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Crítica: ‘1992’

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La España de los trapicheos y los secretos retratada sin sorpresas en ‘1992’

Tras el fantástico demoníaco de ‘30 monedas’ que HBO Max dejó en un coitus interruptus, Álex de la Iglesia estrena el 13 de diciembre una serie de seis capítulos de 45 minutos con Netflix. ‘1992’ es el sencillo título para esta serie con tintes policíacos y de cine negro ambientada a caballo entre Madrid y Sevilla, entre nuestra actualidad y el año de la expo universal. No es la primera vez que el director viaja al pasado (‘Muertos de risa’ o ‘Balada triste de trompeta’ retrataban etapas clave en la historia de España) y ahora ha escogido uno de los años más brillantes de nuestra historia reciente.

El año de las Olimpiadas de Barcelona, la primera Copa de Europa del Barça, el tratado de Maastricht, la II Cumbre Iberoamericana en Madrid, los 500 años del descubrimiento de América y por supuesto la Expo de Sevilla, sirve como continuo referente para una historia policial que podría sumarse a otras producciones recientes que mezclan el drama, los temas oscuros o los crímenes escabrosos como ‘La novia gitana’ o ‘Reina Roja’, dirigidas por Paco Cabezas y Koldo Serra, respectivamente. Directores que tienen denominadores comunes con Álex de la Iglesia, como es la locura en sus historias o los personajes trastocados, rondando lo extravagante e incluso deformes. Está claro que el neo-noir (si se me permite enmarcar ‘1992’ en ese género) nos sale bien en España, pero ¿cómo de recalcable es esta nueva serie?

En 1992 se aprobó la Ley Orgánica sobre protección de la seguridad ciudadana (la que el PP sustituyó por la Ley Mordaza). Irónicamente en esta serie nadie está a salvo y está claro que alguien guarda un secreto como si su boca tuviese puesto un candado. A causa de ello un asesino quema a sus víctimas y deja como firma un muñeco de Curro, la mascota de la Expo Sevilla ‘92, para los lectores de la generación alpha que me puedan estar leyendo. Recordemos también que un incendio devastó el Pabellón de los Descubrimientos de la Expo ‘92 antes de su inauguración. Por desgracia, conociendo esta negra efeméride, sabemos desde el principio buena parte del detonante que ha activado a este pirómano serial killer. No hay mucha sorpresa en su giro de guión, la verdad.

La serie arranca en nuestros días, en Cobo Calleja, con una brutal explosión y marcándonos desde el comienzo que vamos a estar rodeados de oscuridad. Los escenarios interiores, las noches investigaciones y las inclemencias del tiempo están representados por un etalonaje casi desaturado del todo, roto solo por el rojo anaranjado del fuego y los arcoíris de Curro. Unido a esto hay que reconocer que si en algo acierta ‘1992’ es en su puesta en escena, ofreciéndonos una buena colección de churruscados que van desde una especie de Deadpool hasta poses propias de la Pompeya más tremebunda.

Netflix tiene una cadencia de estrenos tremenda y casi siempre que hablamos de una decepción en su plataforma se debe a que sus producciones están hechas con prisas. No se si será el caso de ‘1992’ pero la sensación que tenemos durante sus pesquisas y persecuciones es que estamos viendo un caso más de una serie tipo ‘CSI’, ‘FBI’ y similares franquicias que sacan capítulos como churros. Se nota la mano y el estilo de ‘Álex de la Iglesia’ pero la trama tiene mucho relleno, momentos injustificados o erráticos y como acompañamiento una de las peores bandas sonoras que le he oído a Roque Baños.

Me gusta más lo que nos ofrecen Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría cuando introducen temas fantásticos. La serie cae en una monotonía tan estándar que no hay espacio para la sorpresa, salvo la que trae consigo el personaje de Gorka Lasaosa, cuyo tratamiento o progresión sí que sale de la norma. Como siempre nos traen un retrato esperpéntico de nuestro país y en ‘1992’ se intuye una crítica a la España de los tinglados y los chanchullos, lo cual quizá es algo que tenía que estar sí o sí al estar impregnado en nuestro ADN institucional. Pero más allá de eso no hay mucha diferencia con un episodio de ‘Mentes criminales’, por citar una de las que se emiten en los canales lineales. Ojalá poder estar diciendo que les ha salido una buddy movie tipo ‘True detective’ o ‘Los casos del departamento Q’, pero en esta ocasión, para mí, no hay acierto.

Crítica: ‘¿Yo fui mujer florero?’

Del destape al streaming. La cosificación como herramienta y/o como lacra

La miniserie ‘¿Yo fui mujer florero?’, disponible en HBO Max el 12 de diciembre, es mucho más que un nostálgico viaje a la televisión española de los años ochenta y noventa. Esta producción de Jordi Évole y Ramón Lara es una incisiva crítica que desmenuza cómo la pequeña pantalla convirtió a la mujer en un objeto decorativo, un adorno visual para engatusar audiencias y perpetuar una dinámica de poder basada en la cosificación femenina. Bajo la dirección de Rafa de los Arcos, esta producción logra un balance entre el análisis histórico y la introspección social, ofreciendo un espejo incómodo para quienes crecieron viendo o siendo parte de este fenómeno como algo natural o incluso divertido.

La normalización de la cosificación. La televisión de aquellos años no fue inocente. Con la llegada de las cadenas privadas en 1990 y el estilo que impuso Telecinco bajo la dirección de Valerio Lazarov, las «mujeres florero» se convirtieron en la fórmula mágica para competir en el mercado televisivo. Curiosamente la serie nos hace ver que se han invertido las tornas. Mientras que una cadena privada hace su propaganda y muestra una imagen rancia, en la pública otros aciertan a acercarse a los verdaderos jóvenes. Por entonces la lucha por el prime time se convirtió en programar hasta saturar a bailarinas como las Mama Chicho o las Cacao Maravillao, concursos cargados de sexualización, azafatas como las del ‘1,2,3… responda otra vez’ convertidas en iconos de belleza… Representaron un modelo donde el físico femenino era el eje principal de la narrativa. Este enfoque, heredado de la televisión italiana y del destape de los años setenta, consolidó un sistema que trivializaba la figura de la mujer, relegándola a un papel superficial e instrumental. Me sorprende que no se hable de los programas de José Luis Moreno.

El documental cuestiona si esta cosificación era plenamente consciente o simplemente un reflejo de una sociedad que aún digería los cambios sociopolíticos tras la Transición. Lo que resulta evidente es que estas dinámicas reforzaron el machismo mediático, justificándolo bajo el manto del entretenimiento. La inclusión de imágenes históricas y entrevistas con las protagonistas de la época no solo da voz a las mujeres que vivieron esa realidad, sino que también destapa las contradicciones de un modelo que, aunque criticado, aún persiste en formas más sutiles o asumidas. Alguna pocas reconocen doloridas haber sido mujer objeto, para otras no hay polémica, solo un mal de época.

Una reflexión necesaria. Uno de los aciertos de ‘¿Yo fui mujer florero?’ es dar espacio a múltiples opiniones. La serie incorpora voces externas que con la perspectiva del tiempo aportan un análisis crítico que contextualiza el fenómeno dentro de la evolución social y mediática de España. Por otro lado, los testimonios de mujeres como Ivonne Reyes, Loreto Valverde o Miriam Díaz-Aroca desnudan las emociones y los dilemas de quienes encontraron en ese sistema tanto una oportunidad como una limitación. Deambulando entre esas dos orillas ‘¿Yo fui mujer florero?’ corre el riesgo de perder el norte cuando de repente pone a todos los cargos, productores, directores y presentadores casi a la altura de Harvey Weinstein. Irónicamente oímos posturas y palabras que sostienen aquellas que hoy en día no tienen mucha diferencia con las que se ganan la vida en OnlyFans o los que dan audiencia a A3 por ver el modelito de Cristina Pedroche en nochevieja.

El documental no se limita a denunciar; también examina cómo muchas de estas mujeres revalorizaron su papel, destacando su trabajo y profesionalismo pese a las circunstancias. Sin embargo, no oculta las sombras: la exposición a actitudes sexistas, la presión por cumplir estándares de belleza inalcanzables y el ninguneo de su capacidad intelectual fueron parte del precio a pagar en una industria que las veía como piezas intercambiables de un engranaje comercial. También atina a remarcar que de entonces a ahora no hay tanta diferencia, cuando tenemos azafatas en ‘La ruleta de la suerte’ que hacen poco más que pasearse delante de un panel. El segundo episodio plantea una pregunta crucial: ¿hemos cambiado realmente como sociedad? Aunque los tiempos de las Mama Chicho parecen lejanos, las prácticas de cosificación y el uso del físico femenino como reclamo no han desaparecido. Siguen presentes, aunque en formas más sistémicas y rentables, en la publicidad, la moda y las redes sociales. Este cuestionamiento convierte a ‘¿Yo fui mujer florero?’ en una pieza a difundir, un recordatorio de que las estructuras que se crearon entonces aún tienen ecos hoy.

Crítica: ‘Cyborg Generation’

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Próximamente en Filmin.

Sinopsis

Bienvenido al universo cyborg. Descubre la historia de un grupo de jóvenes que ha empezado a modificar su cuerpo para así expandir sus posibilidades sensoriales a través del viaje de Kai Landre, el primer músico cyborg del planeta.

Un joven músico de dieciocho años decide diseñar un órgano cibernético e implantárselo de forma ilegal, adquiriendo así un nuevo sentido que le permite percibir sonidos del espacio desde la tierra.

Crítica

Planteando si el transhumanismo ayudará al ser humano en su búsqueda de autoconocimiento

El documental ‘Cyborg Generation’ es una película de Miguel Morillo Vega que en poco más de una hora realiza una exploración de los límites entre lo humano y lo tecnológico. Para ello sigue a un joven de este siglo, de esos que han nacido con la tecnología bajo el brazo y le mira a través de la lente del transhumanismo y la vida cyborg. La película indaga en las implicaciones filosófica, legales, sensoriales y sociales de aquellos que quieren dar lo que entienden como un nuevo paso en la evolución humana.

‘Cyborg Generation’ aborda el tema a través de dos figuras: los pioneros del movimiento, Neil Harbisson y Moon Ribas, y un neófito, Kai Landre, que aporta una perspectiva de descubrimiento e incluso investigación como el verdadero hilo conductor. Esta narrativa es efectiva, pues permite al espectador descubrir una corriente poco conocida desde varias perspectivas. Eso sí, hay que admitir que más allá de lo experimental y de la búsqueda de cambio o refugio por parte de los protagonistas, se echan en falta testimonios o argumentos que equilibren la balanza de la opinión.

Harbisson, conocido por ser la primera persona reconocida oficialmente como un cyborg, y Ribas, con su agudo sentido de los movimientos sísmicos, aportan una visión que a muchos puede parecerles similar a la de la comunidad transexual e incluso furry, pero brindan un testimonio que conecta con preguntas profundas sobre lo que significa ser humano en una era donde la integración con máquinas parece inevitable, algo más allá de la ciencia ficción. Por su parte, Kai Landre, al ser un recién llegado, representa al espectador curioso que aún se debate entre el entusiasmo y el escepticismo, que sobre todo recorre una etapa de autoconocimiento.

‘Cyborg Generation’ es una obra íntima que describe a personas incomprendidas. Se limita sobretodo a lo personal y no se moja en exceso con preguntas más universales tales como si esto modifica nuestra identidad, si realmente es una mejora o un capricho psicológicamente no tratado, si esto es bueno para generaciones futuras, si estamos hablando de personas que han sido capaces ve ver más allá… Lo que sí que es capaz de dejar patente es que cada vez van a ser más necesarios este tipo de trabajos que saquen de la fantasía cuestiones que ya están entre nosotros. De hecho antes de su cierre dispone de una escena que cabría clasificar de clandestina y casi snuff, al fin y al cabo han sido cinco años rodando lo que ha culminado en el implante que ahora lleva Landre.

Miguel Morillo Vega da voz a una comunidad que no solo busca la comunión con las nuevas tecnologías, sino también intentar redefinir a nuestra especie, que parece que lleva anclada evolutivamente miles de años. La debería ser, ¿la tecnología ha llegado para hacernos evolucionar o es la propia tecnología la que no nos permite tener un cuerpo superior al habernos hecho dependientes de ella? Quizá para otra ocasión hablemos de esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: Cyborg Generation. Duración: 63 min. País: España, EE.UU. Dirección: Miguel Morillo Vega. Guion: Miguel Morillo Vega. Música: Harto Rodriguez. Fotografía: Martí Herrera. Reparto principal: Kai Landre, Neil Harbisson, Moon Ribas, Manel de Aguas. Producción: Distribución: Filmin. Género: documental, tecnología. Web oficial:

Crítica: ‘Anselm’

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Sinopsis

Esta experiencia cinematográfica única en 3D se sumerge en la icónica obra del artista alemán Anselm Kiefer revelando su trayectoria vital, su inspiración y su proceso creativo. Explora su fascinación por el mito y la historia. El pasado y el presente se entrelazan para desdibujar los límites entre el cine y la pintura, permitiendo al público sumergirse por completo en el extraordinario mundo de uno de los más grandes artistas contemporáneos.

Crítica

Capaz de moverse por un arte denso con una fluidez sugestiva

Wim Wenders, para muchos uno de los mejores documentalistas en activo, vuelve al género con ‘Anselm’ tras ‘Perfect days’. Esta obra que ha tardado en llegar a España, más que un retrato, se presenta como un diálogo expansivo con el vasto universo creativo de Anselm Kiefer. Desde su estreno en Cannes se ha convertido en un documento único dentro del estudio de todo lo que enmarca el arte contemporáneo, pero también como un desafío para los espectadores menos habituados a una experiencia tan intensamente sensorial y filosófica. Uno ve este tipo de trabajos y entiende por qué un país tan entrañable como Japón escogió a Wim Wenders para representarle en los Oscar.

Kiefer, conocido por su fascinación por los mitos, la memoria histórica y los estratos culturales que conforman la identidad alemana, encuentra en Wenders un megáfono e interlocutor cinematográfico ideal. ‘Anselm’ no es una biografía al uso, es una inmersión visual y emocional. Wenders emplea aquí un lenguaje fílmico que recuerda tanto a la textura de las pinturas de Kiefer como a la amplitud de sus instalaciones escultóricas. El director no solo nos invita a observar la obra y la mente de Kiefer, sino a recorrerla, a habitarla. Las capas de pintura y los materiales crudos de sus lienzos, que evocan tanto la devastación de la guerra como la regeneración de la vida, parecen palpables, casi táctiles, en esta experiencia cinematográfica. Un largometraje que ayudará a aquellos espectadores que no transiten lugares como el Reina Sofía o ferias como ARCOmadrid, donde el arte se antoja incomprensible aun a pesar de las explicaciones de los propios autores.

La narrativa de ‘Anselm’ es deliberadamente fragmentada, oscilando entre el presente y el pasado con una fluidez que a ratos parece desorientadora. Wenders apuesta por un montaje que es, en sí mismo, una metáfora de la obra de Kiefer: estratificada, compleja, llena de vacíos y silencios que exigen ser completados por el espectador. Las secuencias en las que Kiefer reflexiona sobre su infancia en la Alemania de posguerra, su fascinación por los textos místicos y su diálogo constante con la historia europea son reveladoras, aunque nunca simplificadoras. Más que explicar al artista, Wenders prefiere dejar que la obra hable, aunque para algunos espectadores esa decisión pueda resultar frustrante.

En este sentido, la película requiere paciencia y entrega. No es un documental que pretenda «explicar» el arte de Kiefer o presentarlo de manera accesible; más bien, busca replicar la experiencia de enfrentarse a una de sus imponentes obras: un acto de contemplación profunda que puede resultar abrumador. Aquí radica tanto su mayor logro como su potencial limitación. Mientras que los aficionados al arte encontrarán en ‘Anselm’ un festín visual y conceptual, otros podrían sentirse alienados.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de diciembre de 2024. Título original: Anselm (Das Rauschen Der Zeit). Duración: 93 min. País: Alemania. Dirección: Wim Wenders. Guion: Wim Wenders. Música: Leonard Küßner. Fotografía: Franz Lustig. Reparto principal: Anselm Kiefer, Anton Wenders, Daniel Kiefer. Producción: Road Movies Filmproduktion. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental, cultura. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/anselm-das-rauschen-der-zeit?whereToWatch=in-cinemas

Crítica: ‘El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim’

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Sinopsis

Ambientada 183 años antes de los acontecimientos narrados en la trilogía original de películas, ‘El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim’ cuenta el destino de la Casa de Helm Hammerhand, el legendario Rey de Rohan. Un repentino ataque de Wulf, un astuto y despiadado señor de los Dunlending que busca venganza por la muerte de su padre, obliga a Helm y a su gente a hacer una última y audaz resistencia en el antiguo fuerte de los Hornburg, una imponente fortaleza que más tarde será conocida como el Abismo de Helm. Héra, la hija de Helm, se encuentra en una situación cada vez más desesperada así que deberá hacer gala de una gran determinación para liderar la resistencia contra un enemigo letal que pretende destruirlos por completo.

Crítica

Una precuela más terrenal pero no por ello exenta de épica y romanticismo

Directamente relacionada con las películas orquestadas por Peter Jackson llega ‘La Guerra de los Rohirrim’. Un filme que no solo bebe del imaginario de Tolkien sino que mantiene el diseño de producción (trajes, escenarios y demás) de la excelsa trilogía que aún hoy en día se mantiene como las mejores adaptaciones del universo de la Tierra Media.

Para los no versados en el mundo de Tolkien basta con indicar que nos encontramos en una precuela de ‘El Hobbit’ y ‘El Señor de los Anillos’, como unos doscientos años antes, por lo que sería una secuela de ‘Los Anillos de Poder’. Igualmente este es un episodio aislado que si acaso cabe relacionarlo con la trama central de esta saga por el hecho del desarrollo de las dinastías de Rohan. Tal es así que se ha escogido un personaje al que vagamente se alude en los apéndices de Tolkien y al cual el escritor sudafricano nunca dio nombre. Por lo tanto hay “libertad” para ocupar otro de los huecos que nunca se escribieron.

El equipo de guionistas, entre los que se encuentran aquellos que nos brindaron otro universo expandido como el de ‘Cristal Oscuro’, ha escogido como protagonista a la hija de Helm, bautizada como Héra. Y para ello, al igual que hizo Tolkien en su día, se han basado en un personaje real de la mitología o historia británica. Ethelfleda de Wessex una británica que luchó contra los vikingos. Algo muy oportuno dado el carácter de los rohirrim, que tienen clara base nórdica.

Con lo último citado es con lo que puede llegar la decepción para muchos. Probablemente esta sea la historia más mundana y exenta de magia o criaturas de todas la hasta ahora vistas. ‘La Guerra de los Rohirrim’ es, en resumidas cuentas, una contienda entre dos facciones de corte vikingo, sin magos, ni orcos, ni dragones… Evidentemente uno va encontrando pequeños puntos que nos mantienen anclados a la Tierra Media, pero si lo que buscas es calmar tu sed del legendarium de Tolkien te puede saber a poco. Su mayor logro es el de lograr acercar la casa de Eorl a un público general que solo conoce sus historias de los grandes momentos brindados en ‘Las Dos Torres’, dando contexto a un escenario tan mítico como El Abismo de Helm.

Aunque es una película muy entretenida y con mucho sentido del romanticismo y la épica, hay que reconocer que bebe y va a remolque de replicar momentos que ya vivimos en las películas. Repite los mismos deus ex machina, el patrón del sobrino desterrado, la traición dentro del consejo del rey, el refugio a Cuernavilla, el ataque con mûmakils/olifantes… Son momentos míticos pero injertados de nuevo aquí se sienten ineficientes ya que el viaje es otro, emotivamente no es el mismo efecto y resulta reiterativo, como un fan service innecesario. Eso sí, la música de Howard Shore se mantiene como una constante ineludible y estremecedora.

Sexta película de animación inspirada en la Tierra Media, primera en formato anime. Kenji Kamiyama (quien dirigió ‘Blade Runner: El loto negro’ y ‘Ghost in the Shell: Stand Alone Complex’) es quien se ha encargado de que volvamos a Cuernavilla (El Abismo de Helm), visitemos Edoras en su momento de mayor esplendor y veamos una versión distinta de Isengard. Por momentos tenemos unos instantes de comunión mágica con la naturaleza casi a lo Ghibli y en ocasiones el formato digital nos brinda estampas espectaculares. No le sienta mal el formato anime a ‘La Guerra de los Rohirrim, de hecho es uno de los detalles que ayudan a mantener el carácter fantástico de esta narración que de haberse rodado en acción real parecería más una temporada de ‘Vikingos’.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim. Duración: 130 min. País: Japón. Dirección: Kenji Kamiyama. Guion: Phoebe Gittins, Arty Papageorgiou, Jeffrey Addiss, Will Matthews. Música: Stephen Gallagher. Reparto principal (doblaje original): Brian Cox, Gaia Wise, Luke Pasqualino, Miranda Otto, Lorraine Ashbourne, Yazdan Qafouri, Benjamin Wainwright, Laurence Ubong Williams, Shaun Dooley, Michael Wildman, Jude Akuwudike, Bilal Hasna, Janine Duvitski. Producción: New Line Cinema, Warner Bros. Animation, WingNut Films, Sola Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: fantasía. Web oficial: https://www.esdla.laguerradelosrohirrim.entradaswb.com/

Crítica: ‘Secret level’

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Impresionante, en su animación y en su llamada a coger el mando

15 episodios, ni más ni menos, son los que componen ‘Secret level’. Prime Video publicará en dos tandas desde el 10 de diciembre esta antología que se podría decir que hace un fanservice en cada una de sus entregas. Capítulos cortos, que van de los 7 a los 18 minutos, que hacen las delicias para todo tipo de jugadores y amantes de la animación. Detrás de esta ambiciosa y suculenta serie están los creadores de otra exitosa antología como es ‘Love, Death and Robots’, Tim Miller y Dave Wilson. En esta ocasión el material no es tan fresco ni original, puesto que cada historia parte de un conocido videojuego, pero eso no le resta ni potencia ni sustancia ya que cada una de las aventuras supone un bonus track a los juegos que tanto nos gustan. Sobre todo resulta apabullante la calidad de sus imágenes generadas por ordenador, a veces cuesta distinguir entre realidad y artificio. La única pega es que la animación varía poco entre capítulos, no hay mucho cambio de técnicas aunque si de tono.

Además, como regalo si la veis en versión original, escuchamos las voces de famosos como Arnold Schwarzenegger, Kevin Hart, Keanu Reeves, Temuera Morrison, Emily Swallow, Gabriel Luna, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Claudia Doumit y muchos más. Todos ellos prestan sus cuerdas vocales e incluso sus rostros para dar vida a personajes muy conocidos dentro del mundo gamer. Quizá los más puristas habrían querido la presencia de los dobladores que escuchábamos cuando cogíamos el mando, pero hay que reconocer que muchos de ellos provienen de juegos en los que no tenían diálogos.

¿Qué juegos aparecen en ‘Secret level’? Quizá sería más bonito dejarlo todo a la sorpresa, aunque tanto con el tráiler como con la imagen promocional ya vemos que hay historias basadas en ‘Mega Man’, ‘Unreal Tournament’, ‘Warhammer 40,000’ o ‘Armored Core’. Todo el mundo coincidirá en que es una pasada el capítulo que hace honor a los personajes de PlayStation aunque se echan de menos más protagonistas. Entre nuestros favoritos son obras tan apabullantes como la que se ambienta en ‘Dungeons & Dragons’, la que cuenta con Keanu Reeves o la que nos traslada a una auténtica película de acción como la que proviene del videojuego ‘Crossfire’. Sea como fuere, cada capítulo merece un apartado propio y al igual que hicimos en su día con las tres temporadas de ‘Love, death & robots’ os detallamos uno a uno sin spoilers. Podéis leer nuestras impresiones tras el tráiler.

‘Dungeons & Dragons: the queen’s cradle’ (estreno el 10 de diciembre)

Apabullante. Solo así puede describirse la calidad de este capítulo. Los personajes están recreados a un nivel increíble, pero sobretodo su gran ser mitológico nos quita el hipo pues su textura y sus movimientos traspasan la pantalla. De una belleza monstruosa pasará a ser una de las mejores recreaciones dentro del universo de D&D.

Clérigos, paladines, magos, liches… y por supuesto dragones. Es una aventura con mucha acción, magia y criaturas que a muchos va a recordar a los buenos momentos vividos leyendo historias como las de la Dragonlance.

  • ¿Juego en que se basa? Dragones y Mazmorras
  • Técnica: 3D
  • Género: fantasía
  • Duración: 14 min. 47 seg.

‘Sifu: it takes a life’ (estreno el 10 de diciembre)

Blur studio, aquellos que nos dejaron boquiabiertos con el episodio ‘Jíbaro’ del volumen 3 de ‘Love, Death & Robots’, vuelven a trabajar con Tim Miller. En esta ocasión nos llevan a un oriente urbanita, en el que la tradición se mezcla con una jungla de asfalto repleta de neones. Consiste en una especie de John Wick sobrenatural. Su acción es vibrante e incluso tiene un poco de poesía, pero sobre todo destaca por su animación, ya que es uno de los pocos que no es puro 3D utilizando un estilo similar al de las películas del Spiderverse.

  • ¿Juego en que se basa? Sifu
  • Técnica: tradicional más digital
  • Género: acción
  • Duración: 8 min. 41 seg.

‘New World: the once and future king’ (estreno el 10 de diciembre)

No es el único MMORPG que se adapta en ‘Secret level’, pero quizá si el único de Amazon Games. Gracias a esta aventura en la que un rey tiene que empezar desde cero cual ‘Age of empires’, Arnold Schwarzenegger vuelve a empuñar un espadón. Comedia y mucho respawn, una combinación que puede recordar a ‘Al filo del mañana’ pero en clave medieval y a tope de dismorfia muscular. Muy divertido, incluído el guiño a ‘Predator’.

  • ¿Juego en que se basa? New World
  • Técnica: 3D
  • Género: aventura, fantasía
  • Duración: 13 min. 36 seg.

‘Unreal Tournament: Xan’ (estreno el 10 de diciembre)

Para muchos, incluído yo, ‘Unreal’ es uno de los shooter básicos y de cabecera. No era un juego especialmente seguido por su historia, pero si por su mezcla de acción con ciencia ficción, lo cual le brindaba la oportunidad de proporcionar a los jugadores arma casi tan locas como las del Half-Life.

Vivimos una rebelión de las máquinas en un mundo intergaláctico en el que la minería es de crucial importancia. Esta es una historia que cuenta con Elodie Yung y que a muchos puede recordar a ‘The running man’ o a cualquier otra historia de gladiadores. A mi en concreto me ha recordado también a Chappie.

  • ¿Juego en que se basa? Unreal Tournament
  • Técnica: 3D
  • Género: ciencia ficción, acción
  • Duración: 17 min. 48 seg.

‘Warhammer 40.000: and they shall know no fear’ (estreno el 10 de diciembre)

Seguro que muchos meten este capítulo entre sus favoritos. Podría ser la antesala de lo que prepara Henry Cavil porque más que su calidad técnica hay que alabar cómo explota el imaginario y la iconografía del juego de figuras y estrategia. Nos hace viajar a ese futuro planetario de guerra y religión en el que se mueven los ultramarines.

Aparece un nombre tan conocido por los fans como Titus, pero el protagonista es otro, aquel al que pone voz Adewale Akinnuoye-Agbaje. Aún así hay que señalar que este es un capítulo sin apenas diálogos, una misión sin retorno de violencia aplastante y horrores espaciales.

  • ¿Juego en que se basa? Warhammer 40.000
  • Técnica: 3D
  • Género: acción, terror, ciencia ficción
  • Duración: 18 min.

‘Pac-Man: circle’ (estreno el 10 de diciembre)

El Pac-Man es uno de los juegos más sencillos y adictivos de la historia. Ha tenido muchas reinvenciones y cameos en distintos medios hasta el punto de convertirse en icono de la cultura popular. ‘Secret level’ lo ha re-imaginado este laberinto como un extraño planeta hostil lleno de criaturas en las que el lema es “come o serás comido”. El clásico hombre gris, arquetipo de los extraterrestres, es el protagonista que se enfrenta a unos fantasmas diferentes. Presta su voz Aleks Le (‘Dorohedoro’, ‘Dandadan’).

  • ¿Juego en que se basa? Pac-Man
  • Técnica: 3D
  • Género: ciencia ficción, terror
  • Duración: 10 min. 28 seg.

‘Crossfire: good conflict’ (estreno el 10 de diciembre)

El popular shooter de 2007 que enfrenta dos facciones mercenarias tiene un pedacito más de historia gracias a este corto. En este caso hay una misión de extracción que cumplir y ambos bandos se pelean por el contenido de un maletín, mientras que como en muchas películas, un temporal azota a los contendientes y desvía con la fuerza de su viento las balas. Es un corto repleto de momentos fotorrealistas y acción de esa que le encanta protagonizar a actores como Frank Grillo, Gerard Butler o Jason Statham.

  • ¿Juego en que se basa? Crossfire
  • Técnica: 3D
  • Género: acción
  • Duración: 18 min. 2 seg.

‘Armored Core: asset magement’ (estreno el 10 de diciembre)

Los mechas de Armored Core alcanzaron hace tiempo el carácter de saga. FromSoftware hizo escuela con estos juegos antes incluso de la franquicia Souls. Desde el 97 hasta su sexta entrega lanzada en 2023 han brindado momentos de acción bestiales. Lo mismo podemos decir de su protagonista. Este corto cuenta con voz y rostro de un Keanu Reeves con cresta. El actor se conecta de nuevo a una máquina y está genialmente recreado. Un corto con mucha acción y algo un toque de mente perturbada.

  • ¿Juego en que se basa? Armored Core
  • Técnica: 3D
  • Género: acción, ciencia ficción
  • Duración: 13 min. 12 seg.

‘The outer worlds: the company we keep’ (estreno el 17 de diciembre)

A pesar de transcurrir en un ambiente de ciencia ficción y haber criaturas fantasiosas es de los más realistas en cuanto a piel, pelo, ropa… Dispone de un pequeño toque victoriano o retro que puede recordar al ‘Bioshock’, algo que ya se diría en 2019 cuando salió a la venta. Es una historia de huérfanos con el mismo complejo de soledad de Luke Skywalker que podría haber escrito Charles Dickens de haber vivido en nuestros días. Sin duda de las entregas más graciosas y sensibles a la vez.

  • ¿Juego en que se basa? The outer worlds
  • Técnica: 3D
  • Género: ciencia ficción, humor, drama
  • Duración: 17 min. 30 seg.

‘Mega Man: start’ (estreno el 17 de diciembre)

Probablemente será uno de los juegos de plataformas más comprados y/o jugados de la historia por detrás de gigantes como Sonic y Super Mario Bros. Para quien no lo conozca, básicamente es un niño con cañones en las manos que va eliminando robots malvados. Su mecánica es sencilla y el cortometraje que ha tenido en ‘Secret level’ también. Básicamente han recreado una historia de orígenes.

  • ¿Juego en que se basa? Mega Man
  • Técnica: 3D
  • Género: ciencia ficción
  • Duración: 7 min. 8 seg.

‘Exodus: odyssey’ (estreno el 17 de enero)

Relativismo e historia familiar. Es la aventura de un padre por encontrar a su hija a través del cosmos con todo el tiempo y la distancia en su contra. Una space opera en miniatura inspirada en el juego del que se dice que con el tiempo será el sucesor del ‘Mass Effect’, el mismo que en las consolas cuenta con Matthew McConaughey y aquí dispone de las voces de Nikko Austen Smith y Michael Beach.

  • ¿Juego en que se basa? Exodus
  • Técnica: 3D
  • Género: ciencia ficción, drama
  • Duración: 14 min. 12 seg.

‘Spelunky: Tally’ (estreno el 17 de diciembre)

Probablemente sea uno de los más cortos e insustanciales de la serie. Una suerte de ‘Indiana Jones’ o ‘Tomb Raider’ infantil en el que una niña intenta superar las pruebas de un lugar repleto de trampas y tesoros. Lleva a otro nivel el laberinto de plataformas que es el juego pero poco más. Si acaso sirve como homenaje a esas horas que hemos empleado en pasar juegos basados en el concepto de quemar vidas a base de repetir escenarios.

  • ¿Juego en que se basa? Spelunky
  • Técnica: 3D
  • Género: aventura
  • Duración

‘Concord: tale of the implacable’ (estreno el 17 de diciembre)

Probablemente el más humorístico de toda la antología. Se nota que es gamberro y moderno, que es un lanzamiento reciente de PS5. Básicamente un equipo de mercenarios o de oportunistas espaciales quiere rescatar a uno de los suyos. Alienígenas, naves, persecuciones y momento de torpeza cómica. Es evidente decir que a  muchos recordará a ‘Guardianes de la Galaxia’. Viendo este corto, con su acción y su comedia, uno se hace a la idea de cuál es la dinámica del videojuego y dan ganas de hacerse con él.

  • ¿Juego en que se basa? Concord
  • Técnica: 3D
  • Género: ciencia ficción, comedia
  • Duración: 17 min. 2 seg.

‘Honor Kings: the way of all things’ (estreno el 17 de diciembre)

Para estar inspirado en un juego tipo arena de batalla, como el LOL para los no familiarizados con la terminología, es de los más tranquilos de todo ‘Secret level’. Un duelo intelectual y filosófico entre un hombre y una máquina, una especie de desafío impuesto por una suerte de Mago de Oz mecánico, ocupa la trama. El episodio básicamente retrata el espíritu del juego más allá de sus personaje o mecánicas de juego. Comparado con el resto de cortos sale perdiendo ya que sus personajes parecen demasiado a figuras anime HQS.

  • ¿Juego en que se basa? Honor Kings
  • Técnica: 3D
  • Género: fantasía ciencia ficción
  • Duración: 17 min. 14 seg.

‘Playime’ (estreno el 17 de diciembre)

Kevin Hart e hija ponen voz a los protagonistas del único corto de ‘Secret level’ que se basa más de un juego de PlayStation. Muchos cogerán la referencia del ‘Radikal bikers’ cuando vean que se trata de un delivery que tiene que cumplir la misión de hacer una entrega a domicilio. La protagonista se ve inmersa en una trama de persecución y ciencia ficción disparada en la que aparecen muchos personajes de la videoconsola de Sony. Es un homenaje a PlayStation que podría haber tenido muchas caras conocidas, que como crossover no está del todo bien justificado, pero que quizá busca evitar convertirse en otro Ready Player One. Un capítulo que tenía que estar ahora que PlayStation cumple 30 años.

  • ¿Juego en que se basa? Juegos de PlayStation
  • Técnica: 3D
  • Género: ciencia ficción, aventura, crossover
  • Duración: 11 min. 13 seg.

Crítica: ‘Emilia Pérez’

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Sinopsis

México, hoy. La abogada Rita, recibe una oferta inesperada. Tiene que ayudar a un temido líder de un cártel a retirarse de sus negocios y desaparecer para siempre convirtiéndose en la mujer que siempre ha soñado ser.

Crítica

Llega una de las grandes sorpresas del año

Ganadora del Premio del Jurado del Festival de Cannes, Mejor Banda Sonora y Premio a mejor actriz, también en el mismo festival. Éste último se lo dieron a las cuatro protagonistas, Karla Sofía Gascón, Selena Gómez, Zoe Saldaña y Adriana Paz, por su espectacular trabajo en ‘Emilia Pérez’.

Jacques Audiard logra una película increíble y es que ‘Emilia Pérez’ es una telenovela musical que hipnotiza desde el minuto uno. La historia nos cuenta como Rita, una gran abogada es captada por uno de los grandes jefes de la droga en México. Éste la contrata para que le haga desaparecer y así conseguir su sueño de convertirse en mujer. Todo esto se complica cuando años después, Emilia quiere volver a ver a su familia.

Admito que las canciones no me han entusiasmado, no os vais a encontrar canciones pegadizas o que os hagan bailar a lo loco, no, pero tiene uno números musicales con unas coreografías tan buenos, que como digo, logra que nos mantengamos pegados a nuestra butaca y disfrutemos de esta historia que nos está contando.

Una historia donde el perdón, la culpa, el intento de redimir una vida de violencia, hacen que veamos que el ser humano puede cambiar. También nos hacen ver la situación de muchas personas que no logran descansar al no encontrar a familiares desaparecidos en extrañas circunstancias.

Es una cinta muy interesante y ‘Emilia Pérez’ no sería igual sin las actrices que logran que nos creamos todo lo que nos están contando. Karla Sofía Gascón, está increíble, su primera aparición como Manitas del Monte, da realmente miedo, pasando a ser una mujer de bien que solo intenta volver a reunir a su familia y vivir como ella siempre quiso, en libertad.

Zoe Saldaña me ha sorprendido un montón, la actriz puertorriqueña, se atreve a cantar y bailar de mil maneras, a la vez que nos da un papel con muchos matices diferentes.

Selena Gomez igual, pese a que su castellano no es perfecto, algo que la actriz ha comentado en alguna que otra entrevista, crea a un personaje encerrado en una vida de lujos que no tiene libertad ninguna, por mucho que ella piense que si.

Y uno de los personaje más bonitos es el de Adriana Paz, que es la encargada de lograr dar un poco de felicidad a Emilia.

‘Emilia Pérez’ ha sido la elegida que representará a Francia en los Oscar. Es la primera película rodada en castellano de Jaques Audiard y sin duda se nota que ha cuidado todos los detalles para que sea perfecta. 

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2024.  Título original: Emilia Pérez. Duración: 132 min. País: Francia. Dirección: Jacques Audiard. Guion: Jacques Audiard.  Música: Clément Ducol. Fotografía: Paul Guilhaume. Reparto principal: Karla Sofía Gascón, Zoe Saldaña, Selena Gomez, Adriana Paz, Edgar Ramirez, James Gerard, Anabel Lopez, Eric Geynes, Mark Ivanir.  Producción: Why Not Productions, Page 114, Pathé, France 2 Cinema, Saint Laurent, Pimienta Films. Distribución: Wanda Vision. Género: Drama. Web oficial: https://www.wandavision.com/site/sinopsis/emilia_perez

Crítica: ‘Creature Commandos’

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Un Frankenstein de esos con los que James Gunn se siente cómodo

Volvemos a Belle Reve, ese paraíso tropical de delincuentes con implantes explosivos. Esta vez, bajo el nombre de ‘Creature Commandos’ y no de ‘Escuadrón Suicida’ nos sumergimos en un mundo donde los supervillanos tienen colmillos, branquias y un contrato tácito con lo inmoral. Si creías que el ‘El Escuadrón Suicida’ ya era un circo, prepárate para ver cómo los payasos se convierten en monstruos, literalmente. James Gunn ha optado por el camino de la violencia, la mofa y lo estrafalario para iniciar su andadura en DC Studios. Tras el remake que pulverizó la película de David Ayer, la tremenda serie ‘El Pacificador’ que está cerca de una segunda temporada y la versión animada ‘Escuadrón Suicida Isekai’, llega a Max una nueva serie de dibujos de 7 episodios de emisión semanal que se estrena el 5 de diciembre.

‘Creature Commandos’ es como si James Gunn hubiera desempolvado su colección de la Hammer y hubiera decidido usar todo lo posible sin importar cuán bizarra queda la mezcla. No me cabe duda de que el director y guionista aprovecha para saciar su nostalgia con estos nuevos personajes, homenajear a títulos como ‘Tiburón’, ‘Salvar al soldado Ryan’ e incluso ‘La quimera del oro’ y sacar a relucir todo aquello con lo que se regodeaba en sus primeros pasos cuando aprendía en la escuela de la Troma.

La serie avanza con capítulos que combinan acción frenética, humor negro y un trasfondo emocional inesperado. Cada episodio no solo empuja la narrativa principal (que mantiene la conexión con lo sucedido en Corto Maltese), sino que profundiza en los personajes. Desde una mujer anfibio que tiene más traumas de los que un psicólogo puede manejar, hasta un robot soldado que parece un primo lejano del Robot Man de ‘Doom Patrol’ o un esqueleto fluorescente que puede recordar al Doctor Manhattan, cada miembro del escuadrón tiene su momento para brillar… o morir salvajemente. Y hablando de muertes, aquí la creatividad es el único límite: explosiones, decapitaciones, gente derretida por doquier… Nadie está a salvo, ni siquiera tus expectativas.

La animación, aunque dinámica y llena de acción, tiene un aire de artificialidad digital que puede desconectar a los más puristas. Parece más una pieza promocional de un videojuego que una serie animada con alma, pero su ritmo endiablado lo compensa. Eso sí, el opening pone el tono perfecto entre lo absurdo y lo épico, como pasaba con ‘El Pacificador’, como si estuvieras a punto de ver a un grupo de monstruos bailar salsa en plena misión. De hecho esto sucede pues lo único que se recupera del filme de David Ayer son los momentos musicales, pero elevados a un tono mucho más disparatado y juerguista, como si se tratase de un videoclip del grupo de gypsy-folk-rock, The Hatters.

Comparar ‘Creature Commandos’ con otras historias es difícil. Si acaso por cercanía cabe cuestionar si es mejor que ‘Suicide Squad Isekai’. Realmente es como debatir cuál es el mejor sabor de helado raro: anchoas o wasabi. Esta nueva serie es más “coherente”, sí, pero sigue siendo un desfile de locura que se ríe en la cara de la lógica. Y eso lo hace terriblemente entretenido, con mejores gags que su predecesora.

Rick Flag regresa como líder mientras Amanda Waller, aunque mucho menos presente, sigue moviendo los hilos como si fuera el Dios de un retorcido juego de Sims. Ellos dos ponen el único factor cabal dentro de una locura difícil de gobernar al disponer de unos protagonistas tan variopintos, tanto en la ficción como cuando nos planteamos el producto de entretenimiento. No podemos ignorar el desfile de voces de estrellas y amigos de Gunn, que dan vida a estos personajes. Funcionan porque todos aquí parecen estar pasándolo bomba mientras improvisan una línea más loca que la anterior, poniéndose al servicio de lo grotesco e irreverente. En el reparto encontraréis nombres que ya habían entrado en este universo o se incorporan como Indira Varma, Frank Grillo, Zoë Chao, Anya Chalotra, David Harbour, Alan Tudyk, Viola Davis o Sean Gunn.

Crítica: ‘Here’

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Sinopsis

Ambientada en una única habitación, HERE (AQUÍ), sigue a las numerosas generaciones de habitantes que formaron en esa habitación su hogar.

Una original historia de amor, pérdida, risas y vida, que nos hará viajar desde un pasado muy remoto hasta un futuro próximo. Este emocionante viaje a lo largo de cientos de miles de años, transcurrirá, de principio a fin, en un solo lugar: AQUÍ.

Crítica

La apertura de ‘Up’ con IA y mostrada en plan scrapbook

Robert Zemeckis, gran amante de las innovaciones tecnológicas hasta el punto de usar una IA que modifica las imágenes en directo como es Metaphysic Live. Tan enamorado de la historia de su país que lo refleja en todos sus filmes e incluso cuenta habitualmente con un descendiente de Lincoln como Tom Hanks. Un gran amante de los momentos familiares generados en Navidad o en anuncios tales como la llegada de un bebé. Todo eso se ve en películas como ‘Regreso al futuro’ o cuando veíamos como insertaba a Hanks como Forrest Gump en diferentes momentos de la historia y por supuesto también está presente en ‘Here’.

Nadie podrá dudar que esta es una película de Zemeckis. Pero realmente surge de la sencillísima novela gráfica de Richard McGuire. Y la estira, pero al menos buscando un enfoque que también todos deberán reconocer que es diferente hasta lo ahora visto. No me refiero al artificio tecnológico que rejuvenece o envejece magníficamente a los protagonistas hasta el punto de que se convierte en una verdadera película de terror para aquellos que se dedican al maquillaje o los prostéticos. También para aquellos que criticaron la voz de anciano en un remozado Robert de Niro protagonizando ‘El irlandés’. Aludo a su montaje. El director de fotografía es alguien de la talla como Don Burgess (‘Forrest Gump’, ‘El libro de Eli’ o ‘Expediente Warren: El caso Enfield’), pero realmente la belleza de esta película que no mueve en absolutamente nada la cámara, es mérito del equipo de iluminación, el diseñador de producción y los que han hecho toda la postproducción digital. En ese sentido es todo un trabajo de collage que en ocasiones parece un scrapbook que intenta decirnos que no somos realmente conscientes de que el más sencillo de los hogares puede haber sido escenario de momentos de todo tipo.

Desafortunadamente para montar esta composición nos llevan por un batiburrillo de historias repletas de personajes que pasan por una casa que va cambiando con el tiempo. Un salón clavadito al de ‘Los Simpsons’ en el que se escenifica lo que parece la secuencia inicial de ‘Up’ pero de manera rellenada a más no poder. Tom Hanks y Robin Wright tardan en hacer verdadero acto de presencia, porque realmente esta no es la historia de dos personajes, ni de otros tantos, es la historia de un lugar específico. Evidentemente poco a poco van haciéndose con el relato pero decir relato quizá es caer en una incorrección ya que honestamente ‘Here’ no cuenta nada y tiene un escaso hilo que seguir, cuando curiosamente tiene una narrativa tan atractiva como arriesgada. El reto tecnológico le come terreno a la trama y cansa el artificio. Si en algún momento aparece una idea o reflexión sugerente, se volatiliza a los pocos segundos con el siguiente salto en el tiempo.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: Here. Duración: Robert Zemeckis. País: EE.UU. Dirección: Robert Zemeckis. Guion: Eric Roth, Robert Zemeckis. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Tom Hanks, Robin Wright, Paul Bettany, Kelly Reilly, Michelle Dockery. Producción: Miramax, ImageMovers. Distribución: Vértice Cine. Género: drama. Web oficial: https://vertice360.com/es/ficha/0/here-aqui

Tráiler de ‘Sonic 3’

En cines el 25 de diciembre

Si algo tenemos que agradecerle a la franquicia ‘Sonic’ es el mantener a Jim Carrey enganchado al cine antes de retirarse definitivamente. Pero también podemos comprobar con el tráiler que nos ha enviado Paramount Pictures que se mantiene el estilo sinvergüenza, la acción, la tecnología actual y el sentido de la aventura.

‘Sonic 3’ se estrenará el próximo 25 de diciembre en cines. En esta ocasión Sonic, Knuckles y Tails se enfrentan a de nuevo a Robotnik, a un inesperado amigo y a Shadow, un personaje bien conocido por los jugadores del videojuego.

Casi 300 millones de dólares recaudados en todo el mundo por la primera parte y más de 400 por la segunda han valido la luz verde por parte de Paramount Pictures para que este proyecto se convierta en trilogía. Sobre todo teniendo en cuenta que costaron 85 y  110 millones respectivamente.

Jeff Fowler vuelve a dirigir. Además del reparto de las dos anteriores entregas se han sumado otros grandes nombres. Por lo que ‘Sonic 3’ se ha convertido en la confluencia de actores como Jim Carrey, Ben Schwartz, James Marsden, Tika Sumpter, Idris Elba, Colleen O’Shaughnessey, Natasha Rothwell, Shemar Moore, Adam Pally y Lee Majdoub, Alyla Browne, Krysten Ritter y Keanu Reeves, que se une a la franquicia como Shadow.

Podremos ver en Filmin el reencuentro de Blur

‘Blur: To the end’, estreno el 29 de noviembre

Cumpliendo el sueño de muchos, la banda autora de míticos temas como ‘Song 2’, ‘Coffee and TV’ o ‘Country house’, se reúne. Blur anunció que volverían a estar juntos, no sabemos si en paz, y podremos verlo en Filmin tras haber pasado por cines y festivales como el Atlàntida Mallorca Film Fest o el Festival In-Edit de Barcelona.

‘Blur: To the end’ es el documental que muestra este “regreso” que nos remontará a aquel grupo que marcó escuela dentro del britpop. Ocho años sin saber de ellos que serán resarcidos con este largometraje que mostrará su proceso creativo y el camino hacia el álbum ‘The ballad of Darren’. “Nunca antes habíamos tocado en Wembley porque no éramos lo suficientemente importantes. Cuanto menos hacemos, más famosos somos”, comenta el baterista Dave Rowntree. En el documental, el líder de la banda, Damon Albarn (también conocido por su trabajo en Gorillaz) dice: «Tienen que ser unos conciertos increíbles, si no, solo seremos unos viejos chochos intentando revivir el pasado en el escenario».

Más cerca de los 60 que de los 40, Dave Rowntree, Graham Coxon, Alex James y Damon Albarn bromean sobre la vida hedonista y de excesos que marcó su juventud y reconocen con cierta resignación que han acabado viviendo en casas de campo mientras se quejan de dolores de espalda y dan de comer a las gallinas. Dave Rowtree ríe: “Es curioso cómo eso que criticas a los 20 años termina alcanzándote”.

Toby L. es el director de este documental. Damon Albarn opina sobre la película que “Tiene mucho que ver con la pérdida, con las secuelas que nos deja una ruptura… Ahora vivo solo en el campo y el disco tiene mucho de eso”.

El filme culmina con imágenes de los míticos conciertos de 2023 en Wembley, un broche de oro que los fans podrán disfrutar en su totalidad gracias al estreno simultáneo de ‘Blur: Live at Wembley’, también disponible en Filmin el 29 de noviembre.

Crítica: ‘Wicked’

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Sinopsis

Tras dos décadas como uno de los musicales más aclamados y longevos en escena, WICKED llega en noviembre a la gran pantalla para convertirse en un esperadísimo y espectacular evento cinematográfico que definirá una era.

Crítica

Su magia hizo desaparecer mi escepticismo

Cuando uno escucha que Hollywood ha decidido adaptar el exitoso musical ‘Wicked’, derivado a su vez de las novelas de Gregory Maguire y con raíces profundas y más que evidentes en ‘El mago de Oz’, lo normal es sentir cierto recelo. ¿Otro remake? ¿Otra adaptación? ¿Otra excusa para explotar una franquicia clásica estirando el chicle? Pero he aquí la sorpresa: ‘Wicked’, dirigida por Jon M. Chu con un toque inesperadamente magistral, logra no solo justificar su existencia sino brillar como una de las adaptaciones más sólidas de los últimos años. La verdad es que mi incredulidad estaba injustificada pues, aunque no soy precisamente público del género, este director ha demostrado en más de una ocasión ser capaz de hacer muy buenas obras musicales.

‘Wicked’ tiene una tarea costosa que se antoja propia de Sísifo: ser compatible con ‘El mago de Oz’, un clásico absoluto del cine, además de con la audiencia actual. La película, lejos de traicionar el espíritu del filme original, lo recontextualiza, como ya hizo el musical del que parte, de una manera que hace del visionado una experiencia rica en varios sentidos. Aunque hay que reconocer que quedan detalles pendientes para la segunda entrega.

Para ello, intentar llevar a cabo tan laboriosa entrega, a modo de precuela, conocemos a Elphaba/Cynthia Erivo (la futura Bruja Malvada del Oeste) y a Glinda/Ariana Grande (la Bruja Buena del Sur), en sus años de juventud, en su época de instituto. Cuando leí por primera vez su sinopsis me hizo remontarme inmediatamente a aquella adaptación de ‘Dragon Ball’ que planteaba a Goku como un alumno de instituto en plan nerd. Pero por suerte ‘Wicked’ se aleja de ese despropósito, aunque aún me cuesta asimilar a actores pintarrajeados de verde croma. Más que al live action del famoso anime, esta propuesta se parece a otra famosa franquicia. Es como si Harry Potter se hubiese encontrado con Willy Wonka, desarrollando una vez más el discurso de los poderosos que pasan desapercibidos o son marginados por el mero hecho de ser diferentes.

La relación entre las dos protagonistas es el corazón del filme. El espectador más talludo disfrutará de las conexiones con la película de 1939 y la forja de una villana arquetípica que se ha mantenido viva casi cien años después. Los más jóvenes tienen una narrativa de amistad y aventuras que les sacará de tanto cine superheróico. Vuelve ese discurso, explorado una y tantas veces, sobre que los villanos no nacen, se hacen, pero la película tiene algo más complejo que ofrecernos.

El escepticismo respecto a las adaptaciones musicales es justificado, muchas veces pierden la magia de las tablas en el proceso. Como decía antes la película tenía que mantener una difícil comunión. Cuando hablamos de llegar al público neófito en esta historia y a los fans del material de Broadway se plantea un reto similar. Tras ver ‘Wicked’ queda patente que está desarrollada para un público general, pero también se percibe que los números cantados y bailados tienen un origen en escenarios. Aún con todo y con eso la película está embadurnada de efectos digitales que si bien la hacen espectacular le pueden restar encanto. A mi en concreto me gusta como las nuevas tecnologías están bien aprovechadas para darle otra dimensión a la Tierra de OZ.

No suelo entrar en polémicas, pero hay veces que me alegra ver como a la generación de cristal le vuelve la llorera como un boomerang. Se ha hablado mucho del carácter woke del filme. En otras producciones podría ponerme de uno u otro lado. Pero en esta creo que no tiene sentido la polémica. Claro, es que todos hemos visto y sabemos cómo es una bruja en realidad y estamos en posición de criticar el aspecto de la que interpreta Cynthia Erivo. Modo sarcástico ON. El filme tiene una trama muy conveniente, tanto como para responder automáticamente tanto a detractores como a cínicos.

De los musicales siempre me ha costado mucho encajar sus habituales flashmobs y su por lo general, carácter extremadamente happy. Aunque sigo diciendo que casi tres horas son excesivas reconozco que el filme tiene momentos auténticamente emocionantes que perduran tras los títulos de crédito. Me quedo con los momentos en los que Ariana Grande ha de ser chistosa, consiguiéndolo como si fuese un auténtico dibujo animado con el objetivo de ser hiperactiva, cursi y cargante.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: Wicked: part one. Duración: 160 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Winnie Holzman, Stephen Schwartz. Música: Stephen Schwartz. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Ariana Grande, Cynthia Erivo, Jonathan Bailey, Jeff Goldblum, Michelle Yeoh. Producción: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.instagram.com/wickedmovie

Crítica: ‘La lección de piano’

En qué plataforma ver La lección de piano

Sinopsis

Una lucha por el destino de un piano heredado amenaza con destrozar a una familia en este drama basado en la obra ganadora del premio Pulitzer de August Wilson.

Crítica

El hijo menor de Denzel Washington debuta con una adaptación que desconozco si mantiene el espíritu original, pero desde luego tiene alma propia

Recuerdo hace dos años, estando alojado en el Hotel Edison de Nueva York, el tener en frente el Barrymore con una obra en su marquesina protagonizada nada más y nada menos que por Samuel L. Jackson, John David Washington y Danielle Brooks. Recuerdo la rabia de tener ese reparto tan cerca y el no haber entradas disponibles. Ahora al menos puedo resarcir mi curiosidad y ver en qué consistía la historia pues Netflix estrena la adaptación cinematográfica basada en una obra de August Wilson ganadora del Pulitzer.

Dos hijos de Denzel Washington están involucrados en este proyecto. Por un lado su hijo mayor, David, conservando uno de los papeles protagónicos. Tras las cámaras su hijo menor, Malcolm, dirigiendo y conservando el carácter teatral que no nos saca en casi ningún momento del salón en el que está instalado el piano que se disputan cada uno de los personajes. En ese sentido ha seguido los pasos de su padre cuando trasladó hace pocos años la obra ‘Fences’. Y hay que reconocer que también lo ha hecho mejor que su padre consiguiendo un drama con más dinamismo que una obra teatral y con una carga dramática y emocional muy lograda.

Un piano que es la piedra angular para los planes de futuro de un par de hermanos. Una generación que aún tiene muy presente la oscura época del esclavismo y ese pesado instrumento musical se manifiesta como el símbolo de fantasmas que aún se mantienen apegados a sus miedos. El libreto explora temas como la herencia, las cicatrices del sufrimiento y la búsqueda de un futuro en el que las lacras se transforman en fortalezas.

Se nota qué actores tienen más que mascado su papel tras representarlo muchas veces en Broadway. Aún así el reparto proporciona una experiencia heterogénea gracias al montaje ya que como como comentaba antes no tenemos la sensación de estar viendo una obra teatral repleta de suplentes. De hecho Danielle Deadwyler, quien no formaba parte del elenco teatral,  interpreta a la altura de sus compañeros. Además el formato cinematográfico permite incorporar recursos que van más allá de la puesta en escena y ampliar el simbolismo de la obra, reforzando a su vez la psique de cada personaje, en particular el del personaje de Deadwyler.

Resumiendo. ‘La lección de piano’ es un filme que desconozco si mantiene el espíritu original pero desde luego tiene alma propia. Es una obra que podría enmarcarse como una más sobre el racismo pero que realmente trata sobre familia, traumas y legado. Enarbola una espiritualidad propia de la américa negra pero con conclusiones deducibles a cualquier familia con heridas por cerrar y herencias por asumir.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: The piano lesson. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Malcolm Washington. Guion: Malcolm Washington, Virgil Williams. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Samuel L. Jackson, John David Washington, Danielle Deadwyler, Ray Fisher, Corey Hawkins, Michael Potts, Stephan James. Producción: Mudy Lane Entertainment, Netflix Studios. Distribución: Netflix. Género: drama, adaptación. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Hate Songs’

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Sinopsis

Dos actores ruandeses (Nansi Nsué y Boré Buika) y un técnico de sonido belga (Àlex Brendemühl), se reúnen en la antigua sede de la emisora de radio (RTLM) clave en el genocidio ruandés de 1994 para ensayar una ficción sonora y cerrar una herida que aún sigue abierta. A medida que avanza el ensayo, la reconciliación no será tan fácil como creían.

Crítica

Desafía al público con una lección de memoria e introspección

África está muy presente en nuestro cine. Laureadas y aplaudidas fueron películas como ‘Adú’ o ‘Mediterráneo’ en su día. Pero es que tenemos entre manos actualmente cortos y largos inscritos a los Premios Feroz y los Premios Goya como ‘Semillas de Kivu’ o ‘Los cayucos de Kayar’. Desde su estreno en abril se suma ‘Hate Songs’ como un recordatorio más, no solo de que otro cine es posible y sigue vivo, sino de que también hay regiones de nuestro planeta, que forman parte de nuestra historia, que no podemos dejar caer en el olvido. ‘Hate Songs’ es todo un rescate por parte del director Alejo Levis y los guionistas Denise Duncan y Albert Val.

Propaganda del odio, cacería con motivación étnica, exterminio masivo, noticias falsas… Son términos con los que acostumbramos a referirnos a películas inspiradas en la II Guerra Mundial y el Holocausto nazi. Pero son igualmente válidos para lo sucedido en Ruanda entre abril y julio de 1994. ¿Por qué no se habla casi nada entonces de este tema más allá de alguna película como ‘Hotel Rwanda’? Seamos sinceros, no es solo porque no fue un conflicto que llamase a nuestras puertas o alcanzase una escala global, es que a la Europa que en su día era la mayor potencia colonialista no le sale a cuenta. Solo así se puede entender que la cacería de tutsis por parte de los hutus se convirtiese en uno de los mayores genocidios y apenas se mencione hoy en día.

La historia cuenta solo con tres personajes: Stéphanie (Nansi Nsue), Ncuti (Boré Buika) y Simon (Àlex Brendemühl) que plantean un ejercicio de entereza y memoria. Se sitúan en el epicentro de las ondas que difundieron el odio. La emisora RTLM (Radio Télévision Libre des Mille), que en su día fue usada como cizaña para instigar a la masacre, es el único escenario. Allí, personas relacionadas con lo sucedido se disponen a hacer lo que a priori es una dramatización radiofónica, pero a posteriori se desvela como algo más trascendental. La idea de Alejo Levis podría servir para invitar a exponernos y a enfrentarnos a nuestros propios demonios. Es por eso que ‘Hate Songs’ tiene valor, no solo como reivindicación de algo que sucedió en el continente que fue la cuna de la humanidad. Es un ejercicio de reconciliación, redención y exploración de un conflicto que puede extrapolarse a otras contiendas en las que hermanos o vecinos se mataron mutuamente. Es decir, allí donde nació la humanidad aún suceden actos inhumanos, como demuestran las crudas imágenes que abren este filme.

Desde luego que hay introspección y hay puesta en escena teatral. Los tres protagonistas tienen espacio para desarrollar a sus personajes en tan claustrofóbico ambiente. Los tres nos brindan momentos desgarradores y nos llevan por un proceso, que tanto en sus pretensiones como en la exigencia interpretativa, no es nada sencillo. Por desgracia al público actual o a los exhibidores con más alcance parece que les da pereza alinearse con este tipo de propuestas. Pero en ese posicionamiento no hacen más que demostrar que seguimos olvidando y seguimos reticentes a enfrentarnos a problemas arraigados y que se repiten a lo largo de la historia de nuestra civilización.

Ficha de la película

Estreno en España: abril de 2024. Título original: Hate Songs. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Alejo Levis. Guion: Alejo Levis, Albert Val, Denise Duncan. Música: Asier Renteria. Fotografía: Lali Rubio, Alejo Levis. Reparto principal: Álex Brendemül, Nansi Nsue, Boré Buika. Producción: Mundo Cero Crea. Distribución: Sideral Cinema. Género: drama. Web oficial: https://www.sideralcinema.com/estreno/hate-songs

Crítica: ‘Semillas de Kivu’

Sinopsis

En Kivu (RD Congo), uno de las zonas más violentas del mundo, un grupo de mujeres llega hasta el Hospital de Panzi después de haber sido violadas en grupo por las guerrillas de la zona que dominan los recursos minerales. Su tratamiento psicológico antes de la reinserción las enfrenta al dilema de aceptar a los bebés que han dado a luz tras las violaciones, encontrando en la cuestión de la maternidad, una manera de resistir.

Crítica

Semillas de Kivu recuerda que la ignorancia no es una excusa, sino una decisión

Se habla de la Guerra de Ucrania como un abuso por parte de Rusia y de la guerra en Gaza como un genocidio. Los principales países de Occidente contribuyen en mayor o menor medida a estos conflictos, manteniendo posiciones prudentes, codiciosas o cobardes, según se mire. Pero hay algo peor: la ignorancia. Hay conflictos armados que llevan un cuarto de siglo enquistados, hasta el punto de llegar a ser considerados el segundo mayor genocidio desde la II Guerra Mundial, al menos en términos de cifras. De esas guerras ya no se acuerda nadie, son lugares y gentes que no interesan, no son lucrativos. Menos mal que aún quedan personas que no se olvidan que el mundo va más allá del “primer mundo”.

Es precisamente esa ignorancia la que el cortometraje ‘Semillas de Kivu’, dirigido por Néstor López y Carlos Valle Casas, pretende romper. Con un enfoque tan valiente como profundamente humano, esta obra trasciende la denuncia para ofrecer un relato poderoso sobre la crisis que ha devastado la provincia de Kivu en la República Democrática del Congo. Pero el foco no son las armas, ni el coltán, ni las etnias, son las mujeres.

El cortometraje es de principio a fin un testimonio inapelable. Se entrelazan historias personales y datos históricos con una sensibilidad que huye del sensacionalismo, logrando que el espectador no solo entienda las dimensiones del conflicto, sino que empatice con sus víctimas y llegue a pensar si él mismo es cómplice del ostracismo que sufren ciertos países. Uno de los mayores aciertos de ‘Semillas de Kivu’ es su capacidad para humanizar cifras que sin aparecer en pantalla están presentes. Las imágenes, cuidadosamente seleccionadas, oscilan entre la devastación y la resiliencia, entre la brutalidad de la guerra y la fuerza de quienes, contra todo pronóstico, siguen sembrando esperanza, como el Doctor Denis Mukwege. En lugar de centrarse únicamente en estadísticas, López y Valle Casas ponen rostros y nombres a las víctimas y supervivientes, otorgándoles una voz que con frecuencia se les niega. Esto convierte el cortometraje en una herramienta poderosa no solo de denuncia, sino también de educación y sensibilización. Algo que se consigue no solo con entrevistas o imágenes, sino también aludiendo a las sensaciones (no al sensacionalismo, repito) con la música de Arturo Cardelús, que también pone melodía a ‘Los cayucos de Kayar’, otro cortometraje inscrito para los Goya 2025 que trata sobre otro tema crítico y crucial en África.

‘Semillas de Kivu’ no es solo un cortometraje, sino una llamada a la acción y una reflexión sobre la complicidad que el silencio y la ignorancia pueden tener en tragedias como la del Congo. Y sobre todo es un clamor por acabar con esas sociedades que permiten actos tan atroces como usar una violación como arma de guerra. Mientras algunas guerras dominan los titulares, otras se pierden en el olvido con consecuencias devastadoras. En un mundo donde la información está al alcance de la mano, ‘Semillas de Kivu’ recuerda que la ignorancia no es una excusa, sino una decisión. Una decisión que este cortometraje nos invita, con urgencia, a reconsiderar.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Semillas de Kivu. Duración: 30 min. País: España. Dirección: Néstor López, Carlos Valle Casas. Guion: Néstor López. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Pablo Díaz. Producción: Auntie Films, Filmakers Monkeys. Género: documental. Web oficial: https://filmakersmonkeys.com/

Crítica: ‘Las desapariciones’

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Sinopsis

El dúo de culto que concibió «Al Interior» regresa al género con este thriller a la True Detective donde dos policías deben unir fuerzas para resolver unos misteriosos asesinatos.

Cuando unas violentas y espantosas muertes comienzan a asolar un pequeño pueblo de montaña, una antigua leyenda sobre una criatura diabólica resurge. Dos policías con métodos distintos se ven obligados a unir fuerzas y descubrir un siniestro complot que involucra la desaparición de niños locales.

Crítica

Inquietante thriller con una atmósfera terriblemente oscura

Basada en la novela de Alexis Laipsker, ‘Le mangeur d’àmes’ llega a nuestras pantallas, gracias a Filmin, ‘Las desapariciones’. Un inquietante thriller muy bien narrado que consigue bastante tensión durante el visionado.

Una serie de crímenes azotan una localidad de montaña, en la que se cuenta que un antiguo demonio está siendo el culpable. Para esto, llaman a dos detectives que se verán sobrepasados con todo lo que verán.

Alexandre Bustillo y Julien Maury regresan a nuestras pantallas gracias a este thriller, un cambio de género en estos dos directores que demuestran lo bien que dirigen. Estos dos nombres os pueden sonar de películas como ‘Á l’intérieur’ o ‘The Deep House’, cintas donde podemos ver su gran gusto por la casquería y el terror de sustos. Como he comentado, ‘Las desapariciones’, es un cambio de género que logra mantenernos pegados a nuestras sillas.

Nos van contando poco a poco todo lo que va sucediendo, además de ir viendo los distintos crímenes que van acaeciendo en este pueblo. La atmósfera muy oscura y tenebrosa. Además, el ser demoníaco mola mucho. Es bastante curioso a la par que convencional. Sus apariciones siempre son incómodas y dan bastante mal rollo.

En el reparto encontramos a Virginie Ledoyen (‘La playa’) como una de las investigadoras que no cree que lo que está viendo. Su compañero en pantalla Paul Hamy (‘Calls’), ambos tienen una química muy buena en pantalla y hacen que desesperemos con ellos mientras intentan averiguar que es lo que realmente ocurre.

‘Las desapariciones’ me ha gustado mucho. Si que es cierto que nos cuenta una historia básica, dos detectives van a intentar esclarecer una clase de crímenes en un pueblo en el que todos son sospechosos, pero poco a poco van descubriendo distintas cosas que harán que toda su investigación de un vuelco hacía lo sobrenatural.

El diseño de producción es muy bueno al igual que la dirección. Todo esto es muy importante, ya que es lo que logra que no perdamos interés en lo que nos está contando. Por supuesto, el guion también es muy bueno, Annelyse Batrel y Ludovic Lefebvre hacen un gran trabajo de adaptación.

Es una pena que la película no se estrene en cines de España, pues como digo, la fotografía de Simon Roca es muy buena y la película muy interesante. Pero al menos gracias a Filmin la podréis ver en vuestras casas a partir del próximo 22 de noviembre. 

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2024. Título original: Le Mangeur d’Âmes. Duración: 108 min. País: Francia. Dirección: Alexandre Bustillo, Julien Maury. Guion: Annelyse Batrel, Ludovic Lefebvre. Música: Raphael Gesqua. Fotografía: Simon Roca. Reparto principal: Virgine Ledoyen, Sandrine Bonnaire, Paul Hamy, Malik Zidi, Chloé Coulloud, Francis Renaud, Lya Oussadit-Lessert, Christophe Favre, Emmanuel Bonami. Producción: Phase 4 Productions, Place du Marché Productions, Umedia. Distribución: Filmin. Género: Thriller. Web oficial: https://phase4productions.fr/le-mangeur-dames/

Crítica: ‘Guernica: el último exiliado’

Sinopsis

El Guernica de Picasso, la obra de arte más reconocida del siglo XX llegó a España siete meses después de la intentona golpista de 1981. El mural que simboliza los horrores de la Guerra Civil y los ataques de la aviación fascista contra la población aterrizó en Barajas después de una compleja operación política ideada en el más absoluto de los secretos. Testigos y protagonistas de aquel momento histórico cuentan por primera vez los detalles de aquella aventura que cerró el proceso político de la Transición y recuperó para España la obra maestra de Picasso.

Crítica

Rescata de la memoria una obra que precisamente habla de no olvidar

‘Guernica: el último exiliado’, dirigido por Guillermo Logar, es un documental breve pero cargado de significado que explora el viaje de regreso a España del famoso cuadro de Picasso, ‘Guernica’, alojado hoy en día en el Museo Reina Sofía de Madrid y convertido en una de la obras más importantes de nuestro patrimonio pictórico. La película revela el simbolismo y los obstáculos de este retorno, no solo como una cuestión de patrimonio cultural, sino como un proceso de sanación y memoria para la España de la Transición. Y es que para muchos el retorno de este mural es el auténtico símbolo y momento del culmen de nuestro paso a un régimen democrático.

Por supuesto no hay que olvidar que este es un cuadro cargado de política. Fue encargo de la II República para Picasso para mostrar al mundo lo sucedido en la localidad del norte de España, momento que por supuesto el documental aprovecha para rescatar de la memoria. Una obra que muchos no saben que giró por el mundo recaudando dinero para los afectados por la guerra y cuyo significado se magnificó por su carácter de obra exiliada.

Logar presenta, a través de entrevistas a personajes clave que vivieron el momento y fotografías de archivo, el largo exilio de la obra y su llegada como símbolo de la reconciliación nacional y la memoria histórica. La cinta destaca también la operación política y testamental que permitió el regreso de este ícono del sufrimiento y la resistencia ante los horrores de la guerra.

Con una narrativa precisa y un tono evocador, ‘Guernica: el último exiliado’ es un recordatorio de la persistencia de la memoria histórica y del rol del arte como testigo de conflictos y esperanzas. La dirección de Logar, apoyada por una producción visual detallada y música de Pelayo Rey, mantiene al espectador inmerso en la remembranza y la importancia histórica de esta restitución. La obra es ideal para aquellos interesados en la historia de la Guerra Civil española, la posguerra y la influencia de Picasso como autor clave en nuestra historia.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Guernica: el último exiliado. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Guillermo Logar. Guion: Guillermo Logar. Música: Pelayo Rey. Fotografía: Irena García-Martínez. Reparto principal: Manuel Borja-Villel, Genoveva Tusell, Ángeles García, Marisa Flórez, Álvaro Martínez Novillo, Severiano Hernández y Jorge García Gómez–Tejedor. Producción: R. Mutt Society, Subdirección General de Archivos Estatales, Programa Europa Creativa de la Unión Europea. Distribución: RTVE, Filmin. Género: documental. Web oficial: https://www.guillermologar.com/guernica-el-ultimo-exiliado

Crítica: ‘Los cayucos de Kayar’

Sinopsis

Tras 15 años en España como inmigrante, Thimbo visita su pueblo pesquero senegalés, donde le embargan sensaciones encontradas de nostalgia y desarraigo, añoranza y despecho. Además, lidia con la peligrosa influencia que ejerce sobre los jóvenes del pueblo, que lo ven como un ejemplo a seguir y buscan emularlo con un peligrosísimo viaje en patera.

Crítica

Tratando un tema trillado saliéndose de los estereotipos

El director Álvaro Hernández Blanco, comprometido con la cultura y los migrantes mexicanos en anteriores trabajos como ‘Aquí seguimos’ o el libro ‘Migrantes’, es quien ha rodado el corto de media hora ‘Los cayucos de Kayar’. Con él viajamos a África y arranca atacando a aquellos que siendo cortos de miras tergiversan la verdad e incluso su propia realidad no acabando de entender que todos pisamos la misma tierra y procedemos de migrantes. Ciertamente es una lección aplicable tanto en las fronteras estadounidenses como en las españolas.

‘Los cayucos de Kayar’ es un impactante cortometraje documental que nos sumerge en la realidad de la migración africana hacia Europa, narrada desde una perspectiva profundamente humana e incluso simpática en algunos momentos. La historia se centra en los habitantes de Kayar, un pueblo costero en Senegal, donde la pesca, antaño fuente de vida y sustento, ya no provee suficiente para vivir dignamente. Esta crisis empuja a los jóvenes a embarcarse en cayucos, pequeñas embarcaciones precarias, en un peligroso viaje hacia las costas europeas en busca de mejores oportunidades. Aunque todo esto suena a ya visto anteriormente ‘Los cayucos de Kayar’ se sale de la norma. Plantea una curiosa reflexión por parte de Thimbo Samb, el protagonista, el cual es rechazado por algunas personas en ambos países por su condición de migrante. También es dolorosa aquella cavilación, que también es advertencia, que hace ver que por cada senegalés que ha llegado y mostrado que está en Europa, otros muchos han intentado seguir sus pasos acabando en el fondo del mar.

El corto utiliza imágenes cotidianas y testimonios honestos de los propios habitantes de Kayar, que expresan la tristeza de ver partir a sus seres queridos o que expresan cuántas veces han intentado llegar a España. La dirección se centra en capturar no solo las dificultades económicas, sino también el sentir que domina a toda la comunidad cuando ve que todos sus jóvenes se quieren marchar. ‘Los cayucos de Kayar’ es un recordatorio potente y conmovedor de las raíces de la migración y de las injusticias que impulsan a tantas personas a buscar una vida mejor a cualquier precio. Todo ello propulsado por la música de Arturo Cardelús (‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, ‘Dragonkeeper’).

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Los cayucos de Kayar. Duración: 29 min. País: España, EE.UU. Dirección: Álvaro Hernández Blanco. Guión: Álvaro Hernández Blanco, Thimbo Samb. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Alvaro Hernández Blanco. Reparto principal: Thimbo Samb. Producción: Fernando J. Monge, Álvar Carretero De la Fuente, Alvaro Hernández Blanco. Distribución: Selected Films Distribution. Género: documental. Web oficial: https://selectedfilms.com/los-cayucos-de-kayar/

Crítica: ‘Ben’

Sinopsis

Ben lleva todo el año entrenando para la competición más importante de su vida.

Crítica

Ben salta al vacío con una sarcástica idea la mar de acertada

Ah, el glorioso fenómeno del balconing y el turismo de borrachera en España, la auténtica muestra europea de sofisticación y respeto por la cultura local. Porque, claro, ¿qué mejor manera de conocer el país que lanzarse desde un balcón a la piscina después de haber ingerido litros de alcohol barato? ¡Es la experiencia cultural definitiva! Gracias a estos «valientes» turistas, los hospitales españoles tienen la suerte de poder atender huesos rotos y alguna que otra contusión cerebral cada verano. Y ni hablar del impacto en la economía local: porque nada dice “apoyo al comercio local” como dejar las calles llenas de restos de fiesta. ¡Qué viva la «aventura» y el «turismo responsable»! Podría seguir líneas y líneas hablando de las virtudes del balconing y el turismo de borrachera, pero qué os voy a contar que no hayáis visto en las noticias o que no ponga en relevancia este cortometraje de Miki Durán.

‘Ben’ es una comedia con un drama de fondo. Existen muchos males que se pueden adjetivar como generacionales. Entre ellos está el turismo de borrachera y derivado de esa lacra, el crecer soportando a visitantes que destrozan impunemente tu ciudad. Por un lado está el cómo se desatan sin control ni consciencia los turistas en España y por otro el hartazgo de los residentes. Miki Durán se lanza a tocar este tema desde el sarcasmo y su cortometraje funciona. Parece que somos el patio de recreo de Europa y que ya es algo “oficial” venir aquí a desfasar en verano, despedidas de soltero u oportunas eliminatorias de la Liga de Campeones. Eso ha llevado a plantear el fenómeno del balconing como si se tratarse ya de un deporte semi-oficial para el que alemanes, británicos u holandeses se preparan durante todo el año.

El cortometraje podría incluso haber sido más mordaz bautizando a su protagonista (Álex Galeote) como Bem en vez de Ben y ese nombre habría servido como acrónimo de “balconing en Mallorca”. Pero con su humor y con su final es suficiente acertando y transmitiendo su mensaje, hasta tal punto que más que verse en nuestras fronteras por eso de que está en la shortlist para los próximos Premios Goya, debería proyectarse en escuelas y universidades de aquellas naciones que aportan más turistas y “riqueza” a nuestro país. ¿Merece la pena el riesgo, el subidón o la breve ovación? Muy válido el escarnio que representa, retratando la estupidez humana que da pie divertimentos de lo más estúpidos, merecedores de un Darwin Award o de que se materialice el ‘Veneciafrenia’ de Álex de la Iglesia.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Ben. Duración: 11 min. País: España. Dirección: Miki Durán. Guion: Miki Durán. Música: Sergio Llopis. Fotografía: Pasqual Marí. Reparto principal: Álex Galeote, Julie Nash, Christopher Groves, Alexander Ayres. Producción: West End Pictures, Andreu Fullana Arias, Bastera films, IB3 TV, Mallorca Film Commission, Ayuntamiento de Mallorca, ICIB. Distribución: Selected Films Distribution. Género: ficción, crítica social. Web oficial: https://selectedfilms.com/ben/

Crítica: ‘Gladiator 2’

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Sinopsis

Gladiator II, del legendario director Ridley Scott, continúa la epopeya de poder, intriga y venganza ambientada en la Antigua Roma. Años después de presenciar la muerte del admirado héroe Máximo a manos de su tío, Lucio (Paul Mescal) se ve forzado a entrar en el Coliseo tras ser testigo de la conquista de su hogar por parte de los tiránicos emperadores que dirigen Roma con puño de hierro. Con un corazón desbordante de furia y el futuro del imperio en juego, Lucio debe rememorar su pasado en busca de la fuerza y el honor que devuelvan al pueblo la gloria perdida de Roma.

Crítica

De un clásico emocional a una secuela emocionante

‘Gladiator 2’, dirigida de nuevo por Ridley Scott, vuelve al periodo de tiempo del esplendor de la antigua Roma con una mezcla de acción audaz, interpretaciones dramáticas y nuevas perspectivas, funcionando a la vez como una continuación y expansión de la historia original de ‘Gladiator’. Ambientada dieciséis años después de los eventos de la primera película, esta secuela sigue a Hanno (interpretado por Paul Mescal). La trama se centra en su transformación de hombre de vida con privilegios a gladiador, enfrentando traiciones, deseos de venganza y un Imperio Romano caótico, tiránico e incluso sádico. La cinta nos deja sensaciones positivas, especialmente por el espectáculo visual, las intensas secuencias de acción y las destacadas interpretaciones de Mescal y de Denzel Washington, quien deslumbra como el ambicioso comprador de gladiadores llamado Macrinus.

De arrancar en el norte de Europa a visitar el norte de África en Numidia. De partir con un soldado laureado a plantearnos la vida de un líder enemigo de Roma. Los detalles son diferentes pero si lo pensamos bien el esquema principal, el patrón, es el mismo. Aunque innegablemente, tiene una trama que progresa en dependencia de la original, ‘Gladiator 2’ plantea un discurso y un tono diferentes que la hace muy disfrutable y sobretodo sabe a qué público dirigirse, al actual. Es un filme sobre el descontento y desenamoramiento. Scott, consciente de que la época del romanticismo y el idealismo en el cine está acabada, genera un héroe rebelde casi sin ideales, que habla de un sueño muerto y carga contra cualquier autoridad, tanto legislativa como ejecutiva. Es por eso que los nuevos personajes aportan aristas no esbozadas en el título del 2000. Esa lectura en conexión temporal con la actualidad está ahí. Pero el foco está en otro factor que también es determinante para la supervivencia del cine hoy en día, el espectáculo.

Aunque ‘Gladiator 2’ conserva temas de poder, legado y el mundo brutal del combate gladiatorio, el punto fuerte está en llevar todo a mayor escala, derivando en más batallas épicas, escenarios de combate creativos y un ritmo acelerado, creando una energía diferente en comparación con la primera película, que era más emocional. Aunque el Lucius de Mescal tiene cierto grado de complejidad, puede que carezca de la intensidad que Russell Crowe aportó a su Maximus. Además, mientras que Gladiator fue elogiada y pasó al panteón de los clásicos instantáneos por su gran producción, su arco sentimental y su narrativa cuidada (por supuesto por la gran banda sonora de Hans Zimmer), esta se percibe menos carismática y conmovedora. Es evidente que la acción y el espectáculo restan profundidad a los personajes. Aun así, este cambio de tono me es bien recibido ya que así no caemos en la repetitividad y se consigue honrar a su predecesora con giros y personajes de lo más curiosos. Y todo esto a pesar de que los puristas comentarán que hay una gran incorrección histórica al introducir a Caracalla, Geta y Macrinus en este momento del imperio. Desde luego hay que asumir que esta no es una producción rigurosa en ese sentido. Pero que me aspen si Roma no está representada superando incluso a los tiempos de la péplum y si Paul Mescal no se parece a los bustos que se conservan de Lucius.

El tono es tan diferente que casi no cabe compararla con la primera parte. Ya os adelanto además que por mucho que busquéis relojes, bombonas o marcas de ruedas de camión no vais a encontrar ese tipo de errores tan míticos aquí. Si acaso veréis algún extra de fondo martilleando al vacío o espectadores gritando cuando tienen la boca cerrada, pero poco más. Con lo que si me viene a la mente hacer una comparativa es con la serie ‘Those About to Die’, una historia dramática ambientada en la misma época que se emite en Prime Video. Ambas exploran aspectos políticos y de distintos estratos sociales a la vez que van más allá con la espectacularidad. Con lo que también se ha superado un límite es con la violencia. Sin ser ‘Gladiator 2’ un título sangriento, si dispone tres o cuatro escenas más crudas que las que tenía su predecesora. En mi opinión, otra señal de que Scott se ha querido mantener próximo a las nuevas audiencias de un modo mucho más acertado que con su última misión napoleónica.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Título original: Gladiator 2. Duración: 148 min. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Guion: David Scarpa. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: John Mathieson. Reparto principal: Paul Mescal, Pedro Pascal, Joseph Quinn, Fred Hechinger, Lior Raz, Derek Jacobi, Connie Nielsen, Denzel Washington. Producción: Paramount Pictures, Scott Free Productions, Red Wagon Films. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, drama. Web oficial: https://www.gladiator.movie/

Crítica: ‘Things will be different’

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Sinopsis

Para escapar de la policía tras un robo, dos hermanos se esconden en una granja metafísica que los oculta en un momento temporal diferente al presente. Allí se enfrentan a una fuerza misteriosa que lleva sus lazos familiares a puntos de ruptura antinaturales.

Crítica

La prueba de que Benson y Moorhead han hecho escuela

‘Things will be different’ marca el debut como director de Michael Felker, quien hasta ahora se había destacado como montador en las películas de Aaron Moorhead y Justin Benson. Estos dos cineastas son conocidos por sus exploraciones narrativas que combinan la ciencia ficción centrada en paradojas espaciotemporales además de elementos emocionales profundos. Ambos figuran como productores depositado su confianza en Felker para este proyecto, de hecho, Justin Benson aparece con un pequeño papel dentro de la cinta, subrayando la cercanía y la continuidad de esta colaboración creativa. A través de este film, Felker demuestra que ha absorbido muchas de las lecciones estilísticas de Benson y Moorhead, manteniendo una visión narrativa que mezcla de manera efectiva los viajes en el tiempo con temas familiares complejos, así como dúos de personajes principales que exploran los límites de la realidad y las relaciones interpersonales.

A pesar de tratarse de una producción de bajo presupuesto, algo que es característico del trabajo de Moorhead y Benson (al margen de sus encargos en ‘Caballero Luna’ o ‘The Twilight Zone’), Felker muestra una notable capacidad para maximizar los recursos disponibles, entregando una película que no depende de efectos visuales espectaculares ni de escenarios grandilocuentes. En lugar de eso, ‘Things will be different’ se enfoca en la exploración de las emociones humanas y los dilemas morales que surgen cuando se juega con conceptos como la manipulación del tiempo. Esto le otorga al film una profundidad emocional que contrasta con la sencillez de su presentación visual. La película no necesita deslumbrar visualmente para capturar la atención del espectador, su fuerza radica en su capacidad para crear misterio y tensión.

La trama sigue a dos ladrones que utilizan el tiempo como si fuera una caja fuerte, un refugio seguro al que se accede mediante un sistema de “contraseñas temporales”. Este concepto, aunque original, se enreda en su propia lógica interna a medida que avanza la película, lo que podría generar confusión para algunos espectadores. Sin embargo, Felker logra mantener el interés al centrar la narrativa en los personajes y sus emociones, en lugar de enfocarse exclusivamente en las complejidades técnicas del viaje temporal. Este enfoque humano es, en muchos sentidos, el corazón de la película, permitiendo que el público se conecte de manera más profunda con los protagonistas.

Aunque ‘Things Will Be Different’ no innova significativamente dentro del género de la ciencia ficción ni en el subgénero de los viajes en el tiempo, lo que sí consigue es ofrecer una historia emocionalmente rica y bien ejecutada. Felker demuestra tener un gran talento para lo íntimo y lo emocional, y aunque aún le falta pulir ciertos aspectos narrativos, su debut es, sin duda, un esfuerzo prometedor que augura un futuro brillante. La película no ofrece muchas respuestas definitivas, lo que puede frustrar a espectadores que acabaron a malas con historias como ‘Dark’, por ejemplo. Pero esa ambigüedad es, en gran medida y para muchos, parte del encanto del cine de este tipo.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Things will be different. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Felker. Guion: Michael Felker. Música: The Album Leaf, Michael A. Muller. Fotografía: Carissa Dorson. Reparto principal: Adam David Thompson, Riley Dandy, Chloe Skoczen, Justin Benson, Sarah Bolger. Producción: Last Life, Rustic Films. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.lastlifefilms.com/films

Crítica: ‘Arcane T2’

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Se consolida como una de las mejores series animadas

La segunda temporada de Arcane, que llega ya a Netflix, retoma la fascinante historia inspirada en el universo del videojuego League of Legends, superando incluso las expectativas creadas por la primera entrega. En estos nuevos episodios (de los que hemo podido ver seis), la serie logra enriquecer la narrativa original del videojuego y transformarla en un relato épico y profundo, explorando cuestiones políticas, sociales y familiares dentro de un mundo visualmente impactante. Para volver a deambular por este mundo oscuro y caótico tenéis que apuntaros tres fechas, 9, 16 y 23 de noviembre.

La trama sigue con una guerra abierta la lucha de poder en la ciudad subterránea de Zaun y la manera en que Piltover intenta recomponerse tras el caos provocado por Jinx. La serie continúa con su tono steampunk cibernético, un estilo que logra hacer brillar su ambientación, dotando a la historia de una atmósfera envolvente que mezcla lo sombrío y lo futurista de forma única. Este contexto aporta un gran peso a los arcos dramáticos y permite profundizar en el conflicto de clases, una lucha que permea todos los niveles de la narrativa. Quién iba a decir que se podía sacar tanto partido a un juego tipo arena de batalla.

En esta temporada, la serie destaca especialmente por la evolución de sus personajes principales, en particular Vi y Jinx, quienes siguen siendo el núcleo emocional y temático de la historia. Vi, que colabora con las fuerzas del orden, encarna la lucha por reparar un error involuntario, mientras que Jinx, con una locura aún más pronunciada, continúa siendo el símbolo del caos y la rebelión. Ambas se debaten entre la fuerza de los lazos de sangre y una incontrolable rabia interior, y la serie presenta de manera acertada esta lucha fratricida, que no solo representa su vínculo personal, sino que simboliza el conflicto entre las sociedades de Zaun y Piltover.

Además, Arcane introduce nuevos personajes y escenarios, expandiendo su universo y abriendo posibilidades a nuevas historias. La serie también retoma su carácter musical incluyendo temas actuales, lo que aporta un toque contemporáneo a su estética visual ya distintiva, con momentos videoclipistas que funcionan muy bien en el contexto de la narrativa. Si visteis el videoclip de una de la últimas canciones de Linkin Park (‘Heavy Is the Crown’) y os sorprendió su animación probablemente ya pudisteis intuir que se había incluído en el universo de ‘Arcane’.

En resumen, la segunda temporada de Arcane no solo está a la altura de su predecesora, sino que consigue llevar la historia a un nivel superior, desarrollando a fondo los conflictos de sus personajes y construyendo un relato visualmente cautivador que reflexiona sobre la lealtad, el rencor y la lucha de clases. Con un guion sólido y una dirección artística impecable, esta entrega consolida a Arcane como una de las series animadas más importantes de los últimos años.

Crítica: ‘Nunca te sueltes’

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Sinopsis

Una angustiada madre (Halle Berry) y sus dos hijos viven en una cabaña en el bosque bajo el influjo de un espíritu maligno, «el Mal».

Necesitan estar conectados en todo momento a los cimientos de su cada vez más destartalada casa, aferrándose los unos a los otros, llegando incluso a atarse con cuerdas. Pero a medida que la comida escasea, los niños empiezan a preguntarse si «el Mal» es real y los lazos que los unen se rompen, desencadenando una aterradora lucha por la supervivencia. 

Crítica

Aunque no nos da nada nuevo si que logra mantenernos expectantes

Uno de los grandes directores de cine de terror francés, regresa a nuestras pantallas con ‘Nunca te sueltes’, película que, aunque sea un tanto familiar, en el sentido de que tampoco nos cuenta nada nuevo, es una cinta que funciona y que nos muestra como el director de una historia tan sencilla logra mantenernos hasta el final pendientes de lo que va a ocurrir.

Alexandre Ajá, nos lleva a una cabaña en un bosque en el que una familia compuesta por una madre y sus dos hijos viven anclados a ella. Si, anclados, pues no pueden salir si no es atados a una cuerda que está atada a la propia casa.

Me ha recordado a muchas cosas, entre ellas a la serie de Max ‘From’. Las noches pueden ser terroríficas y los seres que aparecen no son buenas apariciones. Pero no solo jugamos a ver situaciones sobrenaturales. Si no que también entra el juego la situación mental, llega un momento en el que no sabes si lo que está ocurriendo está dentro de la cabeza de la madre o realmente ocurren de verdad. Este punto lo hace muy bien, y es que estás todo el rato dudando de todo.

La atmósfera de la película es bastante buena, si que es cierto que al final estamos en medio de un bosque, dentro de una cabaña y con unos seres que no sabes realmente que son.

Halle Berry regresa al terror y la verdad que logra un papel muy intrigante. Una madre hiper protectora que pese a querer a sus hijos con locura, esa locura hace que muchas veces los niños lo pasen verdaderamente mal.

Percy Daggs IV y Anthony B. Jenkins, son los encargados de dar vida a estos niños, están fantásticos. Logran actuaciones muy buenas y consiguen una gran credibilidad.

El sonido de la película me ha encantado y es que logra introducirnos esta tensión que hace que no puedas despegarte del asiento. También funciona estupendamente el maquillaje de los seres que aparecen. Son diseños bastante originales y terroríficos.

Esta película la pudimos ver en el pasado Festival de Sitges, donde tuvimos la oportunidad de poder hablar con el director de la cinta, que además de hablarnos del rodaje de la película, nos contó que anda de nuevo en charlas con su amigo Joe Hill para rodar uno de sus relatos (aquí podéis escucharlo). Recordemos que ya nos deleitaron con la estupenda ‘Horns’.

En un año en el que el hemos podido hablar de un montón de películas de terror, ‘Nunca te sueltes’ es una de las que sin duda creo que van a funcionar bastante bien en cines y supongo que también cuando llegue a plataformas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Título original: Never Let Go. Duración: 101 min. País: Estados Unidos. Dirección: Alexandre Aja. Guion: KC Coughlin, Ryan Grassby. Música: Robin Coudert. Fotografía: Maxime Alexandre. Reparto principal: Halle Berry, Percy Daggs IV, Anthony B. Jenkins, Matthew Kevin Anderson, Christin Park. Producción: 21 Laps Entertainment, Media Capital Technologies, Lions Gate Films, HalleHolly. Distribución: Vertice360. Género: Terror. Web oficial: Nunca te sueltes – VERTICE CINE

Crítica: ‘Anatema’

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Sinopsis

Una joven monja (Juana Rabadán) recibe el encargo de visitar las catacumbas de una de las iglesias más antiguas de Madrid. El arzobispo sospecha que bajo sus interminables túneles se encuentra el Sello de San Simeón, colocado allí por el propio santo eremita con el fin de salvaguardar el mundo de un mal de tiempos pretéritos. Con la ayuda del joven sacerdote Ángel, la novicia Mara, y el exorcista Cuiña, Juana bajará al subsuelo de la ciudad a enfrentarse no sólo a lo sobrenatural, sino también a su pasado.

Crítica

Nos vamos de cócteles con Lovecraft y el cardenal Rouco Varela

Nueva película del sello creado por Álex de la Iglesia y Carolina Bang. The Fear Collection amplía sus fronteras tras enfrentarse al terror del turismo desmedido y arrimarse ligeramente a los términos de la locura de Lovecraft. Ahora se atreve con el terror religioso y nos lleva hasta límites del horror cósmico. ‘Anatema’, el primer largometraje dirigido por Jimina Sabadú, nos lleva desde ‘El exorcista’ hasta ‘IT’. Pero en el trayecto nos desliza por un batiburrillo de referentes que hacen de esta película un filme difícil de definir.

‘Anatema’ arranca con un sin parar, que sabemos que no se va a mantener durante todo el filme, pero que nos ofrece unos quince minutos de pura iconografía y terror de todo tipo. En pocos minutos vemos monstruos, fantasmas, y sangre que prometen todo un subidón de película. Criaturas que podrían estar sacadas de ‘AHS’ y que parece que nos van a brindar toda una serie de momentos icónicos, pero poco a poco el globo se desinfla. Frases mal insertadas, escenas cuyo tono no encaja, secundarios y extras mal gestionados, un climax lleno de luces cósmicas y tripas vermiformes tentaculares… Eso hace que ‘Anatema’ se caiga, pero aún así es un filme disfrutable desde ciertos ángulos.

De lo poco que he podido ver de Jimina Sabadú tras coincidencias en festivales, publicaciones en redes o cortometrajes, extraigo que le gusta lo kitsch, lo gótico y lo excéntrico. Mi sensación es que esta podría haber sido otra película sino hubiese contado con Elio Quiroga escribiendo a cuatro manos el guión. Aun así no ha podido evitarse el cameo de su bebé de juguete. ‘Anatema’ es un filme que introduce terror a veces casi hardcore con escenas cómicas capaces de poner a El Langui y a Juan Codina como dependientes de suministros raros a lo personajes de ‘Hellblazer’. Ahí aparecen excentricidades como un personaje que se llama Tristán B, en una más que probable alusión al parapsicólogo Tristan Baker. Pero para nombres está el dardo a Rouco Varela (con Manuel de Blas) del cual hasta se conserva el punto de Madrid donde se ubica su polémico ático. La sensación es que se ha intentado hacer algo similar a la mezcla que dispuso ‘El exorcista del Papa’, con esa comedia y ese viaje a una mazmorra o cripta llena de peligros con forma de criaturas bien recreadas, pero no les ha salido del todo bien.

De ‘Anatema’ agradezco que nos marcan claramente con su título cuál es el sino de la película. Sabemos que con ese término religioso y con lo que dicen los protagonistas que hay algo escondido bajo el suelo de la ficticia parroquia de San Simeón, por lo que ya nos están evitando el manido giro a lo “cementerio indio”. A partir de percibir eso ya nos tienen listos para descubrir cuál es realmente el misterio o para disfrutar meramente del terror o del desarrollo de los traumas de los protagonistas. Pero todo se queda a medio camino. Falta, por ejemplo, darle más contexto o espacio a los niños secos, la monja blanca, la barragana y todo el despliegue de criaturas que son mencionadas más de soslayo de lo que aparecen. Supongo que la idea es, mostrar de nuevo, a una Iglesia que da un sentido diabólico a cosas que no son de su mundo y a esta misma institución, haciendo la del Doctor Manhattan, usando el miedo para generar necesidad de acogerse a sagrado.

Me da rabia que la película no haya tenido una forma más definida pues la elección de casting me parece todo un acierto con el trío de protagonistas, compuesto por Leonor Watling, Pablo Derqui y Jaime Ordóñez, este último para mí el más verosímil de todo ‘Anatema’.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Título original: Anatema. Duración: 91 min. País: Dirección: Jimina Sabadú. Guion: Jimina Sabadú, Elio Quiroga. Música: Vanessa Garde. Fotografía: Luis Ángel Pérez. Reparto principal: Leonor Watling, Pablo Derqui, Jaime Ordóñez, Keren Hapuc, Mauro Brussolo-Arocena, Mariano Llorente, Manuel de Blas, Xoán Fórneas, Juan Codina, Margarita Lascoiti, Fedra Lorente, Juan Manuel Montilla ‘El Langui’. Producción: Pokeepsie Films (Banijay Iberia), Sony Pictures International Productions, Prime Video. Distribución: Sony Pictures, Prime Viedo. Género: terror. Web oficial: https://www.sonypictures.es/pelicula/anatema

Crítica: ‘Guardianes en la ópera’

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Sinopsis

La Ópera Metropolitana de Nueva York, un lugar legendario y de renombre, y Carmen, la obra de ballet más famosa del mundo, son los escenarios de esta aventura en la que Samson, líder de un grupo de perros callejeros, salvará una mítica obra. Un día, huyendo de sus cazadores se esconde en el edificio Met. Allí conoce a la encantadora Margot, la mascota de Anastasia, la primera bailarina del teatro. La trama se complica cuando la única diadema que perteneció a la reina de Gran Bretaña y que Anastasia debe lucir en el cuarto acto, desaparece del camerino. Sin la diadema, el espectáculo no puede continuar y debe cancelarse. Ahora Margot y Samson tienen que encontrar al ladrón y salvar la función al son de la música del gran Georges Bizet.

Crítica

Un noble recordatorio de que la cultura clásica tiene su lugar en la animación y la cultura popular actual

A comienzos de año llegó desde Rusia a nuestros cines la película ‘Guardianes del museo’. Sin que hayamos terminado este 2024 tenemos un nuevo título del mismo director, Vasiliy Rovenskiy, que supone una especie de secuela espiritual. De gatos pasamos a perros, de San Petersburgo a Nueva York, de una pinacoteca a la ópera. ‘Guardianes en la ópera’ viene a contar con el mismo presupuesto pero se nota que hay más cantidad de personajes y escenarios. Aun así, dudo mucho que quienes vayan a ver este título se paren a analizar esos pormenores de la producción.

Con una trama menos museística pero que igualmente apuesta por cultivar el arte, conocemos a una tropa de perros con complejo de Robin Hood en los años en los que Ford ponía en marcha los primeros coches y aún se estilaban artes como el ballet o la ópera. Parece que el filme quiere hacer honor a eso de “servir y proteger” pues los protagonistas velan por la seguridad del resto de animales del barrio y también se convierten en todo unos opera buffs (melómanos de la ópera). Si bien ‘Guardianes en la ópera’ no destaca por su producción de alto presupuesto ni por una animación visualmente impresionante, logra transmitir un mensaje genuino y valioso. En un momento en el que la animación suele enfocarse en historias de ritmo rápido, humor inmediato y sobrecarga de texturas, esta película rusa se distingue por su enfoque en temas clásicos y un sincero amor por las artes.

En términos técnicos, ‘Guardianes en la ópera’ está lejos de las pulidas producciones de estudios como Disney o DreamWorks, de hecho podría decirse que el estilo es similar al de muchos anuncios de juguetes. La animación es más simple, con menor fluidez en los movimientos y un nivel de detalle en los personajes y escenarios que, para una audiencia acostumbrada a las producciones de Hollywood, puede parecer modesto. Sin embargo, estas limitaciones técnicas son compensadas por la esencia de su mensaje. Comparada con películas de animales parlantes como ‘Madagascar’ o ‘Sing’, ‘Guardianes en la ópera’ se aparta del humor rápido y la acción para proponer una narrativa más serena y gags más propios de un show circense.

La película sigue a un grupo de animales que, en lugar de embarcarse en aventuras modernas o extravagantes, se embarcan en la misión de rescatar una valiosa joya y de paso evitarle un problema a uno de ellos. Esto la acerca a otros filmes animalísticos que promueven valores profundos, como ‘Ratatouille’, que explora la pasión por la cocina, o ‘Spirit: El corcel indomable’, que resalta la libertad y la conexión con la naturaleza. En este largometraje, sin embargo, el enfoque en una forma de arte menos popular en el cine infantil, como la ópera, es un recordatorio de que la cultura clásica tiene su lugar en el corazón de la animación y de la cultura popular actual.

Lo más destacable de esta película es que, a pesar de sus limitaciones visuales, transmite un profundo respeto por las artes. Al representar la ópera y la música clásica como algo digno de proteger y preservar, hace una llamada a las nuevas generaciones a apreciar un mundo de expresiones artísticas que pueden parecer distantes en un contexto de entretenimiento rápido y de fácil acceso. Este mensaje podría no impactar tanto a los niños como a los padres y educadores, pero su intención es noble y ofrece una lección valiosa sobre la importancia de valorar la belleza y complejidad de las artes que se disfrutan mejor presencialmente y que valoran la destreza con nuestros cuerpos, sin artificios tecnológicos.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Título original: Velikolepnaya pyaterka. Duración: 75 min. País: Rusia. Dirección: Vasiliy Rovenskiy. Guion: Vasiliy Rovenskiy. Música: Anton Gryzlov. Reparto principal (doblaje original): Anna Starshenbaum, Diomid Vinogradov, Garik Kharlamov, Pavel Priluchnyy, Aleksandr Gavrilin, Filipp Lebedev, Irina Kireeva, Anastasiya Portnaya, Anton Eldarov, Anastasiya Sorokina. Producción: Kinofirma, Nashe Kino. Distribución: VerCine. Género: aventuras. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/734-guardianes-en-la-opera/

Crítica: ‘El método Knox’

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Sinopsis

John Knox (Michael Keaton) es un asesino a sueldo que pierde la memoria y decide embarcarse en una carrera contrarreloj para ayudar a su hijo (James Marsden), del que ha estado mucho tiempo distanciado, a encubrir un turbio crimen.

Crítica

Recuerdos desvanecidos y moral ambigua, la introspección de Michael Keaton en busca de redefinir a un asesino

Fue un actor casi de la quinta de Michael Keaton quien hace poco interpretó a un asesino que había estaba perdiendo sus recuerdos. En ‘La memoria de un asesino’ seguimos a un personaje interpretado por Liam Neeson atormentado por las lagunas que poblaban su cerebro y también por una repentina crisis moral que se trasladaba de manera indirecta hacia el espectador haciéndonos plantear preguntas como: ¿Un asesino con moral o cierta erudición es bueno? ¿Está automáticamente redimido si ha olvidado por completo su identidad y habilidades de sicario? ¿Puede hacer las paces con su entorno ahora que su mente le convierte obligatoriamente en otra persona?

¿Diferencias con aquel thriller de 2022? Unas cuantas. Tenemos un kill count mucho más bajo, menos acción y también mucha menos violencia. Enarbola también una motivación paternofilial y algunos momentos de humor negro, pero el tono es de neo noir, muchísimo más contenido y buscando la elegancia de un cine que se estila poco hoy en días. Además está el añadido de que el protagonista de este filme ejerce también de director. Segunda ocasión en la que Keaton se pone tras las cámaras tras ‘Caballero y asesino’ (2008) y curiosamente interpretando también un papel de matón. Película, de, por y para él. ‘El método Knox’ no busca a un público general, consciente de ello, intentando escabullirse de sus superproducciones, Keaton se dirige a aquellos que buscan una manera de narrar historias que construyen poco a poco, sin ser del todo claras. Encontrará pocos partidarios pero no cabe duda de que es un filme cuyo guión no tiene las lagunas de su protagonista y es fiel a su estilo hasta el final.

Esa manera a priori dispersa y sin prisa de contar la historia favorece a transmitir el estado anímico y psicológico del personaje de Keaton. ‘El método Knox’ nos acerca a alguien que está perdiendo la lucidez a raíz de un diagnosticado síndrome de Creutzfeldt-Jakob y que intenta dar carpetazo a su taimada vida. La propia mente del protagonista le engaña y se intenta que así sea también para el espectador a través de escenas con un fin velado y efectos acompañados de flases y fundidos a negro, recurso que se emplea de manera caprichosa y olvidadiza. Se maneja bien en cierto modo el estado de salud del protagonista pues la aleatoriedad de la enfermedad juega a favor de un guión que parece un poco estirado. Al final nos damos cuenta de que no ha habido momentos aburridos y tenemos una conclusión, el círculo se cierra, cada escena demuestra su justificación, pero no hay ni nervio, ni pasión, ni casi emotividad.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Título original: Knox Goes Away. Duración: 114 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Keaton. Guion: Gregory Poirier. Música: Alex Heffes. Fotografía: Marshall Adams. Reparto principal: Michael Keaton, Al Pacino, Marcia Gay Harden, James Marsden. Producción: Bookstreet Pictures, Sugar23, Three Point Capital. Distribución: Diamond Films. Género: suspense. Web oficial: https://deadline.com/2023/11/michael-keaton-knox-goes-away-release-date-1235642334/

Crítica: ‘Jurado Nº2’

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Sinopsis

Jurado n12, cuenta la historia de Justin Kemp (Hoult), un hombre de familia que, como miembro del jurado en un juicio por asesinato de gran relevancia, se enfrenta a un grave dilema moral… un dilema que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y, en última instancia, para condenar -o liberar- al acusado de asesinato.

Crítica

Clint Eastwood regresa al cine por la puerta grande

Clint Eastwood regresa al cine de una manera espectacular. Con una historia sencilla pero que sin duda no va a dejar indiferente a nadie. La culpa, la justicia y el querer hacer siempre lo bueno, es parte de los temas que nos trata en ‘Jurado Nº2’. La película dirigida por el director a sus 94 años y escrita por Jonathan A. Abrams, nos da una lección de buen cine.

Conocemos a Justin, un hombre que mientras está esperando a su primer hijo es llamado para ser jurado en un caso de homicidio. Todo cambiará su tranquila vida, cuando se da cuenta de que quizás tiene algo de información que podría absolver al acusado.

No quiero decir mucho más, si habéis visto el tráiler, ya os habrá desvelado todo el pastel, pero como acostumbro, no soy una persona que vea tráiler y con ello a los 25 minutos de visionado, me he llevado la sorpresa. Así que, si podéis ir sin saber nada, mejor que mejor.

Está claro que a Clint Eastwood este tipo de historias le chiflan. Narraciones donde está presente el buscar la justicia, el intentar soportar la culpa y no morir en el intento. Esta película deja un poso increíble al finalizar el visionado. ¿Qué harías tú en esta situación? Según avanza la trama vas viendo el camino que decide nuestro personaje interpretado por Nicholas Hoult, pero es un camino muy difícil y en el que le vemos dudar cada dos por tres, porque al final, lo que se juega es la libertad de una persona.

Me encanta la manera de exponernos y enseñarnos el funcionamiento del trabajo de los miembros del jurado. Un trabajo que al principio se puede ver fácil, pero que si les da por dudar, vemos como las cosas no son tan sencillas y que la decisión de encerrar a alguien de por vida en una prisión, puede llegar a pesar en las conciencias de cada uno de los jurados. ‘Jurado Nº2’, nos va hacer reflexionar sobre el mal o el bien, sobre nuestras decisiones y sobre todo, sobre nuestra visión de la Justicia.

Nicholas Hoult consigue que lo pasemos muy mal con su personaje. Sus miradas logran mostrarnos todos sus sentimientos y que seamos capaces de empatizar con ellos. Junto a él, encontramos a Toni Collette, J.K. Simmons, Kiefer Sutherland, Leslie Bibb, Gabriel Basso, Chris Messina, Amy Aquino, Drew Scheid o Cedric Yarbrough.

Como he comentado, el director ya tiene 94 años y no sé si esta será o no, su última película. Pero si así fuese, sin duda se va con la cabeza alta. Sin duda uno de los aciertos de la obra es su escena final, donde nada es lo que parece y deja totalmente abierto a que nosotros le demos el final que queramos.

‘Jurado Nº2’ iba a ir en un principio a MAX, pero después de un primer visionado, pensaron que lo mejor era estrenarla en cines. Así que ya sabéis, este 31 de octubre, tenéis una cita en el cine con la nueva película de Clint Eastwood. 

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2024. Título original: Juror #2. Duración: 117 min. País: Estados Unidos. Dirección: Clint Eastwood. Guion: Jonathan Abrams. Música: Mark Mancina. Fotografía: Yves Bélanger. Reparto principal: Nicholas Hoult, Toni Collete, J.K. Simmons, Kiefer Sutherland, Chris Messina, Zoey Deutch, Cedric Yarbrough, Gabriel Basso, Leslie Bibb, Ella Fraley, Scott Alan Smith. Producción: Warner Bros, Lightnin’ Production Rentals, Malpaso Productions. Distribución: Warner Bros. Género: Thriller. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/jurado-no2

Crítica: ‘Los hombres lobo’

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Sinopsis

Esta épica aventura narra la historia de una familia moderna que viaja a la Edad Media, donde descubre poderes especiales y se enfrenta con hombres lobo de verdad.

Crítica

A costa de hacer una buena comedia familiar se desdibuja el objetivo original

Me acuerdo cuando de pequeños jugábamos a polis y cacos a través de algo tan sencillo como asignarnos roles aleatoriamente con la baraja de cartas española. Años después descubrí el juego de mesa ‘Los hombres lobo de Castronegro’, creado en Francia a partir de un juego muy similar llamado Mafia. Básicamente mantiene la misma dinámica que no es otra que la de desvelar quién está matando a los jugadores y esto hay que hacerlo a través de interrogatorios, poniendo a prueba nuestras capacidades de convicción o de mentir y por supuesto de detectar mentiras. Para las generaciones de ahora, es la versión sencilla, precursora y presencial de juegos como el ‘Among Us’.

Hay incluso un videojuego de realidad virtual (‘Werewolves Within’) inspirado en este popular juego de mesa, el cual dio paso al filme ‘Un hombre lobo entre nosotros’. Aquella propuesta fue tan divertida como desconocida y eso que contaba con rostros famosos como Sam Richardson o Harvey Guillen. Mucho me temo que con ‘Los hombres lobo’ ocurra lo mismo. Con esto no estoy diciendo que sea un filme malo, pero si que es una propuesta que pasará desapercibida ya que consiste en un entretenimiento familiar moderado que no ha tenido excesiva promoción.

François Uzan, director que ha sido el guionista de otra producción de Netflix como la serie ‘Lupin’, es quien ha orquestado esta película. Jean Reno, quien protagonizó en su día ‘Los Visitantes’, vuelve a la Edad Media en un viaje inverso. Podríamos decir que con ambos habría salido un producto más gamberro y adulto, pero han optado por el tono suave. Esta vez la perspectiva es más parecida a la de las nuevas películas de ‘Jumanji’, ‘El caballero negro’ de Martin Lawrence o ‘Timeline’ de Richard Donner. Es decir, los protagonistas se meten en un juego que los hace viajar a la Edad Media, donde ganan ciertas habilidades y pueden aprovechar sus conocimientos modernos para salir airosos. Ojalá hubiese ido por derroteros del terror adulto o hubiese sido tan divertida como la serie animada de ‘Dungeons & Dragons’ pero el humor francés roza la sinvergonzonería sin arriesgar ni un ápice. De hecho, aunque no respete al original, el título anglosajón es más fiel al espíritu de la película ya que la han titulado directamente ‘Family Pack’, para que luego se diga de las traducciones de títulos en España.

En el inicio y cierre del filme la película busca tocar un tema de familia, una especie de drama paternofilial sobre la memoria. Un detalle que se queda descolgado, cuyo efecto es inexistente ya que en el grueso del filme ese asunto se olvida y solo tenemos una aventura en familia, divertida, pero sin sustancia. En resumen, es una buena película para ver en días de lluvia y que servirá de introducción a algunas facetas del terror para los más pequeños. Pero para aquellos que busquen el juego de nervios, pesquisas y cuchilladas traperas de ‘Los hombres lobo de Castronegro’ se queda en algo decepcionante.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de octubre de 2024. Título original: Loups-Garous. Duración: 94 min. País: Francia. Dirección: François Uzan. Guion: François Uzan, Céleste Balin, Hervé Marly Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Denis Rouden. Reparto principal: Franck Dubosc, Jean Reno, Suzanne Clément, Lisa Do Couto Texeira, Raphael Romand, Alizée Caugnies, Grégory Fitoussi, Jonathan Lambert, Bruno Gouery. Producción: Radar Films. Distribución: Netflix. Género: Web oficial: https://www.netflix.com/us-es/title/81686180

Crítica: ‘Los Williams’

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Sinopsis

Dos hermanos, futbolistas, vascos y ‘beltzas’ del Athletic Club de Bilbao, separan sus caminos al decidir jugar el Mundial de fútbol en dos selecciones diferentes, Ghana y España.

Así arranca un retrato en primera persona de Iñaki y Nico Williams a través de tres continentes, durante los dos años más cruciales de su vida, con un acceso único y exclusivo a ellos y a todo su entorno.

Es la increíble historia de dos estrellas internacionales. Dos hermanos, referentes para muchos migrantes, que viven en busca de un espejo en el que reconocerse. No son de aquí, pero tampoco son de allí…

Crítica

Una historia de tesón, éxito y fraternidad en muchas de sus acepciones

Qué tendrá el apellido Williams que brinda buenos deportistas a pares. Si hace poco se indagaba sobre Venus y Serena Williams con ‘El método Williams’, ahora nos quedamos en casa y descubrimos una historia que es un tanto diferente. Con ‘Los Williams’ conocemos más que el día a día de Iñaki y Nico Williams, descubrimos una historia familiar, llena de obstáculos y barreras que superar, de límites por atravesar. Dos hermanos que militan en el Athletic de Bilbao desde que son pequeños pero cuya familia viene de orígenes más que humildes, tercermundistas. De ahí que se de la curiosidad de que aunque nacidos en España actualmente son alineados por distintas selecciones. Mismo equipo, diferentes equipos internacionales. Desde luego la suya es una historia muy diferente a la de las Williams, los De Boer, los Salinas o los Laudrup.

Para aquellos que aún miran con recelo o inclusos racismo a estos dos deportistas, para aquellos que forman parte los deplorables griteríos que se oyen a veces desde la grada, llega este documental que como poco va a recordar que en el Bilbao solo juegan jugadores entrenados desde pequeños en territorios vascos. Ambos nacidos en España, ambos criados en nuestros barrios, pero ambos luchando contra estigmas y con el único objetivo de sacar adelante a una familia que no tenía absolutamente nada y por hacer sentirse orgullosos a aquellos que forman parte de sus raíces.

Como hilo conductor el Mundial de Catar, la Eurocopa de Alemania y la Copa del Rey 23-24. ‘Los Williams’ nos cuenta cómo vivieron estas competiciones ambos hermanos y también sus amigos, padres y familiares ghaneses. Con todo esto el documental va más allá de lo obvio, que no es ni más ni menos que una historia de superación y trabajo como la de muchos deportistas. Se convierte en un relato sobre la emigración, el racismo y la identidad, por supuesto también de la fraternidad. Las ambiciones pueden ser las mismas que las del más común de los futbolistas, pero las motivaciones las comparten con solo unos pocos.

El documental no se sale de la norma a la hora de contar la historia, no emplea artificios, ni montajes novedosos. Pero Raúl de la Fuente atina a transmitir el sentimiento dualizado de estos deportistas como africanos y como vascos. Eso y a señalar que esta es una historia de tesón y éxito aupada por la familia, la sanguínea y la del barrio.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2024. Título original: Los Williams. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Raúl de la Fuente. Guion: Amaia Remírez. Música: Mikel Salas. Fotografía: Raúl de la Fuente, Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Iñaki Williams, Nico Williams. Producción: Kanani Films, En Cero Coma, Fremantle España. Distribución: 39 Escalones Films. Género: documental. Web oficial: https://fremantle.es/encerocoma/los-williams/

Crítica: ‘Historias de Halloween’

Sinopsis

Luis (Christian Thomas) es un niño con una vida social fundamentada en la tecnología, videojuegos y amigos online. El día de Halloween, por insistencia de su madre (Macarena Gómez), sale a la calle a hacer truco o trato sin éxito. Sin embargo, su bagaje le llevará a conocer a Ander (Javier Botet), un hombre misterioso que regenta un anticuario, y juntos, a través de diferentes cómics, se adentrarán en historias terroríficas.

Crítica

Ideal para echar de menos las semillas del terror de tu infancia

Las películas antológicas han sido un formato querido por los amantes del cine de terror desde hace décadas. ‘Historias de Halloween’ no es la excepción. La película se erige como un tributo nostálgico a una época dorada del género, rindiendo homenaje a esas obras que marcaron a generaciones, especialmente en las décadas de los 80 y 90. Con claras referencias a títulos tan icónicos como ‘Gremlins’ o ‘Cazafantasmas’, y a antologías míticas como ‘The Twilight Zone’ o ‘Historias para no dormir’ de Chicho Ibáñez Serrador, ‘Historias de Halloween’ logra capturar el espíritu de esas producciones que mezclaban el terror con el humor, lo sobrenatural y en este caso, también con lo infantil.

La película de Kiko Prada encuentra en la festividad de Halloween un marco perfecto para explorar diferentes relatos, y consigue arraigar esas historias en el imaginario popular, con un toque particular de spanish horror. Halloween, una festividad de origen pagana que fue adoptada y popularizada por los estadounidenses, ahora se ha injertado en la cultura española, y la película utiliza esto para aportar un aire fresco al cine de terror nacional. La cinta no solo busca asustar, sino también conmover, apelando a la nostalgia de aquellos que crecieron añorando volver al videoclub o a la tienda de cómics ávidos de nuevas historias en las que perderse.

Uno de los aspectos más destacables de la película es su habilidad para reivindicar ciertos aspectos. A través de diferentes relatos, ‘Historias de Halloween’ toca temas de actualidad como la precariedad de las enfermeras en España y la dificultad de los técnicos de efectos prácticos para encontrar su lugar en un mundo dominado por el CGI. De este modo el filme no solo resulta efectivo en términos de terror, sino que también añade una capa de reflexión sobre el estado actual de la sociedad. Es un claro recordatorio de que el género de terror, cuando se hace bien, no solo puede ser entretenido, sino también relevante y crítico.

Uno de los segmentos más logrados y efectivos de la película está protagonizado por Lucía de la Fuente, Carmen del Rosal y Zorión Eguileor. Este episodio destaca por su capacidad para conectar emocionalmente con el espectador que añora la época en la que el cine era más artesanal. También encandila por hacer gala de humor negro. Es en este segmento donde la película parece alcanzar su máximo potencial, combinando de manera efectiva elementos inocentes con lo más retorcido que se nos pueda ocurrir.

Otro punto fuerte de ‘Historias de Halloween’ es su hilo conductor: un niño que se encuentra con un misterioso personaje al estilo del librero Karl Konrad Koreander, quien le sirve de guía en el mundo del terror. Este personaje funciona como un mentor para el niño y, por extensión, para el espectador, recordándonos esa fascinación infantil por lo desconocido y lo macabro. Es una manera brillante de capturar los anhelos de un niño que soñaba con hacer cine, y que ahora, como adulto, tiene la oportunidad de recrear esas historias que tanto lo marcaron.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Historias de Halloween. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Kiko Prada. Guion: Kiko Prada. Música: Javier Gimeno. Fotografía: Daniel G. Canal. Reparto principal: Christian Tomas, Javier Botet, Macarena Gómez, Mario Mayo, David Pareja, Lucia de la Fuente, Carmen del Rosal, Zorión Eguileor, Aida Folch, María Barranco, Elisabeth Anne Miller. Producción: Autocinema Ink, Atlántika Films, The Other Side Films. Distribución: por determinar. Género: terror. Web oficial: https://theothersidefilms.com/portfolio-items/historias-de-halloween-2/

Crítica: ‘Venom: el último baile’

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Sinopsis

Eddie y Venom están a la fuga. Perseguidos por sus sendos mundos y cada vez más cercados, el dúo se ve abocado a tomar una decisión devastadora que hará que caiga el telón sobre el último baile de Venom y Eddie.

Crítica

Un cierre que nos deja con los dientes más largos que los de Venom

Por fin, el Venomverso de Tom Hardy (recordemos que el actor protagoniza y produce) alcanza uno de sus puntos álgidos. Tras una primera película que entusiasmó y elevó las expectativas, y una secuela que decepcionó a casi todos, llega el cierre de una trilogía que explora a fondo la faceta alienígena de Venom y todas sus capacidades como simbionte. Esto es precisamente lo que ha mantenido vivo e independiente al personaje en los cómics, más allá de sus principales etapas con Spider-Man. Ahora que ha alcanzado niveles cósmicos, da pena que la franquicia llegue a su fin. Ojalá recuperen al personaje, ya sea para una nueva alineación de los Seis Siniestros o para integrarlo en ‘Secret Wars’, de la misma forma en que Sony se integró en el MCU con el Spider-Man de Tom Holland en ‘Civil War’.

Es probable que muchos de los espectadores y «fans de Marvel» que se acerquen a ver esta película solo conozcan a Venom por el universo cinematográfico de Sony (SSU) o por la inmensa cantidad de Funkos que lo muestran fusionado con otros personajes clásicos de la “Casa de las Ideas”. Los lectores de cómics estamos de acuerdo en que ese merchandising refleja bien cómo Venom ha corrompido a numerosos protagonistas y superhéroes. Por desgracia, y a pesar de que el filme se conecta con la escena post-créditos de ‘Spider-Man: lejos de casa’, no se da el ansiado crossover. Quién sabe si en un futuro este encuentro será posible. Al menos, ‘Venom: El último baile’ ofrece una invasión alienígena que es un festín de posesiones y criaturas insaciables.

Extraterrestres que quieren acabar con la vida en la Tierra, un humano aliado con un alienígena transformable, un códice que podría ser la clave para el apocalipsis, una agencia gubernamental que los persigue y una familia estilo ‘Captain Fantastic’ en un road trip que se topa con todo este caos… El esquema recuerda mucho a varias películas de ‘Transformers’, incluyendo el toque de comedia absurda y acción destructiva, a veces incluso confusa. A pesar de lo desordenada y precipitada que es ‘Venom: el último baile’, hay que destacar que en esta película es donde mejor se explora la relación entre Eddie y Venom, con una buena dosis de comedia y un clímax logrado.

El cierre de la trilogía llega de la mano de Kelly Marcel, quien ha sido la guionista de todas las películas de la saga, tomando el relevo de los directores Ruben Fleischer y Andy Serkis. Aunque su filmografía es variada, en términos de aventura, este filme se parece más a su serie ‘Terra Nova’, con todas esas criaturas gigantes persiguiendo a la familia protagonista. ¿Dejando de lado expectativas o continuidad con el MCU? La película se regodea en clichés, como el laboratorio similar al que vimos en ‘Morbius’, y tiene algunos momentos musicales que no funcionan. Sin embargo, debo admitir que esta entrega me ha resultado más entretenida y la escena de apertura, digna de un videoclip de Heavy Metal, me dejó impresionado.

El rumbo del universo de villanos de Sony, compuesto por personajes como Madame Web, Morbius o el próximo Kraven interpretado por Aaron Taylor-Johnson, no parecía demasiado prometedor. Al menos no lo suficiente como para pensar en una producción sólida que permita lanzar a Los Seis Siniestros. Sin embargo, aunque este filme se salva por poco, consigue dejarnos con ganas de más, con la introducción de un nuevo villano y una verdadera apertura al Venomverso.

Sin hacer spoilers, puedo adelantar que hay dos escenas post-créditos y por el camino los lectores de cómics reconocerán nombres como Knull o Strickland. También reconocerán a personajes mostrados en el tráiler, como Lasher, Agony o Phage, hermanos de Riot, quien apareció en la primera película. Como curiosidad, hay un reencuentro entre dos actores de ‘Ted Lasso’ (Juno Temple y Cristo Fernández, del cual el guión se olvida). Además, vuelven a coincidir en el universo Marvel dos actores que han interpretado a personajes de los cómics: Chiwetel Ejiofor (Mordo) y Rhys Ifans (El Lagarto), pero con otros papeles. ¿Acaso no hay más actores disponibles?

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre de 2024. Título original: Venom: The Last Dance. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Kelly Marcel. Guion: Kelly Marcel. Música: Dan Deacon. Fotografía: Fabian Wagner. Reparto principal: Tom Hardy, Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Rhys Ifans, Peggy Lu, Alanna Ubach, Stephen Graham. Producción: Columbia Pictures, Arad Productions, Hutch Parker Entertainment, Marvel Entertainment, Matt Tolmach Productions, Pascal Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, acción, comeia, adaptación. Web oficial: https://venom.movie/

Crítica: ‘Escape’

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Sinopsis

N. es un hombre estropeado, algo no va bien en su interior. N. no quiere tomar una sola decisión más, sólo apearse del mundo. Dejar de tener opciones. El psicólogo a quién visita no sabe cómo abordarlo, tampoco su hermana, que intenta apoyarlo sin frutos. N. sólo quiere vivir en la cárcel, y hará cuanto sea necesario para conseguirlo. ¿Lograrán sus allegados que desista de cometer delitos cada vez más graves? ¿Hasta dónde será capaz de llegar el juez para no concederle su propósito?

Crítica

La película que no te esperas y que es divertidísima

Octubre termina con otra de mis películas favoritas del año y es que ‘Escape’ nos hace reír y sufrir con N, un personaje que de una manera u otra va a gustar a todo el mundo.

‘Escape’ llega a nuestras pantallas el próximo 31 de octubre y sin duda os va a sorprender. Es una película de la que mejor conocer poco, no ver tráiler y nada más. Si, admito que siempre digo esto, pero es que suele ser una gozada descubrir la trama de las películas en el cine.

En ‘Escape’ conocemos a N., un hombre que lo único que quiere en la vida es lograr acabar en la cárcel. Para ello le vemos haciendo diferentes crímenes para poder conseguir su sueño. Básicamente esta es la sinopsis, luego tiene más trasfondo del que mejor no hablar, para no chafar la sorpresa.

Rodrigo Cortés, consigue una película tremenda. Nos hemos reído de una situación que realmente no es graciosa, pero el guion está tan bien escrito que al final no te queda remedio que entrar en su juego. Está contado en plan comedia negra y hace que una historia tan triste nos parezca divertida y muy amena.

Además, que está muy bien rodada. Es una película dinámica, con partes con acción y otras en las que, aunque estemos en lugares cerrados, se ve el movimiento continuo de cámara, para conseguir un desasosiego, como el que siente el protagonista.

La película está basada libremente en la novela homónima de Enrique Rubio. Me ha entrado bastante curiosidad de leerla, ya que el director dijo durante el Festival de Sitges, que realmente ha cambiado muchas cosas y que ya apenas se parece a la novela.

N., es un personaje precioso, es muy triste y de verdad que dan ganas de abrazarle y hacerle saber que en la vida se puede tirar hacia delante pese a todo. Pero, aunque mucha gente se lo dice, el prefiere seguir en sus trece y terminar en la cárcel. Mario Casas, consigue un personaje muy real, pese a la situación que no dan en la película. Siempre lo diré, este chico hace bien todo lo que le proponen. Y sin duda, N., es un personaje muy complejo, con un montón de registros en la misma película. Un hombre, como dice la sinopsis, estropeado, que se ha dejado perder y que intenta conseguir su meta hasta el fin de los días. Sin duda, la comedia se le da muy bien y también el drama y ‘Escape’ lo tiene todo.

Pero no solo el está perfecto en esta película, Anna Castillo, hace de su hermana, la cual intenta hacer que su hermano levante cabeza. Le da un juego maravilloso cada vez que salen juntos. Blanca Portillo, Guillermo Toledo, Juanjo Puigcorbé, David Lorente, José García entre otros. Pero por mencionar a dos personajes con los que me lo he pasado genial, pese a que no aparecen tanto, son los interpretados por Albert Pla y José Sacristán, increíbles.

Como detalle muy importante, ‘Escape’ está producida por Martin Scorsese, si, tiene muchos más productores, por los cuales ha podido salir esta película adelante, pero saber que un director como Scorsese está detrás de esta película, también es importante para que veamos que el cine español es muy importante a nivel internacional y que muchos artistas internacionales apuestan por él. 

Así que no dudéis en acercaros a las salas de cine y ver ‘Escape’, Rodrigo Cortés lo está dando todo por esta película, yendo a los pases de la película y dando coloquios al terminar. Es una gozada ver como el cine está vivo y sus creadores se acercan al espectador de esa manera.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2024. Título original: Escape. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Rodrigo Cortés. Guion: Rodrigo Cortés. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Rafa García. Reparto principal: Mario Casas, Anna Castillo, Guillermo Toledo, Josep María Pou, José Sacristán, Xoán Fórneas, Juanjo Puigcorbé, Francisco Javier Pastor, Albert Pla, Zulema Santana, Daniel Chamorro. Producción: Nostromo Pictures, Mogambo, Cosmopolitan TV, Movistar Plus+, RTVE. Distribución: Beta Fiction Spain. Género: Thriller. Web oficial: https://betafiction.es/cine/escape/

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