Crítica: ‘El problema de los tres cuerpos’

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Exhibe mucha complejidad y espectacularidad, pero como en ‘Juego de Tronos’, procrastina en exceso el desenlace

Netflix estrena este 21 de marzo la adaptación a televisión de ‘El problema de los tres cuerpos’. La rompedora obra de ciencia ficción escrita por el escritor chino Liu Cixin que causó sensación cuando se publicó la primera parte de la trilogía, ahora se convierte en serie de ocho episodios. Han sido los artífices de ‘Juego de Tronos’, David Benioff y D.B. Weiss, quienes han realizado esta traslación. Y les pega mucho esta narración pues al igual que la obra de R.R. Martin nos hace saltar rápidamente por diferentes localizaciones, épocas y personajes, sembrando misterio y peligro allá por donde va. Pero sobre todo se asemeja en que todo trata sobre una amenaza en principio desconocida y a priori imposible de vencer, además de que no hay personaje que esté a salvo.

Con la Revolución Cultural china y el mundo actual como telón de fondo, la novela explora temas como las carreras tecnológicas, la política y la búsqueda de vida extraterrestre, asimilándose en algunos aspectos a los relatos de Asimov. El libro es más lineal que la serie, la cual alterna mucho más las diferentes líneas temporales. Aún así no se ha perdido el toque de Liu Cixin, el cual tejió una historia compleja y sugerente que ahonda en las consecuencias de las acciones humanas y los retos existenciales que plantean los encuentros con civilizaciones avanzadas. Quizá habría que decir que el libro es intelectualmente más interesante pues profundiza mucho más en cuestiones tecnológicas, pero emocionalmente la serie está al mismo nivel, sobre todo gracias al poder de sus imágenes, las cuales plasman perfectamente todo aquello que imaginamos al leer el libro. Evidentemente esto sucede sobre todo en las escenas del videojuego o en los momentos más enmarcados en situaciones fantásticas. Pero más allá de su gancho visual uno de los puntos fuertes de ‘El problema de los tres cuerpos’ reside en su retrato de la colisión entre diferentes ideologías y la naturaleza impredecible del comportamiento humano ante una amenaza cósmica. Igualmente se entremezclan conceptos científicos con indagaciones filosóficas, no al nivel de magníficas obras como ‘Devs’, pero si de un modo que abre debate. Por ejemplo, yo me cuestiono si se ha incurrido en un fallo enorme de guión cuando se habla de diferencias de tecnología poniendo sobre la mesa la picotecnología alien frente a la capacidad del ser humano de progresar de manera exponencial.

Por otro lado, aunque es una historia interesante y cautivadora hay que reconocer que tiene demasiados puntos en común con ‘El juego de Ender’. Un videojuego que no es ni un entrenamiento, ni un entretenimiento recreativo, sino que sirve a intereses reales además de un enfrentamiento interplanetario con una especie alienígena que nunca vemos. De igual manera podemos asemejarla a ‘Ready Player One’, donde los protagonistas también debían resolver un acertijo en un mundo virtual cuyo resultado afectaba a la realidad.

Los personajes están bien desarrollados, cada uno de ellos lidiando con sus propios dilemas morales y luchas personales mientras navegan por las complejidades de la misteriosa amenaza y los desconcertantes eventos con los que se tropiezan. Por encima de un reparto con rostros conocidos como los de Liam Cunningham, Jonathan Pryce o Benedict Wong cabe destacar los papeles de Zine Tseng y Eiza González. Esta última se diría que gracias a ‘El problema de los tres cuerpos’ ha encontrado un papel que le permite mostrar sus verdaderas dotes interpretativas más allá de su figura y su rostro, normalmente cosificados.

En conjunto, esta primera temporada de ‘El problema de los tres cuerpos’ es un visionado cautivador que invita a la reflexión y que traspasa los límites de la ciencia ficción tradicional. Su exploración de grandes temas cósmicos combinada con un drama humano íntimo la convierte en una obra por encima de la media. Tanto si te gusta la ciencia ficción pura y dura como la especulación filosófica, esta serie ofrece una experiencia rica y gratificante que permanecerá en tus pensamientos mucho tiempo después de que hayas terminado el último episodio, sobre todo porque su final queda abierto.

‘El consultorio de Berto’ regresa a Movistar Plus+

Berto Romero contesta a nuestras preguntas más trascendentales

¿Tienes alguna duda que te inquieta, te atormenta o te perturba? Si es así, estás de enhorabuena: después del éxito de la sección en ‘Late Motiv’ de Andreu Buenafuente, Berto Romero, reabre próximamente ‘El consultorio de Berto’. El nuevo programa original Movisstar Plus+, está producido en colaboración con El Terrat. El cómico nos regalará toda su sabiduría y nos ayudará a entender mejor cómo funciona el mundo (o al menos lo intentará).

Si quieres que Berto Romero te ayude con esa duda trascendental que ahora mismo te estás haciendo y que no te atreves a preguntar a nadie, puedes mandar un WhatsApp o un mensaje a través de Telegram a este número de teléfono: 606 373 058.

Ya sabéis, Berto, regresa a Movistar Plus+ para responder preguntas tan terrenales como increíbles, preguntas que todos nos hacemos mientras esperamos en una cola, en un atasco o en el cuarto de baño.

Os dejamos el vídeo de presentación que han puesto hoy en su canal de Youtube. De momento no tenemos fecha de estreno de el programa.

Tráiler de ‘Las chicas del autobús’

Estreno en HBO Max el 14 de marzo

HBO Max ha publicado el tráiler oficial de la serie original ‘Las chicas del autobús’, de Warner Bros Television. La serie se estrena con dos episodios el viernes 14 de marzo, seguidos de un nuevo episodio semanal hasta el 9 de mayo en HBO Max.

‘Las chicas del autobús’ invita a los espectadores a hacer campaña junto a cuatro mujeres periodistas, cada una de ellas con un estilo diferente para informar y para ser. La historia se centra en Sadie McCarthy (Melissa Benoist), una periodista que romantiza una época pasada del periodismo de campaña y abandona toda su vida por una oportunidad de cubrir a un candidato presidencial para un periódico de referencia. Sadie se une al autobús y acaba estableciendo lazos con tres competidoras, Grace (Carla Gugino), Lola (Natasha Behnam) y Kimberlyn (Christina Elmore). A pesar de sus diferencias, las mujeres se convierten en una familia que asiste en primera fila al mayor culebrón de la ciudad: la batalla por la Casa Blanca.

Acompañan a las protagonistas Brandon Scott, Griffin Dunne, Mark Consuelos y Scott Foley.

‘Las chicas del autobús’, de las creadoras Amy Chozick y Julie Plec, está inspirada en las experiencias de Chozick como reportera política en el autobús de campaña junto a múltiples candidatos presidenciales. Chozick y Plec ejercen de productoras ejecutivas junto a la showrunner Rina Mimoun, Greg Berlanti, Sarah Schechter, Leigh London Redman y Marcos Siega; Jesse Peretz produce y dirige el piloto; y Benoist ejerce de productora. La serie es de Berlanti Productons en asociación con Wanrer Bros. Television.

Crítica: ‘Halo’ T2

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Una subida de nivel con más acción y aún mejor calidad gráfica

Ya se ha estrenado la segunda temporada de ‘Halo’ este 9 de febrero y hemos podido ver gracias a SkyShowtime los cuatro primeros episodios. Si la primera temporada nos ofrecía acción y ciencia ficción además de tratar de ser una historia de intrigas y debates sobre la humanidad y la identidad, en este segundo periodo de la serie de Paramount+ tenemos mucha más emoción y profundidad en los protagonistas.

La temporada dos de ‘Halo’ retoma el punto exacto donde acabamos la primera. Cortana ha poseído al jefe maestro, los Covenant han visto frustrada su búsqueda del Halo y la Doctora Halsey (Natascha McElhone) está en busca y captura. Muchas de esas cuestiones se resuelven pronto para introducirnos un nuevo misterio, que llega con el cliffhanger del primer capítulo y nos deja con el culo torcido.

Para los detractores de la primera temporada hay que decir que las diferencias con los juegos siguen presentes y sucede como con el Juez Dredd de Sylvester Stallone, vemos demasiado el rostro de Pablo Schreiber como Master Chief. Pero al menos nos hacen viajar a Reach, los jugadores pueden hacerse una idea de lo que va a pasar. Otra de las protestas de los fans hacia los primeros capítulos fue que la acción era escasa, que había capítulos prácticamente sin nada de batalla, escaramuzas o peleas, que al fin y al cabo era algo omnipresente en todos los Halos. En esta segunda temporada los personajes sudan más pues vemos más misiones y batallas. Aunque el episodio tres es mucha palabrería, casi todo relleno, en el cuarto tenemos la mejor contienda de la serie hasta el momento. Bien es cierto que no sucede exactamente como en el juego ‘Halo: Reach’ y no conocemos al spartan Noble 6, pero si tenemos unos instantes demoledores y abrumadores.

En mi caso estoy disfrutando mucho esta serie pues aunque no respeta el lore al pie de la letra es capaz de moverse por el mismo universo. Han tomado nota del feedback y la acción está mucho más presente. Además, uno de los cambios importantes, la violencia es mayor y eso casi siempre es un plus pues le da a esta historia de ciencia ficción cierto realismo y dramatismo. Otra señal de que esta serie realmente es una mezcla un tanto caprichosa del canon de los videojuegos ‘Halo’ es que se incorpora el personaje de James Ackerson (Joseph Morgan), que surge de los libros para alzarse como uno de los más interesantes en esta segunda temporada. Además entra en juego algún que otro nuevo personaje, como el equipo cobalto. Pero hay detalles que nos siguen haciendo hablar de huevos de pascua. Sabemos que el equipo omega es canon por detalles que podréis ver en el segundo episodio, por ejemplo.

Como curiosidades, si no habéis jugado al juego, os parecerá familiar el nombre de Cortana la IA que acompaña al Jefe Maestro. Es lógico que os suene pues Cortana se llama también el asistente de Windows y evidentemente ambas creaciones pertenecen a Microsoft. Lo que puede haber sido un homenaje que se repite es el parecido del casco de los marines de la serie con los de la película ‘Starship Troopers’. Bien es sabido que los cascos del largometraje de Paul Verhoeven han sido muy reutilizados pero también que sirvió de inspiración para la creación de los videojuegos. Ojalá esto significase que están en el mismo universo. También podría formar parte del mismo mundo la historia de ‘Altered Carbon’, pues las ciudades de la serie lucen como aquellas que vimos en la serie de Netflix. Con esa serie ‘Halo’ también comparte que la calidad de producción es brutal, pero el guión hace que se desmerezca pues pierde cuando se aleja de su protagonista intentando expandir el universo de la franquicia.

Uno de los elementos más destacados de la segunda temporada es su dedicación a la construcción del mundo, sus localizaciones y efectos generados por ordenador. Desde los sobrecogedores paisajes de emplazamientos como Sanctuary hasta las civilizaciones alienígenas de intrincado diseño, todos los aspectos del universo ‘Halo’ están meticulosamente elaborados y son envolventes. La atención al detalle da sus frutos en esta segunda temporada, creando una sensación de autenticidad que atrae a los espectadores hacia la historia. No notamos diferencia entre cuando la acción es estática y los protagonistas van ataviados con trajes reales de spartan a cuando estos están recreados por ordenador. Sin duda de momento la serie está siendo una continua subida de nivel.

Crítica: ‘Hijas del fuego’

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Cuando las brujas no eran el verdadero peligro de la humanidad

Hemos tenido la oportunidad de ver el primer episodio de ‘Hijas del fuego’. Miniserie francesa que llega a nuestras casas el próximo 8 de febrero a las 22:00 horas en COSMO.

Dirigida por Magaly Richard-Serrano y creada por Maïté Sonnet y Giulia Volli. Esta miniserie de seis episodios nos lleva al País Vasco francés de 1609, en una de las mayores cazas de brujas que hubo. El juez Pierre de Lancre quemó a unas 80 mujeres acusadas de brujería. Y es este personaje uno de los centrales de la trama de ‘Hijas del fuego’. La otra parte son 4 mujeres, una madre y sus tres hijas. Mujeres criadas como curanderas, muy sabias y que ayudan a tratar enfermedades, curar heridas y realizar abortos gracias a sus conocimientos de las hierbas medicinales. El juez de Lancre no parará hasta terminar con sus vidas.

El primer episodio es bastante introductorio, pero aun así, le da tiempo de sobra para contarnos bastante, presentarnos a los personajes principales y saber por donde va a ir más o menos toda la historia.

En este episodio, ‘Las brujas sólo comen manzanas’, vemos como simplemente el que una mujer llevase el pelo suelto, fuese sin corset y tuviese la libertad para llevar un negocio ya era algo terrible y muchas eran acusadas de brujería por estos actos.

La encargada de dar vida a la matriarca de la familia es Ángela Molina, a ella le acompañan las actrices Anabel López, Lizzie Brocheré y Zoé Adjani, que se encargan de dar vida a sus queridas hijas.

Las localizaciones son una preciosidad, desde los Pirineos, la costa francesa y española, logran adentrarnos en esas pequeñas aldeas en las que se respiraba libertad, en una época llena de restricciones y caza. Eso sí, esa libertad que era eliminada hasta que llegaban personas que no estaban de acuerdo con el modo de vida que se llevaba y terminaban con todo.

Escuchamos ruegos a la diosa Mari y en general, cánticos a la naturaleza, que era la que daba todo para que nuestras protagonistas pudiesen hacer su trabajo y por supuesto alimentarse.

‘Hijas del fuego’ está muy cuidada. Aunque hay algunas escenas en la que los efectos especiales son algo flojos, esto no hace que se quite la magia de la serie. Está bastante bien rodada y se nota mucho todo lo que se han documentado a la hora de escribir sobre los personajes.

La serie está rodada en francés, el doblaje no es muy allá, pero tampoco es terrible como ocurre en otras producciones. A partir del día 8 de febrero, todos los jueves a las 22:00 horas, tendréis un episodio nuevo en COSMO. Hasta el 14 de febrero que podremos ver el último episodio de ‘Hijas del fuego’.

 

Crítica: ‘Griselda’

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Una historia de madre desesperada, de empoderamiento y también de enloquecimiento

Los creadores de ‘Narcos’, Eric Newman y Andrés Baiz, junto con Doug Miro, Ingrid Escajeda y Carlo Bernard, vuelven con una historia real sobre el tráfico de drogas. ‘Griselda’ podría considerarse una precuela de ‘Narcos’ pues se ambienta en los años setenta y ochenta. Y no solo por el espacio temporal que abarca, sino porque trata sobre Griselda Blanco, la que en muchas ocasiones se ha considerado como una de las personas que contribuyó al imperio de Pablo Escobar en sus primeros años.

Sofía Vergara es quien interpreta a la protagonista. Encarna a una mujer que se abrió paso en un mundo de hombres jugándose lo poco que tenía y la vida misma. Curioso que en la entrevista con Pablo Motos el presentador hiciese unas preguntas tan inapropiadas que parecían dignas de uno de los personajes que pugnan por arrebatarle su poder. Vergara plantó cara al capitán de El Hormiguero y su personaje hace lo mismo. Esta es una serie que ha hecho que la actriz se enfrente a un reto interpretativo. Se ha sumergido en el drama intentando huir de dos corsés en los que estaba metida desde hace años. Por un lado se aleja significativamente de la comedia que era ‘Modern family’ y por otro se escabulle de los personajes que explotan su cuerpo. Interpretativamente esta miniserie es sin duda para ella un impulso que le puede abrir otras muchas puertas. Lástima que el maquillaje solo consiga afear su aspecto y no asemejarla al personaje original, como nos dijeron en la rueda de prensa que podéis ver aquí, se ha rodado tan rápido y durante tanto tiempo que no había tiempo para conseguir un resultado más fidedigno.

La propia actriz declaró en el encuentro que tuvimos con ella que no le agradaría someterse a más sesiones de prostéticos. Es esa quizá una de las razones por las que ‘Griselda’ concluye solo con seis episodios. Eso y que se han intentado alejar del formato de ‘Narcos’. No tenemos múltiples temporadas y tampoco una voz en off. Todo ello en favor de buscar una visión más personal del personaje, lo cual recordará a muchos a series como ‘Breaking Bad’ o ‘Los Soprano’. También se ha querido mostrar una etapa y faceta concreta del personaje que impide ver porqué se la apodó “La viuda negra” o cómo creó el cartel de Medellín junto a los Ochoa, Escobar y Lehder, aunque esto último se deja intuir. ‘Griselda’ es una historia de madre desesperada, de empoderamiento y también de enloquecimiento. Los creadores de la serie parecen encasillados o ensimismados con el mundo de las drogas, pero se agradece este cambio con una perspectiva más íntima y menos política de la historia.

Para Vergara, Colombiana de nacimiento, también ha supuesto quitarse una espina clavada y poder rodar con un reparto latino. Además de ella están en el elenco Alberto Guerra, Christian Tappan, Martín Rodríguez, Juliana Aidén Martinez, Vanessa Ferlito y haciendo su debut en la pantalla, Carolina Giraldo (a.k.a Karol G). Y el reparto de la serie incluye otras colaboraciones especiales entre los que se encuentran Alberto Ammann y Ernesto Alterio, los cuales hacen de hermanos y en el caso del segundo de ellos con un trabajadísimo acento.

Hablo mucho de Sofía Vergara porque efectivamente ella es el centro de la serie y lleva bien el peso del protagonismo. Pero siendo justos hay que destacar el trabajo muy logrado de secundarios como Juliana Aidén Martinez en el papel de la agente June que también se enfrenta al machismo y racismo de los ochenta. O el hipnótico personaje de Martín Rodriguez como Rivi.

Quizá hay que reprocharle a la serie que en su búsqueda de abordar una dimensión diferente de “La madrina” no siga la pauta que nos marcan en los títulos de inicio. La serie abre con una frase de Pablo Escobar en la que reconoce que la única persona que le ha dado miedo en la vida ha sido ella pero durante todos los episodios solo vemos a una mujer falible, temerosa y errática, aunque despiadada en momentos puntuales y desesperados. Eso y que para ir de principio a fin en su vida en tan pocos episodios se dan varios saltos temporales que nos dejan con la sensación de que nos hemos perdido algo.

Palmarés de los Globos de Oro 2024

‘Oppenheimer’, ‘Succession’ y ‘The Bear’ grandes triunfadoras

Ya tenemos el listado de ganadores de los Globos de Oro 2024 tras la gala celebrada anoche. Era evidente que habría duelo entre ‘Barbie’ y ‘Oppenheimer’ y de este absurdo enfrentamiento que se ha generado en verano ha salido victoriosa la película del verano. Una confrontación que no tiene sentido porque evidentemente en muchas categorías se han colado otras películas como ‘Los que se quedan’ o ‘Pobres criaturas’. De vacío se va ‘Saltburn’, la película más comentada en estos momentos.

En series suele pasar que se recompensa a grandes títulos que acaban de finalizar su trayectoria. Ha habido por eso y por su evidente calidad a ‘Succession’ pero también para ‘The Bear’ o ‘Bronca’. Otros años ‘The Crown’ ha estado mucho más presente.

Mejor película (drama)

  • ‘Oppenheimer’
  • ‘Los asesinos de la luna’
  • ‘Maestro’
  • ‘Vidas pasadas’
  • ‘La zona de interés’
  • ‘Anatomía de una caída’

Mejor película (comedia o musical)

  • ‘Barbie’
  • ‘Pobres criaturas’
  • ‘American Fiction’
  • ‘Los que se quedan’
  • ‘May December’
  • ‘Air’

Mejor Logro en Taquilla

  • Barbie’
  • ‘Guardianes de la Galaxia vol. 3’
  • ‘John Wick 4’
  • ‘Misión imposible: Sentencia mortal – Parte 1’
  • ‘Oppenheimer’
  • ‘Spider-Man: Cruzando el multiverso’
  • ‘Super Mario Bros: La película’
  • Taylor Swift: The Eras Tour’

Mejor actriz de drama

  • Lily Gladstone, por ‘Los asesinos de la luna’
  • Carey Mulligan, por ‘Maestro’
  • Sandra Hüller, por ‘Anatomía de una caída’
  • Annette Bening, por ‘Nyad’
  • Greta Lee por ‘Vidas pasadas’
  • Cailee Spaeny, por ‘Priscilla’

Mejor actriz de comedia o musical

  • Fantasia Barrino, por ‘El color púrpura’
  • Jennifer Lawrence, por ‘Sin malos rollos’
  • Natalie Portman, por ‘May December’
  • Alma Pöysti, por ‘Fallen Leaves’
  • Margot Robbie, por ‘Barbie’
  • Emma Stone, por ‘Pobres criaturas’

Mejor actor de drama

  • Bradley Cooper, por ‘Maestro’
  • Cillian Murphy, por ‘Oppenheimer’
  • Leonardo DiCaprio, por ‘Los asesinos de la luna’
  • Colman Domingo, por ‘Rustin’
  • Andrew Scott, por ‘Desconocidos’
  • Barry Keoghan, por ‘Saltburn’

Mejor actor de comedia o musical

  • Nicolas Cage, por ‘Dream Scenario’
  • Timothée Chalamet, por ‘Wonka’
  • Matt Damon, por ‘Air’
  • Paul Giamatti, por ‘Los que se quedan’
  • Joaquin Phoenix, por ‘Beau tiene miedo’
  • Jeffrey Wright, por ‘American Fiction’

Mejor dirección de cine

  • Bradley Cooper, por ‘Maestro’
  • Greta Gerwig, por ‘Barbie’
  • Yorgos Lanthimos, por ‘Pobres criaturas’
  • Christopher Nolan, por ‘Oppenheimer’
  • Martin Scorsese, por ‘Los asesinos de la luna’
  • Celine Song, por ‘Vidas pasadas’

Mejor guion de cine

  • ‘Barbie’, de Greta Gerwig y Noah Baumbach
  • ‘Pobres criaturas’, de Tony McNamara
  • ‘Oppenheimer’, de Christopher Nolan
  • ‘Los asesinos de la luna’ de Eric Roth y Martin Scorsese
  • ‘Vidas pasadas’ de Celine Song
  • ‘Anatomía de una caída’, de Justine Triet y Arthur Harari

Mejor actriz de reparto

  • Emily Blunt, por ‘Oppenheimer’
  • Danielle Brooks, por ‘El color púrpura’
  • Jodie Foster, por ‘Nyad’
  • Julianne Moore, por ‘May December’
  • Rosamund Pike, por ‘Saltburn’
  • Da’Vine Joy Randolph, por ‘Los que se quedan’

Mejor actor de reparto

  • Willem Dafoe, por ‘Pobres criaturas’
  • Robert De Niro, por ‘Los asesinos de la luna’
  • Robert Downey Jr., por ‘Oppenheimer’
  • Ryan Gosling, por ‘Barbie’
  • Charles Melton, por ‘May December’
  • Mark Ruffalo, por ‘Pobres criaturas’

Mejor película de animación

  • ‘El chico y la garza’
  • ‘Elemental’
  • ‘Spider-Man: Cruzando el Multiverso’
  • ‘Super Mario Bros: La película’
  • ‘Suzume’
  • ‘Wish’

Mejor Película de habla no inglesa

  • ‘Anatomía de una caída’ (Francia), de Justine Triet
  • ‘Fallen Leaves’ (Finlandia), de Aki Kaurismäki
  • ‘La sociedad de la nieve’ (España), de Juan Antonio Bayona
  • ‘La zona de interés’ (Reino Unido), de Jonathan Glazer
  • ‘Yo capitán’ (Italia), de Matteo Garrone
  • ‘Vidas pasadas’ (Estados Unidos), de Celine Song

Mejor Banda Sonora

  • ‘Pobres criaturas’
  • ‘Oppenheimer’
  • ‘El chico y la garza’
  • ‘La zona de interés’
  • ‘Spider-Man: Cruzando el Multiverso’
  • ‘Los asesinos de la luna’

Mejor canción original

  • ‘What Was I Made For?’, de by Billie Eilish y Finneas para ‘Barbie’
  • ‘Dance the Night’, de by Caroline Ailin, Dua Lipa, Mark Ronson y Andrew Wyatt para ‘Barbie’
  • ‘Addicted to Romance’, de Bruce Springsteen y Patti Scialfa para ‘Llegó a mí’
  • ‘Peaches’ de Jack Black, Aaron Horvath, Michael Jelenic, Eric Osmond, y John Spiker para ‘Super Mario Bros: La película’
  • ‘I’m Just Ken’, de Mark Ronson y Andrew Wyatt para ‘Barbie’
  • ‘Road to Freedom’, de Lenny Kravitz para ‘Rustin’

Mejor serie de televisión (drama)

  • ‘1923’ (Paramount+) – en SkyShowtime
  • ‘The Crown’ (Netflix)
  • ‘La diplomática’ (Netflix)
  • ‘The Last of Us’ (HBO Max)
  • ‘The Morning Show’ (Apple TV+)
  • ‘Succession’ (HBO Max)

Mejor serie de televisión (comedia o musical)

  • ‘The Bear’ (FX)
  • ‘Ted Lasso’ (Apple TV+)
  • ‘Colegio Abbott’ (ABC) – en Disney+
  • ‘Jury Duty’ (Amazon Freevee) – en Prime Video
  • ‘Solo asesinatos en el edificio’ (Hulu) – en Disney+
  • ‘Barry’ (HBO Max)

Mejor actriz de televisión (drama)

  • Helen Mirren, ‘1923’
  • Bella Ramsey, ‘The Last of Us’
  • Keri Russell, ‘La diplomática’
  • Sarah Snook, ‘Succession’
  • Imelda Staunton, ‘The Crown’
  • Emma Stone, ‘The Curse’

Mejor actor de televisión (drama)

  • Brian Cox, ‘Succession’
  • Kieran Culkin, ‘Succession’
  • Gary Oldman, ‘Slow Horses’
  • Pedro Pascal, ‘The Last of Us’
  • Jeremy Strong, ‘Succession’
  • Dominic West, ‘The Crown’

Mejor actriz de televisión (comedia o musical)

  • Ayo Edebiri, por ‘The Bear’
  • Natasha Lyonne, por ‘Poker Face’
  • Quinta Brunson, por ‘Colegio Abbott’
  • Rachel Brosnahan, por ‘La maravillosa Sra. Maisel’
  • Selena Gomez, por ‘Solo asesinatos en el edificio’
  • Elle Fanning, ‘The Great’

Mejor actor de televisión (musical o comedia)

  • Bill Hader, ‘Barry’
  • Steve Martin, ‘Solo asesinatos en el edificio’
  • Martin Short, ‘Solo asesinatos en el edificio’
  • Jason Segel, ‘Terapia sin filtro’
  • Jason Sudeikis, ‘Ted Lasso’
  • Jeremy Allen White, ‘The Bear’

Mejor actriz de reparto de televisión

  • Elizabeth Debicki, ‘The Crown’
  • Abby Elliott, ‘The Bear’
  • Christina Ricci, ‘Yellowjackets’
  • J. Smith-Cameron, ‘Succession’
  • Meryl Streep, ‘Solo asesinatos en el edificio’
  • Hannah Waddingham, ‘Ted Lasso’

Mejor actor de reparto de televisión

  • Billy Crudup, ‘The Morning Show’
  • Matthew Macfadyen, ‘Succession’
  • James Marsden, ‘Jury Duty’
  • Ebon Moss-Bachrach, ‘The Bear’
  • Alan Ruck, ‘Succession’
  • Alexander Skarsgård, ‘Succession’

Mejor miniserie o película para televisión

  • ‘Bronca’ (Netflix)
  • ‘Cocina con química’ (Apple TV+)
  • ‘Todos quieren a Daisy Jones’ (Amazon Prime Video)
  • ‘La luz que no puedes ver’ (Netflix)
  • ‘Compañeros de ruta’ (Showtime)
  • ‘Fargo’ (FX)

Mejor actriz en miniserie o película para televisión

  • Riley Keough, ‘Todos quieren a Daisy Jones’
  • Brie Larson , ‘Cocina con química’
  • Elizabeth Olsen, ‘Love & Death’
  • Juno Temple, ‘Fargo’
  • Rachel Weisz, ‘Inseparables’
  • Ali Wong, ‘Bronca’

Mejor actor en miniserie o película para televisión

  • Matt Bomer, ‘Compañeros de ruta’
  • Sam Claflin, ‘Todos quieren a Daisy Jones’
  • Jon Hamm, ‘Fargo’
  • Woody Harrelson, ‘Los fontaneros de la Casa Blanca’
  • David Oyelowo, ‘Lawmen: Bass Reeves’
  • Steven Yeun, ‘Bronca’

Mejor interpretación de comedia’ stand up’

  • Ricky Gervais por ‘Ricky Gervais: Armageddon’
  • Trevor Noah por ‘Trevor Noah: Where Was I’
  • Chris Rock por ‘Chris Rock: Selective Outrage’
  • Amy Schumer por ‘Amy Schumer: Emergency Contact’
  • Sarah Silverman por ‘Sarah Silverman: Someone You Love’
  • Wanda Sykes por ‘Wanda Sykes: I’m an Entertainer’

Crítica: ‘Orphan Black: Echoes’

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Una serie que arranca con interrogantes de esos que enganchan

Más de cinco años han pasado desde que terminó la temporada cinco de ‘Orphan Black’ y es el momento de que España vea el estreno de la nueva serie derivada de ese universo. El próximo 8 de enero SYFY estrenará el spin off, secuela o continuación, ‘Orphan Black: Echoes’. Una serie que arranca de manera potente y que nos promete diez episodios de pura ciencia ficción, drama, acción y reconexión con el pasado, los fans de la serie entenderán el doble sentido de esto último.

Independientemente de si viste en su día la serie original o no, ‘Orphan Black: Echoes’ se puede seguir sin problema. Nos ubicamos cuarenta años después en la ficción y volvemos a este mundo que habitaron los clones de Sarah Manning (Tatiana Maslany). Tiempo suficiente como para que durante esta temporada tengamos el cameo de alguno de los personajes, como presagia el último plano del primer episodio. De hecho no es spoiler que la serie cuenta en su reparto con una Kira Manning ya adulta (Keeley Hawes sustituye a Skyler Wexler). Aun así, esta nueva etapa arranca con personajes nuevos.

La serie comienza con una situación bastante desconcertante para la protagonista que de inmediato se ve sumergida en una trama de conspiraciones. Con un pasado por desvelar y una vida por fraguar conocemos a Lucy, una joven que quiere hacer borrón y cuenta nueva alejándose de un pasado reciente muy traumático. A los fans de ‘Orphan Black’ no les pillará nada desprevenidos el hecho de que esta mujer tenga un origen tan… artificial, pero si se plantean unos cuantos enigmas que harán que se enganchen a esta nueva historia. Hemos visto el primer episodio y ya plantea un buen número de interrogantes, de esos que te meten ganas de seguir viendo episodios. La nueva etapa de la serie esquiva la repetitividad y pone en marcha más de una idea original que satisfará a los seguidores más acérrimos.

La encargada de encarnar a la protagonista, que probablemente se convierta en protagonistas, es Krysten Ritter. Venimos de una serie en la que Maslany demostró talento interpretativo llevando a cabo diferentes registros. El reto que tuvo fue similar al de Diane Guerrero con Crazy Jane o al de Noomi Rapace en ‘Siete hermanas’. En esta ocasión puede que se gestione el tema de los clones de otra manera, pero igualmente desde el minuto cero Ritter nos demuestra que no hay serie pequeña para ella y vuelve a darlo todo, como ya vimos en ‘Breaking Bad’ o ‘Jessica Jones’.

Anna Fishko (‘Fear The Walking Dead’) coge el testigo de Graeme Manson y John Fawcett. Con ‘Orphan Black: Echoes’ continúa con el mundo de las Manning explorando una vez más el sentido de la humanidad y sobre todo un gran dilema de personalidad y existencia que a muchos puede recordar a lo tratado en ‘Westworld’.

Crítica: ‘True detective: night country’

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Recupera su potencial diferenciándose con varios cambios relevantes

En 2014 nacía una de las miniseries policiales de más éxito de la televisión, que en España se hizo aún más popular por sus similitudes y coincidencia en el tiempo con ‘La isla mínima’. ‘True Detective’ se ganó al público por su trama, sus interpretaciones, su final e incluso por su opening. Ahora, HBO Max estrena una cuarta temporada que dará el pistoletazo de salida el 15 de enero con seis nuevos episodios de emisión semanal.

Issa López coge el testigo de la saga creada por Nic Pizzolatto, la cual había decaído algo en interés con la segunda temporada y recuperado cierta relevancia con el enfoque de la tercera. Ahora ‘True detective’ se ha vuelto aún más enigmática pues tiene un enorme flirteo con el género fantástico. Lo místico y lo fantasmal está presente en la investigación de la nueva pareja de detectives.

Estamos ante un giro importante en la serie, por varias razones. A parte de prolongar nuestras sensaciones navideñas ‘True detective: night country’ nos hace pensar si hay un trasfondo sobrenatural hasta tal punto de tener escenas de auténtico terror. Y no solo eso, la acción transcurre en una de esas localidades polares donde la noche dura muchísimo más, el escenario está completamente helado con lo que la investigación transcurre de un modo diferente y por primera vez las protagonistas son femeninas. La mítica actriz dos veces ganadora del Oscar Jodie Foster y la actriz y también luchadora Kali Reis forman el curioso duo detectivesco. Curioso por la relación que mantienen ambas y por el hecho de compartir un extenso pasado, lo cual era mucho menos habitual en las anteriores temporadas. Ese punto de diferenciación se agrega a la trama como refuerzo del drama que desarrolla y además como parte de la conclusión de la serie. Ambas intérpretes manejan el carácter de sus personajes, o bien dominándolo con un fuerte acento o bien a través de la contención física. Las dos están inconmensurables.

Como decía la acción transcurre prácticamente toda de noche, usando el mismo artificio de películas como ’30 días de oscuridad’ o ‘La cosa’, es decir, generar acción y terror en un escenario helador que además podría volver loco a cualquiera. Pero aunque hay algo de terror el tono por supuesto es policíaco. Esa mezcla de detectives enfrentándose a algo insólito con posturas casi diametralmente diferentes y en un escenario hostil hace recordar en algunas ocasiones a ‘Expediente X’. No dudéis que os va a descolocar en más de una ocasión, con su crimen, con sus secretos, con sus imágenes… ‘True detective: night country’ supera a sus anteriores temporadas y nos brinda un final completamente impredecible, no solo al terminar la serie, sino tras la conclusión de cada episodio.

Crítica de ‘Berlín’

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Berlín, entretenida, llena de amor y de acción

Hace aproximadamente unos 6 años desde el estreno de la primera temporada de ‘La Casa de Papel’, y los mismos desde el final de Berlín. Y si, fue un personaje tan importante, carismático y bastante insidioso, que ha sido el personaje al que han decidido hacerle un spin off para él solo.

Este próximo 29 de diciembre llega a nuestras casas gracias a Netflix, la serie en la que le veremos como jefe de su propia banda. Un Berlín mucho más romántico y más calmado que como le vemos en ‘La Casa de Papel’. Todo ello en una serie con muy buen rollo y bastante divertida.

La serie no tiene nada novedoso, al final, conocemos a una de las tres bandas con las que ha robado durante su vida, y vienen a intentar hacer desaparecer 44 millones en joyas como si fuera un número de ilusionismo. Todo ello en París. Y sí, puede ser repetitiva, pero es entretenida y en ella vemos acción y amor por todos lados.

Al contrario que en ‘La Casa de Papel, donde todo ocurre en interiores, aquí vemos París, sus calles, como, por ejemplo, Avenue Saxe, Sacré Coeur, calles del Montmartre o Port Bir Hakeim. Una maravilla donde los robos, las carreras ilegales y el amor fluyen sin parar en estos 8 episodios. Aunque no solo se ha rodado en París, también vemos lugares de Madrid, Almería, León, Ávila, Segovia o Toledo.

La verdad que ‘Berlín’ me ha gustado mucho. Con unos personajes clichés, como suele pasar en este tipo de historias, con los que disfrutaremos de la preparación de un robo que hará que puedan jubilarse sin problemas, a no ser que les pillen, claro.

El reparto está muy bien escogido, el personaje que más me ha gustado sin duda es el de Keila, interpretado por Michelle Jenner, la cual es una geek bastante inadaptada que aprenderá no solo a trabajar en equipo si no también a sociabilizar. Un personaje muy sensible y que dará mucho a la trama. Junto a ella encontramos a Begoña Bargas (Camerón), Julio Peña Fernández (Roi) y Joel Sánchez (Bruce). Todos y cada uno escogidos para llevar a cabo una parte de la misión.

Junto a ellos, encontramos a Pedro Alonso (Berlín), dando un pequeño cambio a su interpretación. Como dijimos más arriba, dándonos a un Berlín romántico, mentor y eso sí, lleno de mala leche como nos tiene acostumbrados. Y a Damián (Tristán Ulloa) compañero de este y segundo en la banda.

Todos ellos logran una banda con menos tensión que su predecesora y que dará buenos momentos llenos de cariño y amistad. Además de buen compañerismo.

Como ya pasó en ‘La Casa de Papel’, en ‘Berlín’ la música es muy importante, y en esta ocasión escucharemos canciones como “Felicidad”, “L’ amor”, o “What a Wonderful World”, entre muchas otras que os sonarán muchísimo.

La serie de ocho episodios, está dirigida por Albert Pintó, David Berrocal y Geoffrey Cowper. Y ya sabéis, el 29 de diciembre llegará a nuestras pantallas en la plataforma de Netflix.

SkyShowtime estará disponible en Movistar Plus+

Formará parte del paquete Ficción miMovistar

Movistar Plus+ y SkyShowtime han anunciado un nuevo acuerdo, que se extenderá a lo largo de los próximos años, y que traerá SkyShowtime a la oferta de televisión de Telefónica. Desde principios de 2024, la plataforma SkyShowtime, con su selección exclusiva de series internacionales y en español, y estrenos cinematográficos de Paramount y Universal, estará incluida en el paquete Ficción miMovistar.

Así, Movistar Plus+ se convierte en el primer operador español en lanzar SkyShowtime. El acceso al conjunto de contenidos de SkyShowtime se hará de manera integrada, como parte de la navegación principal de la plataforma y disponible bajo demanda. Además, se lanzará un nuevo canal lineal de SkyShowtime destacando sus novedades, cine y series.

Este acuerdo refuerza la posición de ambas compañías en el mercado español. Con esta alianza Movistar Plus+ reafirma su liderazgo en el mercado español y consolida su estrategia como agregador que ya reúne a operadores globales y nacionales. SkyShowtime gana nuevos suscriptores en la plataforma líder en España, ampliando significativamente su alcance e impacto.

Los clientes del paquete Ficción miMovistar podrán acceder a una atractiva oferta de entretenimiento que suma un gran número de películas de éxito y series originales de SkyShowtime, incluyendo contenido de las icónicas marcas de Universal Pictures, Paramount Pictures, Nickelodeon, DreamWorks Animation, Paramount+, SHOWTIME®, Sky Studios y Peacock, así como las series originales de SkyShowtime.

Cristina Burzako, CEO de Movistar Plus+, ha dicho: “Este acuerdo nos alegra de manera muy especial; por una parte damos la bienvenida a una plataforma internacional de alto valor y calidad en sus contenidos, con un gran número de títulos atractivos para nuestros clientes y que viene a sumarse a nuestra oferta integradora. Por otra parte, podremos hacer la incorporación de los nuevos contenidos de la forma más accesible e intuitiva para nuestros clientes”.

Monty Sarhan, CEO de SkyShowtime, ha declarado: “Este es un acuerdo trascendental tanto para Movistar Plus+ como para SkyShowtime, y estamos orgullosos de llevar nuestro increíble entretenimiento a todavía más suscriptores en España. Nuestro acuerdo demuestra la importancia y fortaleza de las asociaciones y cómo podemos trabajar juntos para generar valor para nuestros respectivos negocios”.

Entre los títulos que llegarán en 2024 a los clientes de Movistar Plus+ destacan las series Yellowstone, del nominado al Oscar® Taylor Sheridan, una serie protagonizada por el ganador del Oscar Kevin Costner, así como 1923, protagonizada por nominado al Oscar Harrison Ford y la ganadora del Oscar Helen Mirren, y Tulsa King, protagonizada por el nominado al Oscar Sylvester Stallone, junto a la nueva serie de Sheridan, Special Ops: Lioness, protagonizada por Zoe Saldaña, Laysla De Oliveira, Michael Kelly, y los ganadores del Oscar Morgan Freeman y Nicole Kidman.

Otras series que podrán verse en Movistar Plus+ a través de SkyShowtime son HALO, que se desarrolla en el universo que se dio a conocer en el exitoso videojuego de 2001, Star Trek: Strange New Worlds, la última entrega en la franquicia de Star Trek, que es una precuela de la serie original y se basa en los años en que el Capitán Christopher Pike comandó la U.S.S. Enterprise; y el triunfal regreso de la icónica comedia Frasier, protagonizada por Kelsey Grammer.

Raquel Berzosa, Directora General Regional de Iberia de SkyShowtime, ha declarado: “A solo nueve meses de nuestro lanzamiento en España, SkyShowtime cuenta con una impresionante selección de contenido de alta calidad y series originales locales. Estamos emocionados de llevar nuestro contenido a Movistar Plus+ y encantados de seguir construyendo nuestra alianza«.

Las series originales de SkyShowtime incluyen éxitos globales y producciones en español, como Poker Face, nominada al Emmy®, protagonizada por Natasha Lyonne, y Mentiras Pasajeras, la serie producida por Esther García junto a Agustín y Pedro Almodóvar, ganador del Oscar. Mentiras Pasajeras cuenta en su elenco con rostros muy conocidos como Elena Anaya, Pilar Castro, Hugo Silva, Quim Gutiérrez y Susi Sánchez, junto con una lista de estrellas invitadas de primera categoría, como María Botto, Pedro Casablanc, Estefanía de los Santos y María León. Otras series originales en español de SkyShowtime incluyen Bosé, Las invisibles, Los Enviados y Por H o por B.

La oferta de contenidos de SkyShowtime también incluye una selección de películas de estreno de la industria de Hollywood que se estrenarán exclusivamente en SkyShowtime después de su paso por las salas de cine como Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones y Transformers: el despertar de las bestias.

Crítica: ‘Los Farad’

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Como si Los Soprano hubiesen conocido a El señor de la guerra

Ya solo os queda esperar al 12 de diciembre para poder gozar de los 8 episodios de ‘Los Farad’ en Prime Video. La serie de Mariano Barroso y Alejando Hernández nos ha hecho disfrutar con una trama de suspense, corruptelas y aventuras que en ocasiones tienen un tono desenfadado y en otras nos producen un escalofrío acompañado de sudores fríos.

Acompañada de un título de crédito que nos recuerda al ‘GTA Vice City’ o a los de ‘Miami Vice’, ‘Los Farad’ nos introduce en un mundo de lo más ochentero, con todo lo hortera y rebelde que eso conlleva. La historia nos lleva a conocer a un joven de Aluche, ingenuo, modesto, sencillo, interpretado por Miguel Herrán. Por casualidades y temperamentos de la vida se ve dentro de una familia de alto standing que oculta algo tras las montañas de dinero que maneja y tras una vida de derroches y exclusividades en la floreciente Marbella de los ochenta. Su vida se somete a una constante prueba pues a lo que se dedican los Farad es al turbio y cuestionable negocio del tráfico de armas.

Esta es una familia que lucha tanto externa como internamente por el control de un negocio. En términos de argumento y trama es como si ‘Los Soprano’ hubiese conocido a ‘El señor de la guerra’. De hecho a parte de esos dos títulos van a veniros a la cabeza películas como ‘El padrino’, ‘Una historia del Bronx’, ‘Uno de los nuestros’… e incluso obras actuales como ‘Breaking Bad’, por motivos evidentes. Además podemos decir que tienen otro denominador común que va más allá del protagonista que se corrompe, los tejemanejes en la sombra, el mundo de los vicios… Y es que está narrada con voz en off al igual que ‘El señor de la guerra’ o ‘Historia del Bronx’. Gracias a ello y al recorrido que hace, aparte de ser la narración sobre una familia llena de puñaladas y podredumbre, es un retrato de una época de España y del mundo.

La Costa del Sol es el epicentro de esta historia, pero el viaje es más amplio. Sin tener realmente una base documental o real ‘Los Farad’ nos llevan por algunos de los grandes conflictos mundiales del último cuarto del siglo XX. Barroso ha escogido el campo de los traficantes y el de las luchas de bloques para recrear la cara belicosa de los ochenta y noventa. Esto va de empresas manchadas de sangre, de planes y de proyectos en la sombra, pero entre tanta artimaña y urdimbre también hay casualidad, encuentros fortuitos y lances del destino o la suerte. Y es que el azar ha hecho que este estreno surja cuando los titulares están llenos de detalles sobre guerras en Gaza y Ucrania. Uno se pregunta cuántos agentes gubernamentales, cuántos señores de la guerra o cuántos traficantes se están lucrando de estas masacres.

De jet set va la cosa y como si fuese una extensión del término podemos decir que todos actúan de lujo en ‘Los Farad’. Herrán, Abaitua y Casablanc es una alineación fastuosa que viene escoltada por Tejero, Navas y fichajes magníficos como el de Igal Naor. La combinación es tan explosiva como el napalm y se despliega tan dinámica como el aeróbic. Quizá no sea tan punzante como ‘La línea invisible’ o tan graciosa como ‘Todas las mujeres’, pero al menos al contario que sus personajes no peca de ambiciosa y a su vez si es capaz de desplegar un poder que atrapa y genera mono.

Crítica: ‘The Walk-In’

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El ejercicio de reflexión y memoria histórica que necesitamos en este momento

Adaptando hechos reales y las novelas de Matthew Collins (‘Odio’ y ‘Terrorista nazi’) llega a Filmin ‘The Walk-in’. Una serie que narra la experiencia del propio Collins, quien fue en su día un activista y declarado neonazi, miembro del National Alliance. Posteriormente, arrepentido de sus convicciones, este hombre inició una vida de redención a través de artículos en la revista online Hope not Hate y charlas motivacionales creando así una especie de campaña de concienciación. Tal es así que la serie está dedicada a Jo Cox, la política asesinada por defender cómo todos venimos de inmigrantes y cómo la población que ha llegado de fuera del Reino Unido ha enriquecido su cultura.

Quien interpreta a Collins es Stephen Graham. Parece que Filmin está haciendo esfuerzos por acaparar todos los éxitos del actor inglés pues tras ‘The Virtues’ o ‘Hierve’, entre otras, nos trae un trabajo más de este actor que está en estado de gracia. ‘The Walk-In’ es una nueva perla interpretativa que yo he devorado muy rápidamente para poder escribir esta reseña pero que recomiendo que veáis detenidamente. Es para disfrutar cómo este actor trabaja las emociones y los acentos y para gozar también de una buena interpretación de Andrew Ellis. Aunque es corta es de esas series que dan para debate, que están abiertas a reflexión tras cada uno de sus visionados y ello es por el guión y por sus interpretaciones.

Los autores de ‘The Walk-In’ son Paul Andrew Williams (dirección) y Jeff Pope (guión). Han orquestado una serie con algunas imágenes fuertes pero más potente aún es el discurso que han elaborado. Ya solo la primera ponencia que vemos nada más pasar la secuencia de apertura es oro puro. Pero el retrato no se realiza solo a través de alegatos y discursos surgidos del protagonista, también de aquellos que promueven el odio y la segregación. Habla de esa ultraderecha conspiranoica que, por ejemplo, ha costado cientos de miles de vidas con su negacionismo o corrupción durante la pandemia e incluso a la hora de reconocer el holocausto. Esa corriente política que solo ve violadores o intrusos que nos roban trabajo cuando otros ven personas que huyen de catástrofes o guerras. Bien es cierto que atentados como los de 2017 no ayudan pero no han de pagar justos por pecadores. Esto me recuerda a otro estreno reciente, ‘El viejo roble’, y me demuestra una vez más que hay una preocupación generacional sustentada en acontecimientos recientes.

El 5 de diciembre está disponible esta serie de 5 episodios. No puede llegar en mejor momento ahora que la juventud observa el auge de la ultraderecha por todo el mundo, guerras genocidas e hipócritas como la que mantiene Israel o arrebatos de violencia en cualquier barrio o ciudad. No está nada mal este ejercicio de reflexión y memoria histórica. Puede causar el efecto que provocó en su día ‘American History X’ o ‘Imperium’, espero que al menos haga ver que los grupos extremistas se aprovechan del descontento de la ciudadanía, de miedos infundados o del ensalzamiento de tradiciones basadas en supuestos pasados gloriosos para crear su causa. En este caso hablamos de cómo se coge a alguien que no tiene o no sabe exponer su ideología o motivación y hacerle pensar que forma parte de algo más grande. La serie tiene a bien destapar este tipo de movimientos maquiavélicos. La única lástima es que esa exposición se agota rápido y la serie necesita sustentarse demasiado en su suspense criminal y judicial.

Crítica: ‘Doctor Who: the star beast (La bestia estelar)’

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Un crossover entre el Doctor Who Lore en la línea de los episodios clásicos

Sesenta años y unos quince actores y actrices para representar a uno de los personajes más míticos de la ciencia ficción británica, el Doctor Who. Tras veintiséis temporadas y un largo parón desde 1989 la serie regresó con su reboot de 2005 y desde entonces ha acumulado, con esta, catorce temporadas. Como todo en esta serie es un continuo reinicio podemos decir que salvo el lapso de tiempo entre sus dos etapas no ha parado, de hecho los fans la han mantenido siempre viva. Ahora que estamos en su sexagésimo cumpleaños la BBC prepara una serie de capítulos especiales que podremos ver en España a partir del 25 de noviembre a través de Disney+. El primero de ellos es este que nos atañe e irá sucedido por ‘Doctor Who: La salvaje lejanía azul’ (1 de diciembre) y ‘Doctor Who: La risa’ (8 de diciembre).

Los fans están divididos a la hora de escoger cuál ha sido para ellos el mejor Doctor Who de todos los tiempos, al igual que sucede con aquellos que debaten sobre James Bond. Pero no hay duda que si hay alguien que ha mantenido la franquicia a flote ese es David Tennant. La trama le recupera a la vez que plantea un misterio: cómo puede ser que el doctor haya recuperado uno de sus viejos rostros. Un enigma que da pie a otros que podréis ir descubriendo pues el episodio sigue la senda tradicional de la serie: misterio, aventuras, elementos fantásticos y comedia.

Russell T. Davies regresa como showrunner y ha escrito este episodio adaptando una vez más el cómic realizado por Mavel Comics a finales de los setenta, una obra que surgió de las manos de Pat Mills, John Wagner y Dave Gibbons. Este guionista ya ha trabajado en la serie, justo en la etapa de Tennat y sabe cómo manejar los elementos del pasado de su personaje, a si es que si sois fans podréis imaginar quién se puede cruzar en el camino del Doctor Who adaptando su aparición a la trama de dichas viñetas.

Por supuesto la TARDIS está presente en el Londres de Camdem Town que se enfrenta a una batalla contra una nave espacial que lo pone todo patas arriba. Tenemos guiños (incluso a otros títulos como E.T.) o huevos de pascua como el número de teléfono (07700-900461) usado en la serie anteriormente, el regreso de Beep the Meep y otros pormenores que nos hablan realmente de que este es un crossover entre temporadas. Los auténticos fans de la saga disfrutarán de todos esos pequeños regalos, pero también serán quienes comprendan o estén más preparados para el tercer acto. Intentar recuperar o mezclar tanto puede parecer una idea ambiciosa para unos simples episodios especiales, pero el guión maneja perfectamente todos los elementos del lore y nos sumerge en una aventura de lo más intensa, que va a toda mecha directa al grano. Y podemos decir aún más, el sabor de los capítulos recuerda al de los setenta, con la evidente mejora que implica la tecnología actual y un presupuesto marca Disney+. Cuando celebramos un cumpleaños buscamos rememorar tiempos pasados y reencontrarnos con celebración con elementos de nuestra vida. ‘Doctor Who: the star beast’ nos da todo eso y además celebra una excelente comunión con los tiempos que corren.

Tráiler de ‘Garfield’

Regresa el gato más vago de la televisión

Próximamente llegará a los cines de toda España la nueva cinta de Garfield, basada en los personajes creador por Jim Davis. Dirigida por Mark Dindal (‘Chicken Little’) y con las voces de Chris Pratt como Garfield. También tenemos a Samuel L. Jackson, Hanna Waddingham, Nicholas Hoult, Ving Rhames, Cecily Strong, Harvey Guillén, Brett Goldstein y Bowen Yang. 

Con guion de Paul A. Kaplan & Mark Torgove y David Reynols. ‘Garfield’ está producida por Jim Davis, Bridget McMeel, David Reynolds, Scott Parish, Carl Rogers, Simon Hedges, Chris Pflug, Louis Koo, Steve Sarowitz, Justin Baldwin y Peter Luo.

A continuación os dejamos el tráiler doblado en castellano. La nueva película de Sony Pictures aun no tiene fecha de estreno.

Sinopsis

El mundialmente famoso Garfield, el gato casero que odia los lunes y que adora la lasaña, está a punto de vivir una aventura ¡en el salvaje mundo exterior! Tras una inesperada reunión con su largamente perdido padre – el desaliñado gato callejero Vic- Garfield y su amigo canino Odie se ven forzados a abandonar sus perfectas y consentidas vidas al unirse a Vic en un hilarante y muy arriesgado atraco.

 

Crítica: ‘Invincible’ T2

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Muchos más superhéroes, aliens y momentos sanguinolentos

Qué larga ha sido la espera para poder seguir con la historia de ‘Invincible (Invencible)’. Hace dos años y medio se estrenó la serie animada que adapta los cómics de Robert Kirkman, Cory Walker y Ryan Ottley y por fin Prime Video nos muestra cómo continúa esta locura superheróica que está en la línea de otros productos suyos como ‘The Boys’, aunque dado su carácter juvenil y universitario cabría más asociarla a ‘Gen V’. Hemos podido ver los cuatro primeros capítulos de esta obra creada junto a Skybound Animation que el 3 de noviembre comenzará su emisión en la plataforma de Amazon.

Mark Grayson (Steven Yeun) continúa con su lucha por ascender al panteón de los superhéroes y ya de paso superar su difícil adolescencia. Como sabíamos de la primera temporada trabaja a la sombra de la figura de su padre, el superhéroe más importante de todos, Omni-Man (J.K. Simmons). Pero este mismo le traiciona pues oculta una verdad de lo más oscura. En ese punto retomamos la historia de este personaje que aún tiene pelusilla y no llega ni de lejos al bigote de su padre, pero que al menos es capaz de recibir tantas palizas como Kick-Ass.

‘Invincible’ sigue haciendo uso de la metáfora y el sarcasmo con su título. El protagonista no recibe más que derrotas pero permanece inaccesible al desaliento, al fin y al cabo es lo que tiene que mostrar un verdadero héroe. Pero lo que más nos muestra esta segunda temporada de ‘Invincible’ es sangre. Salvaje, brutal y casi gore era la primera parte y así lo es esta que además de continuar con la trama que parodia a grupos bizarros como La Liga de la Justicia o Los Vengadores ejecuta una crítica hacia las figuras idealizadas de nuestro mundo. Vuelve a ser un entretenimiento adulto que nos da momentos de auténtico goce sanguinolento pero también mucho que pensar con el desarrollo de su historia y de sus personajes. Aunque por supuesto tarta de expandir y hacer evolucionar la relación entre padre e hijo, dedica más tiempo a sus secundarios ya que como todos sabemos Prime Video tiene pensado expandir este universo, como se hace con Atom Eve.

De lo arquetípico a lo original. ‘Invincible’ luce personajes que son claro reflejo de iconos como el de Superman pero también muestra héroes y villanos completamente innovadores. Dentro del dinamismo de la serie, roto a veces por sus momentos más dramáticos, y del desarrollo de una historia de superhéroes hay un desglose de elementos originales. Tanto argumentalmente como en lo que se refiere a las habilidades de los protagonistas, la serie es capaz de sorprendernos con cosas nuevas. Ha merecido la pena la espera pues hay giros muy locos.

El reparto de voces continúa y cuenta en esta ocasión con Steven Yeun, Sandra Oh, Zazie Beethz, Grey DeLisle, Chris Diamantopoulos, Walton Goggins, Gillian Jacobs, Jason Mantzoukas, Ross Marquand, Khary Payton, Zachary Quinto, Andrew Rannells, Kevin Michael Richardson, Seth Rogen, J.K. Simmons… La lista de conocidos es larga.

Primeras imágenes de ‘Basado en una historia real’

Kaley Cuoco, Chris Messina y Tom Bateman protagonizan la serie de Movistar Plus+

‘Basado en una historia real’ llega a nuestras pantallas el próximo 13 de noviembre a Movistar Plus+. Cada lunes se podrá ver un nuevo episodio de la serie protagonizada por Kaley Cuoco, Chris Messina y Tom Bateman.

La primera temporada de ‘Basado en una historia real’, está creada por el showrunner, productor ejecutivo y escritor nominado al premio Emmy Craig Rosenberg (‘The Boys’, ‘Gen V’), los productores ejecutivos de Aggregate Films Jason Bateman y Michael Costigan y UCP, una división de Universal Studio Group. Kaley Cuoco y Alexander Buono también son productores ejecutivos.

La serie es un thriller de comedia negra de ocho episodios que sigue a una agente inmobiliaria, una ex estrella del tenis y un fontanero, que aprovechan una oportunidad única para capitalizar la obsesión de Estados Unidos por el crimen.

Completan el reparto Priscilla Quintana, Liana Liberato, Natalia Dyer, Alex Aloma Akpobome, Aisha Alfa, Annabelle Dexter-Jones y Li Jun Li.

Aquí os dejamos alguna de las primeras imágenes de la serie.

Crítica: ’30 monedas’ T2

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Un glorioso viaje de dimensiones infernales

Tras ver al completo la segunda temporada de ‘30 monedas’, al margen de poder corroborar que esto queda para la ya anunciada tercera parte, podemos decir que ha sido un glorioso viaje de dimensiones infernales. Con épica, con comedia, con todo tipo de detalles macabros y por supuesto fantásticos.

Ya no estamos encerrados en el pueblo segoviano de Pedraza. El final de la primera temporada acababa con caos y así ha arrancado este segundo periplo de la serie de Álex de la Iglesia. El enredo ha desperdigado a los protagonistas de esta historia por todo el mundo y por su inframundo, el infierno. Ha sido un viaje tan divertido que podemos afirmar de nuevo que pagaríamos más de treinta monedas por repetirlo, de la divisa que sea.

Que a Álex de la Iglesia y a Jorge Gerrikaetxebarria les gustan las historias satánicas, los juegos de rol y las escaladas de violencia o locura es algo que ya sabíamos. Pero en ‘30 monedas’ se junta absolutamente todo eso, lo cual, sumado a que estamos ante una producción de HBO Max eleva el nivel, aunque hay muchos detalles de imágenes generadas por ordenador que son francamente mejorables. Si la primera temporada nos pareció un espectáculo rural, imaginativo y desatado, como si Berlanga fuese fan del fantástico más diabólico, en esta disfrutamos como un gamer con consola nueva. ¡Tenemos nueva partida!

La primera temporada de ’30 monedas’ se asimiló mucho a una partida de rol inspirada en las obras de Lovecraft o al ‘Dark Souls’, por mucho que De la Iglesia se haya hartado a decir que no lo ha jugado. Ahora en el plano estético están presentes Hellraiser (y Hellblazer) por motivos que tocaré después, pero adelanto que el mayor deleite es ver recreadas las extrañas figuras que El Bosco introducía en cuadros tan impresionantes como El Jardín de las Delicias. En lo que se refiere a la trama la serie sigue con ese toque coral que por momentos se asemeja a un episodio españolizado de ‘Supernatural’, a ‘La búsqueda’, ‘El Código Da Vinci’ e incluso a varias entregas de ‘Indiana Jones’. Y por supuesto entre tanta referencia a la cultura pop también hay espacio para hacer una especie de burla hacia la cienciología, los Iluminati y similares. En resumen, es una mezcla de la hostia consagrada. Yo por lo menos quiero que me digan dónde comprar ese manual de Apocalipsis para Dummies que no atina a ver el personaje de Pepón Nieto.

Videoclip de heavy metal es una similitud que también se acopla bien a esta segunda temporada. Como decía al principio y como se veía en el tráiler nos llevan al infierno y estas escenas, que no son pocas, se llevan la palma. Se percibe una influencia de la arquitectura italiana del renacimiento mezclada con criaturas como sacadas de los cómics de ‘El Batman que ríe’ (algunos encarnados por Javier Botet). El diseño de criaturas, no anda corta en monstruos, y del infierno cuyos pasajes tienen un marcado estilo neoclásico ya que se ha rodado en el Palacio de Fernán Núñez, es acertadísimo. Muchas son las representaciones que el arte ha hecho del infierno, desde literales hasta metafóricas. Álex de la Iglesia da la suya y se manifiesta como un lugar por el que se puede transitar, elegante pero a la vez macabro. Es tanta la parafernalia que se ha dispuesto que a uno le gustaría conocer la función de cada sala y cada demonio, de hecho, nos obsequian con más detalles de los esperados. Es una locura de divertido ver eso y a los dos curas (Eduard Fernández y Manolo Solo) maquillándose a lo villano de ‘The Strain’.

Hablando del infierno, ha surgido un tercer bando entre cielo e infierno, como ya se hizo por ejemplo en los cómics de Spawn, pero ese es el tipo de nuevos ingredientes que vais a ir descubriendo. Gracias a esto continúa el suspense macabro de esta serie que juguetea muy acertadamente con toda la parafernalia religiosa, mística y misteriosa. Es una carrera por objetos de poder, de esos que tanto se han tocado en Cuarto Milenio o en tropecientas películas yankees. Por supuesto hay terror y acción, no solo intrigas paranormales y sectarias. Es un gustazo ver al padre Vergara (Eduard Fernández) repartir hostias, de las de a puño cerrado en medio del averno. Pero no es el único que hace derramar la sangre pues el conteo de muertes crece capítulo a capítulo, quizá es otra aportación de HBO (por eso de ‘Juego de Tronos’). Los fatalities de esta temporada son brutales.

Al contrario de lo que sucede con algunas series que simplemente quieren ofrecer un show fantástico se percibe que hay un desarrollo de personajes. Está interesantísimo el juego que le han sacado a los protagonistas y las motivaciones que les han escrito. Ya ni que decir tiene la manera que han encontrado para juntarles. Ha habido una escisión y el que no está encerrado está oculto o está del lado del mal. A ellos se incorporan fichajes de excepción como Paul Giamatti o Najwa Nimri como una influencer que visita la zona cero de la anterior temporada. Álex de la Iglesia sube un nuevo escalón en su imaginario con estos fichajes que además demuestran de nuevo que se mantiene actualizado. Aquellos que se quejan siempre de como desmadra este director que ni le den al play porque esta serie es un follón continuo. El 23 de octubre podréis comprobar como la expresión “noche toledana” adquiere un carácter fantástico.

Crítica: ‘Rick y Morty’ T7

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Tras perder a una de sus alma mater la serie se mantiene en su línea

El próximo 15 de octubre (16 en España) el mundo vivirá un nuevo regreso de la familia más disfuncional de la animación. Disfuncional a múltiples niveles porque Rick y Morty tienen una relación totalmente anómala en infinidad de multiversos. Regresa la serie de Adult Swim a HBO Max con una séptima temporada que llegará a tener 10 episodios. También 10 son las temporadas que nos han anunciado que quieren que tenga esta rompedora producción que a todos nos ha volado la cabeza o nos ha hecho llorar de risa en más de una ocasión.

Solo hemos esperado un año y un mes para volver a vivir las insanas peripecias de los Smith y el abuelo Sánchez. La serie regresa en su versión original con nueva voz para varios personajes, entre ellos Rick y Morty, tras el despido del creador y doblador Justin Roiland. Y he de decir que los nuevos dobladores (Ian Cardoni para Rick y Harry Belden como Morty.) hacen que a penas se note el cambio. Donde si hay cambios, como siempre, es en el opening que viene salpicado de escenas nuevas que como habitualmente no sabemos si veremos durante los episodios de la temporada siete o si son absurdeces injertadas porque sí. Pero nos gustaría saber cómo acaba Jerry haciendo una apertura a lo Van Damme o a que se debe el bailoteo alienígena-cortesano.

HBO nos ha cedido visionados de los dos primeros episodios que llevan como título ‘How Poopy Got His Poop Back’ (traducido literalmente sería ‘Cómo Poopy recuperó su caca’) y ‘The Jerrick Trap’ (que sería algo así como ‘La trampra de Jerrick’). Uno de ellos es una intervención (esas reuniones por sorpresa que se hacen para cambiar el comportamiento de alguien) que agrupa a muchos personajes y por supuesto se les va de las manos. Y el otro es un intercambio de cuerpos, pero evidentemente no se parece para nada a las clásicas historias de cambio de cuerpos, de hecho, viola cualquier buen recuerdo que tengamos sobre ‘Los Caraconos’. Sobra decir que son capítulos cargadísimos de sorpresas y no vamos a destriparos ninguna. Pero si podemos poneros la miel en los labios avisándoos de que hay cameos, tanto de personas reales como de algún que otro personaje de ficción famoso.

Dan Harmon vuelve a demostrar con estos episodios que tiene una mente la mar de retorcida a la vez que genialmente intrincada. Sin necesidad de contar con su socio, o quizá ya tenían esto escrito, en solo dos episodios es capacaz de mostrarnos locuras tales como el fantasma de un robot, seres anatómicamente imposibles o un bar al que queremos ir a tomar algo, el “F#%k you”. Y estos son detalles minúsculos para lo que acabamos de ver. Y por descartado que hay escenas post-créditos, aún más locas o absurdas si cabe. La escena añadida en el primer capítulo es de las mejores que ha tenido la serie.

Crítica: ‘Doom Patrol’ 4B

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Fin a una serie sobre la identidad y la locura sin complejos

Los personajes creados para DC Comics por Arnold Drake, Bob Haney y Bruno Premiani han tenido vida propia durante cuatro temporadas. Los miembros de la Doom Patrol han sobrevivido al COVID-19 y a una huelga de actores y guionistas, pero antes o después tenía que llegar su final. Esta es la última función de esta obra que se ha hecho desear. Una extravagante serie repleta de WTFs con mucho que ofrecer entrelíneas y con muchas barreras que romper. Y así lo han hecho hasta el final, sin pelos en la lengua, sin complejos y… también con menos presupuesto. El 13 de octubre HBO Max lanza la conclusión de esta serie que nos ha encantado de principio a fin.

Recuperamos a la patrulla inmersa en la lucha para detener o escapar o eliminar a Immortus, con la Patrulla Condenada nunca se sabe qué plan hay. Mientras los personajes van por parejas intentando resolver el enmarañado puzle que son sus mentes y en el que sus cuerpos físicos se hayan encerrados, siguen inmersos en las mismas discusiones y dilemas de los últimos episodios. La serie está algo estancada en su final, ‘Doom Patrol’ nunca ha destacado por su acción, nos tiene acostumbrados a infinidad de soliloquios o de charlas trascendentales (aquí hasta los culos parlantes tienen sesiones de terapia psicológica). Pero todo se perdona o se ve recompensado cuando vivimos momentos locos y decisiones disparatadas. La trama se ha vuelto tan demencial en todos los sentidos que parecía irresoluble, pero queda bien clausurada, de una manera tan caótica y alucinógena como el resto de todo su devenir.

Seis nuevos y últimos episodios que llevan el título de Orqwith Patrol, Fame Patrol, Immortimas Patrol, Tomb Patrol, Portal Patrol y Final Patrol. Como veis todos los títulos siguen la línea de las serie y nos remarcan que este es el final. James Gunn, el nuevo amo y señor de todo el universo audiovisual de DC, confirmó que no se abandonaría ‘Doom Patrol’ y así ha sido. Esta magnífica locura ha llegado a su conclusión sin cambiar un ápice su espíritu bizarro y sin sentido del ridículo. El final está a la altura pero no iguala al gran cierre de la primera temporada, el cual, fue tan arriesgado como original.

Más allá de cómo se haya cerrado la serie hay que agradecer que al final se ha respetado lo que ‘Doom Patrol’ ha sido siempre, una historia sobre la identidad y la superación. Hay una ligera caída de presupuesto perceptible en persistencia de localizaciones, pobres maquillajes de envejecimiento y la inclusión de peores decorados, además de una actriz mediocre para interpretar al villano final. Pero ni por un momento hemos dejado de decir eso de ¿¡qué cojones!? Y los personajes han cerrado sus arcos argumentales.

Y aunque haya sido más de lo mismo, sorpresas hay. Cualquier fan de la serie sabrá de sobra que en ‘Doom Patrol’ puede pasar cualquier cosa. En esta temporada 4B de ‘Doom Patrol’ tenemos hasta un episodio “navideño” musical (el noveno) con Brendan Fraser (Robotman) en carne y hueso. Y por supuesto no podría ser un bien cierre si no nos reencontrásemos con personajes del pasado. La serie hace un recorrido o recupera elementos anteriores sin necesidad de hacer flashbacks o un episodio de recopilación. De ese modo cierra tramas y ya de paso las heridas de sus personajes.

Ojalá algún día vuelvan a pasar estos personajes por la loca mente de Gunn y les incluya en algún crossover de su nuevo universo. Aunque es triste me gusta la sensación con la que nos deja ‘Doom Patrol’. No ha sido cancelada abruptamente, pero voy a echar de menos a estos personajes con sus vulnerabilidades, sus virtudes y defectos y sus malhabladas bocas.

Crítica: ‘La familia Stallone’

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Cosas de casa

¿Qué ocurre cuando el héroe vuelve después de un largo viaje en el cual ha salvado el mundo? Si queréis ver cómo fue la vida cotidiana de Odiseo después de la guerra de Troya y su largo viaje a casa… Este nuevo reality show tiene la respuesta, aunque no lo parezca.

Para el espectador profano que Sylvester Stallone tenga su propio reality puede parecer la enésima bizarrada en su carrera artística y en esta era en la que la televisión se ha visto obligada reciclarse y renacer de sus cenizas hibridándose con internet (algo que ya hizo la radio en su momento). Podréis comprobarlo en SkyShowtime con la serie de emisión semanal que arranca hoy mismo.

Para el espectador creyente este reality de la familia Stallone es un sueño hecho realidad, dedicado a toda una generación que ha crecido con uno de los mayores héroes de acción de la última mitad del siglo XX. Antes de que me emocione al hablar de lo que significa Sylvester Stallone para muchos que conocen su extensa filmografía es mejor que primero ponga un poco en contexto su importancia en la cultura popular de las últimas décadas.

En los cómics estaremos de acuerdo que, aunque los universos son casi infinitos e inabarcables llenos de miles de personajes con sus variantes, el gran público reconoce unos 3 instantáneamente: Wonder Woman, Superman y Batman, por un lado, Iron Man, Capitán America o Spiderman por otro… Incluso en mangas tan conocidos como Dragon Ball, cuyo reparto de luchadores no se quedan cortos si lo comparamos con Marvel o DC, los primeros nombres que se nos vienen a la cabeza son Son Goku y Vegeta. Pues en el cine de entretenimiento que surgió en plena guerra fría, a pesar de la larga lista de actores y actrices dedicados al cine de acción los más importantes, reconocibles y que mayor impacto han tenido en la cultura popular son Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone. Su rivalidad (al igual que los grandes héroes del cómic y el manga) ha sido también digna de leyendas que después de muchos años han sido material de anécdotas en las entrevistas.

Una rivalidad que han trasladado del cine a la televisión. Stallone ha optado por una serie mafiosa crepuscular con toques de noir y western, ‘Tulsa King’ en Paramount+ y Arnold Schwarzenegger ha entrado como un elefante en una cacharreria en Netflix con ‘Fubar’, en una secuela espiritual de ‘Mentiras arriesgadas’ manteniendo el espíritu gamberro, pero también reflexionando sobre los conflictos entre el éxito en una profesión y la vida familiar. Pero no acaba aquí la cosa, porque si Arnold ha aprovechado para rodar un documental de su vida en Netflix, Stallone no se queda atrás con su nuevo reality con su familia.

Si comparamos los dos formatos, el de Stallone es mucho más jugoso por supuesto, por varios motivos (incluso si descartamos de la ecuación las toneladas de pulsión de su familia) y quizás el más importante es el que ha caracterizado siempre a Stallone: ha sido más arriesgado a nivel creativo durante toda su carrera.

¿Riesgos creativos? ¿En el género de cine acción y aventuras? Pues sí, y el primer riesgo fue el que le dio el éxito diferenciándose de todos los demás. Los héroes Rocky y Rambo son personajes vulnerables, torturados, apartados de la sociedad, héroes con sus luces y sombras que cometen errores. Puede que en la actualidad sea algo a lo que estemos acostumbrados e incluso veamos necesario, pero en el año 1976, con Rocky, fue toda una revolución con la que el público se sintió totalmente identificado.

Arnold ha sido en su carrera cinematográfica, política e incluso en su vida cotidiana como el Capitán América o Superman, luchando por alcanzar cuotas de perfección impensables para cualquier ser humano. Y esa perfección de semidiós griego fue la carta que tenía bajo la manga Schwarzenegger para triunfar en su carrera, la fascinación de la humanidad por los mitos. En el caso de Stallone, esa cualidad humana en sus personajes ha jugado a su favor en su etapa madura. Sly ha sabido llevar a su terreno sus grandes franquicias cinematográficas como Rambo y Rocky asumiendo simplemente su edad. Y sus conflictos. En la serie ‘Tulsa King’ está soberbio por esa razón. Stallone abraza la impotencia que nos alcanza cuando alcanzamos una cierta edad echando una mirada al espejo retrovisor de su vida observando todos sus errores. Uno de los temas que trata es el de la familia (y a pesar de ser un mafioso en esa serie, no nos referimos a ‘esa’ familia) y el hecho de ser un estereotipo con patas que no le ha dejado ser tan humano y disfrutar de una vida mundana como querría.

Y ahí es donde conectamos con este reality de la familia Stallone que se entremezcla en determinados momentos con la serie, no de manera contundente en un ejercicio metanarrativo, sino para poder introducir a los espectadores de una manera natural a la humanización del personaje de Stallone. La familia de Stallone, compuesta por su mujer Jennifer y sus tres hijas (Sophia, Sistine y Scarlet) acompañan a Sly en este reality con intervenciones especiales del desconocido hermano y cantante Frank Stallone o de amigos como Dolph Lundgren o ¡Al Pacino! (atentos a ese momento en la pizzería). Las hijas de Stallone no son tan Kardashian como podría parecer de la manera en que se nos vende este reality. Se podría decir que las tres hijas tienen muy amueblada la cabeza, quizás más que el padre cuando tenía su edad.

Es Stallone (y su hermano) el que aporta la parte más bizarra y encantadoramente hortera. Las hijas como mucho son pijas (que tampoco pueden evitarlo por el entorno en el que han crecido) pero son estudiantes universitarias y trabajadoras. En cambio, Stallone se nota que vive sus personajes en la vida real y sigue siendo tan extravagante como en su juventud, además de que como buen hijo de la guerra fría tiene un conflicto interior sobre la realidad de su familia. Aunque es una familia bastante tradicional americana, con todo lo divertido que puede salir de ahí.

Este reality es un buen complemento para los muy cafeteros de Sylvester Stallone y para los espectadores profanos es una curiosa radiografía de las generaciones que crecieron en la segunda mitad del siglo pasado.

Crítica: ‘Castlevania: nocturno’

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Vuelve el trepidante baño de sangre y magia

La serie ‘Castlevania’ adaptó de una manera espectacular los videojuegos de Konami. Fueron varias temporadas, cuatro en concreto, que los fans devoraron cual vampiro sediento de sangre. El cierre incluso resultó magnífico, elegante y conclusivo, algo nada habitual para Netflix que suele dejarnos a medias. No nos quedamos con ganas de más, pero resulta que hay más y es bienvenido.

‘Castlevania: nocturno’ es una secuela que sucede años después de la serie original. Seguimos los pasos de un sucesor de los Belmont que por supuesto continúa con la tradición familiar de eliminar vampiros. Pero huye de su pasado, de una tremenda pérdida a manos de un poderoso chupasangres. Su camino le ha llevado de los Estados Unidos a la Francia de la Revolución. Allí se desarrolla la serie entre rebeldes y una aristocracia que a la desesperada se alía con los vampiros.

En esta nueva temporada Clive Bradley y Kevin Kolde (los showrunners) utilizan a Richter Belmont, un personaje que encontramos en juegos como ‘Castlevania Rondo of Blood’. Pero le acompañan de otros nuevos protagonistas, entre los que se encuentra una maga capaz de transmutar materia y que procede de las plantaciones de algodón de los Estados Unidos. Por supuesto hay más personajes, e incluso sorpresas para los fans de la saga de videojuegos. Y una nueva villana a la que derrocar. En vez de Alucard o los clanes vampíricos, quien lidera a las huestes de la noche es la Condesa Erzsébet Báthory, la que tradicionalmente se ha conocido por sus baños de sangre en busca de la eterna juventud.

En esta ocasión lo que se intenta evitar es una eterna noche y con ello la consecución de la Revolución Francesa. Netflix sigue confiando en Powerhouse Animation Studios que tan buenos resultados les ha dado con las temporadas anteriores. La animación sigue emulando los animes clásicos pero se ayuda de las nuevas tecnologías para aportar agilidad a las escenas, espectacularidad a los escenarios y un ritmo arrollador.

El látigo de los Belmont, los maestros forjadores, los seres de la noche, las cruentas y rapidísimas peleas, noches de fuego y sangre, magia de todo tipo… ‘Castlevania: nocturno’ conserva todo lo que nos gustó en las cuatro anteriores temporadas. Quizá le falta algo del romanticismo y la épica que aportaba Alucard, por mucho que se esfuercen con tanto canturreo operístico. Pero son 8 episodios que se pueden ver ya en Netflix y que tal y como terminan prometen más entregas. ¡Bien!

Crítica: ‘Gen V’

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Conserva el ADN de ‘The Boys’ pero es una fórmula más diluida

Mientras aguardamos con ansia y expectación el regreso de ‘The Boys’ con una cuarta temporada, que se tomen el tiempo que haga falta para que salga bien y vuelva con el nivel adecuado, llega ‘Gen V’. Con esta serie de ocho episodios que se estrena el 29 de septiembre en Prime Video se expande el mundo iniciado por Garth Ennis y Darick Robertson en los cómics.

Realmente ‘Gen V’ está basada en ‘The Boys Volumen 4: We Gotta Go Now’. Es un arco autoconclusivo de los cómics en los que los autores parodian a los X-Men, llamándoles G-Men. La academia, el mentor que dirige todo y los jóvenes inexpertos y confundidos están presentes. Pero es lo poco que se coge prestado de las viñetas y esta es una adaptación mucho más libre que el resto de lo que hemos visto en ‘The Boys’. Y tal vez habría que dar las gracias pues en esta parte del cómic hay suicidio y pederastia hasta límites desagradables. Adaptarlo al pie de la letra podría haber hecho que los estallidos de violencia y sexo que hemos visto hasta ahora parezcan un episodio de los Osos Amorosos.

Por lo tanto esto está suavizado, no obstante no podemos olvidar en qué universo desfigurado estamos. Como no podría ser de otra manera la serie empieza fuerte, con escena sangrienta, un momento muy sanguinolento y traumático. A partir de ahí nos trasladamos a la facultad en la que ingresan aquellos que han sido inyectados con el V y que cumplen ciertos requisitos. ‘Gen V’ está cargada de sexo y violencia explícita, pero por encima de todo ello está la comedia que desarrolla. Sigue siendo una parodia de Norteamérica y del mundo de los superhéroes. En vez de ser una burla hacia las corporaciones y los principios de Estados Unidos está más centrada en el ámbito de las universidades y sus supuestos valores modernos de inclusión, proyección profesional, diversidad o igualdad.

Tenemos una facultad de lucha contra el crimen y una juventud que podría intuirse como ejemplar. Pero en otro intento de retratar a las generaciones de ahora se muestra como solo se aspira al postureo, los likes o el desfase sin pensar en consecuencias. Como decía ahora más que nunca la serie se parece a X-Men, a esos cómics en los que descubríamos lo que pasa con los alumnos del Profesor X. Pero evidentemente desde un punto de vista sátiro. En ‘Gen V’ hay mutantes entrenando para ser superhéroes y optar a unirse a la élite o al servicio de una corporación, una visión desfigurada y traumática de los superhumanos, una protagonista que ha perdido a sus padres… Si lo acotamos al mundo de los mutantes de Stan Lee a lo que podríamos decir que más se parece es a ‘The New Mutants’. Unos personajes se encojen, otros doblan metales, otros cambian de género, otros empatizan mentalmente con los de su alrededor, otros echan fuego, otros manipulan la sangre… Imaginad el juego que dan estos poderes en un mundo tan retorcido como el de ‘The Boys’.

Evidentemente hay un inmenso ejemplo de luz de gas, y no es por el personaje que se enciende cual esfera de helio ardiente. Esta continúa siendo una narración en la que se intenta desvelar un gran secreto, en la que se busca desvirtuar la imagen de Vaughn. Pero también se postula como la historia de los herederos de Los Siete y como spin-off de ‘The Boys’ que es, como la sucesora de esta. Lástima que pierde con tanto amorío y hormonas adolescentes. Por cierto, por favor, dejad de hacer versiones tan cursis a partir de las canciones de Metallica.

Como curiosidades encontraréis muchos detalles que enlazan con ‘The Boys’ y pormenores que revelan que por aquí pasaron previamente los superhéroes que hemos visto “salvando” el mundo en las tres temporadas. Por supuesto aparecen algunos personajes de ‘The Boys’, pero no os diré cuáles. Como añadido, entre los nuevos protagonistas nos encontramos con Golden Boy, interpretado por Patrick Schwarzenegger, que podréis imaginar de quién es hijo.

Crítica: ‘The Continental’

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Expandiendo el lore, manteniendo de refilón el tipo de acción

El universo de John Wick se expande más allá de sus múltiples películas. Ya vimos como fue el pasado de John Wick y su ingreso en la organización criminal secreta con los cómics y ahora (desde el 22 de septiembre) toca una precuela donde lo interesante es ver el pasado de aquellos que sirvieron previamente a la Alta Mesa e incluso se relacionaron con el personaje de Keanu Reeves. Esta serie sirve para seguir explotando ese universo puesto en marcha por Chad Stahelski y como excusa se pretende dar más información sobre el universo de esta organización que trabaja en las sombras.

Disponemos de una precuela que transcurre en los años 70, así de claro nos lo deja el opening con un evidente estilo de la época. Nos encontramos unos 30 o 40 años antes del momento en el que entra en acción John Wick a si es que no esperéis que aparezca el personaje. Un robo en El Continental de Nueva York es el disparador. Un hurto que tiene que ver evidentemente con la parafernalia que rodea a la Alta Mesa. Durante ‘The Continental’ oiréis de nuevo expresiones como “excommunicado” y veréis el interior del hotel prácticamente como en las películas. El ambiente por que el que se mueve el famoso asesino está completamente reconocible, aunque con unos años menos y frecuentado por unos personajes conocidos pero que evidentemente están interpretados por actores más jóvenes.

Winston y su hermano son los protagonistas y van con el corazón dividido entre sus sentimientos y las órdenes de los de arriba, en este caso representados por Cormac (Mel Gibson) acompañado por el siempre fiel Charon. Prácticamente todos en esta serie son expertos luchadores, menos Cormac y Winston, que representan la diplomacia, los negocios y el conocimiento (aún relativo) de las reglas del juego. Sobre el casting solo podemos decir que está relativamente bien escogido con la excepción del personaje de Charon (Lance Reddick) que está interpretado por Ayomide Adegun. Este actor ha cogido sus andares, su rectitud y su actitud servicial a la perfección.

‘The Continental’ dispone de largas escenas de acción que combinan tiroteos a quemarropa y artes marciales. Frankie (Ben Robson) es aquí el que muestra ser de la misma escuela que John Wick. Sin embargo, aunque en el guión está involucrado Chad Stahelski no podemos decir eso de que la acción es la protagonista, pero hay que reconocer que el verdadero atractivo en esta ocasión es la expansión de todo el lore. Evidentemente no hay tanta acción como en las películas de Stahelski pero la serie puede sobrevivir con la expansión del universo de Wick al igual que lo hizo ‘Pennyworth’ con las aventuras del joven Alfred. Hay muchos más personajes y por supuesto todas sus tramas están entrelazadas de alguna manera y eso es lo que hace que esta sea una serie más próxima a lo estándar. Hay que desarrollar todo aquello que les une, cada uno de los arcos argumentales. Aunque hay tiroteos para todos los intervinientes de ‘The Continental’ y vemos más de una muerte salvaje no tenemos el espectáculo violento e incesante que es ‘John Wick’. También es verdad que se supone que Wick es un asesino sin parangón y por eso se ganó el apelativo de Baba Yagá, hacer aquí lo mismo sería restarle peso a su leyenda.

‘The Continental’ suma personajes estrafalarios, que a la franquicia no le faltan. Y tiene en cuenta otros factores. ¿Por qué en las películas no aparece nunca la policía? La serie dispone de una trama de corrupción e infiltración para tratar ese aspecto que las películas siempre han descuidado. Igual que casi nunca se ha tratado quién puede haber estado relacionado con El Continental de manera indirecta o colateral, salvo en el caso de El Rey del Bowery (Laurence Fishburne). Para eso está la trama de dos hermanos que buscan mantener de manera desesperada el dojo que su padre les legó a través del tráfico de armas. Y también se muestra quién llevaba la organización de vagabundos antes de que llegase El Rey de Bowery.

La serie tendrá emisión semanal y cuenta solo con tres episodios pero son como películas pues cada uno está en torno a la hora y media. ‘Brothers in arms’, ‘Loyalty to the master’ y ‘Theather of Pain’ son los títulos de estas tres minipelículas en las que por supuesto la música está omnipresente. A mi me han dejado muy buen sabor de boca pues en las otras películas el foco y el trasfondo es absolutamente todo para John Wick y aquí descubrimos mucha más materia. Ahora tocará esperar a ver si aporta y nos da espectáculo ‘Ballerina’.

Apartado de curiosidades. Aparece entre los secundarios interpretando de joven al tío Charlie un actor que hizo de un mafioso mítico: Peter Greene, el villano de ‘La Máscara’. Este personaje le da a Winston un Ford Mustang Mach 1 igual al que conducirá en el futuro John Wick. También hay un guiño a un guiño. Keanu Reeves repitió en una de las entregas de la franquicia la frase “I need guns, lot of guns”, la cual era famosa desde ‘The Matrix’. En ‘The Continental’ volvemos a oír es frase que siempre pone al protagonista en pie de guerra.

Crítica: ‘Wolf’

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Un drama cargado de perversidad y humor negro

HBO Max estrena ‘Wolf’ el próximo 14 de Septiembre. Drama policíaco que nos llega desde Reino Unido con seis episodios que como mínimo os van a parecer incómodos de ver. Si sois lectores quizá ya conozcáis esta historia pues adapta las novelas de Mo Hayder en las que relata los casos que lleva el detective Jack Caffery, curiosamente se ha empezado por la última sobre este personaje. Megan Gallagher (‘Sospechosos’) es quien se ha encargado de trasladar a la televisión esta truculenta historia que bien podría estar inspirada por la obra de Michael Haneke.

El brillo y contraste, el etalonaje de la serie ya la enmarca directamente en el Reino Unido. Tiene las clásicas pigmentaciones de imagen que otras muchas series, como ‘Sherlock’, que es de los mismos productores aunque realmente los directores de fotografía han trabajado en otras producciones como ‘The capture’ o ‘Britannia’. Y ya ni que decir tiene de la mansión en la que sucede la acción, totalmente de campiña inglesa. Una casa en la que habitan los Anchor-Ferrers pero que pronto es escenario de un terror que romperá su cotidianidad para siempre. Se produce un home invasión que tiene mucho por ofrecernos, como una nueva interpretación brillante de Iwan Rheon. Ese incidente se cruza en la vida del detective Caffery cuando da con una pista de un caso no resuelto, cuando sospecha que un inocente ha sido encerrado. Precisamente este agente vive atormentado por el caso no resuelto de su hermano desaparecido allá por los noventa. Es un suceso que le marcó y obsesionó de por vida, que le cargó de culpa. ‘Wolf’ trata de psicópatas pero en segundo plano toca temas como la culpa o el sacrificio con un agradecido toque de humor negro.

La narrativa se sucede en dos tiempos diferentes, en dos ubicaciones distintas hasta que todo llega a confluir. En ambas tarmas se desarrolla un drama familiar y de parejas mientras está todo embadurnado de criminalística, de sucesos escabrosos y retorcidos. Y aunque todo se percibe crudo e incluso incómodo tengo entendido que se han puesto paños calientes y la novela es mucho más detallista con la violencia, por lo que esta serie sin duda intenta abarcar a mucho más público. Aún así hay giros inesperados y que te revuelven las tripas.

‘Wolf’ nos brinda una historia con del morbo de los crímenes pero también con una construcción de relaciones humanas compleja. El comportamiento oscuro de Jack Caffrey, bien interpretado por Ukweli Roach, da un tono sombrío a la historia que se suma a las lóbregas intenciones de los asesinos. El montaje y guión de la serie es lo suficientemente eficiente como para plasmar correctamente la psique de estos personajes que si bien están atormentados tienen una clara noción del bien y el mal. Eso sí, advierto, ‘Wolf’ no es apta para aquellos que no digieren bien las cosas cocinadas a fuego lento.

Entrevistamos al equipo de ‘Quantum Leap’

Raymond Lee y Caitlin Bassett presentan la serie que llega este mes a SYFY

Hace treinta años (en la realidad y en la ficción) que el Dr. Samuel Becket, interpretado por Scott Bakula, se perdió en el tiempo. Ahora la historia sigue con una secuela y son los personajes encarnados por los actores Raymond Lee y Caitlin Bassett los que viajan en el tiempo tras las pistas del creador del artefacto que permite dar saltos a través del pasado.

SYFY estrena este mes de septiembre ‘Quantum Leap’ (crítica aquí), la serie de 18 episodios que estará también a la carta en Universal+. Tuvimos la suerte de poder hablar con los protagonistas de esta continuación del clásico de ciencia ficción y aquí seguido podéis ver lo que nos contaron sobre ella.

Crítica: ‘Quantum Leap’

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Una propuesta que se antoja divertida si progresa proponiéndonos episodios más ingeniosos

‘Quantum Leap’ fue una serie sobre viajes en el tiempo que fue conocida en España como ‘A través del tiempo’. Estuvo co-protagonizada por Scott Bakula, quien os sonará de series como ‘NCIS’ o ‘Star Trek: Enterprise’. Ahora esta producción ha regresado y por fin se estrena en nuestro país. Septiembre (el día 18 a las 22h) será testigo de las aventuras intertemporales a través del Canal SYFY quien exhibirá los 18 episodios de la primera temporada (la segunda está ya confirmada) y posteriormente los espectadores podrán verlo a la carta en Universal+.

La máquina del tiempo de H. G. Wells ha suscitado la imaginación de muchos escritores de novelas y guionistas de todo tipo. En esta ocasión es sustituida por un acelerador de partículas cuánticas movido por un superordenador, algoritmos y demás parafernalia tecnológica que suele estar a merced de cualquier historia de ciencia ficción. Treinta años han pasado en la realidad y treinta años han pasado en la ficción. Los protagonistas van tras los pasos de los protagonistas de la serie original. Ellos son Un doctor en física cuántica (Raymond Lee) y su prometida y compañera de trabajo (Caitlin Bassett) que se proyecta al tiempo en que se haya en forma de holograma. Le hace de guía por una aventura de lo más accidentada ya que este nuevo método de viajar al pasado mete su consciencia en el cuerpo de otra persona a través de un entrelazamiento cuántico que traspasa tiempo y espacio. La idea es original y el hecho de poder aparecer en un cuerpo, época y lugar diferente en cada episodio es la mejor baza para ‘Quantum Leap’.

El primer episodio nos adelanta que el protagonista está intentando mejorar la máquina que puso en marcha el Dr. Samuel «Sam» Beckett (Scott Bakula) hace treinta años. Por lo tanto sabemos que ‘Quantum Leap’ guarda relación directa con la serie original pero se nos presenta con un formato actual propio de las muchas series policíacas que nos llegan desde USA, es decir, está compuesta por un equipo variopinto y heterogéneo que trabaja para el gobierno, con su estricto jefe, sus integrantes raritos, sus instalaciones ultratecnológicas…

La máquina original funcionaba defectuosamente y a su antojo. Fue creada para corregir los errores del pasado. La nueva tiene algo de herencia de esa máquina y solo si el protagonista ayuda a alguien salta a otra época acercándose más a su regreso a casa. Parece ‘Me llamo Earl’ solo que en vez de estar a merced del karma el protagonista está sujeto a los designios de un algoritmo bonachón.

Aunque hay un tremendo descuido por los efectos mariposa y las realidades alternativas ‘Quantum Leap’ no se complica hasta este punto y con su simplismo resulta un soplo de aire fresco. Posee el mismo enganche que nos producían series similares como ‘El ministerio del tiempo’, ‘Sliders’, ‘Dr. Who’ o ‘Timeless’. Cada episodio es una época, una situación y un caso distinto, tiene casi carácter antológico. Los guiones tienen algo de suspense, algo de humor, algo de acción… Quizá es muy dispersa en cuanto al género al que quiere pertenecer pero eso la hace accesible al público televisivo en general. De calidad televisiva son también algunos cromas, pobres, sobre todo cuando Caitlin Bassett se mete en la máquina holográfica que tiene cierto parecido con el Cerebro de los ‘X-Men’.

Por supuesto el primer episodio de la serie está dedicado a Dean Stockwell, quien interpretaba al Almirante Albert Calavicci y a su vez al holograma que guiaba al protagonista por sus derivas temporales.

Crítica: ‘Bosé renacido’

El testimonio de un heredero y víctima de la farándula española

Movistar Plus+ estrena el 5 de septiembre la serie documental sobre Miguel Bosé. ‘Bosé renacido’ cuenta con la bendición y participación del cantante al igual que sucedió la producción que hace no mucho estrenó SkyShowtime, de hecho, en el apartado de curiosidades nos encontramos que aparece brevemente José Pastor, quien ha interpretado al cantante en dicha serie.

Bosé se convirtió en un ídolo de masas en el mismo momento en el que dio sus primeros pasos sobre los escenarios hace más de treinta años. Y así ha sido para mal o para bien desde que le vimos en ‘Suspiria’ hasta el lanzamiento de sus hits más descargados y sus declaraciones más polémicas. Esta miniserie documental se compone de entrevistas que se han grabado expresamente para ‘Bosé renacido’. Del mismo modo que se han recopilado numerosas imágenes de archivo oímos hablar a Bosé, a sus hermanas Lucía y Paola, su manager Rosa Lagarrigue y otras muchas personalidades como Alejandro Sanz, Ana Torroja, Mercedes Milá, Boris Izaguirre, Alaska, Lolita Flores, Laura Pausini, Tiziano Ferro, Juanes, Victoria Abril, Fernando Colomo, Manolo Caro, Alejandro González Iñarritu, José Luis García Berlanga, Patrice Calmette, Francis Montesinos, Nacho Duato, Bibiana Fernández, Malú o Pablo Alborán. Además aportan sus experiencias y percepciones periodistas como Santiago Alcanda, Rosa Villacastín y Rosana Torres. Todos ellos dan su visión de amigos, en ocasiones no siempre para cubrirle de rosas.

Lo que prepondera en esta docuserie es el testimonio del Bosé actual que se presenta con la voz tocada. Para contarnos su vida se ha estructurado todo en cuatro episodios de una hora cada uno que emplean sus distintas residencias como hilo conductor. Recorreremos sus anécdotas, experiencias, traumas y éxitos a través de la finca Villa Paz (Saelices, Cuenca), la casa familiar de Somosaguas (Madrid), la casa de Somosaguas que él re-construyó y la residencia de México, donde vive actualmente con sus hijos y donde acaban de sufrir un asalto. Cada casa representa un estilo de vida radicalmente diferente y llega el punto de parecerse esto a un programa de esos que se cuelan en casas despampanantes y las celebrities cuentan sus chascarrillos. Todas estas viviendas han albergado a grandes nombres de la época, con lo que ‘Bosé Renacido’ se convierte en un desfile de personalidades apabullante. Alguna de estas casas merece una serie para sí misma a lo ‘Arde Madrid’ porque es evidente que hay muchísimas historias que no se cuentan en el documental, por tiempo fílmico o por guardar secreto.

Indirectamente ‘Bosé Renacido’ conforma el retrato de una España retrasada que pese a la transición no se actualizó paulatinamente, sino que intentó dar un salto brusco hacia las tendencias europeas de la época. Muy acertadamente comenta Bosé que este es un país con una doble moral descarada que siempre ha estado presente. A pesar de verter más una declaración que levantará ampollas Miguel Bosé zigzaguea por algunos temas, como cuando declara que los culpables de todo lo que le ha pasado en su vida son sus padres o cuando llega el momento de tratar el cómo se produjo el nacimiento de sus hijos a través de la gestación subrogada, como se ha hablado tanto ahora con Ana Obregón, a la cual conoce bien. No es lo que personalmente me interese pues siempre he aborrecido esos detalles más propios de la prensa amarilla o de las hienas que se nutren del corazón. Pero esto deja en evidencia que es un reportaje hecho por amigos, sincero y sin tapujos pero también maquillado y adornado con escenas aduladoras, casi de videoclip. Aquí se cuenta lo que él ha querido y como él ha querido contarlo, con ese dramatismo que él tiene y que tanto ha usado en sus espectáculos, con esa vanidad que nos ha demostrado con el tiempo que no tiene abuela.

‘Bosé Renacido’ trata evidentemente su bisexualidad, su inclusión forzada o heredada en la farándula, del cambio referencial que supuso en el panorama artístico nacional, su odio visceral hacia ciertos sectores de la prensa, su faceta más paternal, la relación que tiene con el México de Iñárritu y todo LATAM, su constante lucha como negacionista… En resumen sus vicios y virtudes, sus logros y fracasos, aquello que le ha definido y lo que ha defendido. Aquellos que solo conozcáis su innegable éxito musical o que hayáis llegado a su figura a través de las portadas del corazón o de sus vídeos virales encontraréis momentos curiosos y reveladores. Hay episodios que parecen sacados de ‘Los Simpson’, como aquel en el que su padre le llevó a cazar para hacerle un hombre.

Algunas etapas del documental son más propias de un reportaje de un programa vespertino del corazón, otras son un retrato íntimo y el resto enumeran los pasos de un artista que hoy en día ha caído en la desgracia de la controversia. Los episodios que más pueden marcar a los espectadores son algunos momentos muy dramáticos de los que pocos detalles se conocían hasta ahora o aquellos más freaks que van adornados con personajes pintorescos como Marcelino, el enano bibliotecario.

Prime Video rueda ‘En fin’

Comedia postapocalíptica con José Manuel Poga, Malena Alterio, Raúl Cimas e Irene Pérez

Prime Video ha anunciado hoy el inicio de rodaje de la serie original ‘En fin’, que tendrá lugar en localizaciones emblemáticas de Sevilla y La Antilla (Huelva) y se estrenará en 2024. Creada por David Sainz (Grasa, Malviviendo) y Enrique Lojo (El último show), la comedia postapocalíptica se convertirá en la última incorporación a la suscripción Prime.

Protagonizada por José Manuel Poga (La casa de papel, El niño), Malena Alterio (Vergüenza, Aquí no hay quien viva), Raúl Cimas (Poquita fe, Muchachada Nui) e Irene Pérez (Buster), la serie narra la historia de un hombre que abandona su mujer y a su hija ante la noticia el fin del mundo. Cuando finalmente el mundo no se acaba, él, arrepentido, trata de recuperar la vida que tenía antes. Su familia, sin embargo, no está por la labor.

El día en el que debería llegar el apocalipsis, Tomás (José Manuel Poga) se levanta resacoso en mitad de una orgía en una tienda de muebles. Hace meses, ante la noticia del fin del mundo, abandonó a Julia (Malena Alterio), su mujer, y a Noa (Irene Pérez), su hija, sin mirar atrás. Pero cuando el planeta errante que iba a chocar contra la Tierra pasa de largo y el mundo sigue girando, Tomás comprende la magnitud de su error. Ahora, tratará de recuperar su vida pasada y obtener el perdón de su familia, buscando reconstruir tras el no-apocalipsis un mundo que ya nunca volverá a ser igual. Mientras, una Julia que ha vivido siempre con el freno de mano puesto ve esto como una segunda oportunidad, lanzándose a hacer todas esas cosas que no se atrevió a hacer antes. Noa, por su parte, se pregunta por qué los adultos se han empecinado en destruir el mundo ellos solos, sin necesidad de que ningún planeta gigante choque contra la Tierra.

Completan el amplio reparto coral Luisa Gavasa (La novia, El ministerio del tiempo), Dani Mantero (Grasa, Malviviendo), el creador de contenido y cómico Cristian de la tierra, Pepa Rus (Aída, La que se avecina), Javier Botet (Dos años y un día, It), Adrián Pino (El vecino), Victor Rebull (La Reina del Sur) y Numa Paredes (El hijo zurdo), entre otros. Además, ‘En fin’contará con la colaboración especial de Leonor Watling (Nasdrovia, No me gusta conducir).

‘En fin’ es una serie de seis episodios de 30 minutos de duración, producida por Versus en colaboración con Diffferent Entertainment, con Rafael Portela, Teresa Segura y Alejandro Miranda como productores ejecutivos.

‘Crimen en el paraíso’ se expande con ‘Beyond Paradise’

A partir del 10 de septiembre en COSMO

El detective más querido de ‘Crimen en el paraíso’ vuelve para protagonizar su propia serie, un éxito de audiencias que la BBC ya ha renovado por una segunda temporada. El domingo 10 de septiembre a las 22:00 horas COSMO estrena ‘Beyond Paradise’, esperado spin-off donde el inspector Humphrey Goodman y su prometida Martha Lloyd comienzan una nueva vida en la costa de Devon.

El actor Kris Marshall –a quien los espectadores de COSMO también recordarán como Tom Parker, el empresario que transformó Sanditon a lo largo de sus tres temporadas– vuelve al universo de ‘Crimen en el paraíso’ para meterse en la piel del atolondrado Humphrey Goodman, inspector jefe de la comisaría de Saint Marie entre 2014 y 2017. En una emocionante despedida, el detective dejó la isla caribeña para seguir a su gran amor, Martha, a quien interpreta Sally Bretton (‘Not Going Out’).

Tras varios años instalados en la bulliciosa Londres, la acción de ‘Beyond Paradise’ comienza cuando la pareja de prometidos decide trasladarse a Shipton Abbott, el ficticio pueblo natal de ella, para formar una familia lejos del estrés de la gran ciudad. Allí Humphrey ocupa la plaza vacante de inspector jefe, mientras que Martha cumple su sueño de abrir una cafetería. Instalados en casa de Anne Lloyd, la rígida madre de Martha, y en contacto constante con el atractivo Archie Hughes (Jamie Bamber, Marcella), antiguo novio de la protagonista y socio de su nuevo negocio, la pareja pronto descubrirá que el pintoresco pueblo no es tan tranquilo como parece.

Igual que ya hizo la exitosa ‘Crimen en el paraíso’, ‘Beyond Paradise’ encuentra el equilibrio perfecto entre las investigaciones policiales, el humor y las vidas de su adorable elenco. El peculiar Humphrey, un policía tan torpe como perspicaz, sacudirá la comisaría de Shipton Abbott y las costumbres de sus compañeros: la estricta detective Esther Williams (Zahra Ahmadi, ‘The Bay’), el ingenuo agente de policía Kelby Hartford (Dylan Llewellyn, ‘Derry Girls’) y la malhumorada secretaria Margot Martins (Felicity Montagu, ‘I’m Alan Partridge’).

A diferencia de su predecesora, ‘Beyond Paradise’ apuesta por un mayor realismo y una menor tasa de homicidios presentando en cada uno de sus seis capítulos todo tipo de crímenes: una mujer que sobrevive a una sospechosa caída y al despertar asegura que la culpable es una bruja del siglo XVII, la desaparición de una familia o la persecución de un pirómano que ha atacado tres comercios locales son algunos de ellos. Además, la resolución de estos misterios también será novedosa: en lugar de reunir a todos los sospechosos para confrontar al culpable, este spin-off recrea el crimen para mostrar a los espectadores cómo se ejecutó.

La audiencia británica ha devorado ‘Beyond Paradise’, la serie de estreno más vista del año en Reino Unido. Según los datos de visionado compartidos por la BBC, 8,7 millones de personas han visto la ficción policiaca, renovada ya por una segunda temporada y un Especial de Navidad.

Escapismo, humor y crímenes inexplicables son los ingredientes de ‘Beyond Paradise’, un atractivo drama criminal que mantiene el encanto de Crimen en el paraíso renovando y actualizando su fórmula. Desde la belleza de los paisajes de la costa suroeste de Reino Unido, con localizaciones naturales en Devon y Cornwall, a su encantador plantel de personajes.

Crítica: ‘Ahsoka’

En qué plataforma ver Ahsoka

La galaxia de Filoni será antigua y lejana, pero se entremezcla magníficamente

Muchos son los eventos que el universo expandido de Star Wars ha querido explotar. Pero pocos han funcionado tan bien como las historias ambientadas entorno a las Guerras Clon. Ese es el germen de Ahsoka Tano, un personaje que primero conocimos en la película que sirvió de piloto para la serie animada ‘Star Wars: The Clone Wars’ y que posteriormente ha sido parte de series de animación como ‘Star Wars Rebels’, relacionándose con los personajes de cómics como ‘Star Wars: Kanan’ (dibujados en gran parte por Pepe Larraz). Esa fue la etapa de Star Wars en la que descubrimos el pasado de personajes como Darth Vader, cuando solo era el padawan Anakin Skywalker. La serie ‘Ahsoka’, de ocho episodios, recupera el personaje favoreciendo el regreso de Hayden Christensen a la saga pues esta joven Togruta es la que fue aprendiz del que posteriormente se convertiría en el azote del Imperio Galáctico. Rosario Dawson la ha interpretado en pequeñas apariciones como la de ‘The Mandalorian’ y ahora, este 23 de agosto, se estrena su serie en solitario en Disney+.

Las series y cómics ya nos han mostrado gran parte del recorrido y maduración de este personaje. Ahora toca conocer a una Ahsoka que lucha contra la reciente amenaza que ha surgido tras la caída de Imperio Galáctico. Azul, amarillo, verde… Ahsoka ha manejado todos los colores de sable láser (salvo los morados de Windu) que la alinean con el bando de la luz. Llegó hasta el blanco que esgrime ahora en su propia serie como parte de su lucha pues son fruto de haber purificado la espada de luz roja de Sexto Hermano, un Inquisidor, uno de esos personajes que se dedicó a cazar niños jedi tras la Orden 66.

Por si no he sido claro esta serie se enmarca entre los episodios VI y VII. La amenaza es el Almirante Thrawn (Lars Mikkelsen). Mientras se intenta reducir a cenizas los últimos rescoldos del Imperio Galáctico hay una carrera a contrarreloj para impedir el resurgir de las fuerzas que fueron guiadas por los sith. Unos están escoltando a una miembro del Imperio Galáctico capturado por Ahsoka (Morgan Elsbeth, Diana Lee Inosanto). Otros están siguiendo los pasos del desaparecido Ezra Bridger (aprendiz de Kanan que interpreta Eman Esfandi), héroe rebelde que conoceréis si habéis seguido todo lo que rodea ‘Rebels’. Y no es el único nombre que aparece de ese mítico spin-off pues también nos topamos con Hera Syndulla interpretada por Mary Elizabeth Winstead o con Sabine Wren a quien encarna Natasha Liu Bordizzo. E incluso se utiliza la lanzadera Fantasma, que pertenecía a Ezra.

Por supuesto la serie empieza con unos breves párrafos surcando la galaxia y seguidos de una nave espacial navegando por el espacio rompiendo por la parte inferior de la pantalla. Ahsoka arranca recogiendo una esfera como si esto fuese la primera película de ‘Guardianes de la Galaxia’. Un lugar con puzles arqueológico-tecnológicos en el que podría haber estado Aphra, ains… cuándo veremos una serie sobre ella. Igualmente tenemos personajes con carisma, unos villanos compuestos por maestro y aprendiz oscuro que les pisan los talones, relaciones entre jedis y padawans, una búsqueda que se antoja vital y con lazos sentimentales, tiroteos y luchas con láser… Todo lo que pide una buena historiad Star Wars.

‘Ahsoka’ nos permite ver cómo fueron los momentos de la Nueva República formada por los triunfantes rebeldes antes de volver a sumirse en otra guerra, aquella que nos presentó a Kylo Ren. Como bien sabemos en España los viejos totalitarismos nunca mueren. El nivel de producción está a la altura. Ojalá aplicar los recursos de un proyecto así a Caballeros de la Antigua República, más allá de sus excelentes videojuegos. Pero como decía al principio todo está muy íntimamente relacionado con lo sucedido tres o cuatro películas atrás, cuando los rebeldes tuvieron que formar su alianza tras las Guerras Clon.

No es de extrañar que se estén respetando tanto los personajes e interrelacionando constantemente protagonista que ya conocíamos de antes. El creador de esta serie es Dave Filoni, el cerebro tras ‘The Mandalorian’, ‘La remesa mala’, ‘El libro de Boba Fett’ y lo que es más importante, ‘Star Wars Rebels’. Si la Fuerza está con vosotros seréis capaces de percibir que esto es ya un proyecto tipo “Fases Marvel”. Se huelen más crossovers más allá de los cameos o algún evento que reúna todo aquello que Filoni está creando. Otra muestra de ello es la calidad de lo que vemos, pues la producción está más lograda en cuanto a escenografía e imágenes generadas por ordenador que muchas de las películas de los marvelitas.

Por lo menos en los dos primeros episodios de ‘Ahsoka’, y con alguna que otra de sus series recientes, queda patente que Disney trabaja mejor cuando genera material nuevo de Star Wars sin tocar a los personajes míticos. Lo mejor de ‘Ahsoka’ es como conecta con ese aspecto místico tecnológico que tanta religión ha creado en torno a Star Wars. También en cómo es capaz de conectar las tres trilogías pero solo a partir de personajes fruto de los spin-off. Y a su vez y por último como sirve de homenaje al fallecido Ray Stevenson, quien interpreta aquí a Baylan Skoll. Una magnífica interpretación que queda sin extrañarnos en segundo plano ante un elenco femenino entregadísimo a sus personajes. Y antes de que los anti-woke se alcen en sus comentarios, casi todos estos personajes ya existían desde hace más de una década.

Primeras imágenes de ‘La caída de la casa Usher’

La versión de Mike Flanagan para Netflix muestra sus primeros fotogramas

Mike Flanagan, a quien íbamos a ver en España en el Festival Celsius 232 pero cuya presencia se malogró por la huelga de actores, continúa con sus historias de terror para Netflix. Una de las preguntas que más teníamos todos reservada para el encuentro con el director era sobre la adaptación de ‘La caída de la casa Usher’. El relato de E.A Poe será una serie para la plataforma y parece que con ella el creador de ‘La maldición de Hill House’ o ‘Misa de medianoche’ terminará su idilio con Netflix.

El próximo 12 de octubre es cuando se estrena ‘La caída de la casa Usher’ y ya iba tocando ver imágenes de la serie. En un artículo de Entertainment Weekly podemos ver una buena tanda de fotogramas con los protagonistas de la serie.

La trama nos llevará a conocer a los herederos de la dinastía de los Usher. Dos de sus miembros luchan por el poder de la empresa familiar y la fortuna que han amasado mientras que uno a uno varios de ellos son asesinados por una misteriosa mujer. «Es una locura de la mejor manera posible», comentó la actriz Carla Gugino en una entrevista. La actriz repite una vez más con Flanagan. «Tiene bastante humor muy oscuro, pero también toca el alma». Sobre Verna, su personaje, comentó: «Hay un elemento sobrenatural fantástico en la historia, y ella es la manifestación de eso. Se podría decir que es la ejecutora del destino o la ejecutora del karma».

En el reparto de ‘La caída de la casa Usher’ encontramos a muchos de los habituales del director, entre los que se encuentra por supuesto su esposa Kate Siegel. A parte de nombres como Bruce Greenwood, Igby Rigney o Henry Thomas están también actores de la talla de Mark Hamill. Esta podría ser la serie más ambiciosa de Flanagan en varios sentidos.

La producción de esta nueva visión de ‘La caída de la casa Usher’ tiene ocho episodios de los cuales Flanagan dirige cuatro. Los otros cuatro capítulos están orquestados por Michael Fimognari (‘Doctor Sueño’, ‘La maldición de Hill House’).

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