Tony tiene una característica única de nacimiento: ¡brilla! Pero pasa los días escondido en casa, en su búnker de mantas y soñando con tener a alguien con quien jugar. Los días antes de Navidad, una peculiar niña llamada Shelly se muda a su edificio y pone su mundo del revés. Juntos se embarcarán en una aventura mágica y descubrirán el fascinante misterio del edificio en el que viven.
Crítica
Un cuento repleto de encanto y sensibilidad
En el Festival de Sitges nos pegamos un atracón de películas tal que volvemos a casa saturados de cine y con muchas recomendaciones para vosotros. Este 2023 ha sido un año en el que la animación ha alcanzado un nivel enorme de calidad y aceptación entre el público. Pero aún con todo lo que hemos visto, y que podéis buscar en nuestros diarios, siempre hay algún título que se nos escapa. Hoy toca hablar de ‘Tony, Shelly y la linterna mágica’ pues se estrena el viernes en cines.
La película de Filip Pošivač salió el festival catalán como ganadora del premio al mejor largometraje de animación en la sección Anima’t. Además se llevó bajo el brazo el premio del jurado al mejor largometraje en Mi Primer Festival de Cine y obtuvo previamente en junio en el festival de animación de Annecy el Premio Contrechamp, que ya van siendo palabras mayores. Fue imperdonable no poder ver este filme en Sitges a si es que ahora no hay excusa.
Si además os decimos que es una película realizada en stop motion seguro que os llama más la atención. Hay artesanos del cine que se empeñan en rodar con esta laboriosa técnica, pero muchos de nosotros lo agradecemos pues el resultado es inconfundible y su magia inigualable. En el caso de ‘Tony, Shelly y la linterna mágica’ esta técnica juega a favor de sumergirnos en un precioso cuento que dado su diseño de producción nos puede recordar a historias como ‘Coraline’ o ‘ParaNorman’. Estamos ante una película plagada de detalles que construyen un mundo particular de fantasía y nos brinda imágenes imaginativas y preciosas. No se si tiene alguna base novelesca o surgida del folclore de Europa Central, pero lo que expone la película es todo un cuento repleto de encanto y sensibilidad.
Un niño especial, recluido en su casa por miedo al rechazo del mundo exterior y con toda una vida de experiencias por descubrir. Una especie de gusiluz sobreprotegido por sus padres y con una nueva amistad que le da la vida. Parece el argumento de ‘Eduardo Manostijeras’ y si no fuese porque no estamos ante una película del todo tétrica, tragicómica y de tintes meramente infantiles hablaríamos de una influencia claramente burtoniana. También hay algo de Pinocho en todo el viaje de madurez y aspiraciones del protagonista. Y a pesar de que este parece un entretenimiento para los pequeños de la casa hay metáforas pues es interesante las diferentes lecturas que cada espectador extraerá del estado luminoso del protagonista.
Con herramientas como la amistad o la imaginación ‘Tony, Shelly y la linterna mágica’ nos invita a superar nuestra cruda realidad, las malas vibraciones que rodean a nuestra comunidad. Es un relato donde se hace apología del amor y la aceptación de uno mismo, adecuado en los tiempos en los que los cánones de “normalidad” se hacen más estrictos y vacuos por culpa de herramientas como las redes sociales. Eludir la realidad no es sano, pero saber maquillarla de magia y aventuras es un don que nunca se nos debe olvidar. Gracias a ‘Tony, Shelly y la linterna mágica’ por recordárnoslo.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Tony, Shelly and the Magic Light. Duración: 80 min. País: Hungría, Chequia. Dirección: Filip Pošivač. Guion: Jana Šrámková. Música: Ádám Balázs. Reparto principal (doblaje original): Michael Polák, Antonie Baresová, Ivana Uhlírová, Matej Hádek, Jana Plodková, Pavel Nový, Jaroslav Ples, Sabina Remundová, Eva Holubová. Producción: Ceská Televize, Filmfabriq, Nutprodukce, Nutprodukcia, Rozhlas a televízia Slovenska. Distribución: Rita & Luca Films. Género: fantástico, infantil. Web oficial:https://nutprodukcia.sk/en/project/tony-shelly-and-the-magic-light/
Aardman, el estudio galardonado con varios premios Óscar y BAFTA (Creature Comforts, Wallace & Gromit y La oveja Shaun) y el director Sam Fell, nominado al Óscar y al BAFTA (por El alucinante mundo de Norman y Ratónpolis, respectivamente) presentan Chicken Run: Amanecer de los nuggets. Es la esperadísima secuela de Chicken Run: Evasión en la granja, la película de animación stop-motion más taquillera de la historia. Después de desafiar a la muerte en su fuga de la granja de Tweedy, Ginger por fin ha cumplido su sueño: vivir en una pacífica reserva isleña con toda la panda, lejos de los peligros del mundo humano. Cuando Rocky y ella tienen a su hijita Molly, el final feliz de Ginger parece definitivo. Pero, en el continente, el mundo gallináceo se enfrenta a una nueva y terrible amenaza. Esta vez, Ginger y sus amigos tendrán que perpetrar un allanamiento… aunque deban poner en peligro la libertad que tanto les costó conseguir.
Crítica
Un trabajo de artesanía titánico
Allá por el año 95 el Pixar de Steve Jobs estrenó la película más exitosa de ese año, ‘Toy Story’. El primer largometraje hecho completamente de manera digital nos planteaba ver nuestro mundo desde la mirada de unos seres inanimados que cobraban vida, los juguetes. Solo cinco años después Aardman, de la mano de uno de sus fundadores, Peter Lord, estrenaba una película que seguía la misma senda, cambiando juguetes por gallinas y manteniendo la tradición del stop motion. ‘Chicken Run’, conocida en LATAM como ‘Pollitos en fuga’ y en España como ‘Evasión en la granja’, tenía poco que ver con el clásico de George Orwell pero tuvo un éxito atroz. Ahora los tiempos han cambiado y sin ninguna oportunidad de causar una revolución estará brevemente en cines para pasar luego a Netflix la secuela ‘Chicken Run: Amanecer de los nuggets’.
Con tanto que hemos visto ya en stop motion y tantas historias de animación que se estrenan durante el año no hay apenas espacio para la sorpresa. Pero al menos ‘Chicken Run: Amanecer de los nuggets’ ha conseguido colarse entre las 30 posibles candidatas a ser nominadas al Oscar 2024. Compite con ‘Robot Dreams’, ‘Deep Sea’, la segunda parte del Spider-Verso, ‘Unicorn Wars’, ‘Titina’, ‘Ninja Turtles: caos mutante’, ‘Dispararon al pianista’ y cómo no, los prefabricados Disney. Quizá se cuele por el encanto de su técnica animada o por hacer justicia histórica ya que su primera entrega no estuvo ni siquiera nominada. Desde luego se lo merecerían pues los de Aardman se han marcado otro hito en esto de dar vida a la plastilina.
Tras escapar de aquella granja que tenía ciertos paralelismos con un campo de concentración, las gallinas han prosperado. Residen en una isla en medio de un lago e incluso Rocky (ZacharyLevi) y Ginger (Thandiwe Newton) tienen una hija, Molly (Bella Ramsey). El conflicto, el disparador de una nueva aventura es el hecho de que la joven ave quiere ver más mundo. Una curiosidad incrementada por la irrupción del progreso humano y de un camión que luce una feliz gallina pintada en su lateral. ‘Chicken Run: Amanecer de los nuggets’ es una historia sobre la sobreprotección de esos padres que infunden sus propios miedos a los hijos. En este caso, sin darse cuenta, le privan de la libertad a su hija. Además toca de soslayo temas como el consumismo masivo o el atolondramiento que produce el entretenimiento baladí.
Aardman como siempre da una clase de maestría con el stop motion, sin escatimar en detalles. Detalles que llenan los fondos y que no están privados de movimiento y color por todas partes. ‘Chicken Run: Amanecer de los nuggets’ es un trabajo de artesanía titánico. La escena con el maíz, por poner un ejemplo, me resulta dificilísima de hacer.
Si antes hablaba de que la primera podía tener cierta similitud con los presidios nazis de la Segunda Guerra Mundial, esta va por otros derroteros. En las animaciones de Aarman siempre hay espacio para la parodia y las películas de ‘007’, ‘Misión Imposible’ y demás agentes que se enfrentan a supervillanos en fortalezas ultratecnológicas son las que más chascarrillos inspiran. Por supuesto se mantienen el humor blanco de la casa y la película es completamente infantil, al fin y al cabo Aardman siempre ha intentado inculcar buenos valores.
La única lástima de esta secuela, que a muchos pillará por sorpresa, es que no repite casi nadie en el doblaje original, a destacar Miranda Richardson en el papel de la villana. Habría estado bien recuperar a Mel Gibson (en V.O.) y a Ramón Langa (en castellano) para doblar a Rocky.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Chicken Run: Dawn of the Nugget. Duración: 101 min. País: Reino Unido. Dirección: Sam Fell. Guion: Karey Kirkpatrick, John O’Farrell, Rachel Tunnard. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Charles Copping. Reparto principal (versión original): Thandiwe Newton, Zachary Levi, Bella Ramsay, Imelda Staunton, Lynn Ferguson, David Bradley, Jane Horrocks, Romesh Ranganathan, Nick Mohammed, Miranda Richardson, Daniel Mays, Peter Serafinowicz. Producción: Aardman Animations, Netflix, Pathé. Distribución: Netflix. Género: aventuras, comedia. Web oficial:ver en Netflix
El próximo 15 de diciembre vuelven las gallinas más valientes del cine de animación. La secuela de ‘Chicken Run’, ‘Chicken Run: Amanecer de los nuggets’, llegará a Netflix con un reparto de voces compuesto por Thandie Newton (Ginger), Zachary Levi (Rocky), Bella Ramsey (Molly), Imelda Staunton (Bunty), Lynn Ferguson (Mac), David Bradley (Fowler), Jane Horrocks (Babs), Romesh Ranganathan (Nick), Daniel Mays (Fetcher), Josie Sedgwick-Davies (Frizzle), PeterSerafinowicz (Reginald Smith), Nick Mohammed (Dr Fry) y Miranda Richardson (Mrs Tweedy).
Dirigida por Sam Fell la película llega realizada por el ilustre estudio Ardman. Como siempre en stop-motion nos contarán las aventuras de unos parlanchines animales que ahora tienen que buscarse la vida fuera de la granja en la que se han criado.
Sinopsis oficial:
Para Ginger y el resto de las gallinas, todo está en juego cuando las amenazas del mundo humano llegan al propio gallinero. No se detendrán ante nada, aunque implique jugarse la libertad que tanto les costó conseguir. ¡Esta vez, van a ser ellas las que entren por la fuerza!
El cortometraje de animación ‘¿Dónde está Heleny?’ de Ester Vital es un alegato contra la violencia y la represión de las dictaduras basado en hechos reales que recrea la historia de Heleny Guariba, filósofa, profesora y directora de teatro secuestrada, torturada y desaparecida en 1971 por la dictadura brasileña.
El film recurre al stop motion usando la estética de las arpilleras, artesanía popular utilizada por las mujeres chilenas como forma de resistencia política ante el régimen de Pinochet. Por eso, en ‘¿Dónde está Heleny?’, el recurso de las arpilleras no responde solo a una elección estética; representan también una opción política y conceptual, y una forma de documentación. Su textura delicada contrasta con las violentas narrativas que contienen.
Para realizar este cortometraje su directora ha dedicado siete años a investigar y trabajar en laboratorio estético, puntada a puntada, fotograma a fotograma y recuerdo a recuerdo, para retratar el dolor. Las escenas se han construido a partir de los recuerdos de aquellos que vivieron los acontecimientos, colocando en el centro el valor del testimonio. Además, se realizaron talleres de arpilleras (presenciales y virtuales) para construir el universo visual de la película, y así visibilizar el carácter testimonial de la costura.
La candidatura al Premio Goya a Mejor cortometraje de animación representa para ‘¿Dónde está Heleny?’ la oportunidad de cerrar una brillante trayectoria que le ha llevado a participar en medio centenar de festivales e internacionales, y ganar 15 premios: Mención Honorífica del Jurado y Premio Canal Brasil en el 27 É tudo Verdade (Brasil); Mención Especial del Jurado Internacional en el 68 Festival Internacional de Curtas de Oberhausen (Alemania); Mejor Cortometraje de Animación Iberoamericana en el 17 Shorts México; Mikeldi a Mejor Cortometraje de Animación y Premio EITB del Público en el 64 ZINEBI; Mejor Cortometraje Documental en el 60 Golden Knight Malta International Film Festival (Malta); Coral Especial del Jurado Cortometraje Documental en el 43 Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana (Cuba); Mejor Mediometraje en Cine Plural (San Pablo); Mención Especial “Best Social Awarness” en el 18 Animayo – Summit, Conference and International Film Festival of Animation, Visual Effects and Video Games (Gran Canaria); Mención Especial en el 14 Golden Kuker International Animation Film Festival en Sofia (Bulgaria): Silver Lynx Best Animation Short en el 19 FEST – New Directors | New Films Festival,Espinho (Portugal): Mejor Cortometraje de Animación en el X Festival de Derechos Humanos de Colombia; Premio del público mejor cortometraje en el 3 Sinédoque – Festival de Documentales Cortos de Brasil; Premio del Público y Mención Horífica ABCA (Asociación Brasileña de Cine de Animación) en el 16 Animage – Festival de Cine Internacional de Animación Pernambucano (Brasil); Mejor Cortometraje Documental Internacional en el 13 FICCS 2023 – Festival Internacional de Cortos Cuenca del Salado (Argentina); Capo Pedaneo al mejor corto de animación en Fonfria Narco Film Festival.
Coproducido por la empresa brasileña Apto 122 y la española Tripulante Produce SL, este cortometraje escrito y dirigido por Ester Vital —que también se encarga de la dirección artística— , cuenta con dirección de fotografía de Giuliano Conti. Laura Martínez Salinas y Giuliano Conti son los productores. La dirección de producción corre a cargo de Iñigo Oses Maestro, Laura Martínez Salinas, Giuliano Conti y Esther Vital. Laura Martínez Salinas se ocupa del montaje, Miriam Biderman del sonido y Estela Carvalho del vestuario. Júlia Tygel firma la música original.
Coproducido por la empresa brasileña Apto 122 y la española Tripulante Produce SL, este cortometraje escrito y dirigido por Ester Vital —que también se encarga de la dirección artística y la animación— , cuenta con dirección de fotografía de Giuliano Conti. Laura Martínez Salinas y Giuliano Conti son los productores. La dirección de producción corre a cargo de Giuliano Conti, Esther Vital, Iñigo Oses Maestro y Laura Martínez Salinas, que se ocupa también del montaje, Miriam Biderman del sonido y Estela Carvalho del vestuario. Júlia Tygel firma la música original.
‘¿Dónde está Heleny?’ cuenta con el apoyo de Gobierno de Navarra, Ministerio de Turismo de Brasil, Ciudad de Sao Paulo, Rumos Itaú Cultural y Lei Aldir Blanc.
Sinopsis oficial:
Heleny Guariba, filósofa, profesora y directora de teatro desapareció en 1971 bajo la dictadura militar brasileña. A partir de arpilleras, tapices políticos chilenos que surgen en respuesta a los horrores del régimen militar de Pinochet, las memorias bordadas y animadas de quienes la conocieron revelan lo que las palabras no pudieron contar.
El cine oriental y la vuelta de ‘The Toxic Avenger’ nos han arropado en el día de hoy
Estamos llegando al final del Festival De la 56ª edición de Sitges. Hoy se ha realizado la entrega de premios a LeeUnkrich, Premio Màquina del Temps y el último Gran Premio Honorífico para el gran Phil Tippett, que, con un extenso texto de agradecimiento, nos dio un masterclass antes del visionado de ‘Toxic Avenger’.
También tuvimos el honor de estar en la presencia de TakashiMiike, siempre agradecido de estar en Sitges y este año además ha traído la premiere mundial de ‘Lumberjack the monster’ su última película protagonizada pro KazuyaKamenashi, quien también estuvo con nosotros. Además de que quisieron hacerse una fotografía con todo el público que podéis ver a continuación. Y ya por fin se pusieron las películas que habrá en las maratones del domingo con sus horarios específicos.
Aquí os dejamos todas las críticas de las películas que hemos visto el día de hoy en el Festival de Sitges.
‘The Toxic Avenger’
Llega el remake de ‘El vengador tóxico’ y con ello la vuelta de la Troma a la gran pantalla. Una cinta a la que le falta, como se diría en la Muestra Syfy, mucha mandanga, pero en los momentos en los que hay fatalities, es buenísima; pero hay pocos momentos así. La película se centra mucho en el drama familiar del protagonista y en la destrucción de la tierra por culpa de la contaminación de fábricas.
El maquillaje es tremendo, está muy bien y PeterDinklage como Vengador tóxico está estupendo. La ambientación de la película, es también tremenda, parece sacada directamente del Springfield de Los Simpson.
En líneas generales, ‘Toxic Avenger’ tiene un tono bastante amable, sobre todo conociendo la película predecesora y todas las cintas de la Troma. Y es lo que nos ha dejado a todos un poco fríos. Es una pena, porque la verdad en los momentos excesivos es extrema y es realmente lo que todos queríamos ver, sangre y destrucción por todos lados.
Nos reencontramos con Hideo Nakata en Sitges pero no con el terror que le hizo tan famoso con ‘The Ring’. Ya de entrada la pigmentación del arranque de la película dista de lo tétrico y está repleta de color y una bella imagen que parece una foto con efecto Orton. Y es que los primeros quince minutos si son inquietantes y trágicos, pero luego la trama sigue uno derroteros que no nos imbuyen terror.
Una lagartija que crece a partir de su cola, un accidente, la sombra de una amante, una reanimación milagrosa, inquietantes llamadas distorsionadas… El guión dispone algunos misterios que se van intercalando con una trama que bien podría ser la de un dramón de los de sobremesa de domingo que además va acompañado de algún que otro momento cómico. Culebrón paranormal que si solo hiciese uso de la imagen arquetípica de los fantasmas japoneses podría haber sido un sencillo divertimento terrorífico. Pero hay algo que nos aterra, los momentos ridículos y algunos detalles estéticos.
La trama es tan desconcertante como absurda. Podríamos llegar a pensar incluso que Nakata se ha contagiado de las imaginativas historias de Junji Ito. Sin embargo, a parte de una historia de corazones rotos a veces esto parece más la adaptación de un anime juvenil de tintes fantasiosos, más propia de Takashi Miike (momento Uri Geller incluido). Ni los momentos de comedia, ni siquiera el maquillaje del fantasma nos permiten sentirnos en una verdadera historia de terror. ‘Juego prohibido’ hace alusión a un triángulo amoroso y a un flirteo con el más allá, de esos nada aconsejables porque evidentemente te van a traer problemas. La idea está bien, pero ni es nada novedosa ni está embadurnada de los artificios correctos.
Dividido en capítulos, en el documental de Simone Scafidi vamos conociendo el lado más personal de Dario Argento. Uno de los grandes directores del cine de terror. El propio Argento nos cuenta lo importante que fue para él el trabajo de fotógrafa de su madre, la cual, fotografío a grandes actrices. De ahí aprendió la mirada fuerte de las mujeres y a como contar historias para ellas.
También nos cuentan cómo hizo famosa su cara al salir en la televisión. ‘Dario Argento: pánico’, es un documental enfocado para gente especializada, de esa que no falta en el Festival de Sitges. Yo me he perdido en algunas ocasiones. Conozco al director, pero es cierto que no he visto toda su filmografía. Pero aun así lo he disfrutado mucho.
Un pintoresco cuento contemporáneo que no tiene reparos en mezclar géneros y argumentos. Unos críos intentan jugar a su nueva consola, la cual es robada, y para ello necesitan chantajear a su madre con un pastel de arándanos. En el proceso se sumergen en un road trip cargado de curiosos personajes. Con esa premisa no lo decimos todo pues la película se reserva aún más.
Aventura rodada en 16mm muy setenteros evocando el espíritu de antaño, no solo de hacer cine sino también de aquellos tiempos en los que era concebible jugar sin la necesidad de una pantalla de por medio. Sin darse cuenta de ello estos amigos evocan el espíritu desafiante de Pipi Calzaslargas enfrentándose sin reparos y jugueteando con el mundo adulto. Son unos trastos que cual Link de Zelda tienen una misión que los lleva a otras misiones secundarias escondidas en bosques y tabernas. Es como una aventura gráfica llena de sinvergonzonerías. Lástima que al final no cierre el mensaje que yo por lo menos he extraído y que tenga algunos momentos de bajón por recrearse en los secundarios, a los cuales, tampoco les da excesiva explicación.
Divertida película canadiense, con un humor muy sencillo y que arranca sonrisas durante sus 92 minutos de duración. Sasha no es una vampiresa normal, tiene un trauma desde pequeña que hace que sus colmillos no asomen. En su adolescencia la obligan a marcharse porque intenta alimentarse por sí misma. En sus noches conoce a Paul, un suicida que tiene un plan.
La película trata varios temas de manera un tanto cómica, como el suicidio, las reuniones para intentar no suicidarse y también el bullying. Sasha y Paul parecen sacados de la mente de Tim Burton, son personajes deprimidos, retraídos socialmente y con una ingenuidad que los hace ser dulces y frágiles. La verdad que me lo he pasado muy bien y me ha parecido una película bastante tierna.
Phil Tippet uno de los grandes en el ámbito de los efectos visuales, creó ‘Mad God’ en los años 80, durante mas de 30 años estuvo trabajando en ella, junto a voluntarios que le ayudaron a sacar el trabajo adelante.
‘Mad God’ es una película tenebrosa que ya pasó por el Festival de Sitges y que no dudamos en ver de nuevo. Llena de criaturas que parecen sacadas de pesadillas dantescas en un mundo apocalíptico, lleno de mugre, guerras y seres terribles. Seguimos a un personaje a través de todo este mundo. Realmente no sé qué me ha querido contar, en el Q&A que hemos tenido después del visionado él ha descrito ‘Mad God’ como un viaje de conversión religiosa.
Eso sí, la película me ha parecido tremenda visualmente, el trabajo de stop-motion, creación de criaturas y toda la ambientación es brutal. Además de la dirección. Tiene unos planos muy cuidados.
Del director de ‘El bueno, el malo y el raro’, Jee-woon Kim, llega esta larguísima película. Una obra igual de ágil y cómica en la que nos muestra la obsesión de un director por acabar su nueva película, aquella que intenta que le coloque por fin a la altura de su mentor. Pero la censura y los miedos de la época le frenan. La nostalgia se ha asentado en el cine coreano y volvemos a los setenta, como con ‘Smugglers’. Su industria ha madurado y crecido tanto que les ha llegado el momento de hacer cine sobre hacer cine. Esta película reflexiona sobre el pasado de la industria en el país oriental y a la vez hace un ejercicio de metacine.
Jee-woon se monta su propio ‘Birdman’, su ‘Ave, Cesar!’ en el que pone un circo y le crecen los enanos. Nos sumerge en el frenesí de un rodaje improvisado y casi clandestino. Notas de humor pueblan la película que se va enredando más y más. Doble intriga para el espectador pues hay dos narraciones en marcha, dos finales por resolver que, conociendo como suelen ser estas películas, sabemos que se solucionarán simultáneamente: el del trastabillado rodaje y la historia ficticia para la que hay que rodar un nuevo final. Quizá hay algo de historia personal en todo esto, pero huele a que el director ha querido seguir los pasos de otros filmes de Estados Unidos pero con los detalles de su país. Una manera de hacer un remake sin necesidad de pagar derechos y con la ventaja de la innovación allá en su tierra.
Takashi Miike, el prolífico y adaptable director japonés, vuelve a Sitges con una historia que conserva su sello, pero que exhibe una contención pocas veces vista en su filmografía. Su currículo está repleto de extravagancias y baños hemoglobínicos, que aquí no faltan, pero nos reduce la dosis. Los chorros de sangre van de más a menos y en su lugar nos brinda una trama policial. Es la persecución de un asesino psicópata, de varios de hecho, aunque procura no olvidarse de sus personajes extraños.
La película sigue el juego de duelos entre detectives y sociópatas como el de ‘Death Note’. El villano flirtea con la policía que le pisa los talones, mientras hay otra fuerza enemiga en el tablero. Incluso se plantea un debate similar sobre el castigo a los supuestos enemigos de la sociedad o lo justificado que puede estar el tomarse la justicia por cuenta propia. A la trama le falta la ultraviolencia de Miike pero por el contrario se vuelve muy interesante con el duelo a tres bandos que plantea.
Quizá los actores ejecutan sus papeles con excesivo dramatismo, pero no deja de ser algo propio del cine nipón. Miike ha escogido una buena base para este nuevo filme, la novela de Mayusule Kurai. Además se ha asociado con alguien también muy acostumbrado a adaptar animes o mangas a la acción real como Hiroyoshi Koiwai. Se hecha de menos su sentido del humor pero es un gustazo ver que sigue en forma y descubriendo nuevos talentos como Kazuya Kamenashi que tiene aquí su primer papel protagónico.
El director (Ryo Takebayashi) firma la película como Take C. No se si es un guiño a Takeshi Kitano por sonar parecido pronunciado en inglés o si simplemente hace alusión a la inexperiencia que tiene en el campo del largometraje indicando que no es alguien de sacar el trabajo en una sola toma. Para compensar esa falta de experiencia la película se ambienta en un solo lugar, una oficina, y aunque hace referencia otras muchas películas del mismo subgénero intenta romper la rutina de este tipo de films. Normalmente los bucles temporales en el cine se muestran primero como un día normal y luego empieza la repetitividad. Las víctimas de este día de la marmota arrancan conscientes y hartos de estar enfrascados en la repetitividad, intentando convencer al resto. Es una metáfora obvia sobre la rutina, la sensación de bucle que podemos tener al acudir todas las semanas al mismo lugar de trabajo, con la misma gente y la misma tarea.
Hasta para los japoneses la rutina y la frialdad del trabajo puede ser deprimente. Insospechadamente desde el país nipón nos llega esta obra que aboga por romper la rutina que nos pone un grillete en la oficina y nos anima a mirar más allá de nuestro puesto de trabajo. También por no tener miedo a volar hacia otros proyectos a través de una paloma que se estrella constantemente y la trama de la protagonista que duda en abandonar su puesto. Dotada de muchas pequeñas historias consigue ser un entretenimiento simpático
Entre las muchas películas que hemos visto hoy, hemos tenido castores, arañas, médiums, samuráis, kung-fu, animación y una divertida serie.
Hoy se han dado los Premios Méliès d’Or en el Sitges Festival, en esta ocasión, el galardón a la mejor película ha estado para ‘Lola’ de AndrewLegge. El premio al Mejor cortometraje ha sido para ‘Gnomes’. El jurado ha estado formado por FrancecsMiró, AntoniPeris y YleniaCañadas.
El MélièsCareer de este año, que reconoce la trayectoria de un nombre destacado de la industria, ha caído en manos de JorgeGuerricaechevarría, por toda su carrera en el mundo del género.
Hoy ha sido también día de invitados, entre los que destacan BertoRomero, AndreyBuenafuente y MaríaBotto, presentando ‘El otro lado’, aquí os dejamos el enlace a nuestro vídeo de youtube de la presentación. También han asistido JavierGutiérrez con parte del elenco de ‘La espera’ entre muchos otros.
Os dejamos nuestras críticas del día de hoy, que como podéis comprobar no son pocas y han tenido bastante calidad.
‘Kubi’
Takeshi Kitano, para muchos el cerebro de ‘Humor Amarillo’ y para otros autor de un filme premiado en Sitges como ‘Zatoichi’, vuelve con una historia del Japón feudal. Una obra que dirige y en la que interpreta pero que no protagoniza ya que el elenco es muy coral. El reparto es tan grande que nos tiene que ir presentando uno a uno a todos los lords feudales que protagonizan la historia.
Kubi trata a cerca de unos enfrentamientos entre señores, líderes de clanes que protagonizan reyertas y guerras. Pero también de una relación amorosa entre varios de ellos. En esta pelea por conseguir ser el siguiente Shogûn es fácil perderse. Pero entretiene pues entre tantas intrigas hay derramamiento de sangre y momentos absurdos propios de la cinematografía de Takeshi. Ojalá este hubiese sido un filme que adaptase su show televisivo a modo de historia del siglo XVI, pero como historia para los amantes del cine oriental clásico es una producción magnífica. También para los que busquen conocer el pasado del país nipón, incluida la historia de Yasuke, el primer Samurai de raza negra.
Las dimensiones del filme son vastas, pero la película queda lejos de la genialidad de este reverenciado director.
Kubi significa cuello y efectivamente eso es lo que se juegan los protagonistas de este juego de tronos con base real que tanto ha estudiado Takeshi. Si no te gustan las películas sobre señores de la guerra puede que acabes diciendo akubi, que significa bostezo en japonés. Yo la he encontrado entretenida y aquellos a los que les gusten videojuegos como el ‘Ghost of Tsushima’ o el cine de Kurosawa también le encontrarán momentos disfrutables. Se hace desear, pero alcanza niveles épicos.
DavidAllen, artistas de efectos especiales entre sus trabajos estaba ‘El secreto de la pirámide’, dirigió a principios de los 90 su proyecto soñado que llevaba años planificando. A su muerte, el film se quedó en pausa. Veinte años después de su perdida es recuperada y rodaron lo que faltaba.
La película es amor hacia el cine de los 60, 70, con un stop motion realizado con mucho detalle y dedicación. Es una especia de Viaje al centro de la Tierra, en donde veremos al gran yeti, un personaje creado con una gran expresividad y no solo eso, sino que veremos aliénigenas con una gran tecnología.
La película me ha divertido mucho, no aburre y la verdad que está muy bien tratada, esa ingenuidad del cine de antes se ve en todos lados de la película. Si que se nota que hay algún hueco en el montaje, al final es una película que han tenido que revivir y supongo que les ha sido bastante complicado. Pero aun así es muy disfrutable.
Esta es quizás la película que más me ha decepcionado hoy, y aun así no puedo ponerla mal. Simplemente tiene el gran fallo de ser demasiado larga. Y es que ‘Hundreds of Beavers’ nos trae la historia de un hombre que debe hacerse cazador de castores para sobrevivir y poder tener a su amada.
Película muda, rodada en blanco y negro y contada como si el coyote y el correcaminos estuviesen en pantalla.
Castores, conejos, lobos y mapaches de peluche, van muriendo terriblemente por este cazador, al principio muy torpe. Todo ello, con trampas imposibles que le fallan una y otra vez.
Es divertida, tiene unos gags muy ingeniosos, pero para hacerla de tan larga duración, al final se repite una y otra vez y como digo, es una pena, porque es super original. Y aunque efectos y tal son totalmente manuales, le da un toque divertido y no importa para nada.
Aun así, aunque diga que es una decepción, el día que se estrene, os animo a verla, porque la verdad que la idea es muy chula y merece una oportunidad.
Traducido literalmente el título significa contrabandistas. De estraperlo tienen que vivir unas mariscadoras que pescan en apnea. Tienen que cambiar su oficio por culpa de la contaminación en el mar. Esto que suena a titular de la época del Prestige es una película de acción ambientada en los años setenta que ha salido muy bien airada de la taquilla coreana.
Las protagonistas se convierten en unas Walter White, buenas personas sumergidas en una trama delictiva para poder sobrevivir. Y ello conlleva abrirse paso a base de carácter, orgullo y buen humor. Viene a decirnos que, si el sistema no castiga a las empresas que contaminan sin atenerse a normas, está justificado trampear al sistema, buscarse la vida como sea. En España, sobre todo en la costa mediterránea sabemos muy bien cómo va esto de los fardos en el mar. Aunque en las costas gallegas también saben lo que es ser conocido como la puerta de Europa para los narcos.
Tanto la ambientación como el estilo setentero están bien copiados y adaptados a la era del 4k. La película transcurre en una época de transición y encierro para el país asiático, unos tiempos en los que aún recibía donativos internacionales. Lo que ha hecho el director es maquillar aquellos tiempos a base de color, suspense y carisma. Hace uso de buenos recursos narrativos para empoderar a sus personajes hacer soportable los más de dos horas de duración.
Si, lo sé, me dan miedo los bichos y me meto a ver una película sobre una plaga de arañas. ¿Qué os puedo decir?, pues que he pasado un miedo tremendo.
Pero no solo depende de que me den o no miedo los bichos, no, sino que ‘Vermin: la plaga’ está muy bien hecha, y tiene una dirección que logra que te mantengas en tensión desde el primer momento en el que conocemos a la araña.
La sinopsis es sencilla, un chaval, en un edificio de viviendas decide meter una araña exótica a su colección, esta se escapa y la lía.
Con ‘Vermin: la plaga’ hemos estado toda la sala incómoda mientras nos picaba todo el cuerpo. Es alucinante lo que logra SébastienVanicek con la película, agobia un montón, utiliza cada rincón del edificio para crear la sensación de claustrofobia y de trampa.
Está demasiado bien hecha, las arañas, quitando por su tamaño, parecen reales y una de las cosas que más me ha gustado, es que las reacciones de los protagonistas son bastante reales, es decir, chillar como histéricos ante la vista de un bicho o quedarse petrificados como si de un Tiranosaurio rex se tratasen y las arañas no te fuesen a ver.
La recomiendo si no os dan miedo los arácnidos, si no, evitadla.
CarlotaPereda regresa a Sitges con ‘La ermita’ un drama sobrenatural bastante interesante y con unas localizaciones de lujo y el CGI que es bastante bueno, además del trabajo de maquillaje.
La cinta nos lleva al norte de España, a una celebración en la que se abre una ermita una vez al año donde eran encerrados los enfermos de la Peste. Aquí conocemos a Emma, que está obsesionada con la historia de una niña que murió allí.
La película no es la típica película de fantasmas, es algo más profundo, entre las relaciones de madres e hijas. Una historia bastante triste, pero que, según la ves, tienen algún toque de humor o al menos durante su visionado, el personaje de Emma con su ingenuidad, logra sacarnos más de una sonrisa.
El dúo que hacen MaiaZaitegi, la actriz que da vida a Emma, y el personaje de BelénRueda, es de lo mejor de la película. Dos personajes a los que les une el destino.
‘La ermita’ llega el próximo noviembre a nuestras salas de cine y la verdad que merece mucho la pena el visionado.
Película absurda, desatada, chanante, en la línea de títulos como ‘Fist of Jesus’ o ‘Apocalipsis Voodoo’ y si miramos más allá de nuestras fronteras ‘Kung Fury’. RainerSarnet nos trae desde Estonia una película de producción procedente de múltiples países que mezcla también multitud de géneros. Comedia, kung-fu, el macarrismo de los setenta, la cultura ortodoxa… Es un batiburrillo que se encaja de la manera más disparatada y desternillante. Con su estilo hortera de Europa del Este y su humor sin miedo al ridículo parece un videoclip de Little Big. Solo en una película como esta podríamos ver desinfectar una herida con Channel n°5 o lecciones de habilidad y disciplina con empanadillas sin freír.
Ambientada en la frontera entre la Unión Soviética y China nos cuenta la aventura de un fan de Black Sabbath para convertirse en un todopoderoso monje. Ves la película y parece que los subtítulos están modificados para animar la proyección, pero poco hace falta para darse cuenta de que responden a las chifladuras que vemos en la pantalla. UrselTilk está divertidísimo en un papel cómico nada sencillo de interpretar. Lástima que pierda ritmo y cadencia de gags a mitad de su metraje convirtiéndose en un drama eclesiástico bastante plomizo.
Xiaopeng Tian vuelve con una película de animación para su debut en Sitges. Con ‘Monkey King: hero is back’ nos brindó una aventura con mucho sabor a tradición china. Ahora nos adentra en un mundo repleto de color y una imaginación exuberante. Una niña es la protagonista de esta cinta. Una pequeña que echa de menos a su madre se cae por la borda cuando iba con su padre en un crucero recreativo. Un tifón es el responsable de ese accidente, pero también el punto de partida de una aventura que cual manga de agua revolucionará su vida. Como si esta fuese una revisión de la figura de Dorothy en el mundo de OZ descubre un universo de fantasía que le ayudará en su viaje personal, dotando al filme de un mensaje profundo. Incluso hace nuevos amigos que la incluyen en su búsqueda, pero son diferentes al espantapájaros, el león y el hombre de hojalata.
Pero el auténtico protagonista, los protagonistas, son los animadores de este filme. Han hecho de este largometraje toda una experiencia. Es apabullante la calidad técnica de esta película. Es un desborde de formas, movimiento y pigmentos que nos dejan con síndrome de Florencia. Una saturación artística al nivel de autores del postimpresionismo como Van Gogh, Seurat o Gauguin. Y es que realmente la película es surrealista y transcurre como si mostrase el subconsciente del artista, como una extensión de sus sentimientos. El diseño de entornos y personajes consigue ser muy realista, pero a la vez onírico, algo nada fácil de equilibrar. El nivel de detalle, con pelos, partículas flotando, luces, masas de agua… es de primer nivel, bravo por el estudio October Media.
Son casi dos horas de película que como decía sobrecargan nuestros sentidos. Si juntamos la calidad artística, la protagonista infantil, el cuento que narra… es lo más potente que he visto en lo que se refiere a todo aquello que haya podido seguir la senda de Ghibli. No sería de extrañar el acabar viendo en España objetos promocionales de esta película tal como pijamas, figuras, cómics o libros de arte.
Le ha llegado el turno de la parodia a periodistas que se han dedicado a la divulgación de temas misteriosos. Iker Jiménez y similares son objeto de esta ficción que desde el respeto protagoniza Berto Romero acompañado de Buenafuente y María Botto a los que se suman Eva Ugarte, Ramón Barea y Nacho Vigalondo, entre otros. Evidentemente esto está guionizado, pero la química, agilidad o espontaneidad de la pareja cómica está muy presente, pero ‘El otro lado’ nos ofrece algo más.
Puede que lo que más llame la atención sea la competencia desleal entre colegas del gremio. Pero más allá de eso yo veo un enfrentamiento entre la vieja escuela contra las nuevas corrientes. Y ganando una dimensión que transgrede al transitar por todo el mundo del misterio está la parte que habla la crisis de un profesional entrado en años. Para retratar el antes y el ahora, además de burlarse de los nuevos códigos impuestos por las herramientas digitales se recrean programas a la antigua, de un modo muy eficiente. También ‘El otro lado’ reflexiona cómo la prensa muchas veces más que inmortalizar o difundir la noticia forma parte de ella o la genera malmetiéndose.
Pero no todo es sumergirse en una comedia al más puro estilo de Javier RuizCaldera y Alberto de Toro, con la absurdez y patetismo que suelen enarbolar. También tenemos escenas de terror al estilo de películas como ‘Verónica’ o ‘Poltergeist’. Si, Berto y Buenafuente nos hacen recordar con sorna casos como los de Fátima o cualquiera de los muchos niños sanadores que han surgido a lo largo de nuestra historia, pero también nos someten con rigor a algunos momentos terroríficos. Esta es una comedia que parodia nuestra televisión y a la comunidad conspiranoica. Dada su dinámica os vais a acordar de ‘Un hombre lobo americano en Londres’ o ’Agárrame esos fantasmas’.
Pobres criaturas, poseídos y primera sorpresa, así ha sido el día de hoy
Un día más en Sitges, hoy el gran protagonista ha sido J.A. Bayona, que presenta ‘La sociedad de la nieve’ y ha recogido el segundo Premio Màquina del Temps de la edición de este año.
“El Festival de Sitges es muy especial porque el espacio entre escenario y la primera fila de butacas es muy pequeño, en el sentido de que es muy fácil ver a aquellos directores a los que uno admira sentados entre el público” nos contó Bayona en la rueda de prensa. Sobre el libro que inspira la película, el director ha contado como lo que le atrajo no fue el canibalismo: “lo que más me interesó y me impactó desde un primer momento fue el componente filosófico y psicológico de la historia».
Hoy entre las películas más destacadas que hemos visto han sido, la increíble ‘Pobres criaturas’, la estupenda ‘Cuando acecha la maldad’, la divertida ‘La extorsión’ o la curiosa ‘Best wishes to all’.
Además hoy hemos conocido una de las películas sorpresa que se podrá ver en la Marató Final de la madrugada del sábado 14 al domingo 15 que empieza a la 1 de la madrugada en Auditori y que será, ‘Birth/Rebirth’, la ópera prima de la joven directora neoyorkina Laura Moss.
Ahora os dejamos con las reseñas de las películas que hemos tenido el placer de disfrutar hoy, mañana seguimos con todo nuestro diario.
‘Pobres criaturas’
Moviéndose con una trama que bien podría estar inspirada por ‘Frankenstein’ o ‘Re-animator’ nos presenta a una mujer que ha sido revivida por un extraño científico. Pero aunque se haya puesto más fantástico que nunca con Lanthimos ya sabemos que no podemos esperar algo convencional y mucho menos algo suave. Coge la ingenuidad de ‘Eduardo Manostijeras’ y desarrolla una sátira cortante, llena de alegatos feministas hasta alcanzar niveles ácidos. Es el coming-of-age más extraño que hayáis podido ver en vuestra vida. Destroza los convencionalismos y todo aquello que el ser humano se ha autoimpuesto en contra de su propia naturaleza. Desde el punto de vista de los cuentos góticos narra una historia de lo más punk en contra de lo que nos cohíbe, limita y condiciona.
El reparto es de excepción. Pero evidentemente Emma Stone es la joya de la corona. Como decía antes con el anglicismo, esta es una película sobre el paso a la madurez, sobre el desengaño a cerca de cómo es el mundo y sobre cuál es realmente la condición humana. Stone pasa por todos los estadios de su personaje ejecutando una de las mejores interpretaciones de su vida. Pasa de la completa inocencia a crear toda una Mary Shelley.
Nos lleva por un viaje que pasa del blanco y negro al color más propio de una foto en HDR o a los decorados de un cuento de Tim Burton en plan ‘Big Fish’. Cuando extraemos los mejores fotogramas es cuando coloca el ojo de pez. Las imágenes en gran angular exhibidas en escala de grises nos recuerdan a las películas de hace un siglo o a cuadros como el ‘Mano con esfera reflectante’ de Escher. Se merece la categoría de obra de arte por encima de los productos actuales, si no es por su factura técnica es por su incómodo mensaje y desde luego por sus interpretaciones.
Una joven estudiante de enfermería regresa a casa de sus abuelos para ver que tal están. Allí descubrirá el terrible motivo porque su familia siempre ha sido feliz
Una película muy loca que me ha recordado muchísimo a las historias de Junji Ito. Muy original y siniestra. Con un toque a casa encantada muy bueno, sin ser esto por supuesto.
Yûya Shimotsu dirige la película de una manera estupenda, jugando con unos planos muy cortos de los rostros y también planos generales de la casa.
Hay momentos que se ve el terror geriátrico, con los abuelos haciendo cosas chungas por la casa a oscuras y dando miedo.
‘Best Wishes to all’ es una cinta muy entretenida y con una historia muy diferente a lo que solemos ver.
En medio del desierto se juntan muchos desconocidos. Una gasolinera, un motel y una cafetería se convierten en el centro de la vida de estos viajeros que se quedan varados por la misma razón, no hay gasolina. En medio de todo esto la sombra de unos atracadores de bancos. Los ingredientes de esta película se van incorporando poco a poco hasta conformar una ensalada de sentimientos y una situación en la que cada uno es consciente del conflicto en diferente grado. Eso le da a la película un plus de interés que si bien se fragua muy poco a poco se gestiona con pequeñas dosis de humor y una tensión que crece a través de momentos muy bien fundamentados.
Una película que sabe cuando explotar, que tiene giros bien armados y que maneja sobre todo elementos de western. Quizá no es la película más tensa o mejor filmada del festival de Sitges pero tiene buena factura y gestiona perfectamente sus recursos para no mostrar ninguna carencia.
Del director de ‘Aterrados’ que pudimos ver también en Sitges, llega ‘Cuando acecha la maldad’ una película que sigue la estela de terror de su antecesora, pero saliendo del plano fantasmal. Estamos en un pueblo en el que unos hermanos descubren a un hombre poseído y a partir de ahí comienzan a huir para poder salvar la vida y la de su familia
Una cinta muy bien tratada, con acción y muy bien CGI y maquillaje. Hay escenas que ponen los pelos de punta, sobre todo las que tienen que ver con niños, pues son bastante salvajes.
La película me ha recordado a ‘Fallen’ o a ‘Quién puede matar a un niño’. La verdad que ha sido muy divertida y lo m hemos pasado bastante mal en la sala de cine, algo que siempre es bueno. Así que espero que pronto llegue a nuestras pantallas y la podáis ver.
Robert Morgan aterriza en Sitges con esta historia de curación de heridas. El arte ha sido siempre un buen receptáculo en el que volcar inquietudes, penas y dolores y este es uno de esos casos. Pero también el arte ha sido el ido el hilo conductor o el detonante de muchas locuras. Esa es la premisa de esta película que nos habían pintado muy similar a ‘Censor’, obra que recomiendo mucho y que ya pasó por el Festival de Sitges. Entiendo la relación ya que nos habla de la locura, tiene mucho cine tras bambalinas y hay un trauma de fondo. Pero las maneras de narrar la historia son muy diferentes y en donde pierde este filme es en los tiempos. Se intuye demasiado pronto el pastel y la película pretende esconderlo más tiempo del que el espectador necesita. Se alarga por lo tanto demasiado su conclusión y la reiteración del esquema y de algunas escenas hacen que esta película tenga más stops que motions. Al menos la animación está bien hecha y es agradecidamente creepy. Si te gustó ‘Bliss’ de Joe Begos probablemente te guste este título.
Alejandro está deseando jubilarse por la puerta grande, tiene una mujer increíble y una vida ya despreocupada, hasta que le intercepta el servicio de inteligencia de su propio país, el cual le requiere ocultar contrabando en sus aviones bajo la amenaza de revelar información que destruiría toda su tranquilidad. A partir de aquí, Alejandro, se ve enredado en una red de espionaje del que intentará salir con vida.
‘La extorsión’ es un thriller muy bien dirigido que nos adentra en el mundo del espionaje a través de los ojos de un pobre hombre, que pese a sus errores no es mala persona. Con un poco de humor, vamos viendo como nuestro protagonista debe ir pisando con pies de plomo, para no terminar en la morgue.
EmanuelDiez, guionista de la cinta, logra un equilibrio perfecto entre comedia y thriller y ayudado por supuesto por la dirección de MartinoZaidelis, logran una película perfecta. Divertida e inquietante, no te aburres ni un segundo.
Que a Álex de la Iglesia y Jorge Gerrikaetxebarria les gustan las historias satánicas, los juegos de rol y las escaladas de violencia o locura es algo que ya sabíamos. Pero en ‘30 monedas’ se junta absolutamente todo eso, lo cual, sumado a que estamos ante una producción de HBO Max eleva el nivel. Si la primera temporada nos pareció un espectáculo rural, imaginativo y desatado, como si Berlanga fuese fan del fantástico, en esta disfrutamos como un gamer con consola nueva. ¡Tenemos nueva partida!
La serie sigue con ese toque rolero que en ocasiones se parecía a Hellblazer y por momentos a un episodio españolizado de ‘Supernatural’. Hellblazer o videoclip de heavy metal son términos más acordes a esta temporada. Las escenas del infierno evidentemente se llevan la palma. El diseño de criaturas, no anda corta en monstruos, y del infierno cuyos pasajes tienen un marcado estilo neoclásico es acertadísimo. Es tanta la parafernalia que se ha dispuesto que a uno le gustaría conocer la función de cada sala y cada demonio (algunos encarnados por Javier Botet). Hablando del infierno. Ha surgido un tercer bando entre cielo e infierno, como ya se hizo por ejemplo en los cómics de Spawn, pero ese es el tipo de nuevos ingredientes que vais a ir descubriendo.
Continúa el suspense macabro de esta serie que juguetea muy acertadamente con toda la parafernalia religiosa. Esta es una carrera por objetos de poder en la que por supuesto hay también terror y acción. El conteo de muertes, quizá es otra aportación de HBO, crece capítulo a capítulo. Pero no es todo espectáculo, también se percibe que habrá espacio para el desarrollo de personajes. De momento va todo bien y eso que solo hemos visto los dos primeros episodios. Pero estamos metidos ya en faena con el resto de capítulos y pronto os daremos reseña entera. Estad atentos que se estrena el 23 de octubre.
Como en muchas ocasiones, tenemos una nueva cinta de exorcismos basada en un caso real. Conocemos a Lara, una mujer atormentada, la cual está dividida entre la ciencia y la fe. Con un pasado muy oscuro, está perdiendo la cordura. Su marido desesperado busca una cura y se deja arrastrar por el fanatismo religioso.
‘El exorcismo de Eastfield’ es entretenida, sin más. No nos da nada nuevo y el giro final más o menos te lo vas viendo desde el principio. Tampoco se preocupan demasiado en esconder la sorpresa. Aunque es flojita, sí que es cierto que no aburre y la película está bien contada.
Eso sí, es una cinta con muy poco presupuesto y hay que admitir que el director ha trabajado mucho para llevarla a cabo. Y es que está completamente montada con una IA, con la que se ayudan muchos montadores en la actualidad, pero que NickKozakis, ha utilizado para montar el sonido, los efectos y la película en general, para poder ganar tiempo. Y la verdad que está bastante bien resuelta técnicamente.
El protagonista es un inadaptado marcado por una deformidad en sus pies y el hecho de ser huérfano. Recibe palizas de abusones y él tiene sus válvulas de escape, pero nada es suficiente. Hasta que conoce a Carmilla (una gótica malpintada que se dice descendiente de Drácula), con la que emprende una huida física y emocional que le llevará lejos del mundo que no le comprende.
Brando de Sica nos ofrece una aventura de amor adolescente que nos sugiere que Drácula está enterrado en Nápoles, lo cual tiene cierta base real pues un estudio de una universidad de Estonia afirma eso mismo. Sin duda ese peculiar proyecto universitario puede haber sido el germen de esta historia. Aunque suene absurdo la película no se mueve por esos derroteros y se presenta como un drama sin música pero con cierto sabor rockero y muchos estrógenos. Es una extravagancia moderna vampírica que usa el simbolismo de los chupasangres para ejemplificar un paso a la madurez y también a la locura. Romanticismo y reminiscencias de ‘La novia cadáver’ acompañadas de algunas escenas fuertes. No dejas de tener la sensación de que Eric Draven ha descubierto la pizza y las luces de neon.
Una mutación comienza a afectar a la humanidad convirtiéndolos en animales. No todas las personas tienen este gen, y el temo hará que veamos como terminan siendo rechazadas y encerradas en hábitats apartados.
‘El reino animal’ nos trae una premisa interesante, aunque está bien contada, la verdad que le sobra bastante metraje. Pero, aun así, es una propuesta que tiene un gran debate por delante y que además da para una segunda parte.
Muy al estilo ‘Sweet tooth’, la película nos muestra el miedo a lo diferente, el miedo a esas mutaciones que hacen que los humanos pierdan la sociabilidad y se conviertan en animales. Sacan su lado más salvaje, pero lo que nos muestra también la película, es que, a su vez, vemos su lado más bondadoso. Esa bondad que en los seres humanos desaparece al sentir miedo.
Una película que nos habla de la familia, el amor y el intento de salvación por parte de un padre que ve como le intentan arrebatar a lo que más quiere del mundo.
Cuando Babs, una niña de 9 años, recibe a un cerdito llamado Oink como regalo por parte de su abuelo, convence a sus padres de quedárselo con la condición de que siga un adiestramiento para cachorros. El cerdito cambiará su vida y la de todos en su familia hasta que las cosas empiezan a complicarse de manera inesperada cuando descubre que sus padres no son la mayor amenaza para Oink.
Crítica
Pintoresca historia sobre la responsabilidad y los lazos afectivos
‘Oink oink’ es una película de animación que se nos escapó en la pasada edición del Festival de Sitges y que ahora que llega a salas de cine hemos podido disfrutar. Y digo disfrutar porque es un título que a pesar de la tosquedad y ordinariez que tiene el animal al que hace alusión su onomatopeya está llena de gracia y sensibilidad. Es más, está basada en un libro de los Países Bajos (‘De wraak van Knor’) cuya autora se llama Tosca Menten, un nombre que puede sonar a tosco pero que no hace honor a dicho chiste fácil.
‘Oink oink’ nos congratula como tantas otras películas por usar la técnica del stop motion. Pero sobre todo nos encandila por la ternura que aflora en la relación entre una niña y su mascota. La holandesa Mascha Halberstad ha logrado con este filme algo que ya hizo Chris Noonan con su Babe, que veamos a un gorrino flatulento y cagón como algo adorable y noble. También desarrolla una bonita historia de descubrimiento entre una niña que es un trasto y un abuelo que hasta entonces estaba desaparecido.
Es de ese cine que consigue alcanzarnos a través de personajes pintorescos, de historias variopintas y relaciones íntimas. Aunque todo esto suene a cine intensito o cultureta ‘Oink oink’ es una película infantil con mucho que enseñar. Por supuesto todo habla de la responsabilidad que ha de tener cada uno hacia sus mascotas o los actos de estas. También, a modo de redención, se nos plantea que hay cosas ineludibles en la vida, como los hijos. Pero también hay un abierto mensaje animalista y vegano.
El diseño de personajes y la elección de color puede recordar al de ‘Wallace & Gromit’ o ‘La oveja Shaun’, aunque a veces se acercan a los grotescos protagonistas de ‘Robot chicken’. Podría ser efectivamente una historia sacada de una serie televisiva de tantos canales infantiles que hay hoy en día. Sin embargo su trabajo merece la pena ser visto en pantalla grande.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Knor. Duración: 72 min. País: Países Bajos. Dirección: Mascha Halberstad. Guion: Fiona van Heemstra. Música: Rutger Reinders. Fotografía: Peter Mansfelt. Reparto principal (doblaje original): Hiba Ghafry, Alex Klaasen, Johnny Kraaijkamp, Loes Luca, Matsen Montsma, Kees Prins, Jelka van Houten, Henry van Loon, Remko Vrijdag. Producción: Viking Films, A Private View, Vrijzinnig Protestantse Radio Omroep. Distribución: A Contracorriente Films. Género: animación, comedia. Web oficial:https://aprivateview.be/nieuwsartikel/oink-premiering-in-belgian-cinemas/
Pinocho, de Guillermo del Toro, es una reinvención del cuento clásico de Carlo Collodi sobre el niño de madera. Una asombrosa obra magistral que muestra a Pinocho en una fabulosa aventura entre mundos y desvela el estimulante poder del amor. Pinocho llegará a Netflix el próximo 9 de diciembre tras su estreno en cines el 25 de noviembre.
Crítica
Deslumbrante cuento llevado al terreno de Del Toro, de Laika y de Broadway
Tras el éxito de ‘El Gabinete de Curiosidades’ tenemos un nuevo título de Guillermo del Toro en Netflix, que tendrá un periplo previo en cines. El oscarizado director mexicano se ha aliado con el animador Mark Gustafson y con Patrick McHale (‘Más allá del jardín’, ‘Hora de aventuras’) como co-guionista. Esta es una nueva versión del clásico de Carlo Collodi que ha sido realizada en stop motion, que a priori parece la opción más adecuada ya que los personajes están hechos con muñecos y como todos sabemos Pinocho es una marioneta.
Basándose en los diseños del cuento ilustrado de Gris Grimly (Steven Soenksen) volvemos a la Italia del segundo cuarto del siglo XX. El equipo técnico ha clavado esa estética y además la ha combinado perfectamente con el imaginario de Del Toro. Por lo tanto va a ser fácil que recordéis la mitología o las criaturas suyas como las desarrolladas para ‘El laberinto del fauno’ o las entregas de ‘Hellboy’. Para recrear ese lugar de la Europa de hace casi un siglo no ha hecho falta generar ambientes o personajes feos como los de la película de Matteo Garrone. Muy al contrario, ‘Pinocho de Guillermo del Toro’ aporta y respeta la esencia del original, sin necesidad de imitar como el último live action de Disney. Lo que más me ha gustado es que se asemeja mucho a producciones de Laika como ‘Coraline’ o ‘Los Boxtrolls’.
En ‘Pinocho de Guillermo del Toro’, vemos una vez más como el director es un gran amante del cine clásico y tradicional. Esta vez ha contado con los expertos en marionetas, The Jim Henson Company (a través de Lisa Henson) y la mítica Pathé, entre otros. Y además de usar una técnica tan artesana como el stop motion incorpora el musical. Cuenta con voces como la de Ewan McGregor, la cual, se hace de rogar, jugando así con nuestro corazoncito, aunque nos haga reír. Con todo esto vemos con agrado como hay algunos momentos en los que ‘Pinocho de Guillermo del Toro’ tiene sabor a Broadway.
La película puede tener muchos subtextos. No solo estéticamente Del toro se ha llevado el cuento a su terreno. En ‘Pinocho de Guillermo del Toro’ tenemos escenas que nos recuerdan mucho a ‘El espinazo del diablo’ y otras tantas que tienen un carácter político. Por ejemplo, me encanta como ha reinventado el segmento en el que Pinocho y los niños acababan convertidos en burros, realizando una metáfora que nos lleva a un mundo bélico y de soldados con el cerebro lavado.
Ternura, conciencia, travesuras, bullying, pérdida, responsabilidad, afecto… Es muy difícil contar las aventuras de Pinocho de una manera bonita a no ser que se edulcoren excesivamente. Además debemos tener en cuenta que De Toro siempre dota de un tono triste o trágico a sus películas. Este Pinocho no es deprimente o dramático, pero sí es verdad que además de ser una lección de vida tiene ingredientes que nos dejan un sabor la mar de melancólico. Es por eso que, aunque esta es una historia que pueden ver tanto padres como hijos creo que el público infantil no debería verla si está aún en una etapa sensible. Sinceramente, en el campo de la animación, dentro de lo visto este año, debería imponerse a factorías como las amparadas bajo el paraguas de Disney o DreamWorks. Guillermo del Toro Gómez, gracias por tus cuentos que tanto aportan.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de noviembre de 2022 (9 de diciembre Netflix). Título original: Guillermo del Toro’s Pinocchio. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Guillermo del Toro, Mark Gustafson. Guion: Guillermo del Toro, Patrick McHale. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Frank Passingham. Reparto principal (doblaje original): Gregory Mann, Ewan McGregor, Ron Perlman, Finn Wolfhard, Cate Blanchett, David Bradley, Burn Gorman, Tim Blake Nelson, Tilda Swinton, John Turturro, Christoph Waltz. Producción: Netflix Animation, The Jim Henson Company, Pathé, ShadowMachine, Double Dare You, Necropia Entertainment. Distribución: Tripictures, Netflix. Género: fantástico, musical. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80218455/
‘La casa’ es una excéntrica comedia de humor negro sobre una casa y los tres relatos surrealistas de los individuos que la convirtieron en su hogar.
Crítica
Solo la calidad de la animación es suficiente incentivo para entrar en ‘La casa’
El próximo 14 de enero Netflix nos plantea una nueva antología. Esta vez en formato película, pero dividida en tres capítulos, el nombre escogido es ‘La casa’. Y es que este largometraje está compuesto por unas historias que tienen en común una peculiar y bonita casa. Además de eso su nexo es que están recreadas con la técnica del stop-motion y poseen una moraleja. Tres narraciones con tintes de fábula adulta y algo de humor negro. Los personajes cambian de un episodio a otro, la ubicación de la casa también pero básicamente, de un modo muy relacionado con el desquicie y la demencia, nos habla de la búsqueda de un hogar. Una temática muy oportuna, precisamente ahora, cuando la vivienda es uno de los problemas más preocupantes de nuestra sociedad.
Los episodios están dirigidos por personas familiarizadas con el stop-motion. Emma de Swaef y Marc Roels, Niki Lindroth von Bahr y Paloma Baeza. De hecho, si habéis visto alguno de sus cortos comprobaréis que recuperan sus personajes para ubicarlos dentro de esta acogedora pero perturbadora vivienda. Nexus Studios es el estudio que les ha unido para plantearnos los dilemas de unos personajes que aunque sean animales o de otra época están muy relacionados con todos nosotros.
Se me ha quedado floja la fuerza de la moraleja de estas historias, podría haberse extraído algo más potente de esta idea. Pero funciona cuando vemos que la casa a veces es un símbolo de esperanza, otras es todo un tormento, otras una frustración, otras sueños rotos, otras un símil de una vida llena de negaciones… Es evidente que para que estas historias tan enigmáticas tengan sentido hay que buscarles el sentido metafórico. Aquel que esté buscando deshacerse de una herencia, construirse un hogar o pasar página en su vida va a encontrar lazos con los protagonistas.
La ambientación nos lleva desde la época victoriana hasta nuestra actualidad. El diseño de producción y los diálogos nos devuelven a las mejores épocas de Tim Burton. El humor apático y los personajes martirizados nos llevan a ese cine que tanta influencia tiene de Edgar Allan Poe. Las criaturas que se mueven por las estancias de la casa son como esos muñequitos de las casas de muñecas Sylvanian Families. Todos los detalles están muy logrados, desde la casa y el mobiliario hasta pequeños detalles como una chocolatina o el agua y el fuego.
Aunque son entretenidas hay que reconocer que los episodios son raros, sobre todo el primero. Pasamos de una trama inquietante, puede recordar un poco a ‘El Resplandor’ pero que acaba yendo por otros derroteros. El segunda pega un salto en el tiempo y podría haber sido como ‘Esta casa es una ruina’, pero también nos sorprende incluyendo hasta un número musical. El tercero tiene el cambio geográfico más significativo y es al que se le puede extraer un significado más trascendental.
Esta película, con personajes de fieltro tipo ‘Trolls’ de Dreamworks pero en deprimente y para adultos, tienen cosas que contarnos. La calidad con que son recreados directamente un incentivo para entrar en ‘La casa’ y acompañarles en sus penurias y alegrías.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de enero de 2022. Título original: La casa. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Emma de Swaef, Marc Roels, Niki Lindroth von Bahr, Paloma Baeza. Guion: Enda Walsh. Música: Gustavo Santaolalla. Reparto principal (voces originales): Helena Bonham Carter, Matthew Goode, Claudie Blakley, Paul Kaye, Miranda Richardson, Mia Goth, Will Sharpe, Susan Wokoma, Mark Heap, Stephanie Cole. Producción: Nexus Studios. Distribución: Netflix. Género: comedia, drama, antología. Web oficial:https://nexusstudios.com/insight/the-house-official-trailer/
Richard Phelan yWill Becher en plena acción con sus personajes
El próximo 31 de octubre podréis ver en cines la nueva ocurrencia proveniente de los ingeniosos estudios Ardman cuyo título es ‘La Oveja Shaun, la película: Granjaguedon’. Una película en la que la famosa oveja de plastilina recibirá una visita del espacio y tendrá un encuentro en la tercera fase. Y antes de poder ver esa peculiar cinta Vértice Cine, la distribuidora que nos permitirá verla en España, nos deja ver una serie de imágenes tras las cámaras que nos enseñan como es el trabajo de creación en stop motion, disfrutadlas.
Sinopsis oficial:
Unas extrañas luces planean sobre el cielo del tranquilo Mossingham anunciando la llegada de visitantes de una lejana galaxia, pero en la granja Mossy Bottom la oveja Shaun y el resto del rebaño siguen haciendo de las suyas…muy a pesar de Bitzer, su perro pastor.
Tras esta incursión, una adorable extraterrestre de asombrosos poderes se queda en tierra, y… ¡Shaun ve en ella una oportunidad de diversión alienígena! Pero antes ha de evitar que su nueva amiga sea capturada por una siniestra organización. ¿Estará preparado el rebaño para afrontar una misión de dimensiones… astronómicas?
Lionel Frost, investigador dedicado a mitos y monstruos, descubre a una extraña y amable criatura, la última en su especie, a la que llama Mr. Link. Junto a Frost, Mr. Link se embarcará en un apasionante y divertido viaje dispuesto a encontrar a sus primos los Yeti, desaparecidos tiempo atrás. Contarán con la ayuda de Adelina Fortnight, una aguerrida aventurera que tiene el único mapa conocido con la ubicación de los Yeti. Juntos afrontarán toda serie de peligros para llegar a su destino.
Crítica
Mr. Link nos devuelve al niño aventurero que llevamos dentro
Laika, el joven estudio de animación que está cerca de cumplir los quince años y que es responsable de títulos como ‘Coraline’, ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’, ‘ParaNorman’ o ‘Los Boxtrolls’ estrena su quinta película, ‘Mr. Link. El origen perdido’. Para ellos nos transporta a finales del siglo XIX, época en la que brillaba el colonialismo inglés y se construía la Estatua de la Libertad de Nueva York. En ‘Mr. Link. El origen perdido’ nos adentran en una aventura a la antigua usanza, una empresa en busca del honor y el renombre.
‘Mr. Link. El origen perdido’ nos cuenta la infatigable búsqueda de Sir Lionel Frost, un cazador de monstruos que más que capturar a las criaturas quiere conseguir pruebas de su existencia para convertirse en una leyenda entre los más reconocidos caballeros de la época. El Monstruo del Lago Ness, el dodo, las sirenas… cualquier criatura le vale para lanzarse en una búsqueda. Hasta que da con la pista del que cree que es el eslabón perdido en la evolución humana: el sasquatch.
Este nuevo filme de animación en stop-motion evoca a las antiguas películas de los 60 en las que se adaptaban novelas de Julio Verne o relatos de la Grecia clásica. Películas en las que un repeinado trotamundos afrontaba gallardo viejos mitos y descubría secretos ocultos junto a amigos inseparables. Este largometraje tiene un carácter viajero y una trama con villanos, apuestas y protagonistas que también recuerda a una obra de Julio Verne, ‘La vuelta al mundo en ochenta días’.
De todas las producciones de Laika es la que más sabor infantil tiene, a la que menor aspecto dramático y oscuro se le percibe, de hecho es un filme muy luminoso y simpaticón. Está cargada de humor sencillo y chistes fáciles, con bastantes juegos de palabras. Lo cual nos lleva a su doblaje, pues si en versión original los tres principales personajes llevan las voces de HughJackman, Zoë Saldana, Zach Galifianakis en España se ha elegido a Arturo Valls, Brays Efe, Maggie Civantos. Y es Arturo Valls quien mejor lleva a su personaje, no porque simplemente haga más de una gracia acordes a su sentido del humor, sino porque lo hace francamente bien, siguiendo correctamente cada uno de los matices que los animadores le han dado al personaje, mejor incluso que cuando dobló al pingüino de ‘Madagascar’ o la abeja de ‘Bee Movie’.
Se percibe claramente que esta es una película con el sello de Laika. Porque antes que nada tendría que haber puntualizado que el director y guionista de ‘Mr. Link. El origen perdido’ es Chris Butler. Este artista que en su día hizo numerosos trabajos de storyboards, como los de ‘La novia cadáver’, fue el codirector de ‘ParaNorman’ y además es diseñador de personajes. Fue también supervisor de la historia que vimos en ‘Los mundos de Coraline’ así como jefe de historia y escritor de ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’. Experiencia no le faltaba en Laika y eso se percibe en el aspecto de los escenarios e individuos que vemos en pantalla. El filme a lo mejor peca de tener más participación de equipos que emplean el ordenador para recrear el ambiente que otras películas de la factoría y también se nota algo menos de detalle que en otros de los títulos.
La conclusión que saco con Mr. Link es precisamente que Laika evoluciona y sale de sus mundos oscuros. Se ha adentrado incluso en momentos de humor absurdo y hasta nos da algún instante que me ha recordado a ‘Wild Wild West’. Aunque sea una película más infantil la película no busca el típico resultado aleccionador o con moraleja. Refleja para el villano la voracidad y el orgullo colonialista, la cerrazón conservadora y retrógrada de las viejas costumbres frente a mentalidades evolucionistas que apoyan las teorías de Darwin pero es solo para contraponer a buenos frente a malos. Es una sencilla película divertida, con mucho dinamismo y algún que otro momento sensible. Básicamente hay que verla con ganas de reírse de gags sencillos y del humor slapstick, como si nos devolviesen al niño aventurero que llevamos dentro.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de junio de 2019. Título original: Missing Link. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Chris Butler. Guion: Chris Butler. Música: Carter Burwell. Fotografía: Crhis Peterson. Reparto principal (doblaje original): Hugh Jackman, Zoë Saldana, Zach Galifianakis, Stephen Fry, Timothy Oliphant, Emma Thompson. Reparto principal (doblaje en castellano): Arturo Valls, Brays Efe, Maggie Civantos. Producción: Laika Entertainment, Annapurna Pictures. Distribución: eOne Films. Género: animación, comedia, infantil. Web oficial:https://www.missinglink.movie/
Aún nos queda tiempo para que llegue Halloween y nos disfracemos de personajes terroríficos. Quizá algunos se vistan de oveja por entonces, si de oveja, pues será en esas fechas cuando llegue ‘La Oveja Shaun, la película: Granjaguedon’. La próxima aventura animada de Aardman y StudioCanal está dirigida por Richard Phelan y Will Becher con un guion escrito por Jon Brown y Mark Burton.
Ya hemos podido ver un primer tráiler en diciembre. Ahora Vértice 360, su distribuidora en España, ha publicado un nuevo vídeo y un cartel que nos adelanta nuevo material.
Sinopsis oficial:
Unas extrañas luces planean sobre el cielo del tranquilo Mossingham anunciando la llegada de visitantes de una lejana galaxia, pero en la granja Mossy Bottom la oveja Shaun y el resto del rebaño siguen haciendo de las suyas…muy a pesar de Bitzer, su perro pastor.
Tras esta incursión, una adorable extraterrestre de asombrosos poderes se queda en tierra, y… ¡Shaun ve en ella una oportunidad de diversión alienígena! Pero antes ha de evitar que su nueva amiga sea capturada por una siniestra organización. ¿Estará preparado el rebaño para afrontar una misión de dimensiones… astronómicas?
Nos toca admitir que no sabíamos nada de esta película. El próximo estreno que podremos ver surgido de la factoría de Laika Films llegará a nuestro país de la mano de eOne Films el próximo 10 de mayo 7 de junio. ‘Mr. Link. El origen perdido’ es el título en el que los creadores de ‘Coraline’ o ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’ nos sumergirán en otra aventura familiar, esta vez protagonizada por un bigfoot.
Hemos visto el primer tráiler y no podemos estar más encandilados de este personaje que ha sido dirigido y escrito por Chris Butler (‘ParaNorman’). Las voces originales estarán puestas por artistas como Hugh Jackman, Zoë Saldana, Zach Galifianakis, Stephen Fry, Timothy Oliphant y Emma Thompson.
Sinopsis oficial:
Lionel Frost, investigador dedicado a mitos y monstruos, descubre a una extraña y amable criatura, la última en su especie, a la que llama Mr. Link. Junto a Frost, Mr. Link se embarcará en un apasionante y divertido viaje dispuesto a encontrar a sus primos los Yeti, desaparecidos tiempo atrás. Contarán con la ayuda de Adelina Fortnight, una aguerrida aventurera que tiene el único mapa conocido con la ubicación de los Yeti. Juntos afrontarán toda serie de peligros para llegar a su destino.
Los personajes de Nick Park se enfrentan a extraterrestres
Ayer ya nos avisaba su distribuidora, Vértice Cine, con una peculiar imagen de que tendríamos noticias de la nueva película de La Oveja Shaun, título que fue anunciado en julio. Tendremos estreno el 1 de noviembre de 2019 y la criatura recreada con stop motion de Ardman y Studio Canal se enfrentará a seres de otro planeta con su peculiar sentido del humor. Así podemos verlo ya en el tráiler y el cartel de ‘La Oveja Shaun, la película: Granjaguedon’.
Sinopsis oficial:
Unas extrañas luces planean sobre el cielo del tranquilo Mossingham anunciando la llegada de visitantes de una lejana galaxia, pero en la granja Mossy Bottom la oveja Shaun y el resto del rebaño siguen haciendo de las suyas…muy a pesar de Bitzer, su perro pastor.
Tras esta incursión, una adorable extraterrestre de asombrosos poderes se queda en tierra, y… ¡Shaun ve en ella una oportunidad de diversión alienígena! Pero antes ha de evitar que su nueva amiga sea capturada por una siniestra organización. ¿Estará preparado el rebaño para afrontar una misión de dimensiones… astronómicas?
Será la primera película en stop-motion del director y se estrenará en Netflix
El reciente ganador del Oscar y maestro del fantástico GuillermodelToro se estrenará con la animación a través de Netflix realizando un musical en stop motion de Pinocchio. Ambientará esta nueva versión del cuento clásico en la Italia de 1930 en Italia. ‘Pinocchio’ es una producción de Guillermo del Toro, The Jim Henson Company (‘The Dark Crystal: Age of Resistance’) y ShadowMachine (‘Bojack Horseman’, ‘The Shivering Truth’), responsable de la producción en stop motion. Junto con Del Toro, también serán productores LisaHenson, AlexBulkley de ShadowMachine, CoreyCampodonico y GaryUngar de Exile Entertainment y BlancaLista como co-productora.
PatrickMcHale (‘Más allá del jardín’, ‘Hora de aventuras’) será el co-guionista, Mark Gustafson (‘Fantástico Sr. Fox’) co-dirigirá, y Guy Davis será co-diseñador de producción, inspirándose en el diseño original de Gris Grimly para el personaje de Pinocchio. Las marionetas de la película serán construidas por Mackinnon y Saunders (‘La novia cadáver’). Netflix espera que la producción comience este otoño.
Este proyecto supone un paso más en la relación de Netflix con Guillermo del Toro, creador de la serie de televisión ganadora de un premio Emmy ‘Trollhunters’, primera entrega de la trilogía ‘Relatos de Arcadia’, producida por DreamWorks. El próximo capítulo, 3 Below, se estrenará el 21 de diciembre de 2018, seguido de Wizards en 2019. También es el creador de la próxima serie de Netflix, Guillermo del Toro Presents 10 After Midnight.
En palabras de Guillermo del Toro: “Ninguna forma de arte ha tanto influido en mi vida y en mi trabajo como la animación, y no he tenido una conexión personal tan profunda con ningún personaje en la historia como con Pinocchio. En nuestra historia, Pinocchio es un alma inocente con un padre indiferente que se pierde en un mundo que no puede comprender. Se embarca en un viaje extraordinario tras el que comprenderá más profundamente a su padre y al mundo real. He querido hacer esta película toda mi vida. Tras la increíble experiencia que hemos tenido con ‘Trollhunters’, estoy agradecido de que el gran equipo de Netflix me dé la oportunidad única de presentar mi versión de esta marioneta que se convierte en niño al público a nivel mundial».
Según Melissa Cobb, Vicepresidenta de Kids and Family en Netflix “A lo largo de su destacada carrera, Guillermo ha demostrado su dominio inspirando a la gente a través de sus mundos mágicos llenos de magníficos personajes inolvidables, desde los monstruos en ‘El laberinto del Fauno’ hasta la criatura acuática en ‘La forma del agua’. Estamos muy emocionados de hacer crecer nuestra relación con Guillermo y sabemos que su conmovedora visión para dar vida a Pinocho en Netflix será aplaudida por la audiencia de todo el mundo».
De películas con Mel Gibson a experimentos japoneses
Durante el día 10 de octubre en el festival de Sitges han sido anunciados los premios Méliès de oro y Méliès de plata que reconocen los mejores trabajos europeos, tanto en largometrajes como en cortos y que se entregarán durante la jornada de hoy jueves 11 de octubre. ‘Climax’, la nueva cinta del argentino GasparNoé ha sido la elegida en la categoría de largometraje, mientras que ‘Clanker Man’, de Ben Steiner, se llevará el premio al mejor cortometraje. A ambos galardones se les suma este año la categoría Méliès de oro a la trayectoria, que recibirá el director Álex de la Iglesia por su aportación al género fantástico.
Hemos tenido un día de lo más diverso con títulos asiáticos, mundos paralelos, buddy movies, terror ochentero o animación rusa. También ha sido variado en cuanto a calidad y satisfacción.
‘Dragged across concrete’
La tercera película de S. Craig Zahler vuelve a reunir un reparto de excepción en el que algunos repiten con el director y guionista: Mel Gibson, Vince Vaughn, JenniferCarpenter, Laurie Holden, Tory Kittles, Michael Jai White, Thomas Kretschmann, Udo Kier…
Para mí ha sido el peor trabajo de Zahler a pesar de que supera el aprobado. Normalmente alarga sus largometrajes y se toma con calma las historias para construir una buena base. Pero en esta ocasión no está tan justificada la duración y nos sobran infinidad de escenas o haría falta acortar secuencias.
Con una composición fotográfica muy elegante, bastante víscera y musicalidad se acerca al estilo de Tarantino. Incluye muchas más dosis de humor de lo habitual, comedia basada en sus personajes racistas por lo general, pero eso tampoco ayuda a llevar mejor tantos minutos de filme. Ni el talento de sus actores ni las capacidades narrativas del cineasta de Miami alcanzan para convertir ‘Dragged across concret’ en una obra maestra.
Una familia se junta en Navidad para cenar con el incómodo ingrediente de que su hijo regresa tras mucho tiempo sin contacto para presentarles a su novia extranjera. El problema es que esta familia es bastante conservadora y todo sucede en pleno debate social con el tema de los inmigrantes. Con esa crispación y tensión en el aire sucede algo desconcertante, la casa se ve envuelta por un extraño material y la televisión emite órdenes, la primera de ellas «no salgan de casa, esperen instrucciones».
El drama familiar de esta película recuerda en tono a obras de Stephen King. Es misteriosa e inquietante y genera debate entre sus protagonistas como sucedía en ‘La niebla’. La primera mitad tiene mucha comedia, sobre todo por parte de David Radley. Pero llega un punto en que la comedia desaparece y un terror intenso y profundo se apodera del filme. Los derroteros por los que va la película recuerdan a películas de Carpenter y ese cambio de dinámica está tan bien gestionado que la cinta nos arrastra con ella y pedimos más.
Sin duda es la película más extraña que he visto en el Festival de Sitges. La cinta nos lleva a un desierto en el que seguimos a un muchacho que va hacia un concierto. En un mundo postapocaliptico la música es lo más importante que tienen.
Como he dicho, extrañísima, con una estética muy minimalista, los blancos y negros son los colores que predominan en la cinta.
No sé, no ha sido mucho de mi agrado, es muy experimental para mi gusto, pero sí que es cierto que en el tema visual tienen un acierto enorme.
Un grupo de amigos en busca de la oportunidad empresarial de sus vidas descubre en la casa donde viven de alquiler un portal hacia mundos paralelos. Entre los protagonistas hay relaciones de todo tipo a si es que podéis imaginar las posibilidades tanto económicas como sentimentales que les ofrece este descubrimiento.
Infinidad de mundos en un multiverso que a cada uno nos sugerirían infinidad de ideas. Lo que nos propone ‘Parallel’ es la serie de consecuencias que emanan de los viajes de estos chicos a diferentes realidades. No es una película de efecto mariposa, pues no trata viajes en el tiempo, si no que aborda más las opciones de la duplicidad.
Tiene un guión que podría formar parte de series como ‘Fringe’ o ‘Salto al infinito’ y por eso, aunque sea episódica y predecible, se deja ver y es disfrutable.
Hoy hemos visto un documental acerca de un guarda de seguridad que se dedica a cazar fantasmas en su tiempo libre.
Yo creo que la gran mayoría del público pensábamos que el documental se iba a centrar en las salidas que hacía para buscar esos fantasmas, pero no, nos encontramos con algo mucho más oscuro. Pedofilia, maltrato, misoginia… algo que para nada era lo que nos íbamos a ver.
El documental está muy bien grabado, nos muestra todas las caras de los protagonistas, la buena y la mala. Los verdaderos monstruos muchas veces somos los humanos y los fantasmas son los recuerdos pasados que nos atormentan durante toda la vida.
El propio Hoffmann (Ernst Theodor Amadeus Hoffmann) protagoniza tres de sus cuentos en esta película animada rusa. A través del stop-motion las historias góticas y «terroríficas» del autor prusiano cobran vida. ‘Klein zaches’, ‘The golden pot’ y ‘El hombre de arena’ son los títulos que Stanislav Sokolov (‘El hombre que hacía milagros’) ha adaptado y entremezclado.
La historia emana mucha ópera y poesía pero es bastante redundante y carente de interés. Los personajes, petimetres y victorianos, no están mal realizados pero hemos visto marionetas mucho mejor animadas. Incluso su doblaje es bastante deficiente en versión original, estando las voces completamente desfasadas con el movimiento de las bocas. En cuanto a la imagen y el diseño de producción es bastante elegante, dentro de la fealdad que se quiere mostrar, pero en algunas escenas contemplamos un bajón de calidad, tanto en resolución como en foco.
Esta es una historia llena de locura y ensoñaciones, basada en que es mejor una mentira imaginativa que una verdad banal. Conceptos que encajan muy bien con la animación con muñecos pero que en este caso se han acoplado a una narración muy torpe.
Festival Internacional de Animación Contemporánea de Madrid
La animación invadirá Matadero, Cineteca y el Centro Comercial Plaza Río 2 entre el 21 y el 23 de septiembre. El Festival Internacional de Animación Contemporánea de Madrid ANIMARIO ofrecerá tres intensas jornadas de actividades para disfrutar de este género en todos sus formatos y lenguajes: del stop motion a la realidad virtual pasando por el documental animado y ficciones experimentales.
La programación de la primera edición de ANIMARIO, coordinada por el equipo de Cineteca Madrid con la especialista Carolina López como comisaria invitada, girará en torno al tema “Imaginar lo real, crear lo inimaginable” y alrededor de la relación entre animación y documental, con una selección de películas que exploran el fértil territorio donde convergen ambos géneros. Entre los largos escogidos se encuentran los multipremiados ‘The Breadwinner’, de Nora Twomey, basada en el superventas de Deborah Ellis; ‘Have a Nice Day’, de Liu Jian; ‘Tehran Taboo’, de Ali Soozandeh; y ‘Un día más con vida’, de Raúl de la Fuente y Damian Nenow. La selección de cortometrajes incluirá títulos como ‘The Burden’, de Niki Lindroth von Bahr, el trabajo en stop motion más premiado del último año; ‘Simbiosis carnal’, de Rocío Álvarez, o ‘La Chute’, de Boris Labbé.
Por su parte, el festival invitado en esta primera edición, ANIMASIVO, presentará dos sesiones de cortometrajes con la mejor animación latinoamericana de los últimos años acompañadas por coloquios, la experiencia de animación expandida para público familiar Fragmentos de un planeta infinito y GIFMeSpace, una sesión musical en la que los GIFs más sorprendentes cambiarán la pantalla del móvil por la de cine en Plaza Matadero.
Por otro lado, ANIMARIO contará con una selección de cortometrajes producidos por la National Film Board of Canada, organización pública que se ha convertido en todo un referente para la industria audiovisual más independiente y vanguardista.
Pero, además, durante los tres días del festival, el público tendrá la ocasión de descubrir algunos de los trabajos que han visto la luz gracias al programa francés de residencias para guionistas de animación en la Abadía de Fontevraud de la mano de su fundador, Xavier Kawa-Topor, así como de conocer de cerca la labor del aclamado estudio barcelonés Dvein en un encuentro con sus directores creativos.
También habrá un espacio para la formación con dos de las mejores escuelas de animación nacionales como U-tad y ESDIP, que impartirán talleres de animación y creación de personajes para jóvenes en el centro comercial Plaza Río 2. En esta misma sede, se podrán visitar dos estaciones de realidad virtual en la que podrán visionarse las películas ‘Micro Giants’, de Yifu Zhou, y ‘Museum of Symmetry’, de Paloma Dawkins. Los más pequeños de la familia podrán introducirse en el mundo de la animación con la selección especial Short & Sweet by Animac. Más información: https://www.cinetecamadrid.com/ y http://ww.mataderomadrid.org.
Los tres prestan sus voces a personajes de la película de Nick Park.
El próximo 2 de febrero Vértice 360 trae a nuestro país la nueva película de Nick Park y el estudio de animación Aardman, ‘Cavernícola’ (en breve podréis leer nuestra crítica aquí). En ella la Edad de Piedra y la de Bronce colisionan y deciden solucionar sus diferencias mediante el juego que inventaron sus ancestros, el «juego sagrado».
Para poner voz a los protagonistas en la versión que se proyectará en nuestro país se ha contado con famosos como Hugo Silva, Chenoa y Mario Vaquerizo. Los tres han sido tan amables de dedicar unos minutos de su tiempo para hablarnos sobre su experiencia doblando la película y sobre sus nuevos personajes. Pudimos estar con ellos rodeados de fósiles en un marco tan apropiado como el Museo Nacional de Ciencias Naturales, disfrutad del vídeo.
Calabacín es un nombre extraño para un niño de 9 años, aunque su historia es sorprendentemente universal. Tras la repentina muerte de su madre, Calabacín se hace amigo de un simpático policía, Raymond, que lo acompaña a su nuevo hogar de acogida con otros huérfanos de su edad. Calabacín lucha al principio por adaptarse al extraño y hostil ambiente. Con la ayuda de Raymond y de sus nuevos amigos, Calabacín aprenderá a amar y a confiar en los otros.
Crítica
Un cuento para nada pueril.
Salida de una novela de Gilles Paris nos llega esta obra que ha sido adaptada por Céline Sciamma. Esta guionista puede que os suene pues recientemente os hemos hablado de otro trabajo suyo, bastante menos exitoso, con el título ‘Cuando tienes 17 años’. De nuevo se ha sumergido en una obra que habla de los miedos e inquietudes de personajes jóvenes, del auto descubrimiento y los cambios de la vida, la novela le viene como anillo al dedo. Con el mensaje que transmite y la temática que trata no es de extrañar que haya estado nominada al Oscar y que incluso muchos la tuviesen en sus quinielas como ganadora, pero ya sabemos lo que ocurre siempre con las películas de animación en la Academia. Tras ver esta y apostar por ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’ sigo sin explicarme cómo se siguen eligiendo ganadoras como ‘Zootrópolis’.
‘La vida de Calabacín’ es una historia con más trasfondo del que parece. A priori podría parecer un episodio de una serie infantil emitida en cualquier canal digital. Pero la narración rápidamente nos descubre una historia bastante dura, que por mucho que se endulce está lejos de estar preparada para mentes jóvenes. Nuestros protagonistas son personajes de nueve años, por lo tanto dicen y hacen cosas iguales que unos niños reales de nueve años. Ese realismo es el que puede herir la sensibilidad de un niño real. Las conversaciones casi adultas y las historias de cada niño son las que me hacen advertiros de que este pequeño filme no me parece apropiado para vuestros hijos e hijas que ronden los diez años. El mérito de Paris, y por extensión del director Claude Barras, es el de conseguir meter de tapadillo un drama potente en una película tan aparentemente inocente.
Este es un largometraje realizado en stop motion, con sus luces y sombras. El diseño de los personajes apoya el argumento que empleaba sobre el drama oculto. Su aspecto claramente simpático, ingenuo y colorido esconde expresiones lúgubres y tristes. Muy bien planteado el aspecto del filme, pero en ocasiones choca su peculiar toque con el realismo de algunos objetos.
Pese a ser un dramón mezclado con momentos cómicos que hacen que salga más a flote nuestra sensibilidad considero que en el fondo y a fin de cuentas la historia es muy simplona y sencilla. Y por eso yo personalmente le resto valor a la obra.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Ma vie de Courgette. Duración: 66 min. País: Suiza. Director: Claude Barras. Guión: Celine Sciamma. Música: Sophie Hunger. Reparto principal: Gaspard Schlatter, Sixtine Murat, Paulin Jaccoud. Producción: Rita Productions, Blue Spirit Animation, Gébéka Films. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: animación, drama, comedia. Web oficial:http://laaventuraaudiovisual.com/la-vida-de-calabacin/
¿Recordáis la serie realizada por fans con el merchandising de Star Wars? Ya ha salido el segundo episodio de ‘Go Roge’, una serie rodada en stop-motion. Llega así esta sucesión de vídeos a su ecuador pues saldrán cuatro antes de que se lance todo el material de ‘Rogue One’. En él podemos ver a varios personajes con los que nos familiarizaremos en el futuro en formato Funko Pop, Lego y maquetas. Disfrutadlo.
Ante la avalancha de vídeos y material que los fans generan en las redes con motivo de Star Wars (96 creaciones por hora según el ZEFR online content report. Agosto 2016) Disney ha decidido lanzar una nueva y original campaña. Unos seguidores han creado una serie de cortos en stop-motion cuyos protagonistas son los muñecos, naves y demás productos de la saga. Entre ellos podremos ver muchas de las novedades que serán lanzadas (a partir del 2 de septiembre) mientras esperamos la llegada de ‘Rogue One: Una historia de Star Wars’.
‘Go Rogue’ es el nombre de esta campaña. “Estos cortos de animación creados por los propios fans son un homenaje al increíble contenido que la comunidad de Star Wars comparte todos los días en la web”, señala Jimmy Pitaro, responsable de Disney Consumer Products and Interactive Media. “La campaña Rogue One ha sido diseñada teniendo muy en cuenta a los fans, buscando que sean ellos los principales protagonistas de la cuenta atrás para Rogue One: Una historia de Star Wars, inspirándose y creando sus propias historias”.
“He sido un fan de Star Wars toda mi vida por lo que esto es el proyecto soñado” dice James DeJulio, co fundador de Tongal. “Ha sido increíble ver la inspiración que Star Wars ha supuesto para todos los miembros de la comunidad, ya sea creando un argumento para saga o grabando las escenas con los productos de Star Wars en casa con sus hijos. Me entusiasma poder compartir esta historia con el mundo entero coincidiendo con el estreno de la primera película independiente de Star Wars junto a sus nuevos personajes y la inspiración que suponen para el universo Star Wars”.
Este primer corto que se ha estrenado hoy en Youtube ha sido dirigido por James DeJulio con guión de Kevin Ulrich y con animación en stop-motion de Dan MacKenzie y Tucker Barrie. Las historias siguen las aventuras de los juguetes de ‘Rogue One: Una historia de Star Wars’ de Hasbro, LEGO, FUNKO, JAKKS Pacific, Mattel y Disney Store en la búsqueda de las instrucciones para reconstruir la Estrella de la Muerte de LEGO, perdidas en algún lugar del Imperio.
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