ‘El Faro’ es una película muy sensorial, no sería nada sin sus imágenes pero menos aún sin el gran trabajo de sonido y banda sonora que hay detrás. Y aquí podemos averiguar un poquito de cómo llegaron a hacer la maravillas que escuchamos.
Os dejamos la galería de fotografías del Blu-ray a continuación.
El Festival de Sitges (junto con el Marché du Film del Festival de Cannes y el impulsor de la plataforma Blood Window, Bernardo Bergeret) presentarán en la segunda edición del fórum Fantastic 7 una selección internacional de siete proyectos de género fantástico escogidos por siete festivales de todo el planeta. El objetivo de la iniciativa es fomentar el talento del universo fantástico y conseguir el apoyo y el financiamiento para que se puedan producir los proyectos presentados. La cita será los días 24 y 26 de junio y se podrá seguir a través de la plataforma del Marché du Film Online.
El Fantastic 7 nació el año pasado como una iniciativa destinada a buscar oportunidades de comercialización a trabajos de realizadores con proyección. La iniciativa se presentó en el mismo Festival de Cannes. Este 2020, a pesar del contexto sanitario mundial, Fantastic 7 tiene recorrido de nuevo de la mano de Marché du Film Online. El miércoles 24 de junio, por la mañana, se hará la exposición de propuestas y el viernes 26, durante todo el día, se llevará a cabo los speed meetings en un pitch box entre los autores de proyectos y productores interesados.
Los siete festivales de lo que se han seleccionado los filmes son, además del de Sitges, Bucheon International Fantastic Film Festival (Corea del Sur), El Cairo International Film Festival (Egipto), el Festival Internacional de Guadalajara (México), el International Film Festival & Awards de Macao (China), el South by Southwest d’Austin (Estados Unidos) y el Toronto International Film Festival (Canadá).
El proyecto presentado por Sitges es ‘Irati’, una propuesta de dark fantasy en euskera, firmada por Paul Urkijo Alijo (‘Errementari’, ‘El Bosque negro’ o ‘Monsters Do Not Exist’, entre otras). Se trata de un viaje a la batalla de Roncesvalles bajo la estela de Carlomagno. El año pasado, el Festival de Sitges presentó ‘Baby’, de Juanma Bajo Ulloa.
Los otros seis filmes presentados en el fórum son ‘Foreign Cop’ (de Maxim Bessmertny), ‘Huesera’ (Michelle Garza Cervera), ‘I Have To You’ (Tim Kasher), ‘Illicit’ (Minji Kang), ‘Three for Eternity’ (Rami Yasin) y ‘Violation’ (Madeleine Sims-Fewer & Dusty Mancinelli).
En cuanto dos policías excesivamente entusiastas son suspendidos del cuerpo, deben profundizar en el inframundo criminal para obtener una compensación adecuada.
Crítica
Aprobado raspado para estos dos policías con turbios procederes
Puedo dar fe tras haberle conocido en Sitges de que S. Craig Zahler es un buen tipo, que las películas malrolleras y violentas que rueda no parecen estar en sintonía con su simpatía. Su filmografía refleja unas ideas bastante sádicas, parece que le encanta hacérselo pasar mal a sus personajes, tanto física como psicológicamente. ‘Bone Tomahawk’ fue una tortura para el protagonista que además acabó de una manera encarnizada y ‘Brawl in cell block 99’ supuso un gradual y sopesado descenso a los infiernos. Ahora en esta tercera película que dirige nos lleva a un ambiente más setentero, con dos personajes que también las pasan canutas pero que se ocupan de hacérselo pasar mal también a otros.
Mel Gibson y Vince Vaughn (repite con el director) interpretan a dos policías que usan métodos que no son cuestionables, son reprochables. Aunque parten de situaciones personales diferentes tienen en común que van más allá en sus operaciones y llegan a ser hasta racistas. Eso les lleva a perder su puesto y a emprender una búsqueda de la que ellos creen debería ser su compensación.
En este thriller policíaco que para muchos puede ser controvertido Zahler emplea un ritmo algo menos ameno de lo habitual, que ya es decir. Eso si aunque sigue siendo una película muy larga tenemos un poco más de movimiento que en ‘Brawl in cell block 99’, sobre todo porque los protagonistas se pasan mucho tiempo sentados en su coche parloteando. Se aproxima mucho el estilo de Zahler al de Tarantino, con sus diálogos a veces casi evasivos pero bien adornados.
Podría servir el filme como un alegato ultraconservador en busca de polémica, sobre todo teniendo en cuenta la habitual personalidad de Mel Gibson y su afinidad con el Partido Republicano, lo cual tiene en común con Vaughn. Sin embargo también puede verse como una muestra provocativa con sus feos hechos, sus estallidos de violencia y sus incómodos comentarios, teniendo como finalidad generar discusión a través de la hipérbole. Es decir, más allá de una intencionalidad política podemos observar una construcción casi caricaturesca de los personajes.
Además de los dos protagonistas mencionados en el filme hay otros, algunos de los cuales se están convirtiendo en habituales del director: Jennifer Carpenter, Laurie Holden, Tory Kittles, Michael Jai White, Thomas Kretschmann, Udo Kier… Verles a ellos (sin lucirse demasiado) es otro atractivo que nos empuja a seguir viendo la película, aún cuando esta parece que no se está desarrollando en exceso.
Hasta la fecha diría que es la peor película de las tres que ha capitaneado Zahler. Pero no le daría un cate. Hay buena foto, dosis de humor, musicalidad. ‘Dragged Across Concrete’ se aleja de lo que habitualmente se considera una obra laureable pero si uno le echa paciencia a su duración poco comercial la puede disfrutar.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de mayo de 2020. Título original: Dragged Across Concrete. Duración: 159 min. País: EE.UU. Dirección: S. Craig Zahler. Guion: S. Craig Zahler Música: Jeff Herriott, S. Craig Zahler. Fotografía: Benji Bakshi. Reparto principal: Mel Gibson, Vince Vaughn, Tory Kittles, Jennifer Carpenter, Don Johnson, Udo Kier, Fred Melamed, Justine Warrington, Michael Jai White. Producción: Unified Pictures, Assemble Media, Cinestate, Endeavor Content, Ingenious Media, Look into Sky Films, Metrol Technology, Moot Point, Realmbuilders Productions, Summit Entertainment, thefyzz. Distribución: Filmin. Género: thriller, policíaco, drama. Web oficial:https://www.thefyzz.com/project/dragged-across-concrete
La película ‘Vaya luna de miel’ es uno de los tesoros perdidos del director Jess Franco (1930 – 2013), recuperado hace dos años y proyectado en la última edición del Festival de Sitges dentro de la sección Seven Chances. La película ‘Vaya luna de miel’ (1980) nunca se llegó a estrenar en su tiempo y durante cerca de 40 años estaba desaparecida, aunque forma parte de la cinematografía del prolífico realizador del cine de terror. ‘Vaya luna de miel’ no se estreno en salas ni tampoco no se hizo ninguna otra comercialización posterior.
Hace dos años aparecieron en el Centro de Conservación y Restauración de Cinematografía de la Filmoteca Española los negativos de imagen y el sonido del montaje del film. La Filmoteca los digitalizó y permitió la recuperación de la película perdida de Jess Franco.
Vaya luna de miel es una adaptación de ‘El escarabajo de oro’ (1843), un cuento de Edgar Allan Poe al “estilo comedia moderna”, según la definió el mismo Franco. El reparto cuenta con Lina Romay, EmilioÁlvarez y AntonioMayans, entre otros.
El Festival de Sitges proyectó en su última edición ‘Vaya luna de miel’ después de la recuperación de la Filmoteca Española y una anterior sesión. El Sitges – Cuaderno de Bitácora ofrece ahora la posibilidad de ver el film en abierto, gracias a un acuerdo con la misma Filmoteca Española. El Cuaderno de Bitácora es la nueva propuesta del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya para ofrecer contenidos de cine fantástico y del mismo universo del festival.
Tras tres semanas de sorteo e intenso seguimiento tenemos destino para nuestro pack de regalos por nuestro cuarto aniversario. Alguien podrá colocar a Varys en su estantería, verse la secuela de ‘Zombieland’ y ver como se ha remozado La familia Addams. Todo ello incluido en una de nuestras mochilas.
Un padre trastornado encierra a su hija de 7 años en una casa, advirtiéndola de los peligros que hay fuera. Pero el misterioso Sr. Snowcone la convence para que se escape y se una a él en una búsqueda profunda de lazos familiares, libertad y venganza.
Crítica
No es original pero sí que juega bien sus cartas
En Sitges de 2018 pudimos ver esta cinta, que no cuenta nada nuevo, pero lo hace de una manera bastante buena. Dirigida por ZachLipovsky (productor de ‘Afflicted’ otra película que me dejó impresionada) y AdamB. Stein, juntos también han rodado ‘KimPossible’, llega Freaks’ que nos da una historia de amor paternal, donde lo único que quiere un padre en su vida es proteger a su hija del mundo en el que les ha tocado vivir.
La verdad que no quiero contar demasiado de la trama, pues como he dicho, es bastante repetitiva, pero quizás si la sabéis os tire para atrás su visionado y merece tanto la pena, que mejor dejaros un poco con la incógnita.
Os puedo contar que la película está maravillosamente rodada, es rápida y la tensión te lleva a pasarlo realmente mal por la niña y ese padre interpretado por EmileHirsch, desquiciado y paranoico que nos da una maravillosa actuación. El actor de ‘La autopsia de Jane Doe‘ hace que en más de una ocasión le odies y en otras le entiendas perfectamente. La niña también merece unas palabras, Lexy Kolker tiene una naturalidad y fuerza a la hora de interpretar a Chloe que es terrorífica. La joven está cansada de tener que esconderse de ese mundo que tanto le llama la atención así que decide desobedecer a su padre y marcharse. Es aquí cuando es atrapada por el camión de los helados.
La verdad que la escena con el camión de los helados es bastante tétrica, BruceDern, nos muestra a un hombre bastante inquietante, que si la niña conociese más el mundo real, no se subiría a ese camión.
En el reparto también encontramos a Amanda Crew y a Grace Park, ambas con un papel muy importante para las decisiones que toma Chloe a lo largo de la cinta.
Es una película bastante sombría, el mundo en el que el padre ha hecho vivir a la niña es oscuro, claustrofóbico, una casa con las cortinas siempre cerradas, para que entre luz, pero que no se vea lo que hay dentro. Pero no solo son estas sombras con las que tiene que convivir Chloe, sino también con todos los malos recuerdos de su padre. Mientras que en el exterior es todo luz y lleno de color.
Como he dicho, aunque la historia principal flojea por su poca originalidad, sí que es cierto que la acción y sus actores hacen que todo eso se olvide y entres desde el minuto uno en ‘Freaks’.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 marzo 2020. Título original: Freaks. Duración: 104 min. País: Canadá. Dirección: Zach Lipovsky, Adam B. Stein. Guión: Zach Lipovsky y Adam B. Stein. Música: Tim Wynn. Fotografía: Stirling Bancroft. Reparto principal: Bruce Dern, Lexy Kolker, Emile Hirsch, Ava Telek, Michelle Harrison, Matty Finochio, Grace Park. Producción: Amazing, Bloomgarden Films, My Way Entertainment. Distribución: Movistar +. Género: Ciencia Ficción. Web oficial: Freaks en Movistar+
Sitges Countdown empieza con ‘La bruja del fósforo paseante’
Bajo el eslogan «Por una cuarentena más corta» el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha iniciado la campaña Sitges Countdown, una cuenta atrás hasta que llegue la cita con los fans, el próximo mes de octubre, pero también un día menos en la crisis del Covid-19 y de las medidas de confinamiento. En esta línea, el Festival de Sitges –con la colaboración de Moritz- presenta cada día en abierto un corto de género, firmado por directores que han participado en el Festival. Cada pieza está presentada por su director en un vídeo dirigido a los fans del Festival.
La propuesta ha comenzado con el corto ‘La bruja del fósforo paseante’, de la mejicana Sofía Carrillo. Se trata de una historia sobre Agustina, que en la vigilia de la boda de su único hijo barón intentará parar la ceremonia, sin contar que Emilia, la promesa huérfana de su hijo, aún tiene quien la defienda. Las piezas estarán disponibles en el canal de Youtube del Festival.
Sitges Countdown es la primera acción de la cuenta atrás del Festival de Sitges, que celebrará su 53 edición entre el y el 18 de octubre.
Una joven pareja se plantea la compra de su primer hogar. Para ello visitan una inmobiliaria donde los recibe un extraño agente de ventas, que les acompaña a una nueva, misteriosa y peculiar urbanización para mostrarles una vivienda unifamiliar. Allí quedan atrapados en una laberíntica pesadilla surrealista.
Crítica
El terror de quedarte solo… con Jesse Eisenberg
En ‘Vivarium’ tenemos a una pareja joven (Imogen Poots y Jesse Eisenberg) que buscan la casa de su vida. Tras entrar en una peculiar inmobiliaria con un agente aún más excéntrico son llevados a una urbanización que parece una construcción gigante de un Monopoly (en la que por supuesto no hay cobertura). Una vez allí comienzan a experimentar extraños sucesos, al margen de que les es imposible encontrar la salida y siempre acaban regresando a la misma vivienda.
Lorcan Finnegan pone a prueba la fuerza de voluntad de los protagonistas, forzados a hacer cosas que no quieren (por algo que no voy a destripar). Pero con solo hora y media de película también consigue que este sea un ejercicio de fuerza de voluntad para los espectadores, para que eviten salir de la sala o quedarse dormidos. ‘Vivarium’ quiere funcionar como un retorcido cuento de ciencia ficción con tintes de terror pero se queda en una imitación de lo más aburrida de un episodio de ‘The twilight zone’.
Aunque la premisa es buena desde los mismos créditos ya nos han adelantado de qué va todo esto y cómo puede terminar. A si es que solo quedaría esperar que hubiese giros interesantes. Pero para nada, todo es monótono y repetitivo. Lo único maquiavélicamente divertido es una figura que se incorpora a la historia, que por si vais a tener ganas de verla no quiero desvelar.
Visualmente ‘Vivarium’ te vende bien la moto. Como un buen agente inmobiliario Finnegan ha conseguido que su película luzca plásticamente bonita gracias al diseño de producción. Pero también al más puro estilo agente inmobiliario nos esconde trampas. No solo las trampas que reserva este vecindario a los protagonistas, me refiero a que las lentejuelas brillan demasiado. Mucho oropel tapando una trama que no intriga y un actor de capa caída como Jesse Eisenberg. El neoyorkino continúa llevando a los personajes a su terreno de tal manera que parece que siempre es la misma persona en una y otra película. Que le pase eso a un Bruce Willis o a un Nicolas Cage podría entenderlo, pero a él que tiene aún mucho por explorar… De Eisenberg me lo esperaba pero quien me decepciona realmente es Poots, que se pasa el filme llevando cada escena a un extremo que no corresponde. El problema es que la película no tiene otros puntos a los que agarrarse que sus dos únicos actores principales y eso acentúa su pesadez.
No volvería a ver esta película, ni por su soporífera manera de llevar la sátira que quiere transmitir ni por aguantar de nuevo y tan en exclusiva los espavientos interpretativos de Jesse Eisenberg.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de abril de 2020. Título original: Vivarium. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Lorcan Finnegan. Guion: Garret Shanley. Música: Kristian Eidnes Andersen. Fotografía: Miguel De Olaso. Reparto principal: Imogen Poots, Jesse Eisenberg, Jonathan Aris, Senan Jennings, Eanna Hardwicke, Danielle Ryan. Producción: Lovely Productions, Fantastic Films, Frakas Productions, PingPongFilms, XYZ Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: ciencia ficción, thriller. Web oficial:http://xyzfilms.com/films/vivarium/
Nuevo aniversario nuevo regalo para uno de nuestros lectores
Cuatro años han pasado desde que fuimos padres dando a luz a esta web. Hemos vivido juntos festivales, estrenos, convenciones, maratones de series… Moviementarios quiere celebrar con todos vosotros este cuarto aniversario como hace siempre, regalando cine y objetos relacionados con las ficciones que os gustan.
En nuestro cuarto cumpleaños sorteamos lo siguiente:
Un Blu-ray de ‘Zombieland: mata y remata’ (análisis aquí).
Un Funko Pop! de Varys, uno de los personajes más queridos de ‘Juego de Tronos’
Un Blu-ray de la nueva versión de ‘La familia Addams’ (análisis aquí)
Una mochila de Moviementarios
Si queréis optar a ganar el premio podéis hacerlo…
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Debemos agradecer a Universal Pictures y a Sony Pictures el material cedido para realizar este sorteo.
Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 9 de abril a las 23:59h. Puedes participar en todas las fotos del sorteo que publiquemos. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 10 de abril de 2020. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter, Youtube o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. El envío solo se realizará dentro del territorio español. ¡Mucha suerte a tod@s!
La vida de dos paramédicos en Nueva Orleans se desgarra después de una serie de muertes horribles causadas por una nueva droga de diseño.
Crítica
La película más mediática de dos cronomaestros
Anthony Mackie y Jamie Dornan son los dos protagonistas de ‘Synchronic’. El actor conocidísimo por el papel de Falcon en la saga Vengadores y el Grey de Cincuenta Sombras juntos a las órdenes de dos artistas que se están granjeando el título de culto entre los amantes de las películas de viajes en el tiempo. Justin Benson y Aaron Moorhead son muy queridos en los círculos del cine fantástico, he de reconocer que por mi también (así se lo hice saber en el último Festival de Sitges), ya que han desarrollado una serie de películas que conforman su propio universo. Filmes que son muy coherentes entre sí y que manejan muy bien las paradojas espacio temporales, siendo además muy novedosas.
Tras filmes como ‘Resolution’ o ‘El infinito’ en las que ellos mismos tenían papeles en pantalla han sacado ‘Synchronic’. Una película en la que se mantienen tras las cámaras y que aunque se mantiene argumentalmente separada fuera sus otras películas podría incluirse dentro de todo este universo. Es decir, se puede ver ‘Synchronic’ sin haber visto sus otras películas pero es un título que da una buena dosis a sus fans. Para estos dos artistas es un salto cuantitativo pues cuentan con dos actores de renombre pero la película también es cierto que se ha tornado en algo menos compleja, aunque con esto no quiero decir que sea simplona.
Como en otras ocasiones vuelven a tocar el tema de la amistad y el ámbito de los viajes en el tiempo en función de la ubicación en una ubicación tridimensional. Pero esta película es más familiar y al contrario que sus otras entregas no se mueve entre alcohol o sectas, se las tiene que ver con las drogas. Trata de una ciudad atacada por una nueva droga de diseño capaz de transportarte a otra época. Dos paramédicos (Mackie y Dornan) se topan con ella y deben recuperar a alguien. Para ello uno de los dos tiene que experimentar y precisamente eso es lo que se le da bien a los dos directores de la película, ensayar con el género.
No solo del Falcon de Marvel vive Anthony Mackie, desde luego esos proyectos habrán hecho que se forre, pero este tipo de películas son las que le harán sentirse lleno de verdad. Acabamos de verle en ‘Altered Carbon’ y seguro que poco a poco se va a ir saliendo a otros proyectos, seguramente relacionados con ciencia ficción de este tipo si realmente le gusta el género. Él es el protagonista auténtico de la cinta y Dornan está más en segundo plano. A Mackie se le ve cómodo dentro de este tipo de ficción independiente bastante sesuda.
Ambos dirigen y si Benson se encarga de hacer que la historia engrane bien, Moorhead se ocupa con su fotografía de que no haya nada desencajado y que visualmente todo sea atractivo y cinematográficamente de calidad. Tras haber visto a esta dupla de artistas en tantas películas ya no me les imagino trabajando por separado pues su maquinaria funciona muy bien.
Sus detalles dramáticos van de inicio a desenlace. Al final distinguimos que nos dejan otro detalle en el que vemos como siempre exploran todos los caminos para dejarnos una buena sorpresa. Fijaos hasta en los pedruscos.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de octubre de 2020 (Festival de Sitges). Título original: Synchronic. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Justin Benson, Aaron Moorhead. Guion: Justin Benson. Música: Jimmy LaValle. Fotografía: Aaron Moorhead. Reparto principal: Anthony Mackie, Jamie Dornan, Katie Aselton, Ally Ioannides, Bill Oberst Jr., Martin Bats Bradford, Shane Brady, Devyn A. Tyler, Aaron Groben. Producción: Pfaff & Pfaff Productions, Love & Death Productions (LDP), Patriot Pictures, Rustic Films. Distribución: Vértice Cine. Género: ciencia ficción, aventuras, drama. Web oficial:https://www.loveanddeathfilms.com/synchronic
La nueva versión de ‘La familia Addams’ (crítica aquí) se estrenó el pasado 25 de octubre. Una precuela que nos mostraba los primeros pasos de la lúgubre familia en su famosa casa a través de los códigos de la animación y servía de historia previa a las célebres películas de acción real. Desde día 19 de febrero se puede adquirir esta nueva versión mucho más infantil en formato DVD y Blu-ray.
En nuestras manos está una copia en Blu-ray de esta cinta animada que ha cogido la estética de los cómics de Charles Addams. Una nueva visión que también ha dado una nueva vistosidad a la historia y la ha acercado a los códigos demandados por los niños de ahora, algo que para los fans de las películas de Barry Sonnenfeld lanzadas en los noventa no ha gustado excesivamente.
Esta nueva película producida por Metro-Goldwyn-Mayer y dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon (‘Shrek’, ‘La fiesta de las salchichas’) fue presentada en el pasado Festival de Sitges y ha tardado poco en poder colocarse en nuestras estanterías. La casa de los Addams ya está en nuestra casa, valga la redundancia. Envuelta en la clásica caja azul de los Blu-ray con el mismo cartel español en la portada, aquel que ilustraba a la familia al completo con Morticia Addams en el centro.
Técnicamente podemos indicaros que los audios están en inglés DTS-HD Master Audio 7.1; castellano, francés DTS-HD High Resolution Audio 7.1; holandés, flamenco DTS Digital Surround 5.1. Viene con subtítulos en inglés para sordos, castellano, holandés, francés. El audio del contenido original está en inglés Dolby Digital 2.0. Y los subtítulos del contenido original se han incluido en inglés, castellano, holandés, francés. La película puede verse en alta definición en pantalla ancha (1.85:1).
El menú del disco viene precedido, como no podría ser de otra manera, por el logo de la Universal. Tras seleccionar idioma una foto de familia preside el menú que se basa en iconos, no tiene textos, por lo que para un niño puede resultar algo confuso moverse por los símbolos que para nosotros representan los subtítulos, escenas, idiomas…
Extras (24 min. aprox.)
Escenas eliminadas y extendidas (6:14 min.)
Cuatro escenas (‘Juana de arco’, ‘El inspector de educación’, ‘El rito de iniciación de Pugsley’ y ‘La cafetería de assimilation’) que aportan más material del visto en el corte final de la película. Algunas de las escenas están sin texturas, sin sus luces y sombras, es decir sin terminar, con los gráficos básicos del principio de la producción y otras están presentadas en formato storyboard. Todas ellas están dobladas en inglés y solo una de ellas si está rematada con la animación terminada.
Juega a las adivinanzas con cosa (3:32 min.)
Cosa, la fiel mano de la familia, juega a la mímica con nosotros, al juego de las palabras. Debemos adivinar la frase que intenta decirnos entre las tres opciones que nos dan a elegir. Tres fases de diferente temática y a contrarreloj. Está en inglés con subtítulos en castellano.
Vida de una escena (3:22 min.)
Curioso capítulo, sobre todo para que los más pequeños o poco versados en la animación conozcan como se genera una película de dibujos. Desde los storyboards hasta los detalles del 3D final, todo el proceso minuciosamente explicado entorno a la misma escena, aquella en la que la casa intenta decapitar a Morticia y esta le da su café matutino para aplacar su genio.
Bienvenido a la familia (6:03 min.)
Los directores Greg Tiernan y Conrad Vernon, la productora Alison O’Brien así como actores que han prestado voz a los personajes como Oscar Isaac, Charlize Theron, Chloë Grace Moretz, Finn Wolfhard… desglosan uno a uno a cada miembro de la familia, comentando su personalidad y la relación entre ellos. Incluida la casa.
Retrospectiva de la familia Addams (1:05 min.)
Pequeñísimo apartado dedicado a hablar del origen de la tenebrosa familia que tanto nos hizo reír en su día. Se habla del origen en los años 30 con los cómics y se enseñan algunas de las viñetas que se han calcado. Excesivamente escueto.
«Haunted heart» vídeo con letra (2:50 min.)
Videoclip animado de la canción que canta Christina Aguilera. Podemos ver a la cantante en el estudio de grabación. La letra de la canción rodea a los protagonistas para que la podamos aprender y cantar.
«My family» vídeo con letra (1:05 min.)
Al igual que la anterior, a modo de karaoke y entremezclada con el entorno, aparece la letra de la canción. Esta vez son Migos, Karol G, Snoop Dog… quienes realizaron esta versión más rapera.
Tras entrar en la universidad, la joven Hinako se muda a una ciudad costera. Le encanta surfear y cuando cabalga las olas no tiene miedo de nada, aunque aún se siente insegura acerca de su futuro. Un día, un incendio siembra el caos en la ciudad y la joven surfista conoce a un bombero llamado Minato. Conforme surfean y pasan tiempo juntos, Hinako se siente atraída por el joven, que vive entregado a ayudar a los demás. Por desgracia, una inesperada tragedia arrebata la vida a Minato dejando a la muchacha completamente devastada. Incapaz incluso de mirar a su querido mar, un día, Hinako canta la canción de ambos y Minato se le aparece en forma de agua. Hinako está feliz de volver a tenerlo a su lado, pero, ¿podrán permanecer así juntos para siempre?
Crítica
Pasteleo, más tragedia, más pasteleo fantástico
Desde Japón nos están llegando últimamente muchos largometrajes de animación y reitero como dije hace poco con la crítica de ‘Los niños del mar’, muchas historias con un toque fantástico, poético y mucho potencial a la hora de mezclar la animación tradicional con las técnicas digitales. En el caso de ‘El amor está en el agua’ tenemos entre manos a la ganadora a mejor película de animación de la última edición del festival de Sitges. Yo no tengo dudas de que habría elegido otros títulos para ese reconocimiento, tanto por el guión como por su calidad visual. Pero de lo que no cabe duda es que es todo un acierto estrenarla en estas fechas, en San Valentín.
La historia de ‘El amor está en el agua’ habla de dos personajes muy relacionados con el H2O, nos habla de una joven surfera que es rescatada por un bombero. Entre ambos surge una historia de amor que es sesgada por una tragedia pero posteriormente suavizada por un giro bastante fantasioso. Se establece un enlace eterno entre ambos enamorados que se mantiene por una canción que ambos cantan juntos y por algo más que se desvela como giro final.
Esta es una película con bastante pasteleo y triángulo amoroso incluido. Si te gustan las historias tipo dorama estarás encantado con esta propuesta ya que es un romance muy desenfadado. Pero aún así acabas bastante harto de oír una y otra vez la canción que cantan los protagonistas. Si no eres capaz de soportar moñadas del tipo «tenemos fundas de móvil que se complementan» no es tu filme. La guionista Reijo Yoshida estuvo más comedida en su adaptación del manga romántico ‘A silent voice’. En este caso emplea las olas del mar como una metáfora, como un símil que nos habla de pasar página. También ejemplifica el cómo los japoneses llevan al extremo las heroicidades y el agradecimiento. Si el filme hubiese explotado más el toque chiflado de su protagonista y no tanto su amorío empalagoso estaríamos ante una película más simpática y llevadera.
El director Masaaki Yuasa creó su propio estudio de animación y ya ha tenido buenos éxitos como el de ‘Lu over the wall’, donde también hay una historia muy relacionada con el agua. Su estilo es muy sencillo, conserva bastante relación con la estética tradicional japonesa aunque sabe buscar nuevos ángulos y enfoques que explotan las posibilidades de la animación digital. No obstante la animación de sus películas no va por los derroteros de lo espectacular sino más bien por conseguir bastante dinamismo en sus escenas y en los movimientos de cámara ya que sus personajes suelen ser algo locuelos.
Me gustaría remarcar la fijación por el agua y los fuegos artificiales en casi todas las películas japonesas que nos están llegando a las carteleras. Es como si estuviesen compitiendo por ver quién recrea mejor este tipo de elementos y artificios. Tanto en ese aspecto como en otros muchos no creo que ‘El amor está en el agua’ sea de lo mejor que nos ha llegado desde el país nipón últimamente, pero no obstante si uno busca romance tiene una buena película.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de febrero de 2020. Título original: Kimi to, Nami ni Noretara. Duración: 94 min. País: Japón. Dirección: Masaaki Yuasa. Guion: Reiko Yoshida. Música: Michiru Ohshima. Fotografía: Toru Fukushi. Reparto principal (doblaje original): Rina Kawaei, Rôta Katayose, Honoka Matsumoto, Kentarô Itô. Producción: Science SARU, Fuji TV, KDDI Corporation, Lawson Entertainment , Shogakukan-Shueisha Productions, Toho. Distribución: SelectaVisión. Género: animación, romance, fantástico. Web oficial:https://kimi-nami.com/
Tokyo, 2036. La medicina ha conquistado la muerte, pero el mundo lejos de ser idílico se debate entre la restauración de la civilización o su destrucción. La nueva película de Fuminori Kizaki es una adaptación de la novela Indigno de ser humano de Osamu Dazai.
Crítica
Cyberpunk resistivo
Una de las propuestas más interesantes, en cuanto a animación se refiere, del pasado Festival de Sitges. A partir de la novela de Osamu Dazai y de la mano de Polygon Pictures (‘Godzilla: el planeta de los monstruos’) nos llega esta película ambientada en el futuro de la capital japonesa. En ella transcurre la acción mientras el mundo está a punto de ser destruido. No obstante ha surgido una tecnología capaz de revivir a las personas, incluso de manera remota. Pero esta capacidad solo está al alcance de las élites. ¿Hemos dejado de ser humanos al evitar la muerte? ¿Qué clase de desigualdad social hemos creado?
Los japoneses tienen una comprensión tanto de la ciencia como de la conciencia humana que solo ellos saben entremezclar. Es por eso que sus historias tienen siempre un componente potente de filosofía y por supuesto de tecnología. Ahí radica la esencia de una buena historia cyberpunk y ‘Human lost’ funciona estupendamente como tal durante buena parte de su metraje y resiste a duras penas hasta su final, manifestándose como una nueva película de ciencia ficción a reivindicar.
En muchas ocasiones, como pasa con algunas entregas de ‘Ghost in the shell’, o bien los tecnicismos o bien la incesante necesidad de filosofar hacen que una película de estas características se hagan casi incomprensibles o tediosas. En el caso de ‘Human lost’ no encontramos esa falla. Es un filme que sabe dosificarse bien en sus diferenciables fases y adereza todo con mucha acción.
Tiene alguna reminiscencia de ‘Akira’. Es muy difícil no remontarse a la obra de KatsuhiroOtomo estando en 2020 y tratándose de una obra cyberpunk venida de Japón. No me refiero solo a los dos amigos en una banda de moteros o a las persecuciones, el hecho de tener humanos perdiéndose como tal en cuerpo y mente por culpa de nuestra ciencia me remonta al famoso manga. Se percibe bastante megalomanía en esta película, tanto en sus pretensiones como en su puesta en escena. Visualmente es apabullante, argumentalmente es donde no alcanza las cotas de excelencia. En sus instantes finales peca de no estar un poco más circunscrita a su tema central y desviarse con la espectacularidad que ofrece la ciencia ficción más desatada.
Animación potente, recargada y detallista. Es anime, no es animación 3D (aunque tiene bastante), no busca parecido calcado a la realidad pero si es de ese tipo de dibujos que consigue una iluminación o una escenografía impresionantes. Las localizaciones futuristas de ‘Human lost’ se unen al gran conjunto de distopias tecnológicas que los japoneses han ideado tan meticulosamente y a veces con tanto acierto. La estética y dinamismo de sus personajes es muy similar al de las últimas versiones de ‘Ghost in the shell’.
Podría decirse que hay conceptos entremezclados con ‘Ghost in the shell’, ‘Altered carbon’ y ‘Akira’. Pero no olvidemos que la novela que le dio mucha notoriedad a Osamu Dazai en Japón salió mucho antes. De todos esos monstruos de la ciencia ficción siempre nos quedan sus exploraciones de lo que está por venir y de nuestra propia psique. De ‘Human lost’ probablemente perdure más el espectáculo visual de algunas de sus escenas.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de junio de 2020. Título original: Human lost. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Fuminori Kizaki. Guion: Tow Ubukata. Reparto principal (doblaje original): Mamoru Miyano, Kana Hanazawa, Takahiro Sakurai, Jun Fukuyama, Kenchirou Matsuda. Producción: Polygon Pictures. Distribución: SelectaVisión. Género: animación, ciencia ficción. Web oficial:https://human-lost.jp/
Un desgraciado accidente deja tetrapléjica a Elena. A pesar de todo, ella quiere cumplir su deseo de vivir sola en una masía en el campo. Allí solo tiene a Athos, un perro especialmente adiestrado para ayudarla. Pero el que debería ser su mejor amigo, ha contraído una extraña enfermedad y se ha convertido en su peor enemigo. Este es el argumento de ‘Cuerdas’, una película protagonizada por Paula del Río (‘El desconocido’, ‘La sombra de la ley’) y Miguel Ángel Jenner (actor en series de TV como ‘Isabel’ o ‘El Príncipe’).
El director de la cinta es José Luis Montesinos, ganador del Goya, el Gaudí y el Premio José María Forqué por su cortometraje ‘El corredor’. Esta es una producción de Bastian Films, Gaia Audiovisuals y Súbete al tren AIE en coproducción con Numintec que cuenta con la colaboración de ICAA, IVC y la participación de TV3 y À Punt. Será distribuida en España por Begin Again Films y se podrá ver también en Estados Unidos de la mano de Strand Releasing y en Japón de la mano de King Records.
Robert Eggers, el visionario cineasta tras la obra maestra moderna del cine de terror La bruja, nos trae la hipnótica y espectral historia de dos fareros en una remota y misteriosa isla de Nueva Inglaterra a finales del siglo XIX
Crítica
Hipnótica, extraña y muy bien rodada, Robert Eggers nos regala una maravilla visual
Extraña, rodada en blanco y negro y con un formato en 1.19:1, así es la nueva cinta de RobertEggers, ‘El Faro’.
Después de sorprendernos con ‘La Bruja’, Eggers se mete de lleno en una historia a la que lleva dándole vueltas muchos años. Dos fareros quedan atrapados en la isla donde son los encargados de cuidar el Faro por culpa de una tormenta.
Desquiciados, incómodos, dos personas completamente diferentes, son obligadas a aguantarse durante más tiempo del estipulado, algo que minará la mente de ambos.
La soledad, la locura y la superstición son los grandes protagonistas de esta cinta. Pero no solo esto, si no las luces y sombras que nos da El Faro, esa luz tan hipnótica y bella como peligrosa.
Gracias a los actores todo este desequilibrio emocional y locura que vamos viendo es posible. RobertPattinson está perfecto. Su desesperación, incomodidad y locura van evolucionando a lo largo de la cinta, dejándonos ver lo gran actor que es cuando le dan una gran oportunidad.
Qué decir de WillemDafoe, tiene un monólogo en la película, que fue aplaudido en Sitges, un festival en el que se suele aplaudir cuando la sangre brota de cualquier cuerpo. Da verdadero pavor verle en escena, nunca sabes por dónde va a salir su personaje. Obsesionado con la luz del faro, veremos su lado más fiero cuando su compañero se quiere acercar a este edificio.
La complicidad entre ambos es estupenda, ese amor-odio que se procesan lo muestran desde el primer minuto. Se deja ver un trabajo de lectura de guión previo muy esmerado.
Tengo que decir, que después de ver ‘La bruja’ Eggers ha demostrado que es un gran director de actores, pero no solo eso, sino que también se rodea de los mejores a la hora de crear toda la ambientación que quiere mostrar en sus filmes.
MarkKorven es el encargado de dar la música, el compositor de su primera película, también es el creador de la banda sonora de ‘Cube’ y sin duda en esta cinta logra meternos bastante en tensión gracias a los sonidos chirriantes y estridentes que podemos escuchar durante toda la cinta.
Mientras que el gran trabajo de JarinBlaschke como director de fotografía, nos deja sin duda unos de los mejores trabajos que veremos este año. Me parece impresionante como ha logrado hacer que parezca que estemos viendo una cinta de cine mudo, sin serlo, por supuesto. La estética, los primeros planos tan terroríficos, los juegos de luces y sombras, me parece sin duda de lo mejor de la película, una verdadera maravilla.
No puedo dejar de dar elogios a esta cinta, me ha gustado, es extraña pero como he dicho, engancha desde el principio dándonos uno de los mejores relatos de fareros que podamos ver en mucho tiempo.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero 2020. Título original: The Lighthouse. Duración: 110 min. País: Estados Unidos. Dirección: Robert Eggers. Guión: Robert Eggers, Max Eggers. Música: Mark Korven. Fotografía: Jarin Blaschke. Reparto principal: Willem Dafoe, Robert Pattinson. Producción: New Regency Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Drama, fantástico.Web oficial:https://www.universalpictures.es/micro/el-faro
Helga Pato acaba de internar a su marido en un psiquiátrico. En el tren de vuelta, un desconocido se le presenta como Ángel Sanagustín, psiquiatra que trabaja investigando trastornos de personalidad a través de los escritos de los pacientes. Le cuenta entonces la historia de un enfermo paranoico extremadamente peligroso obsesionado, entre otras cosas, con la basura. Un delirio sórdido pero fascinante, repleto de obsesión, perversión, sarcasmo, diversión, demencia y sofisticación que son, en definitiva, algunas de las ventajas de viajar en tren.
Crítica
Delirante, profunda y muy bien construida
Aritz Moreno ha adaptado en su primer largometraje lo que debe ser una locura de novela realizada por Antonio Orejudo Utrilla. Locura por lo que sucede en ella y por el puzle que compone, por la prospección que hace de la psique humana. Y para llevar a cabo este estrambótico proyecto ha contado con Javier Gullón, guionista de películas como ‘Una historia de venganza’, ‘La cueva’ o el cortometraje ‘Graffiti’, que al igual que esta película os recomiendo mucho que veáis.
‘Ventajas de viajar en tren’ es una cinta que nos descoloca en varios sentidos. Nos hace reír con situaciones absurdas pero también nos pone un nudo en el estómago con sus cruentas historias. Es un relato delirante, interconectado entre muchos personajes, tiempos y lugares que no se hace confuso y que nos sumerge en una locura similar a la que sufren sus personajes. Su meta no es solo hacernos reír, si no también explorar los desvaríos de las personas, su discurso es de tremenda actualidad.
Cuando rememoro lo que he visto en ‘Ventajas de viajar en tren’ a la mente se me vienen maestros del humor descacharrante como Jose Luis Cuerda, Francisco Ibáñez o Javier Fesser. Este relato da rienda suelta a lo disparatado pero siempre podemos leer de fondo un mensaje la mar de cabal. También su colorido pero sombrío diseño de producción me recuerda a los autores citados, otorgando al filme un sabor tristemente simpático.
¿Os gusta ‘Aterriza como puedas’? La película de Aritz Moreno me recuerda a esas escenas en las que el protagonista interpretado por Robert Hays daba la chapa a los pasajeros del avión. En este caso el tren, interpreto, sirve como metáfora de la sala de un manicomio donde un loco habla a otros locos y entre todos construyen esta pasarela de desvaríos.
Me ha encantado la vis cómica que demuestra aquí Luis Tosar saliéndose de sus habituales roles y demostrando que es delirantemente bueno. En la comedia hemos visto más a ErnestoAlterio y en este caso con múltiples facetas se convierte en una pieza indispensable. Pilar Castro quizá es la que menos comedia aporte pero hay que destacarla por lo bien que se ha movido en su trama desconcertante. Y hay que citar también al graciosísimo JavierBotet al que por tercera vez en menos de un año le veo actuar a cara descubierta y tumbado en una cama, como es el caso de ‘Amigo’ y ‘Justo antes de Cristo’.
Con el chacachá del tren nos invitan a explorar un cine del que se puede decir que no solo es raro, si no también agradecidamente diferente. ‘Ventajas de viajar en tren’ es un gustazo de película, de esas en las que se ve que han disfrutado los actores y lo hacen también los espectadores. Así pudimos comprobarlo en su proyección en el Festival de Sitges donde dio que hablar y todo el mundo salía repitiendo sus gags. No hay mejor síntoma para detectar el éxito de una película.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de noviembre. Título original: Ventajas de viajar en tren. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Aritz Moreno. Guion: Javier Gullón. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Javier Agirre. Reparto principal: Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta, Javier Botet, Macarena García, Ramón Barea. Producción: Morena Films, Logical Pictures, Consejería del Gobierno Vasco, Euskal Irrati Telebista, ICAA, Movistar+, Señor & señora. Distribución: Filmax. Género: comedia, drama, adaptación. Web oficial:http://www.filmax.com/peliculas/ventajas-de-viajar-en-tren.106
Nos juntamos con Holocausto Zinéfago para compartir lo mejor y peor de Sitges y Nocturna
El fantástico nos vuelve a unir para contar lo que más, y lo que menos, nos ha gustado de festivales como Sitges y Nocturna. Las ediciones de 2019 han venido muy cargadas de títulos tanto nacionales como internacionales y os damos las guías para reconocer qué próximos estrenos de género de terror, ciencia ficción, fantasía… os pueden interesar más para esta temporada. Además hablamos de nuestras anécdotas con los invitados más destacados y realizamos un sorteo de un DVD firmado por Alex Proyas.
Convertido en fugitivo, Jesse Pinkman intenta escapar de su pasado. Escrita y dirigida por Vince Gilligan, creador de «Breaking Bad», y protagonizada por Aaron Paul.
Crítica
La película post-créditos de una de las mejores series de la historia
En primer lugar he de decir que no recomiendo ver ‘El camino’ si no has visto previamente ‘Breaking Bad’ o si no tienes fresco su final. Esta es una película que funciona como píldora balsámica para los espectadores de la serie que tuvieron un magnífico cierre pero que se quedaron con ganas de saber qué podría pasar tras sus instantes finales. De ahí que la califique como la «película post-créditos» de una de las mejores series de la historia.
El nuevo filme de Vince Gilligan protagonizado por Aaron Paul funciona muy bien de manera independiente, aunque no perciba en ella una gran fotografía ni una banda sonora destacable. Tiene suspense, la historia se puede entender bien, tiene un buen cierre, gran reparto… Pero para que un espectador le dé una nota alta ha de saber reconocer los puntos y personajes a los que alude o hace referencia. Es un epílogo que aporta algo más de información sobre uno de los dos personajes protagonistas, en concreto Jesse Pinkman. También rescata con flashbacks a personajes de las cinco temporadas (no diré cuales) de modo que se pueda dar contexto a los lugares que a va a visitar Jesse tras su liberación. Con todo esto podemos asegurar que nuestro sentimiento de nostalgia, aunque la serie acabase en 2013, surge constantemente.
La interpretación de Aaron Paul viene a demostrar por qué la serie funcionó tan bien y por qué debería recibir mejores papeles. Ha recuperado perfectamente el racord emocional de su personaje. Nos vuelve a llevar de la desesperación a la rabia, conservando la capacidad de hacernos sonreír con un joven de bastante alocado que además ha sufrido un grandísimo trauma, convirtiéndole en un osado fugitivo. Aunque ya no cuenta con el respaldo de Heisenberg (Bryan Cranston) vemos gotas de ingenio en él y eso hace que ‘El camino’ aunque no sea muy inteligente si resulte ocurrente.
Muchos tacharán a esta película de innecesaria o de episódica. Pero para aquellos que se quedaron con la intriga de ver cómo viviría Jesse inmediatamente después de escapar o que no se conformaron con un final abierto libre a la interpretación funciona como un regalo, un bonus que no mancha el producto original y que respeta todo el espíritu de la serie. No es un título esencial para comprender o para cerrar la serie pero si edulcora la sensación tan intensa que vivimos millones de personas al acabar la quinta temporada.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de octubre de 201. Título original: El camino: a Breaking Bad movie. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Vince Guilligan. Guion: Vince Gilligan. Música: Dave Porter. Fotografía: Marshall Adams. Reparto principal: Aaron Paul, Matt Jones, Charles Baker, Jesse Plemons, Krysten Ritter, Scott Shepherd, Tom Bower, Scott MacArthur, Tess Harper, Robert Forster, Larry Hankin, Kevin Rankin, Johnny Ortiz, Marla Gibbs, Brendan Sexton III, Michael Bofshever, Bryan Cranston. Producción: Netflix, Sony Pictures, AMC. Distribución: Netflx. Género: drama, thriller. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81078819
Seguimos el camino de Aaron Paul para finalizar el festival
Aaron Paul ha demostrado hoy en Sitges ser todo un profesional. Tras un día viajando y enterarse al llegar a su hotel de la muerte de su compañero Robert Foster ha sido capaz no solo de asistir a todos los eventos de su programa si no de mostrarse divertido y abierto a todo tipo de preguntas o peticiones. Aún así tuvo palabras muy afectuosas para el recién fallecido actor.
Su película ‘El camino’ se estrenó justo el día antes y ha marcado el regreso a su archiconocido personaje de ‘Breaking Bad’, Jesse Pinkman. Sobre esto ha declarado que «Vince Guilligan no tiene que hacer nada para convencerme. Era algo que él tenía planeado. Hace dos año me lo sugirió y le dije que le seguiría basta el fondo de un abismo, me ha dado una carrera y le confiaría mi vida». A esto añadió que no tengo ni idea de cómo conseguimos mantener el proyecto en secreto dado que rodábamos en el exterior. Nos ayudo que hacía tiempo que se había acabado la serie. Mis conocidos me preguntaban que estaba grabando y yo decía, nada in proyecto indie, personal… Al final pudimos decir que la habíamos colado».
«Hay muchos personajes que me gustaría que apareciesen pero confiaba en Vince, el sabe lo que hace y no iba a meter a nadie con calzador o que no fuese necesario» dijo sobre el elenco que aparece en la película de Netflix. «Este es el fin para Jesse Pinkman, es un regalo para la audiencia. El propósito era clausurar su historia. El final de la serie es precioso, tengo una opinión obviamente sesgada pero lo pienso así» añadió.
«No tengo ni idea de que va a ser de mi carrera. Espero que me sigan llevando trabajos que me lleven a otros límites. Espero tener otra hija y viajar por todo el mundo» comentó tras este punto final para su personaje. Añadió después que «voy a hacer una serie para Apple con Octavia Spencer, es mi primer trabajo original. Estoy también en la tercera temporada de Westworld, fue un rodaje de locura».
Sobre la serie que co-protagonizó y que a tantos nos ha gustado desveló que «cuando leí el piloto pensaba que conocía al personaje. Pero después de muchos episodios vimos como se habían formado capas en él. Yo había comido y bebido al personaje, me forcé a crear un contexto, pero con la película hemos entrado en un capitulo que me ha ayudado a comprender el infierno que ha vivido». Además le preguntamos sobre cómo es trabajar con Bryan Cranston con quien lanzará una bebida (Dos hombres) próximamente: «Ese tipo fue mi mentor y le amaré hasta morir. Es la persona más inmadura al trabajar que conoceré en mi vida pero también de las más profesionales. Trabajar con él fue como estar en un continuo taller de interpretación».
Por sorpresa y a pesar de estar visiblemente afectado en su salud, se ha plantado Dario Argento en Sitges. El maestro del terror italiano ha estado acompañado de AntoniaLava para presentar un teaser y hablar de uno de sus próximos trabajos. «Hemos hecho un teaser que es un regalo a Sitges, a su público» dijo Lava. El vídeo que hemos visto dura 27 segundos y Dario Argento se partía de risa al verlo en la sala.
La serie que va a realizar junto a Lava es una co-producción italiano y española. «Voy a rodar en Barcelona, habrá un director español y técnicos de aquí, por eso me parecía buena idea venir a presentarlo al festival. Aunque mi idea sería que más que un español fuesen dos y que se encargasen de la parte final que es la más difícil» afirmó el mítico director italiano.
La pregunta era fácil que surgiese ¿qué es el Giallo para ti? «Es una especie de thriller, en el que no se sabe quién es el asesino. Es elegante, bello, con mucha atención especial a las mujeres. Colores bellos. Ha habido muchas interpretaciones de giallo en Estados Unidos pero es eso» respondió. Actualmente está surgiendo muchas películas que imitan el género italiano. «Estamos viviendo un renacer del giallo y por eso me persiguen para hacer una película. Pero yo quiero hacer algo que realmente me interese» dijo rotúndamente.
También se ha dado a conocer en esta jornada el palmarés de la 52ª edición, podéis consultarlo aquí. Seguidamente podéis leer las últimas películas que hemos visto des este Sitges 2019.
Un epílogo que cierra una serie que fue cerrada de manera elegante y con una especie de cliffhanger. ‘El camino’ es una perla para aquellos que aman ‘Breaking Bad’ o tienen frescos sus detalles ya que rescata varios elementos que vimos durante sus 5 temporadas.
Aaron Paul demuestra de nuevo lo buen actor que es y nos remonta con una joven nostalgia al personaje de Jesse Pinkman. La película de Vince Gilligan funciona a pesar de la pérdida de Heisenberg (Bryan Cranston) y se mantiene esa sensación de que Jesse no era el lumbreras de la asociación pero sí que como un perro acorralado sabe salir de sus embrollos. No es un título esencial para comprender la que se considera una de las mejores series de la historia pero si funciona como bálsamo para el intenso final que mantuvo en vilo a millones de personas.
Estas reglas son las que deben respetar las dos protagonistas de ‘Braid’ si quieren salir con vida de la casa donde su extraña amiga de la infancia vive y donde van a refugiarse al estar buscadas por la policía.
A partir de entrar en la casa nuestras protagonistas tienen que enfrentarse a diferentes juegos que inventa Daphne, llegando a ser torturadas y llevadas a la locura. Esta locura se termina convirtiendo en la gran protagonista de la cinta dando imágenes y situaciones bastante absurdas y muy llamativas. Eso sí, todas ellas llenas de sangre, muertes y con una gran puesta en escena.
Las tres protagonistas son MadelineBrewer (‘El cuento de la criada’), ImogenWaterhouse (‘Animales nocturnos’) y SarahHay (‘9-1-1’). La película se deja ver, quizás no sea de lo mejor que he visto en el Festival, pero sinceramente me la esperaba mucho peor.
Vuelve la Familia tan querida (sobre todo por los mayores) a las grandes salas, esta vez en formato película de animación.
Dirigida por GregTiernan y ConradVernon (‘La fiesta de las salchichas’) esta Familia Addams deja mucho que desear, al menos para los que tenemos en el recuerdo las dos cintas de los años 90. Han intentado mostrar en todas las imágenes escenas un tanto macabras, pero no logran dar ese toque siniestro a esta historia que está más pensada para un público demasiado infantil.
En su versión original escuchamos las voces de CharlizeTheron, que está maravillosa hasta doblando, OscarIsaac o Chloë Grace Moretz, sin duda el personaje peor interpretado. Y ya lo de la música de SnoopDogg es otra manera de vender la película que más bien pega para un ‘Hotel Transilvania’.
SABU nos ha demostrado a aquellos que no habíamos visto sus películas que es un portentoso director. Tras divertirnos con la rareza que es ‘Dancing Mary’ hemos podido comprobar con ‘JAM’ que sabe hacer diversos tipos de historias. En concreto esta consiste en una de esas difíciles narraciones que cruza los caminos de distintos personajes.
El filme está tremendamente bien montado y su guión no deja fleco alguno. Observamos el destino de tres jóvenes que tienen diferentes problemas pero múltiples nexos en común. ‘JAM’ nos muestra unos saltos de trama a lo ‘Pulp Fiction’ para después guiarnos por una venganza a martillazos como en ‘Old boy’ y seguir contándonos una historia a lo ‘Misery’, pero no se queda ahí.
Tres visiones diferentes de Japón con pellizcos de humor y golpes de acción. Una idea que da para más y que próximamente hemos podido saber que SABU continuará explotando. Lo deseamos y lo veremos.
Las sectas y los sueños entran en juego en este filme ruso dirigido por el debutante PavelSidorov. Pero lo que más se impone son los miedos y el trauma, sobre todo en el trasfondo de la protagonista que bien poco nos ayuda a sentir su situación dada su actuación falta de expresividad y espontaneidad.
Buena puesta en escena es la que nos regala ‘Quiet comes the down’ no obstante resulta demasiado esclarecedora, da excesivas pistas y se huele el pastel tremendamente pronto. Una pena pues la historia de partida es muy atractiva y original, es como un ‘Inception’ versión terror con una mitología propia tras ella.
La niña de ‘The ring’ (versión japonesa) continúa sus andanzas en el cine y tras varias entregas y un enfrentamiento contra Kayako (el fantasma de ‘El grito’) tiene porfin una película con su nombre. Un filme que ha dirigido el director de las primeras partes (Hideo Nakata)
Está muy lejos de lo que fue a finales de siglo esta niña melenuda y de lo que a principios conseguía su director con películas como ‘Dark water’. La película es tan poco coherente con las «normas» del fantasma que nos descoloca. A parte de tener fallos de guión las actuaciones son de muy bajo nivel . Llega a ser incoherente y a repetir los pasos de entregas anteriores eliminando así cualquier factor sorpresa o giro de guión que aporte algo de riqueza a esta saga.
Ni siquiera incorporando elementos tan modernos como la profesión de youtuber logra ser ingeniosa o novedosa. Aunque hay que admitir que la única secuencia salvable es la del vídeo viral que filma uno de los personajes.
Esta nueva película de supuesto terror adapta la última novela de la saga de Koji Suzuki. Esperemos que sea la última y dejen descansar a Sadako en paz.
Acaban de anunciarse los premios de la 52 edición del Festival de Sitges y podemos anunciar con satisfacción y totalmente de acuerdo que la gran triunfadora con varios galardones es una película española como ‘El hoyo’. Otros títulos que han recibido más de un galardon son ‘Adoration’ o ‘Bacurao’. Por supuesto hay que decir aquello de que nunca llueve a gusto de todos pero seguro que entre los premiados encontráis más de uno que también os va a gustar. A continuación tenéis todo el listado.es que yo de que nunca llueve a gusto de todos pero seguro que entre los premiados encontráis más de uno que también os va a gustar. A continuación tenéis todo el listado.
Secció Oficial Fantàstic a competició
Millor pel·lícula / Mejor película / Best Feature Length Film
El hoyo, de Galder Gaztelu-Urrutia
Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction (sponsored by XAL)
Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles (Bacurau)
Millor interpretació masculina / Mejor interpretación masculina / Best Actor
(sponsored by Jeep Turiauto)
Miles Robbins (Daniel Isn’t Real)
Millor interpretació femenina / Mejor interpretación femenina / Best Actress
(sponsored by Mistinguett Sparkling)
Imogen Poots (Vivarium)
Millor guió / Mejor guion / Best Screenplay
(sponsored by Caixabank & La Caixa)
Mirrah Foulkes (Judy & Punch))
Millors efectes especials / Mejores efectos especiales / Best Special Effects
(sponsored by Deluxe)
Iñaki Madariaga (El hoyo)
Millor fotografia / Mejor fotografía / Best Photography (sponsored by Moritz)
Manu Dacosse (Adoration)
Millor música / Mejor música / Best Music
Dan Levy (J’ai perdu mon corps)
Premi especial del jurat / Premio especial del jurado / Special Jury Prize
Adoration, de Fabrice du Welz
Gran Premi del públic a la millor pel·lícula / Gran Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture
(sponsored by La Vanguardia)
El hoyo, de Galder Gaztelu-Urrutia
Millor curtmetratge de gènere fantàstic / Mejor cortometraje de género Fantástico / Best Fantastic Genre Short Film
(sponsored by Fotogramas)
Polter, de Álvaro Vicario
Menció als nens d’Adoration / Mención a los niños de Adoration / Mention to the kids of Adoration
Thomas Gioria & Fantine Harduin
Menció a la pel·lícula Achoura / Mención a la película Achoura / Mention to the Film Achoura
Achoura, de Talal Selhami
Noves Visions
Millor pel·lícula / Mejor película / Best Feature Film
Dogs Don’t Wear Pants, de J-P Valkeapäa
Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction
Mattie Do (The Long Walk)
Millor curt Noves Visions Petit Format / Mejor corto Noves Visions Petit Format / Best Noves Visions Petit Format Short
Lucienne mange une auto, de Geordy Couturiau
Noves Visions Menció 1 / Mención 1 / Mention 1
Nina Wu, de Midi Z
Noves Visions Menció 2 / Mención 2 / Mention 2
Jesus Shows You the Way to the Highway, de Miguel Llansó
Noves Visions Menció 3 / Mención 3 / Mention 3
Hail Satan?, de Penny Lane
Panorama Fantàstic
Premi del públic a la millor pel·lícula / Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture
Extra Ordinary, de Aike Ahern y Enda Loughman
Midnight X-treme
Premi del públic a la millor pel·lícula / Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture
The Devil Fish, de David Chuang
Focus Àsia
Premi del públic a la millor pel·lícula / Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture
The Gangster, the Cop, the Devil, de Lee Won-Tae
Sitges Documenta
Premi del públic a la millor pel·lícula / Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture
La venganza de Jairo, de Simón Hernández
Méliès Awards
Méliès d’Argent a la millor pel·lícula / Méliès d’Argent a la mejor película / Méliès
d’Argent to a Feature Film
Adoration, de Fabrice du Welz
Méliès d’Argent al millor curt / Méliès d’Argent al mejor corto / Méliès d’Argent to a Short Film
Children of Satan, de Thea Hvistendahl
Blood Window
Premi Blood Window / Premio Blood Window / Blood Window Best Film
Breve historia del planeta verde, de Santiago Loza
Òrbita
Millor pel·lícula Òrbita / Mejor película Òrbita / Best Òrbita Film
Huachicolero, de Edgar Nito
Jurat de la crítica
Premi de la crítica José Luis Guarner / Premio de la Crítica José Luis Guarner / José Luis Guarner Critic’s Award
Bacurau, de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles
Premi Citizen Kane al director revelació / Premio Citizen Kane al director revelación / Citizen Kane Award for Best New Director
Galder Gaztelu-Urrutia (El hoyo)
Carnet JOVE
Premi Jurat Carnet Jove al millor llargmetratge de gènere fantàstic / Premio Jurado Carnet Jove al mejor largometraje de género fantástico / Carnet Jove Award for Best Fantasy Genre Feature Film Bacurau, de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles
Premi al millor llargmetratge d’animació / Premio al mejor largometraje de animación / Award for Best Animated Feature Film
Ride Your Wave, de Masaaki Yuasa
Premi al millor curtmetratge d’animació / Premio al mejor cortometraje de animación / Award for Best Animated Short Film
The Lonely Orbit, de Frederic Siegel & Benjamin Morard
Brigadoon
Premi Brigadoon Paul Naschy / Premio Brigadoon Paul Naschy / Paul Naschy Brigadoon Award
Marc Martínez Jordán (Tu último día en la Tierra)
Sitges Cocoon
Premi a la millor pel·lícula Sitges Cocoon / Premio a la mejor película Sitges Cocoon / Best Sitges Cocoon Film
Gloomy Eyes, de Jorge Tereso & Fernando Maldonado
SGAE Nova Autoria
Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction
Pau Bösch & Berta Galvany (La mugre. UPF)
Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction
Marina Espinach (Cuando acabe el verano. Bande à Part)
Millor música / Mejor música / Best Music
Juan Luis Pérez (Gusanos de seda. ESCAC)
Millor guió / Mejor guion / Best Screenplay
Agustín Elizalde & Carlos Villafaina Gusanos de seda. ESCAC)
Millor guió / Mejor guion / Best Screenplay
Marina Espinach (Cuando acabe el verano. Bande à Part)
No es por menospreciar a los invitados que hemos visto previamente en esta edición. Conservamos un tremendo cariño por las películas de Aaron Morhead y Justin Bensony nos ha encantado cruzar palabras con los responsables de ‘Legado en los huesos’, por ejemplo. Pero hoy se ha personado en Sitges un actor que forma parte de nuestros mejores recuerdos cinematográficos. Sam Neill, intérprete de películas como ‘Jurassic Park’, ‘La caza del Octubre Rojo’, ‘Daybreakers’, ‘Merlin’ o ‘Peaky Blinders’ ha estado atendiendo hoy a los medios antes de recibir el día 12 el Gran Premio Honorífico.
Tras ser largamente ovacionado nos ha contado que cuando era pequeño tenía mucho cariño a las películas y ni siquiera jugaba a fútbol, vivía en Nueva Zelanda veía imposible llegar a los países donde se rodaba cine y Ovacionado. Ahora está en Sitges y ha declarado que «es mi primer premio a toda mi carrera, a mi vida. Espero que no signifique el fin de mi carrera (risas). Lo normal es sentirse modesto pero estoy encantado de la vida, orgulloso».
Sobre volver a ‘Jurassic World’ e interpretar de nuevo a Alan Grant ha dicho que «estoy feliz de volver a trabajar con mis amigos Laura Dern y Jeff Gold Colin. Es un nuevo Jurassic, es un nuevo mundo para mí. No puedo deciros nada sobre el argumento porque Universal me mata». Respondiendo a esa pregunta ha dicho que el director Colin Trevorrow va a estar en el festival durante los últimos días, ¿será verdad?
Con el responsable de ‘Jurassic World 3’ Neill sumará otro gran director a su carrera. Sobre eso ha dicho que «cuanto mas extremo es el terror y el director más encantadora es la persona. George Miller es encantador. Spielberg es un tipo importante de Hollywood pero también es encantador, es algo infantil en el mejor sentido de la palabra».
El actor irlandés nos contó que efectivamente ha habido algunos papeles que ha rechazado a lo largo de su carrera. «La vida del actor es así, a veces hay que estar en el lugar y momento adecuado». Nos contó por ejemplo que no hizo ‘El señor de los anillos’ probablemente porque por entonces rodaba ‘Jurassic Park 3’. Estuvo a punto de ser James Bond en la época en la que se eligió a Timothy Dalton. «Mi representante me iba a enviar a una prueba de cámara. Yo le decía que no quería ser James Bond. He agradecido toda mi vida no ser James Bond. No me habría gustado ser el Bond que no le agrada a nadie».
También nos contó que «me encantaría hacer un western pero nunca se ha dado la oportunidad. Me gusta montar en caballo, lo he hecho en varias películas. Hice una película llamada ‘Sweet country’ en Australia, del director Warwick Thornton. Era una especie de western, no tenía dos revolvers pero al menos llevaba sombrero».
Nos habló de otra película mítica suya como ‘Merlin’, donde le pasó le pasó algo curioso con la cultura pre-cristiana. «No creo en los cristales pero unos hippies me iniciaron en esa tradición. Me dieron un cristal y me dijeron que cuidaría de mi. En ‘Merlin’ tenía que llevar un traje con unas plumas y pedí que pusiesen ese cristal dentro de él. Rodando en un parque nacional de Gales donde estuvimos galopando perdí el cristal. Entonces me dije «He perdido el cristal, voy a morir (risas)». Estaba ya caminando desesperado por no poder encontrarlo en una extensión tan grande y me puse a fumar un cigarro (por entonces fumaba), baje la mirada y ahí estaba. Son cosas imposibles, desde entonces siempre me acompaña y gracias a él ahora estoy aquí a recoger el premio (risas)».
Esta estrella de Hollywood que todos tenemos en mente cuando se habla de dinosaurios vive una vida muy sencilla en realidad. «Tengo una granja con viñedos, vacas, cerdos, pollos. Llevo una vida diferente a la que llevo en el cine. Me da mucha pena dejar la granja para hacer películas pero también me pasa al revés. Me gustan los amigos que he hecho en el cine y poder venir a estos sitios a recibir premios» dijo.
‘5 è il numero perfetto’
Historia de venganza ambientada en el Nápoles del siglo pasado dominado por la Camorra. Un asesino jubilado (Toni Sevillo) que sigue las normas de la vieja escuela comienza una escalada de violencia al saber que su hijo, también gregario, ha desaparecido. Esta es una película de mafiosos, de esas en las que estos salen a matar como quien va a comprar pan.
El protagonista no puede resultar más arquetípico: camina impasible bajo la lluvia vestido con sombrero y gabardina mientras oculta su nuevo revólver en un paquete que lleva bajo el brazo. El filme está lleno de posados propios del cliché que explota y de casi tantas muertes como las películas de John Wick. Es curioso como recurre en varias ocasiones al mundo de los cómics.
Por supuesto que el verla en italiano le da ese toque mafioso que tanto nos ha vendido el cine pero es su protagonista de nariz aviar y voz cansada el que nos mantiene unidos a una trama de vendetta despechada.
Larry Fessenden, a quién podéis haber visto como actor en películas como ‘Most beautiful island’ o ‘Los muertos no mueren’, ha escrito y dirigido esta versión moderna de Frankenstein. Una visión en la que la ciencia o los artificios humanos se consideran una depravación con fines altamente cuestionables.
Muchos guiños a la obra de Mary Shelley (como el nombre de varios personajes) o incluso a clásicos de la novela romántica como Polidori. Pero también muchas similitudes con la serie Penny Dreadful.
Lo mejor del filme es la interpretación que realiza el actor que hace las veces de «monstruo» y el maquillaje que este lleva. Protésicos que construyen a un ser humano escuálido y hecho a retales, que se aleja visualmente del clásico Frankenstein pero que conserva su esencia. Esto además se refuerza con buen tratamiento de la memoria del protagonista y la recuperación de esta.
El director Keith Thomas nos cuenta en su opera prima una historia de terror llena de ruido y oscuridad.
Un joven decide aceptar trabajar una noche como shomer (una práctica judía en la que una persona vigila el cadáver de un miembro de la comunidad), pero su noche no va a ser para nada tranquila. Las sombras, las pisadas, los golpes en las paredes o las habitaciones inquietantes son parte de esta cinta que nos trae recursos muy clásicos, que a veces funcionan y otras se pierden por culpa del estruendoso sonido que tiene el filme.
No tiene mal resultado su historia pero podría haber sido mucho más inquietante y sorprendente, pero el director ha decidido ir a lo fácil y no arriesgar.
Una historia de exorcismos ambientada en la más tremenda actualidad. Podríamos pensar que tendrá similitudes con ‘El exorcista’ pero me ha hecho volver a la divertidísima ‘Deathtectives’. Con un tono bastante desenfadado pero también con alguna escena tensa ‘The cleansing hour’ es de los títulos más cercanos al terror de esta edición.
Juega muy bien con componentes modernos como es el streaming o las redes sociales. Crítica tanto a la sociedad como a la iglesia, de un modo jocoso. Se convierte en un scape room en el que hay que intentar sobrevivir para conseguir salir, por supuesto a contrareloj.
Parte de un cortometraje que ya fue proyectado en Sitges y expande su idea original poniendo en tela de juicio la veracidad de los influencers o la confianza que estos depositan en sus seguidores. Siembra detalles que descuida para llegar a soluciones obvias pero se hace muy divertida, al margen de que está bastante bien ambientada y tiene unos efectos eficaces.
Maravillosa comedia irlandesa sobre una médium que quiere negar su poder y un hombre que se encuentra viviendo con su mujer fantasma. Además tenemos un villano de por medio la mar de extraño, interpretado por WillForte.
Rose y Martín, los dos protagonistas, son totalmente adorables, nos dan divertidas y absurdas situaciones que hacen muy amena la película. Además el ver los distintos fantasmas o donde se esconden estos hace muy curiosa la cinta.
Encontramos también guiños a ‘Cazafantasmas’ y ‘El Exorcista’ de una manera muy cariñosa. Pero no es solo una película de médiums, sino que el malvado Quan Christian Winter (Will Forte), se decanta por el lado oscuro intentando llamar al demonio durante toda la cinta.
‘Extra ordinary’ es muy divertida y sin duda no va a defraudar a nadie.
Regresamos al Baztan acompañados de gran talento oriental
La trilogía del Baztán continúa con su adaptación y se ha proyectado en Sitges este 10 de octubre. La obra de Dolores Redondo sigue siendo fielmente adaptada por FernandoGonzálezMolina que ha rodado de manera seguida la dos siguientes películas, esta que nos ocupa ‘Legado en los huesos’ y ‘Ofrenda a la tormenta’. Se han rodado intercaládamente. El equipo de la trilogía tenía pensado desde siempre en llevarla a la gran pantalla al completo. Según el director «Es la primera vez que en el cine español se hace un «back-to-back» como se dice. Ha sido un rodaje de casi 19 semanas». Sobre esta secuela comentó que «La segunda evoluciona con respecto a la primera. Cambia de género convirtiéndose en una saga en la que el componente emocional crece como lo hace igualmente la protagonista. […] Dolores vino al rodaje como una compañera más pero nos ha dejado libertad».
En la rueda de prensa han estado presentes además del director Adrián Guerra, ImanolArias, Marta Etura, Francesc Orella y la productora Rosa Pérez. Para Marta Etura su personaje detective con un marido que cuida a su bebé es un reflejo de la actualidad. «Se está demostrando que hay protagonistas femeninas que son igual de potentes e interesantes» dijo. Imanol Arias habló muy bien de la actriz guipuzcoana «Marta Etura me encanta, soy como un fan con ella. Fui jurado de Málaga cuando le dimos el premio y se lo dije de antemano, me podrían haber echado de todos los festivales (risas). A mí ponerme con Marta Etura me pone».
Este ha sido un día muy oriental porque nos ha sido posible disfrutar de una copia remasterizada de ‘Zatoichi’. También hemos podido coincidir con SABU el director japonés que proyecta dos películas este año. Una de ellas es ‘Jam’ y la otra ‘Dancing Mary’ (reseña aquí) en la que actúan Naoto (‘Ghost in the shell: the new movie’) y Ryo Ishibashi (‘El grito’, ‘Brother’). Podéis ver su foto en la galería al final de este artículo.
Además durante el día de hoy hemos podido ver al equipo de ‘Her Blue Sky’ (Tatsuyuki Nagai) y a los de la cinta ‘The Ganster, the Cop, the devil’ (Won-Tae Lee y Moo-Yul Kim). Os dejamos sus fotografías y a parte en los resúmenes diarios, tanto de hoy como de ayer, podéis leer nuestras reseñas sobre todas las películas mencionadas.
‘Legado en los huesos’
Fernando Fernández Molina continúa con su adaptación de la obra de Dolores Redondo. Tras una fidedigna primera parte llega ‘Legado en los huesos’. Una película que arranca justo donde dejamos a Amaia Salazar (Marta Etura). Esta es una historia que de nuevo vuelve a estar cargada de tradiciones del norte de nuestra península. Una nueva muestra de la cantidad de mitología que nos queda por explorar en España.
Este es un título más familiar en el sentido de que la familia de la protagonista está mucho más implicada. Salazar tiene que investigar diversos casos a la vez y uno de ellos está directamente relacionado con ella. En ese sentido llega un punto en el que se hace algo liosa pero por norma general se puede decir que este es otro buen ejercicio de cine policíaco mezclado con los folclores más antiguos.
Marta Etura vuelve a capitanear estupendamente el reparto, siendo este de primer nivel. La trama rebosa intriga y drama y además está reforzada por una seductora y particular ambientación.
Un joven escritor en la ruina sufre de insomnio a causa de unas pesadillas en las que extraños hombres le quieren matar. Esos terroríficos sueños son tan intensos y mágicos que llegan a traspasar a la realidad. Nuestro protagonista acaba encontrando la manera de usarlos en su beneficio, cambiando hasta su forma de ser alcanzando el punto de olvidar su pasión por escribir.
Esta es una de esas películas en las que los chinos nos demuestran lo que están dispuestos a invertir para hacer un cine que rivalice con el de Hollywood aportando además mucho CGI.
Tiene una trama cómica con un pánfilo protagonista, una parte romántica y escenas de fantasía/acción. El filme es divertido pero nos viene a contar algo muy manido: que el dinero no da la felicidad ni aporta el talento o el carisma, que todo tiene un coste y que por encima de todo la avaricia rompe el saco.
Otra tomadura de pelo para aquellos que buscan cine fantástico. Es un drama sobre adolescentes en el que la única relación con la física de partículas son los inconexos datos científicos y las imágenes del LHC. Como única metáfora podemos decir que las hormonas circulan y rebotan por el aire como si de electrones acelerados se tratase.
Un adolescente al que te dan ganas de dar una colleja para ver si espabila contempla la vida y experiencias de otros con ojos de ansia y envidia. Nos muestran como intenta conquistar a la chica que le gusta y al final la película se pone hasta poética, pero no es una obra para nada relevante ni sesuda ni justificada.
Unas bandas especializadas en robar motos entran en conflicto y el resultado es un policía muerto, dando con uno de los delincuentas a la fuga, perseguido tanto por los ladrones de motos como por la policía. La película de Yi’nan Diao está rodada con mucho gusto y estilo. Desarrolla sus propios códigos y los respeta con suma paciencia. Pasa de planos largos que gestiona con pasimonia y buenos movimientos a estallidos de violencia puntuales de lo más sangrientos.
Comienza con flashbacks para posteriormente guiarnos por el presente de sus protagonistas. Tiene una estructura narrativa que engancha y una gestión de personajes que hace que te familiarices rápido con ellos. La tensión que genera está muy lograda, sobre todo en sus secuencias finales.
Comenzamos la película con una frase de WilliamShakespeare y otra de Beyoncé, si, esto es para prepararnos para ver una película bastante absurda.
‘Come to daddy’, nos devuelve a ElijahWood en un género en el que se desenvuelve genial, el thriller. Nuestro protagonista va a visitar a su padre, el cual les abandonó cuando él tenía cinco años, tras recibir una carta decide marchar y pedirle explicaciones.
Con un giro de guión bastante chulo, la película termina siendo una sangría bastante curiosa, donde Elijah es un chaval bastante pardillo que tiene que defenderse para lograr salvar su vida.
Con una atmósfera muy chula y unos personajes muy buenos, sobre todo el trío de villanos. Vemos escenas delirantes y absurdas durante todo el metraje.
Drama narrado desde un punto muy amable, tremendamente amable y tontorrón. Una empleada de supermercado bastante empanada, cobarde y sin sangre se ve en la aventura de cuidar a su vecina (cuyo padre ha desaparecido). Ella tiene sus TOCs y la niña llega para desbaratar del todo su vida, comiéndose sus reservas de peta zetas (Cosmic candy), por ejemplo.
Música horrible, un cierre con agujeros de guión, una trama vacía de mensaje… de lo peor que hemos visto en un festival que tampoco parece su lugar. He aguantado todo el filme por respeto a la directora que estaba presente.
Tras pasar por Cannes nos llega este título coreano basado en un caso real y en el que figura un actor que ya pasó por el festival el año pasado, Ma Dong-seok. Este interpreta a un gangster que ha sido atacado por un asesino y cuya pista persigue el policía que normalmente hurga en todos sus asuntos o chanchullos. Como indica el título este thriller de acción nos mantiene pendientes a tres bandas. Es un pulso por imponer la justicia y la venganza de cada uno.
La película no tiene un componente fantástico como tal, se enmarca en el escenario típico de corrupción policial que siempre aparece cuando está presente la mafia. Se sostiene el filme gracias a que sus tres protagonistas dan muy bien la talla. Ma Dong-seok como un capo de esos que se ensucian las manos y tiene conducta agresiva a pesar de conservar cierto grado de decencia, Kim Mu-Yeol como insistente y ágil detective y Kim Sungkyu como un asesino al que realmente te dan ganas de abofetear por las caras de capuyo que pone.
El director Lee Won-Tae ha generado una solvente película de acción, de esas en las que se destrozan unos cuantos coches y locales, invirtiendo una pizca en sangre. Quizá puedo decir que es la película menos espectacular que le he visto a Dong-seok, una bajada a la tierra antes de su aparición en ‘Eternals’.
La animación asiática al poder en un día en que hemos visto sexo con un frigorífico
Las películas animadas como ‘White Snake’ o ‘Human lost’ han sido de lo más destacado en un día en el que también hemos disfrutado de títulos como ‘Punto muerto’, ‘Yves’ o ‘Corporate animals’. Más decepcionante ha sido la inclusión en el programa de films como ‘Pelican blood’ o ‘I trapped the devil’.
Para nosotros este ha sido un día especial por haber podido conocer a los autores de películas de culto como ‘The endless (El infinito)’ o ‘Resolution’. Aaron Morhead y Justin Benson han estado junto con el productor David Lawson Jr. para presentar ‘Synchronic’. Una de estos dos talentosos y prometedores directores que han contado en esta ocasión con actores como Anthony Mackie y Jamie Dornan. Nos han contado como en esta ocasión han tenido más presupuesto en su nueva película y así poder contar con los actores citados como protagonistas. Además de que estaban muy interesados en hacer esta película por lo el tema de las drogas, lo curioso que podría ser que una droga hiciese viajar en el tiempo, además de utilizar a una persona de color, pues como se ve en el filme, la historia de América no es muy dada a tratarles bien. Han hablado también de sus otras cintas, que ya pudimos ver en Sitges en años anteriores, como ‘The Endnless’ y ‘Resolution’ y del largometraje que está ahora mismo en el festival, ‘AfterMidnight’ pues también son productores.
Este es el material que se ha proyectado hoy y que hemos visto. Para saber a cerca de otros títulos visitad nuestras entradas anteriores.
‘Pelican blood’
Una domadora de caballos ha de enfrentarse a la crianza de una criatura indómita. Y no me refiero a uno de sus cuadrúpedos que tiene que preparar para policías anti-disturbios, si no a una nueva hija. Acostumbrada a trabajar con animales irracionales y salvajes se ve en el reto de tener que contener a una niña que no encuentra barreras entre lo bueno y lo malo, que no entiende de normas y que la pone al límite.
Es un buen drama, con unos paralelismos bien definidos e inteligentemente introducidos. Pero si alguien encuentra algo fantástico en esta película es que tiene un gran problema o mucho miedo a convivir con niños pequeños. Solo en los últimos compases entra la vía de la superstición y deja una ligera sombra de duda. Lo único que vemos es que la criatura (que se llama Raya) no sabe dónde está la raya entre lo que debe o no hacer, está como asilvestrada y su comportamiento afecta a la armonía de su hogar, a las relaciones y trabajo de su madre. ¿Es ahí donde han visto terror los programadores del festival?
Las nuevas tecnologías son las grandes protagonistas de esta película, en especial un frigorífico que no solo enfría, sino que sirve de agenda, te pide la comida que necesites y además te ayuda en tu vida personal.
Jerem un rapero de poca monta decide acoger una de estas neveras como experimento y para poder comer gratis durante unos días. Yves le ayuda en todo lo que puede hasta que ambos se enamoran de la misma mujer.
Una comedia bastante delirante amor y sexo con electrodomésticos son los temas hacia donde va la cinta. Además nos dan una de las mejores galas de Eurovisión que podáis ver en una pantalla. Además por supuesto de una historia de amor extraña y futurista.
Una vez más los japoneses son capaces de crear una obra de ciencia ficción con nuevos códigos. Su comprensión de la tecnología y concepto del alma o cuerpo humano ha dado a luz una humanidad longeva, regenerativa y monitorizada. Un mundo en el que un muerto puede ser resucitado de manera remota.
La película tiene mucha acción y una excelente animación que puede recordar a las últimas versiones de ‘Ghost in the shell’ casual o referencialmente una organización del filme se llama G.H.O.S.T. Con su calidad visual en la que se emplea mucho ordenador nos adentran en una ciudad de metal y personas controladas muy futurista y con toque distópico.
Este no es un filme 100% basado en la informática o los nano implantes, no hay riesgo de perderse con sus tecnicismos porque está muy bien explicada. Un regalo para los amantes de las historias futuristas y la exploración de la esencia humana.
Divertida y delirante, así es ‘Corporate animals’, donde vemos a un equipo de trabajo obligado a salir durante unos días para hacer espeleología y aprender a trabajar en equipo uniendo lazos.
Algo muy típico en Estados Unidos, son este tipo de excursiones para lograr crear amistad entre todos los trabajadores, lo que no sabían estos pobres currantes es que quedarían encerrados en una cueva y que todo esto no haría más que sacar lo peor de cada uno.
De lo mejor que he visto en el Festival, no es una joya, pero como he dicho es muy divertida y ver a DemiMoore como una estricta y desquiciada jefa ha sido bastante gratificante.
¿Cuánto dura el ser humano en sacar su lado oscuro? ¿En intentar ser mejor que otros? Competitividad, amistad, viejas rencillas, todo ello lo veremos aquí y os aseguro que os lo pasareis genial .
Recién estrenada en Argentina y con una lograda ambientación en blanco y negro que nos remonta a clásicos del cine negro conocemos la historia de un autor que sufre en sus carnes lo que él mismo ha escrito. «Elegí un mal día para dejar de tomar» dice el protagonista interpretado por Osmar Núñez (‘Arde Madrid’, ‘Relatos salvajes’) recordándome ‘Aterriza como puedas’. Y así va el principal personaje de este filme, luchando para no estrellarse.
Planos lúcidos y frases elocuentes en un relato digno de Agatha Christie. Realidad y ficción se mezclan en un duelo a contrarreloj entre escritores, policía y el miedo a la crítica. Con los toques que tiene nos recuerda a Alan Poe y podemos decir que la frase «el miedo puede abrir las puertas de la imaginación» describe correctamente un filme que nos hace jugar como en el black stories.
Desde China nos llega una historia de amor y aventuras muy apta para casi todas las edades que nos narra una contienda entre viejas y nuevas corrientes, entre cazadores de serpientes, taoistas y demonios. Rodeando un romance imposible tenemos mucha acción, pero un poco de indecisión a la hora de determinar el público objetivo.
‘Bai she: yuan qi (White Snake)’ es una película con una animación digna de la calidad de una serie televisiva, donde muchas veces se ve que hay menos margen de tiempo y presupuesto para pulir detalles. Pero dicho lo cual no es para quitarle méritos ya que tiene su interés artístico. Porque si que es cierto que el diseño tiene mucho encanto y sobre todo al principio del filme vemos imágenes con ángulos y composiciones excelentes.
Esa animación nos incita a pensar que es una película de tintes infantiles, incluso hay un momento musical y un personaje canino parlante bastante pueril, que por cierto a veces está bastante maltratado. Pero en el transcurso de la película vemos algo de violencia sin sangre y un preludio al sexo a si es que el nivel de edad se puede decir que se eleva.
El encanto de los cuentos orientales nos abraza bastante en este filme que tiene momentos bastante imaginativos y desemboca en las ya clásicas contiendas místico-kaiju. Una cinta de animación bastante potable y exportable que no me extrañaría que estuviese disponible alguna vez en España.
El director SABU y el actor RyoIshibashi han presentado en Sitges Festival ‘Dancing Mary’ una historia muy típica de fantasmas, donde un grupo de obreros intentan derrumbar un edificio encantado. El jefe de obra y una médium deben encontrar al amado de Mary para lograr que sus almas descansen en paz.
Dentro de esta historia típica me ha gustado mucho los recursos que ha utilizado el director, como por ejemplo interrogar a los fantasmas para lograr llegar al final de la búsqueda, los diferentes médiums que intentan ayudar a la causa y como la imagen cambia a blanco y negro cuando pasan al mundo de los espíritus.
Una película muy bien dirigida, muy bonita visualmente pero donde flojea bastante la historia.
Toho suma una apuesta más por la animación con este título de Tatsuyuki Nagai (‘El himno del corazón’). Anime de corte clásico que nos cuenta como una joven idolatra al novio de su hermana y decide seguir sus pasos. El chico se marcha a la gran ciudad y años después su versión joven reaparece en el local donde ensayaban, encontrándose con una muchacha que está lista para tocar el bajo con él e incluso enamorarse.
Una historia que transcurre en el Japón rural y que habla sobre la búsqueda de identidad, la persecución de los sueños y todo aquello que se puede perder al dejar atrás tu ciudad y gente. Aunque suene muy dramático se hace bastante amena.
Un joven se topa con un tipo que dice ser la muerte. Éste le lleva por la ciudad a vivir experiencias que no están en sus costumbres. Es entonces cuando el protagonista vive más intensamente incluso disfruta de la vida. Todo transcurre en una sola noche en la que deambulamos por una ciudad alemana muy oscura.
La película de Xaver Böhm tiene una especie de obsesión por las flores y las luces de neón, no sé si será algo propiamente típico del director (no he visto más trabajos suyos) o es únicamente algo que ha empleado para ambientar introduciéndonos en una noche de temores y sustancias alucinógenas. Me parece muy correcto el uso que hace de los diálogos y los acontecimientos para sembrar la duda en el espectador. ¿Es realmente la muerte o un tipo pasado de rosca?
Matt es convencido por su mujer para visitar su casa de la infancia donde sigue viviendo su hermano. Llevan tiempo sin saber de él y quieren pasar las navidades juntos. Lo que no se esperan es encontrarse a su hermano en un estado un tanto paranoico y diciéndoles que tiene un demonio encerrado en su sótano.
El filme está rodado un juego de luces y colores estupendo, una casa bastante claustrofóbica y un sótano del que no sabes exactamente qué va a salir. Lo tiene todo para ser una buena película, pero es demasiado previsible y según avanza ves venir el siguiente paso sin emoción ninguna.
‘Synchronic’, ‘Harpoon’ y ‘L’angle mort (Blind spot)’ lo más destacado
Hoy hemos tenido el gusto de poder asistir a la rueda de prensa de ‘El hoyo’, película que os recomendamos desde el artículo de ayer. El director Galder Gaztelu-Urrutia se ha rodeado de los actores Ivan Massagué, Zorion Eguileor y Antonia San Juan además del productor CarlosJuárez y el guionista David Desola para presentar este filme que se estrenará en salas en noviembre o diciembre y luego pasará a Netflix a nivel mundial.
Juárez nos relartó que «a partir de Toronto todo fue muy fácil y Netflix entró en nuestra vida. Todos han asegurado que esta película se debe a un intenso trabajo de grupo, a las aportaciones que cada uno a puesto. Desola por otro lado declaró que «yo quería puntualizar en la falta de empatía y de solidaridad. Como pasa con la crisis migratoria del Mediterráneo, vemos que países que lo han sufrido hace cuatro días no tienen solidaridad».
El día nos ha dejado multitud de actividades. Como la que nos va presagiando el estreno de ‘El camino’, la película de Netflix que continúa ‘Breaking Bad’. La plataforma online ha organizado una gymkana y para aquellos que la completasen había premio.
A continuación como siempre hacemos en nuestros diarios podéis leer reseñas de las películas proyectadas hoy y que hemos podido ver. Así como una galería de fotos.
‘Synchronic’
De los directores de ‘The Endless’ llega ‘Synchronic’ donde nos vuelven a llevar a un mundo de ciencia ficción, donde los problemas personales y los viajes en el tiempo son los grandes protagonistas.
Una de las cosas que más me gusta de JustinBenson y AaronMoorhead es lo bien que crean a sus personajes, con personalidades bien definidas y además la naturalidad con la que tratan los problemas a los que se enfrentan todos los protagonistas.
‘Synchronic’ no es la mejor de sus películas, pero aun así logran enganchar desde el principio y gustar. La fotografía y el sonido siguen siendo uno de sus puntos fuertes, dando un halo de fantasía que hace que nos creamos mucho más lo que estamos viendo.
Un barco sirve como cárcel a tres amigos que han salido a disfrutar de un día juntos. MunroChambers (‘Turbo Kid’), EmilyTyra y ChristopherGray, son estos tres personajes que nos hacen disfrutar desde el primer segundo de la cinta.
Infidelidades, amistad, oscuros secretos y un verdadero psicópata es lo que encontramos en este barco a la deriva.
Con un narrador bastante canalla, vamos conociendo los pasajes de esta sencilla y divertida historia, llena de rencores y también bastantes locuras. Además tenemos ante nosotros uno de los mejores finales de todo el Festival.
Es una versión interesante del clásico del hombre invisible. Y el explora desde un punto intimista y existencialista. Nos aleja de las versiones artificiosas y espectaculares para emplear un discurso que se fundamenta más en la psicología y el estado mental del protagonista. La pena es que no explote más su propio concepto y alcance una conclusión más reveladora.
No necesita efectos especiales para recrear la invisibilidad del protagonista. Se basta con trucos ópticos y movimientos de cámara para mostrarnos cuándo es o no visible. Otro punto a favor es que no parte del secreto sino de que más gente conoce su poder, don o maldición y de este modo espera muy bien las implicaciones y cuidados de volverse invisible así como sus usos y aplicaciones.
Buen duelo interpretativo entre Jean-Christophe Folly (‘Cargo, les hommes perdus’) y Golshifteh Farahani (‘Paterson’). Da demasiados rodeos alargando la duración y el ritmo de la película es una lástima porque su perspectiva es muy interesante.
Ojalá hubiese salido la mitad de contenta de lo que han salido el resto de espectadores, pero ‘Patrick’ no me ha gustado nada, me ha aburrido y además me ha dejado totalmente indiferente.
El hijo del encargado de un camping nudista (Patrick, de 38 años) busca su martillo perdido durante los 97 minutos que dura la película. Patrick es un personaje bastante curioso, calmado y con muy poco carisma.
No he entrado para nada en esta historia que realmente no me ha aportado nada. Lo único que quizás si salvo es el tema de los personajes secundarios, pues tenemos ante nosotros un campamento nudista lleno de personajes extraños y bastante cotillas.
A base de imágenes rodadas en los últimos años, el director Marco Lledó Escartín ha construido un corto que da una visión romántica del pasado de Albania. Incluso hay tomas realizadas durante la grabación de su película ‘The Invocation of Enver Simaku’, la película que pudimos ver el año pasado. Este es un soliloquio a voz susurrante que al final rebosa autobombo y que sirve poco más que como documento informativo.
El drama de una actriz que se mantiene a base de cortos y videos en la red. Nina Wu aguanta cualquier cosa con tal de conseguir la actuación que le piden, aunque con eso tenga que soportar maltrato u ofrecer su cuerpo a regañadientes. Es por eso que podemos ver el impacto de no poder trabajar o el de haber ejercido su profesión de un modo que no le agrada, ni a ella ni a nadie. El filme relata las dificultades de una mujer oriental para dedicarse a la actuación.
Una obra que nos muestra a una país asiático en pleno progreso pero que conserva valores tradicionales y cuestionables. Tiene sus referencias y metáforas al cine occidental. Una obra que me ha sido aburrida pero que al menos me demuestra que en Taiwan son capaces de hacer películas osadas, acordes a una actualidad real y fuera de lo típico.
Advertencia, no ver nunca esta película a la hora de la siesta porque su ritmo duerme y sus continuos y estridentes ruidos despiertan molestamente. ‘Starfish’ es una película lenta, desolada y meditabunda de principio a fin. En ella una joven parece estar totalmente sola en el mundo y nos va descubriendo muy poco a poco el dolor y la pérdida que siente. A su vez comprendemos la razón de ser de su situación, pero es algo que está en segundo plano.
A.T. White ha realizado un presumido largometraje en el que él mismo dirige, escribe, compone la música, diseña las criaturas… Una película excesivamente intimista que hará las delicias de los instagramers con toda su cantidad de secuencias de transición e imágenes en detalle pasadas por un colorido pero frío filtro.
Está repleta de momentos sentimentaloides, extraños e intensos acompañados de ciertos sobresaltos. Todo ello para desarrollar una especie de discurso sobre la perdida y la culpa a través de artificios que solo a genios como Nolan les salen bien. Al fin y al cabo está dedicada a Sayako «Grace» Robinson, una joven que falleció con tan solo 27 años y que además da nombre a uno de los personajes. Se podría decir que es el ‘A Ghost story’ de este año.
Nos vamos al Medievo en esta película polaca donde conocemos a dos hombres que llegan a una isla y se ponen a evangelizar a todo ser humano que está allí.
No he visto ningún otro trabajo del director de fotografía Jacek Podgórski, pero sin duda merece la pena mencionarle por el buen trabajo realizado. Los primeros planos, las texturas y el color son detalles que llaman mucho la atención en esta cinta.
Bartosz Konopka, director de la cinta, ha sabido llevarnos a una época en la que la violencia por culpa de las creencias estaba al orden del día y no era complicado ver morir a gente o tribus enteras por la causa.
‘The Mute’ no es perfecta pero sí que podemos decir que es una de las películas que ha merecido ver en pantalla grande en el Festival.
Hay pocas o ninguna películas árabes de género y hemos podido ver la que ha dirigido Talal Selhami. Un filme bastante bien realizado, no tanto interpretado, que nos lleva por una historia de terror infantil y adulto. Unos niños se enfrentan a una criatura (cuya concepción está muy bien realizada) y esta les priva de uno de sus amigos. Hacen una promesa y cuando son mayores y han olvidado el trauma han de enfrentarse de nuevo a ese ser devorador de niños.
Demasiados parecidos al ‘It’ de Stephen King a pesar de tener mucho sabor a tradiciones de oriente medio. Incluso uno de los niños acosados por el llamado Bougetate se llama Stephen. A pesar de ello se puede considerar bueno este regreso del director de ‘Mirages’ que ha conseguido varias escenas que causan impacto.
Trabajo de debut de Roxanne Benjamin. De debut en el largometraje pero se nota que esta directora ya ha hecho sus pinitos participando en proyectos como ‘V/H/S’. Ella dirige, escribe y produce esta cinta en la que una aprendiz de guardabosques se pierde intentando hacer méritos y se encuentra un cadáver. Una escena de un posible crimen que debe salvaguardar durante toda una noche de pesadilla.
La protagonista, interpretada por Karina Fontes, es desquiciantemente torpe, pero los zooms de cámara que le hace la directora también puede contribuir a asustarla y a sus incesantes caídas. Su final se puede intuir y este aburrido cortometraje solo se entiende por qué está en Sitges a falta de media hora de su conclusión. Este es un filme psicológico con incompetencias scouts y técnicas de grabación muy nóveles.
Argumentalmente podría haber sido un episodio aislado de cualquier antología de terror, como ‘Creepshow’, que precisamente es el próximo trabajo en el que se va a embarcar Roxanne Bejamine. A la película le sobra metraje y le faltan ideas.
El actor español Javier Botet ha sido la figura más importante del día debido a que hemos podido ver múltiples trabajos que va a estrenar dentro de poco, como ‘Amigo’ o ‘Ventajas de viajar en tren’. Pero más allá de eso está el galardón que este festival al que lleva acudiendo años le ha otorgado. Un premio que según Botet «recojo en mi casa. Recibir este premio es como recibir el abrazo de tu madre en el hogar». Repitió estas mismas palabras en rueda de prensa, donde añadió «he hecho mucho trabajo hoy, como atender a la prensa. Pero yo lo que quiero es ver pelis cabrones».
Botet presentó junto a su compañero y amigo David Pareja, el director Oscar Martín y ElenaMuñoz, productora de El ojo mecánico, la película ‘Amigo’. Un título que va a estar circulando por varios festivales: «película hecha entre amigos en un rodaje que ha bordeado la oscuridad que se ve en la película» declaró el actor. Oscar Martín le dijo «¿Te acuerdas que te dije que hiciésemos una película contigo de paisano porque das más miedo que de criatura?». «Qué hijo puta» respondió Botet. El director declaró que sus dos protagonistas son unos genios, pero también que una vez juntos son ingobernables. A la vez nos indicó que la película parece transcurrir en los 80 porque era una época de transición, que es lo mismo que les pasa a los personajes. Pareja por su parte, entre otras bromas, nos contó que «estuvimos 14 días durmiendo en las camas de los personajes y Javi prácticamente ni se movió de la cama. Hubo algún día que los de iluminación entraron «Javi…» (hablando en voz baja)».
Este también ha sido un magnífico día por conocer a artistas como Maribel Verdú. Vimos su próximo estreno «El asesino de los caprichos» y compartimos unos minutos con ella y sus compañeros en rueda de prensa. Con la famosa actriz estuvieron AuraGarrido, GerardoHerrero y DanielGrao. La intérprete de ‘El laberinto del fauno’ ha sido aplaudida por el premio que recibió en el estreno de esta cinta. En la rueda de prensa hemos podido escuchar como Aura y Maribel se alababan mutuamente y pedían volver a trabajar juntas. Maribel entre risas pedía a gritos que la dieran más papeles de ciencia ficción, sobre todo donde ella fuese la mala, porque nos ha contado lo mucho que le ha gustado tener la oportunidad de interpretar a Carmen, una policía bastante complicada.
Y ahí no se ha quedado la cosa en este día de celebridades y talentos. Hemos estado con Gaspar Noé que presenta ‘Lux Æterna’. Una película que ha tenido un rodaje muy improvisado y con planos largos. Tenían pensado grabar un clip para una marca de moda y grabaron tanto material que hicieron la película.»Es la cosa más para todos los públicos que hice en toda mi vida. Nadie folla a nadie, nadie mata a nadie…» dijo Noé. «Gaspar y yo nos encontramos en un cine porno que iba a cerrar, el iba a coger unos carteles. Él no sabía que yo había hecho años de improvisación […] Me ofreció la película y solo nos conocíamos de haber tomado dos cafés» dijo el actor Yannick Bono que estaba también presente jutno a Stefania Cristian y MaximeRuiz.
Por último tenemos el placer de poder contaros que hemos conocido a los responsables de ‘The room’: ChristianVolckman (director), OlgaKurylenko (actriz protagonista) y ReynaldCapurro (director de fotografía). La cinta nos trae la historia de una pareja, Matt y Kate, que compran un a casa aislada. A medida que se mudan, descubren una habitación extraña que les da un número ilimitado de deseos materiales. A partir de esta premisa y de que lo que más desean es un niño, ‘The room’ se ha convertido en una de las sorpresas del Festival de Sitges. En la rueda de prensa nos han contado ciertos detalles de la cinta que se podrían considerar spoiler y aquí no vamos a entrar en ellos. Pero una de las curiosidades que nos ha contado Olga Kurylenco ha sido que absolutamente todas las obras que aparecen e inclusive la decoración de la habitación han sido creadas por el director de la cinta, que además de cineasta es un gran artista.
Una de las sorpresas del día ha sido que Warner Bros. España ha cedido al festival un adelanto de ‘Mañasaña 32’. La película de AlbertPintó en la que actúa el homenajeado del festival, Javier Botet, ha sido mostrada en primicia. Hemos podido ver la llegada de la familia al domicilio donde transcurre esta cinta de terror y una escena nocturna que ya nos ha dado un buen sobresalto. Parece que a partir de enero tendremos en carteleras otra buena película de terror Español. Tan castizo que se ha rodado en Malasaña, tan cerca de la casa de Botet que este ha dicho en la gala que «estaba tan cerca que podía ir en chanclas al rodaje, eran unos pocos minutos».
‘El asesino de los caprichos’
Dirigida por GerardoHerrero y protagonizada por MaribelVerdú y AuraGarrido llega un thriller bastante flojo para todo el material que tiene.
Un asesino toma como modelo grabados de Goya para dejar unas puestas en escena impresionantes con los cadáveres como protagonistas. Las dos policías encargadas del caso tienen que vérselas con muchas dificultades para llegar hasta el final.
Una cosa que me ha maravillado han sido los dos papeles que Ángela Armero ha creado para las protagonistas, dos mujeres fuertes obligadas a trabajar juntas y aguantarse. Sobre todo el papel de Maribel que es una mujer ruda, alcohólica y bastante desagradable.
Pero la trama flojea, es una pena que hayan decidido dirigirse hacia la parte más personal y no a los asesinatos, te pierdes entre tantos romances que además no llevan a ningún lado. Una historia muy buena, pero totalmente desaprovechada.
Tengo que admitir que no había leído nada acerca de esta película, el cartel llamó mucho mi atención y el enterarme de que en el Festival de Toronto ha sido Premio del público logró acaparar toda mi atención.
No, sin duda en Toronto no se equivocaron, ‘El Hoyo’ nos lleva a lo más profundo del ser humano y de la sociedad, donde unos se cagan (literalmente) encima de otros, donde la vida del de abajo no vale nada comparada con la del de arriba.
Claustrofóbica y cruel, GalderGaztelu–Urrutia firma una película impecable, llena de tensión y miedo al ver perfectamente a la sociedad actual reflejada en ella.
Está claro que ahora mismo no estamos en esta situación que nos propone ‘El Hoyo’, pero sí que sales con la sensación de que es algo que probablemente pueda ocurrir.
Rara, chocante y psicológicamente hilarante además de profunda. Como si se tratase del protagonista de ‘Aterriza como puedas’ nos llega el relato de alguien que nos cuenta su vida a bordo de un tren. La narración está cargada de absurdos y de un lenguaje digno del mismísimo Jose Luis Cuerda. Es como si mezclásemos a Javier Fesser con Francisco Ibáñez y lo expusiésemos a lo bestia.
Aún así está repleta de relatos muy potentes, con un mensaje y una construcción mucho más claros que las mentes y de sus protagonistas. Está dividida en tres episodios que nos obligan a discernir entre las mentiras, las paranoias y la más exaltada imaginación.
Magnífico trabajo de Luis Tosar que vuelve a demostrar que es delirantemente bueno, de Alterio que se sale con múltiples rostros, de Pilar Castro que nos lleva por una continua perplejidad y de Botet al que por tercera vez en menos de un año le veo actuar a cara descubierta y tumbado en una cama.
Mia Wasikowska encabeza el reparto de ‘Judy and Punch’. Ella es Judy la esposa de un marionetista que ha regresado a su tierra tras no cosechar el triunfo en la gran ciudad. Judy demuestra ser la más talentosa pero pese a ello es sierva del fracaso de su marido y de una época machista y supersticiosa.
La película tiene un componente fantástico pero gana más peso y minutos una trama contra el maltrato y la criminalidad amparada por una sociedad retrógrada. Ni sus pequeñas gotas de humor negro edulcoran una dosis sosa de drama.
Un intento de cuento que deambula por los derroteros más realistas de los hermanos Grimm. Le falta más magia y le sobra turba.
Marcadamente experimental. Rodado en blanco y negro con Javier Botet como protagonista tanto en imagen como con voz en off ya que es un soliloquio de desespero y rencor. Muy buena fotografía y montaje, muy bien narrada la inquietud del protagonista.
David Pareja y Javier Botet se han marcado un ‘Misery’ en toda regla. No hay una obra final que completar pero si una devoción por parte de uno de ellos hacia el otro. Una película sobre el sufrimiento, la lealtad, la paranoia, la redención, la culpa y por qué no decirlo, el hijoputismo. Se palpa bastante humor negro a costa del padecimiento de un ser querido (que no tiene por qué ser el enfermo). Pero esta película no es una comedia, se impone mucho más el drama o el thriller.
Tiene sus defectos y virtudes pero la actuación o calidad dramática de ambos actores protagonistas es incuestionable. El trabajo de Botet al mover su cuerpo y prolongar la agonía más allá de la pantalla en secuencias largas y agónicas es digno de aplauso.
La televisión es testigo y personaje de una historia que transcurre en un pasado de España. Más que la época conviene identificar el programa o tono de lo que ve el protagonista para así empatizar con su estado. Si querían exaltar la nostalgia y el apego lo han conseguido.
Divertida, inquietante y sobre todo una gran historia de amor.
Una película pequeña, donde Hank acaba de ser abandonado por su novia Abby, desde el mismo día en el que ella se marcha, Hank comienza a recibir la visita de una criatura que no hace otra cosa que atormentarle por las noches arañando y destrozando su puerta.
Con esta premisa vamos conociendo una historia de amor. La película engancha desde el principio porque no sabes por dónde va a tirar en ningún momento. Sin duda convence, su humor, la manera de narrarnos toda la historia y las escenas de terror logran contarnos una buena historia de ciencia ficción que no dejará indiferente a nadie.
JeremyGardner es el director y protagonista de esta curiosa comedia fantástica.
Robert Eggers vuelve a la pantalla grande con esta película en blanco y negro y en formato 4:3. Una cinta con sabor a cine mudo, su estética y sobre todo el sonido da para ello. Eso sí, la película no es muda y sin duda regala unos monólogos impresionantes para los dos actores de la cinta.
William Dafoe está espectacular, da miedo, pena e incluso le llegas a odiar. A su lado está Robert Pattinson, que cada día me sorprende más y en esta cinta tiene un papel maravilloso que borda desde el principio.
No quiero contar apenas nada, cuando tenga la crítica general podréis leer más, solo que es una película donde vemos como nuestros personajes caminan hacia una locura muy peligrosa.
Canciones de marineros, alcohol, monstruos marinos, la luz del faro, gaviotas, todo tipo de elementos del mar son utilizados para hacer que nuestros dos protagonistas se vuelvan locos.
Dos jóvenes que buscan hogar son engañados y se ven atrapados en una ilimitada urbanización que parece estar construida sobre el tablero de un monopoly. Allí algún tipo de entidad u organización les mantiene retenidos pero a la vez les hace llevar a cabo un cometido contra su voluntad.
Dicho de este modo el filme suena interesante. Pero su trama progresa de manera repetitiva y con muy pocos giros que realmente la hagan progresar. Para más inri desde el principio ya nos dicen claramente qué está pasando con las imágenes de ciertos animales de tácticas bastante ruines.
En el filme tenemos a Imogen Poots y a Jesse Eisenberg. La primera actúa de un modo excesivamente exagerado, el segundo no parece ni la sombra del pedestal en el que se le ha colocado.
Este año ha sido el 50 aniversario de los terribles asesinatos de La Familia en una casa de Hollywood y por supuesto no han parado de salir cintas tratando el tema de una manera u otra.
‘Charlie says’ nos cuenta la historia a través de la mirada de las tres asesinas, las cuales parecen no arrepentirse y de las cuales comienza a encargarse una psicóloga al pensar que han sido engañadas y manipuladas.
La película te da un pequeño debate, pues realmente fueron víctimas o se dejaron llevar por la locura de un hombre tirano.
Me ha encantado la manera en la que narra cómo poco a poco iba lavándolas el cerebro para hacer con toda su “Familia” lo que le daba en gana incluso convencerles para que llegaran a matar.
Las actuaciones están bastante bien sobre todo MattSmith como Charles Manson pone los pelos de punta. Y además nos da también otra teoría sobre la verdadera razón del ataque en 10050 Cielo Drive.
Tráiler de la película de animación de Jérémy Clapin
Después de ser pasada los días 8, 9 y 10 de octubre en el festival de Sitges la película ¿Dónde está mi cuerpo?‘ será estrenada en Netflix. Esto será el día 22 de noviembre a nivel mundial. La película de Jérémy Clapin está basada en la novela de Guillaume Laurant (nominado al Oscar por ‘Amélie’) titulada ‘Happy hand’.
Este título salió triunfador de la última Semana de la Crítica de Cannes. Cuenta como en un laboratorio parisino, una mano amputada escapa de su infeliz destino y se propone reconectar con su cuerpo. Durante una espeluznante escapada por toda la ciudad, la extremidad se defiende tanto de las palomas como de las ratas para reunirse con el pizzero Naoufel. Sus recuerdos de Naoufel y su amor por la bibliotecaria Gabrielle pueden proporcionar respuestas sobre lo que causó la separación de la mano, y un poético telón de fondo para una posible reunión entre los tres.
Dev Patel, Alia Shawkat y George Wendt son las voces que dan vida a los personajes de ‘¿Dónde está mi cuerpo?’. Andrew Bujalski es el director creativo del doblaje en inglés bajo la supervisión de Jérémy Clapin.
Por fin podemos ver el tráiler oficial de ‘El Camino: Una película de Breaking Bad’, en la que AaronPaulvuelve como Jesse Pinkman. Escrito y dirigido por VinceGillian, el creador de ‘BreakingBad’, el thriller se estrenará en Netflix el próximo 11 de octubre. En las imágenes podemos ver a un demacrado Jesse Pinkman, además de ver a MattJones y Charles Baker, que vuelven en sus papeles como Badger y Skinny Pete, los amigos delincuentes de nuestro protagonista.
Os dejamos el tráiler en su versión subtitulada al castellano.
Sinopsis:
‘El Camino: Una película de Breaking Bad’ supone un reencuentro de los fans con Jesse Pinkman. Tras su dramática huida del cautiverio, Jesse debe reconciliarse con su pasado para forjarse algún tipo de futuro.
AMC, Movistar+ y Flooxer nos traen buen material al Festival de Sitges
Tenemos nuevas novedades del Festival de Sitges 2019 y es que las series vuelven a la gran pantalla. AMC nos trae ‘The Terror: Infamy‘, la segunda temporada de la serie original de AMC tendrá su estreno en Sitges. Ambientada en los campos de internamiento para estadounidenses de origen japonés durante de la Segunda Guerra Mundial, la historia se centra en una serie de extrañas muertes que persiguen a la comunidad y en el viaje de un joven para comprender y combatir a la entidad malévola.
También veremos ‘AMC: Eli Roth – La historia del terror‘ en la que a lo largo de siete episodios, Eli Roth entrevista a icónicos cineastas, actores, escritores, magos del maquillaje y expertos en monstruos para hablar sobre el pasado, el presente y el futuro del género más sangriento del cine. Alguno de los entrevistados son Robert Englund, Jordan Peele, Quentin Tarantino,Stephen King y muchos más. Las dos series se proyectarán en la Sala Tramuntana el sábado 5 de octubre, a las 16:30.
Por su parte Movistar+ nos trae el 6 de octubre a las 17:45 también en la Sala Tramuntana los tres primeros episodios de ‘La guerra de los mundos’, nueva adaptación de la novela de H.G. Wells.
Mientras que el 11 de octubre a las 15:45 podremos ver tres nuevos episodios de ‘Capítulo 0‘, la serie de episodios autoconclusivos, a modo de pilotos de series que nunca se hicieron que parodia géneros y formatos televisivos. ‘El pez dorado‘ donde un actor llama Nicolas Cage (Joaquín Reyes) empeñado en trabajar con un director llamado David Lynch (Ernesto Sevilla), hace un pacto con el diablo en forma de GPS y se dirige a su destino en un viaje terrorífico, como de Motorista Fantasma. ‘
Silly Gardens’, un equipo de video graba el día a día de dos mujeres de la alta sociedad, que viven su relación tóxica en una mansión en decadencia. Documental de culto, cine negro clásico y un oso fantástico, en la brillante y desternillante parodia de Miren Ibarguren y Joaquín Reyes.
Y para terminar ‘Terremoto’, las vidas de exorcistas, policías encubiertos, perros que hablan fenomenal y otros seres con destinos asombrosos se cruzan como consecuencia de un terremoto. Después del visionado habrá un Q&A con los creadores de la serie, Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla.
Flooxer nos trae ‘Terror. app‘, una serie de terror juvenil que trata los miedos que podría tener cualquier chica adolescente actualmente: los excesos, volver a casa sola, los haters, perder el control o estar sola en casa. En esta serie, que se proyectará el viernes 11 de octubre a las 17:30 en la sala Tramuntana, cinco chicas desconocidas obedecen a una extraña e inquietante aplicación móvil llamada ‘Terror. app’ que las ha citado en una vieja fábrica abandonada con un objetivo: contar historias de miedo que hayan experimentado con la única condición de grabarlo todo con el móvil. Lo que parecía un plan inofensivo, termina convirtiéndose en la experiencia más aterradora de sus vidas
Russel Mulcahy el director australiano de cine y televisión, responsable de films emblemáticos del género fantástico como ‘Los Inmortales’ (1996) o la adaptación a la gran pantalla del héroe del cómic, ‘La Sombra’ (1994), recibirá un Premi Màquina del Temps por su contribución al género fantástico en Sitges 2019. Russell Mulcahy, que este año también ha sido invitado para formar parte del jurado de la Sección Oficial Fantàstic, se añade a los ya anunciados CharlesBand, MaribelVerdú, PatrickWilson y JavierBotet. La lista de premiados de esta edición 52 la completan Sam Neill, con el Gran Premi Honorífic, PupiAvati, con el Premi Nosferatu y AsiaArgento, que recibirá el Premi Mèliés, que otorga la Federación Europea de Festivales de Cine Fantástico.
Gran Premi Honorífic
Sam Neill
Recogerá el premio el sábado, 12 de octubre. (Auditori, 21h. Gala Clausura)
Su carrera como actor de cine empezó con las producciones australianas Perros de presa (1977) de Roger Donaldson y My Brilliant Career (1979) de Gillian Armstrong. Estos títulos le abrieron las puertas del panorama internacional, trabajando en filmes como La posesión (1981), Un grito en la oscuridad (1988) y Calma total (1989). En 1993 vivió sendos hitos en su trayectoria, protagonizando El piano, de Jane Campion, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, y la revolucionaria e icónica Parque Jurásico, de Steven Spielberg. Su filmografía también incluye títulos como El hombre que susurraba a los caballos (1998), de Robert Redford, Yes (2004), de Sally Potter, Hunt for the Wilderpeople (2016), de Taika Waititi, y las series Reilly: As de espías, Los Tudor y Peaky Blinders. Al margen de su labor interpretativa, posee una bodega de vinos ecológicos y es un activista por la causa medioambiental.
Premi Màquina del Temps
Patrick Wilson
Recogerá el premio el jueves, 3 de octubre. (Auditori, 19h. Gala Inauguración)
Actor, cantante y productor, ha trabajado como intérprete en el teatro musical y en el cine, y ha participado en varios proyectos televisivos. Debutó en Broadway con The Full Monty (2000), en el cine con The Alamo (2004), y en Sitges le conocimos por su controvertido papel en Hard Candy (2005). Sus trabajos en el fantástico le han llevado a participar en Watchmen (2009), Prometheus (2009) o Space Station 76 (2014), y a ser un rostro habitual del terror contemporáneo de la mano de James Wan, gracias a tres de las sagas más reconocidas del género: Insidious, The Conjuring y Annabelle. En 2015, nos sorprendió con su interpretación de Arthur O’Dwyer en Bone Tomahawk, y este año vuelve al terror dirigido por Vincenzo Natali en In the Tall Grass.
Charles Band
Recogerá el premio el sábado, 5 de octubre. (Auditori, 01h. Marató Midnight X-Treme – La Nit + Zombie)
Director y productor norteamericano, con centenares de películas de terror, ciencia ficción, fantasía y comedia, recibirá un premio Màquina del Temps por su aportación al género fantástico y será el encargado de dar el pistoletazo de salida de la Sitges Zombie Walk. Uno de los productores más prolíficos de la Serie B de Hollywood durante los años 80 y 90, en Brigadoon 2019 se proyectarán algunos de los títulos más importantes de su filmografía, tanto de productor como de director, gracias a la colaboración del Festival con Planet Horror, la única plataforma de cine de terror en España, producida por AMC Networks y Redum.
Javier Botet
Recogerá el premio el lunes, 7 de octubre. (Auditori, 01h. Proyección de ‘Amigo’)
Actor de cine y televisión, y director y guionista de cortometrajes, su carrera cinematográfica está íntimamente ligada a la del género fantástico. Su particular complexión física llamó la atención de Brian Yuzna para un pequeño papel en Bajo aguas tranquilas (2005), y poco después aterrorizó al panorama del cine de terror con su interpretación de la niña de Medeiros en la saga . A sus colaboraciones con Álex de la Iglesia y Carlos Vermut en el cine español, le siguieron algunas de las más importantes películas del fantástico internacional: un triple papel en La cumbre escarlata (2015) de Guillermo del Toro, el atemorizante humanoide al que da vida en Expediente Warren: El caso Enfield (2016) y su aportación a las dos partes de It.
Maribel Verdú
Recogerá el premio el lunes, 7 de octubre. (Auditori, 20.30h. Proyección de ‘El asesino de los caprichos’)
Actriz de cine, teatro y televisión, sus más de treinta años de trayectoria profesional en la industria cinematográfica española son testimonio de la historia reciente del cine patrio. Debutó de la mano de Vicente Aranda en la serie La huella del crimen, con quien volvió a coincidir en Amantes (1991), que le valió su primera nominación a los Goya. En los noventa asentó su carrera con títulos como la oscarizada Belle Époque (1992), Huevos de oro (93), La buena estrella (1997)o Goya en Burdeos (1999),y, con la llegada del nuevo siglo, dio el paso internacional con Y tú mamá también (2001), de Alfonso Cuarón, y Tetro (2009), de Francis Ford Coppola. En el género fantástico destaca su interpretación de Mercedes en El laberinto del Fauno (2006),y sus colaboraciones con Pablo Berger en Abracadabra (2017) y Blancanieves (2012), película esta última que le valió su segundo Goya.
Russell Mulcahy
Recogerá el premio el viernes, 11 de octubre, (Auditori, 22.45h. Proyección de ‘Color Out of Space’)
Se inició en la industria audiovisual a mediados de la década de los setenta, editando noticiarios de la televisión australiana, mientras trabajaba en proyectos personales. Pronto se especializó en el vídeo musical, viajando al Reino Unido y realizando clips para algunas de las bandas más importantes del momento: AC/DC, Elton John, Queen, Duran Duran… Su vídeo para Video Killed the Radio Star de The Buggles inauguró las emisiones de la cadena MTV. En 1984 dirigió su primer largo, Razorback: los colmillos del infierno, tras el cual llegaría su confirmación con Los inmortales (1986), uno de los títulos más emblemáticos del cine fantástico de los ochenta. Su filmografía incluye también películas como La sombra (1994), Resurrección (1999) o Resident Evil: Extinción (2007).
Premi Nosferatu
Pupi Avati
Recogerá el premio el domingo, 6 de octubre. (Auditori, 14.15h. Proyección de’ The Nest’)
Nacido en Bolonia, se introdujo en el mundo del espectáculo como clarinetista en la Rheno Jazz Band. En 1968 dirigió su primera película, Balsamus, l’uomo di Satana, iniciando una carrera en el cine que lo ha llevado a dirigir, producir y escribir más de una cincuentena de títulos. Colaboró con Pier Paolo Pasolini en el guion de Salò o los 120 días de Sodoma (1975), ha tocado multitud de géneros, del biopic musical –Bix (1991)– a la comedia romántica –El corazón ausente (2003)–, y ha legado grandes obras del fantástico italiano como La casa dalle finestre che ridono (1976), Zeder (1983) y L’Arcano incantatore (1996). Ha formado parte de los jurados de Venecia y Cannes, y su trayectoria ha merecido multitud de reconocimientos tanto en Italia como en el extranjero.
Premi Méliès
Asia Argento
Recogerá el premio el domingo, 6 de octubre. (Auditori, 22.45h. Proyección de ‘Lux Aeterna’)
Nacida en una de las familias más importantes del cine italiano, tuvo sus primeros roles ante la cámara en títulos como Zoo (Cristina Comencini, 1988), Palombella rossa (Nanni Moretti, 1989) y El engendro del diablo (Michele Soavi, 1989). Esta última fue producida por su padre, Dario Argento, que la ha dirigido en cintas como Trauma (93), La sindrome di Stendhal (96) o La terza madre (07). En su filmografía también destacan filmes como New Rose Hotel (Abel Ferrara, 1998), xXx (Rob Cohen, 2002), La tierra de los muertos vivientes (George A. Romero, 2005), Boarding Gate (Olivier Assayas, 2007) y De la guerre (Bertrand Bonello, 2008). Ha dirigido los largometrajes Scarlet Diva (00), The Heart Is Deceitful Above All Things (04) e Incompresa (14), y en 2013 editó el disco Total Entropy. En los últimos años, se ha erigido como una de las voces más firmes en la denuncia de los abusos que las mujeres sufren en la industria del cine.
La grabación de una película de serie B de muertos vivientes es interrumpida por un auténtico apocalipsis zombi.
Crítica
‘One cut of the dead’ levanta ovaciones dada su capacidad de transmitir pasión por hacer cine
El año pasado ‘One cut of the dead’ pasó por diversos festivales españoles como Sitges o la Muestra SYFY y puedo dar constancia de que las impresiones que aquí comento no son solo mías, son bastante generales. ‘One cut of the dead’ levanta ovaciones dada su capacidad de transmitir pasión por hacer cine. Da gusto ver cómo lo pasan los personajes y como gozan los actores promocionando su película. Este es un ejercicio no solo de disfrute cinematográfico sino también de trabajo en equipo en armonía y el mejor de los ambientes.
Para hablar de esta película lo primero que hay que comentar es que se compone de dos planos secuencia. El primero que parece una película de terror convencional y el segundo que llega con un buen giro de guión que cambia totalmente las cosas. Estad pendientes a todos los detalles porque el equipo de Shinichirô Ueda os los va a desgranar de un modo casi inédito. El filme esta tan bien rodado, con tal compenetración y sentido de la continuidad que lo considero un gran zasca a esos grandes cineastas que como Iñarritu son reconocidos por engañifas como ‘Birdman’.
Volvería a ver varias veces este filme pero no por haberme perdido cosas, ya que está perfectamente desmenuzada y explicada, si no por disfrutar de su originalidad y a su vez de su simplicidad. Aunque hay que decir que para coordinar las escenas que vemos hace falta un buen trabajo logístico.
Podría decirse que ‘One cut of the dead’ es un filme terroríficamente cómico y una demostración de metacine tremendamente lograda. Vais a ver corriendo a zombies y a equipos de rodaje por igual. Está repleta de maquillaje de pura serie B, sangre casera y humor splashthic. Me parece una manera francamente astuta de rendir culto al género de zombies mientras que a su vez lo ridiculiza. Para ser un tipo de películas que tenemos más que trillado y tamizado me fue una maravillosa sorpresa descubrir este filme. De las películas que uno agradece ver y que son una entrada bien gastada.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de septiembre. Título original: Kamera o tomeru na! Duración: 96 min. País: Japón. Dirección: Shinichirô Ueda. Guion: Shinichirô Ueda. Música: Shôma Ichihashi, Kentarô Kodama, Nobuhiro Suzuki. Fotografía: Takeshi Sone. Reparto principal: Takayuki Hamatsu, Yuzuki Akiyama, Harumi Shuhama, Ayana Gôda, Miki Yoshida, Kazuaki Nagaya, Hiroshi Ichihara, Takuya Fujimura, Yôko Takahashi, Satoshi Iwagô, Tomokazu Yamaguchi, Manabu Hosoi, Yoshiko Takehara. Producción: ENBU Seminar, Panpokopina. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: comedia, terror. Web oficial:https://kametome.net/index.html
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