Diario de Sitges 2021. 13 de octubre

Salvados en las últimas sesiones de un día de películas regulares

Volvemos después de un día extraño en Sitges, porque las películas no han sido muy allá. Monstruos, documentales, stop motion, película navideña, vampiros pueblerinos serbios, dramas y bizarradas japonesas. Así ha sido hoy todo y la verdad que lo hemos sufrido bastante, salvándonos nuestras dos últimas películas. ‘Silent Night’ y ‘Tokyo Dragon Chef’ son las que nos han arreglado el día.

Os dejamos a continuación nuestras reseñas y esperemos que os sirvan para no picar en más de una de ellas.

‘Antlers’

Otra de las esperadas del festival era ‘Antlers: Criatura oscura’ y bueno, dentro de lo típica que llega a ser en su desenlace, es una película que se deja ver.

El comienzo es muy bueno, una mina, dos hombres intentando llevarse todo de su laboratorio ilegal y un niño esperando desesperadamente a su padre mientras escucha ruidos de animales por todos lados.

Tres semanas después, la nueva profesora del instituto, comienza a obsesionarse con el hijo mayor de esta familia, pensando que es un niño maltratado.

Aunque como digo es bastante típica, al final es una película de monstruos, sí que la criatura está muy bien realizada y al menos para mí, que creo que haber visto ninguna cinta sobre esta criatura, aunque sé que existen a pares, me ha gustado mucho la leyenda y la manera de salir que tiene en ‘Antlers: Criatura oscura’. También me gusta, que no se cortan a la hora de mostrar cadáveres, ni hacer que los niños se salven siempre.

Tiene partes muy buenas, pero otras que te hacen perder poco a poco el interés. La historia de la profesora y su hermano a mí no me interesan nada y no me ha gustado que perdieran el tiempo en explicar sus vidas. Que lo hacen rápido, pero es innecesario.

Pronto os dejaremos una crítica más extensa de esta cinta, que pronto llegará a nuestras salas de cine.

Comentado por Vicky Carras.

‘Vampir’

Nos trasladamos a Serbia. Allí nos lleva un londinense que ha aceptado un trabajo de vigilante de cementerio. Rápidamente empieza a ver que el ambiente del lugar es raro, extraño y alejado de lo que está acostumbrado a ver en las ciudades de occidente. Y todo ello va más allá de las costumbres regionales, pues la gente de allí es la mar de atípica y antisocial, están todos como mustios.

El filme, aparte de parecer una obra hecha entre amigos, es una consecución de ideas inconexas y repetitivas. Trata sobre la influencia del vampirismo en el medio rural serbio. Suena aburrido y lo es, por contenido y por realización. Podríamos decir que se trata de vampiros energéticos simplemente por el hecho de cómo se desquicia el protagonista y por cómo nos quita las ganas de ver más películas.

Que no os engañe el cuartel que no veréis un vampiro hasta los últimos 15 minutos. Entiendo que se haya querido mostrar el folclore serbio pero no gana nadie con esta película. Ni el espectador, ni la taquilla ni los vampiros pues el protagonista (que también es el director) no tiene sangre alguna.

Comentado por Furanu.

‘Junk head’

A través de la manipulación genética, la humanidad ha alcanzado la longevidad, pero está al borde de la extinción al haber perdido la capacidad de reproducirse. Sus clones, que se rebelaron hace 1600 años, son conocidos como los Marigans, y gobiernan el inframundo. Algunos parecen haberse vuelto fértiles y el gobierno envía una misión para investigarlo.

No sé qué me ha pasado con esta película, toda la sala riendo y pasándoselo bien y yo la verdad que en no me ha hecho gracia, no sé si es que no tenía el día o que. Pero por ello no voy a deciros lo mucho que me he aburrido, sino que os diré, que técnicamente es una maravilla.

El diseño de los personajes, muy futuristas y demacrados, dan el pego en este mundo acabado en el que nos estamos metiendo. Takahide Hori, decorador de interiores, se metió en esta aventura el solo hace 10 años y la verdad que el trabajo es impresionante.

Los movimientos de los muñecos, la manera de trabajar las luces y sombras, todo está realizado con mucha precisión. Hay unas criaturas que se parecen bastante a los famosos Alien, pero dan como mas asquete y la película nos deja para una segunda parte. Supongo que intencionadamente, pero la verdad que el final corta de una manera demasiado tajante y sin finalizar toda la aventura.

 Comentado por Vicky Carras.

‘The found footage phenomenon’

Esta es la película que los creadores de ‘The medium’ tendrían que haber visto para hacer bien su supuesto documental. El largometraje de Sarah Appleton y Phillip Escott hace un estupendo repaso al fenómeno del metraje encontrado y de cámara en mano.

Para aquellos de mi generación que flipamos con ‘The Blair Witch project’ y revivimos la experiencia con ‘Paranormal activity’ es un gustazo oír a todos aquellos responsables de este género: Ruggero Deodato, Alexandra Heller-Nicholas, Derek Lee, Eduard Sánchez, André Øvredal… Sobre todo es un gustazo cuando ellos reflexiones que ponen en relevancia el hecho de que la violencia esté continuamente en televisión haciendo insensibles a los niños por la crudeza de sus imágenes y después una película sea criticada en aras de la corrección política.

Desde los orígenes del cine existen géneros como la comedia, el biopic, el darama… pero este es un género que hemos visto madurar los espectadores de finales del siglo XIX y principios del XX. Aquellos que han nacido con un smartphone bajo el brazo difícilmente podrán disfrutar de la sorpresa de un found footage, pero por suerte hemos tenido ejemplos recientes como ‘Host’. Gracias a reportajes como estos podrán descubrir por qué películas que ahora aparecen una historia claramente falsa en su día tuvieron repercusión.

Se rememoran películas como ‘Cloverfield’, ‘[REC]’, ‘Afflicted’, ‘Ghostwatch’, ‘Trollhunter’… Si las corrientes actuales nos empujan a meternos en experiencias que nos sumerjan en la historia con la realidad virtual y los videojuegos, este género tiene que estar más que controlado pues es parte del origen.

Comentado por Furanu.

‘The Dawn (Zora)’

Un Drama de esos que uno no se explica por qué están en este festival. Me han devuelto a lo que me pasó con ‘Pelican Blood’. Una familia se debate entre vender el terreno de su casa y encontrar a uno de sus hijos que ha desaparecido. Y ya está, eso es todo. Se habla en la sinopsis de un futuro distópico pero no lo veo por ninguna parte. Si a los croatas esto les parece un futuro de malos augurios que se vengan a la España vaciada.

La película se fundamenta en reacciones extrañas de los personajes y en ellos recortando en silueta más que El Tío de la Vara. La única explicación que se me ocurre es que sea toda una alegoría sobre el cómo influye de manera acaparadora el mundo urbano en las gentes del campo. No sé si estoy remotamente en lo correcto pero no pienso dedicarle más tiempo del que la película me ha robado ya de por sí al verla.

Comentado por Furanu.

‘Silent night’

Película navideña con la que me lo he pasado de maravilla esta noche en Tramuntana. Estamos ante una última cena de Navidad, pues viene de camino algo que hará que la humanidad muera de una manera terrible.

Una “familia” de amigos se han reunido para disfrutar de esta velada juntos y terminar de una manera apacible con sus vidas y las de sus hijos.

Es bestial la crítica hacia muchas cosas. Los ricos y sus privilegios y los pobres que no tienen derecho a morir de manera digna. O como, si tus amigos hacen un pacto, no puedes decidir por ti misma. ¿Y las dudas? ¿Y si todo es una equivocación? Además, que también trata el tema de la muerte y de cómo lo afronta cada uno. Con histeria, entereza o simplemente como un paso más en esta vida.

Me ha gustado mucho como trata todos estos temas de manera “cómica”, si tiene humor, es una cinta inglesa, ya sabemos que es un humor bastante turbio, pero que nos ha hecho soltar más de una carcajada en la sala.

Pero no os equivoquéis ‘Silent Night’ es un dramón tremendo, pero Camille Griffin logra que pase de una manera divertida y sosegada.

Eso sí, aunque la cinta tiene un repartazo, el gran protagonista es Roman Griffin Davis, un niño con una boca demasiado sucia que va a poner patas arriba todo el ánimo del personal que querían pasar una última noche tranquila.

Comentado por Vicky Carras.

‘Tokyo dragon chef’

Una cosa tan rara como ‘De yakuza a amo de casa’, tanto en argumento como en género. ¡Incluso uno de los dos mafiosos protagonistas se llama Tatsu! Una comedia en la que un mafioso se propone vencer a su banda rival a través de su propio negocio de ramen, ataviándose con su mandil y todo. Una película solo proyectada con subtítulos en catalán que igualmente ha resultado divertida.

Obviamente hay que estar preparado para ver algo disparatado. De hecho tanto los efectos especiales insertados por ordenador como la calidad de imagen son cutrecillos, al nivel de los noventa.

Una guerra culinaria al más puro estilo japonés que da la mar de hambre. Si eres foodie y te picas con la comida que ves en Instagram, Youtube y demás no la veas porque te irás de cabeza a comer a un japonés. Incluso tiene momentos musicales al nivel de karoke baratucho de madrugada.

Mafiosos, youtubers y peleas con espumaderas en otra película oriental hilarante. Y todo ello con canciones que tienen un sospechoso parecido a las de la banda sonora de ‘Blues Brothers’. Cine sin tapujos a la hora de mostrar una cara rara.

Comentado por Furanu.

Diario de Sitges 2021. 12 de octubre

Un día de superhéroes encubiertos

Hoy ha sido un día muy ajetreado, Día de la Hispanidad en el que os hablamos de dos propuestas españolas muy diferentes pero que nos han convencido muchísimo.

También niños muy desgraciados que hacen cosas a las espaldas de los adultos. Y una de fantasmas taiwaneses, la cual esperábamos con ganas y nos ha defraudado mucho. Pero para fantasmas los de las víctimas de Jeffrey Epstein, madre mía que bizarra, terrible. Y para terminar el día nos hemos metido en un circo muy especial.

Apartado especial al portento de historia que es ‘Belle’, la cual sabemos que llegará a España de la mano de A Contracorriente Films.

Además hemos podido ver en pantalla grande el tráiler de  la nueva de ‘Scream’, el cual ya tenéis colgado en la web. Sin mas os dejamos con nuestras reseñas.

‘El páramo’

La tranquila vida de una familia que vive aislada de la sociedad se ve perturbada por una criatura terrorífica que pondrá a prueba los lazos que los unen.

Inma Cuesta, Asier Flores y Roberto Álamo, son los tres actores que tenemos en la película y son los encargados, junto a toda esa atmósfera inquietante de meternos la tensión que hace falta para que no te pierdas nada de ‘El Páramo’.

La película, aunque le sobren unos minutejos, consigue lo que quiere, que es crearte una tensión a través de un cuento. En el que una criatura viene a por ti y si la tienes miedo, cada día se acercará más y más hasta que acabe contigo. Pero si le haces frente, se marchará.

Leyenda o locura. Una casa solitaria en medio de un tremendo páramo hace que llegue un momento se pueda perder la cabeza. ¿O no? ¿Y si la criatura existe de verdad?

David Casademunt, director de la cinta, hace un trabajo increíble, el uso de distintos planos para no mostrarnos nada, pero a la vez mostrarnos todo, hacen que la película logre imágenes inquietantes y que quedarán en la mente durante buen rato.

La fotografía de la película es increíble y viene de la mano del gran Isaac Vila del que hemos hablado bastantes veces en nuestra web, desde el corto ‘Graffitti’ hasta ‘El desorden que dejas’ y es que hace una fotografía preciosista y logra mostrarnos unos paisajes impresionantes.

De momento no se deciros si tendrá estreno en cines, pero sí que llegará en enero a Netflix. Pero sinceramente, espero que llegue a las salas, porque tiene unas imágenes demasiado potentes para verlas solamente en la pantalla de nuestras casas.

Comentado por Vicky Carras.

‘Tres’

Estoy seguro que más de una vez habéis tenido esa incomodidad que supone ver un vídeo con el sonido desfasado considerablemente. Eso es lo que le pasa al personaje muy bien interpretado por Marta Nieto. Empieza a recibir los sonidos como si fuese el sonido de un trueno que llega al rato después de haber visto el rayo. Como un mal playback. Una molestia que se acentúa aún más cuando sabemos que ella se dedica a la edición de sonido de manera profesional.

Como no podía ser de otra manera la edición de sonido de la película es estupenda. La gestión del fenómeno a la hora de trasladarlo a la acción del largometraje también está muy bien cuadrada. Y aunque lo que sucede es tremendamente raro y la historia se hace un poco espesa acabamos teniendo recompensa con una explicación.

Juanjo Giménez hace bien en comenzar con instrumental de montaje y edición de sonido para que de ese modo el espectador inicie el visionado predispuesto a centrarse en el plano auditivo. Estupenda manera que logra que la película aparte de ser una propuesta desconcertante también consiga algo inusual y es que el público menos experimentado se fije en detalles que por lo general suelen pasarse por alto, como es la edición de sonido.

Explicación a un evento que me suena a algún episodio o cortometraje que he visto alguna vez y no consigo recordar. No obstante es original la gestión que se hace del clímax, tranquilo, pero clímax. Bien es cierto que la película podría haber terminado en varios instantes, por ejemplo, la escena de la cafetería que culmina en el cine me parece un momento precioso que podría haber servido para dejarnos con un memorable final.

Comentado por Furanu.

 ‘The innocents’

Quería ver esta película por el éxito que tuvo en Cannes y por la cantidad de entradas que se vendieron en este Sitges. Y no me arrepiento de haber cogido una película de la cual no había leído ni la sinopsis, solo dije, el cartel está guay.

¿Qué hacen los niños cuando los adultos no están? Es lo que podría resumir a esta película, donde cuatro niños con ciertas habilidades, quedan por las tardes a jugar. La película habla de la inocencia de los niños, pero también de cómo se termina, de la amistad y del odio. De cómo un niño maltratado termina yendo por caminos que no debería.

Me venía a la cabeza el personaje de Tetsuo de ‘Akira’, un chaval perdido que logra una habilidad que él piensa que controla y se le va de las manos. No es igual, pero me ha venido bastante a la cabeza esta similitud.

El reparto infantil me parece espectacular, todos ellos están de maravilla, con unos personajes muy bien definidos y que bordan cada uno con su dificultad. Eskil Vogt logra un trabajo increíble dirigiendo a estos niños que como he dicho, están estupendos.

La película es pausada, pero la verdad es muy amena, te cuenta todo despacito, pero es necesario para comprender lo que estás viendo.

Pronto tendréis una crítica más extensa, pues llegará a cines próximamente.

Comentado por Vicky Carras.

 ‘Belle’

Maravillosa revisión de un cuento conocidísimo que ha tenido otras muchas versiones y ninguna tan acertada como esta o por lo menos no también actualizada. Y para más inri es capaz de sumar valores a la historia incluyendo una trama y personajes que si bien prolonga el filme a su vez lo enriquece. Desde luego supera con creces cualquiera de los remakes hechos por Disney hasta la fecha.

Gran nivel de diseño de personajes, movimientos y entornos, con todo ello logran meterte de lleno en la red virtual que se han inventado. Con el sello de calidad que supone prácticamente siempre la animación japonesa nos trasladamos a un mundo digitalizado. Una red social capaz de albergar avatares a los que los usuarios pueden vincularse de una manera altamente sensitiva. Hablando de una red social es obvio que se refleje como todo el mundo aprovecha el anonimato para comenzar una vida al margen de la realidad o simplemente para convertirse en trolls vomitivos.

Una película capaz de ensalzar muchos valores, entre ellos el de los actos que nos hacen madurar o la capacidad de comprender los sentimientos ajenos. La inteligencia emocional está a la orden del día y a pesar de tener una sociedad supuestamente avanzada sumergida en las pantallas de sus móviles y en videojuegos de vanguardia aún requerimos educar a nuestro cerebro y nuestro corazón de manera más humana, sobre todo para que no sucedan casos como el que toca en su final. Y para quien quera acción hay también una buena ración que nos lleva a una trama un tanto superheróica. Sin duda la mejor película de Mamoru Hosoda.

Comentado por Furanu.

‘The medium’

Dicen las habladurías que en oriente ha tenido que proyectarse esta película con la luz encendida del miedo que daba. Pues siento ser yo quien os baje el hype ante toda la expectativa de esta película, pero… no da nada de miedo. ‘The medium’ es una película que nos venden como documental pero que en cuanto vemos lo bien que están microfonados los extras, el cómo se reproducen los cámaras como esporas para grabar lo que les pasa a los otros cámaras o el cómo se comportan los personajes ya nos damos cuenta de que todo es una farsa. Y ya ni te digo con los textos de los carteles que nos van apareciendo durante el metraje.

Larga, muy larga historia sobre la herencia y el folclore tailandés. Ojalá esa mezcla de tradiciones y transmisión generacional nos hubiese llevado a un filme como ‘Hereditary’, pero este filme evoca a otras producciones y lo hace de un modo bastante amateur. Podemos extraer dos o tres escenas que si están bien logradas, el resto es llevar a los presupuestos y maneras de la región películas como ‘Paranormal activity’, ‘El exorcista’, ‘[REC]’… Títulos que son buenos referentes pero que hay que saber cómo introducir.

Quizá para las gentes de Tailandia, Corea o dónde se haya proyectado lo que se muestra en pantalla da miedo, probablemente por como conecta con sus raíces. No dudo que en aquellas culturas se lleven a cabo rituales como los aquí mostrados, pero me niego categóricamente a creer que algunas de las escenas aquí montadas sean ciertas.

Comentado por Furanu.

‘The scary of sixty-first’

Dos compañeras de piso descubren los oscuros secretos de su nuevo piso en el Upper East Side, y una de ellas comienza a parecer poseída por los espíritus de las víctimas del pedófilo multimillonario Jeffrey Epstein.

Ya con solo la sinopsis podéis daros cuenta que la película normal no es. Es sin duda la película más bizarra que voy a ver en Sitges. Si, lo sé, me quedan un montón de días, pero es que se que no voy a ver nada más raro en lo que estoy de festival.

La película es rara de narices, las actuaciones de vergüenza y el tema del rodaje… en fin. Planos borrosos desde el comienzo de la cinta, que yo pensaba que era la proyección, pero no, es que la película es así.

Está dirigida por una de las protagonistas de la cinta y guionizada por dos de ellas y vale, la sinopsis a la que la lees puede llamar la atención, es más, por eso es de las películas que me cogí, pero madre mía. No lo niego, me he reído un montón, pero si que es cierto que la veo más para un festival como CutreCon, sin duda iba a dar mucho juego.

Comentado por Vicky Carras.

‘Freaks out’

El director de ‘Le llamaban Jeeg Robot’, Gabriele Mainetti pasa de ese filme de superhéroe de estar por casa a una historia de horrores: los de la II Guerra Mundial y los de las anomalías que sufren los miembros del circo de Israel. Así sería el clásico ‘Freaks’ de haberse ambientado en 1943 y rodado en Italia en clave de drama, humor y acción.

Entra por razones obvias dentro de los géneros que trata el festival pero además se alinea con el leitmotiv de este año ya que uno de los protagonistas está cubierto todo de pelo como si fuese un hombre lobo. Junto a él una eléctrica mujer, un escupe bichos, un enano magnético… Y de un modo que no os voy a adelantar, el futuro, nuestra realidad en el siglo XXI, también es un personaje más.

Película rara y bien rodada. Un galimatías que bien podría llamarse ‘La liga de los hombres estrafalarios’, tiene su villano a lo Moriarty y todo. Y las ideas locas no hacen más que aparecer, por eso veréis un ejército de partisanos tullidos, un cubo de Rubik adornado con la esvástica o el símbolo nazi recreado por una tropa de cucarachas o en forma de confeti. Y esos son detalles poco raros, porque a veces pone un pie en ‘Malditos bastardos’ y otras en una película de orígenes de los X-Men.

Por momentos es épica y muy habitualmente grotesca. Bien podría haber sido un episodio de ‘Dr. Who’ o de ‘Doom Patrol’. No se puede negar que es una bizarrada, pero es lo que tiene Mainetti, que hace películas tan simpáticas y con una belleza oculta que son irresistibles. Un relato sobre los oprimidos y desplazados que os recomiendo.

Comentado por Furanu.

Diario de Sitges 2021. 11 de octubre

Disfrutando a lo grande con ‘Barbeque’, ‘Más allá de los dos minutos infinitos’, ‘Lamb’ y ‘Where is Anne Frank’

Muy buenas sorpresas en el día de hoy. Lo bueno de la jornada han sido las expectativas cumplidas por parte de ‘Lamb’ y la preciosa película de animación ‘Where is Anne Frank’. También se ha verificado la buena salud del cine japonés en lo que se refiere a mezclar argumentos fantásticos y humor, como fue el caso de ‘One cut of the dead’ también en Sitges. Igual que sumamos otra comedia francesa para recomendaros, la francesa y sangrienta ‘Barbaque’. Y nos llevamos otra bajo el brazo para recomendaros pues nos ha entusiasmado ‘The execution’, un thriller ruso que comentamos junto a las demás vistas durante el día de hoy.

En el apartado de películas que no nos han suscitado mucha euforia está la nueva entrega de la saga ‘Halloween’ o el documental ‘Users’. Un poco más entusiasmados hemos terminado de ver ‘The boy behind the door’. Desde luego no os recomendamos ‘Knocking’.

‘Halloween kills’

En 2018 se estreno uno de los regresos más esperados para los fans del terror y es que ‘La noche de Halloween’ volvió a la gran pantalla junto a sus protagonistas.

Con ‘Halloween Kills’ nos encontramos ante la secuela de ésta parte, la cual, justo comienza después de todo lo sucedido en ‘La noche de Halloween’. A parte de llevarnos al pasado y contarnos un poco más de la historia de Haddonfield con su leyenda del “hombre del saco”. He de reconocer que estos saltos al pasado me han gustado bastante, están muy entretenidos y también dan más chicha a la historia.

Pese a que no me entusiasmo demasiado ‘La noche de Halloween’, si que tuvo momentos buenos. Esta me ha convencido mucho más. Más violenta y sangrienta. La película nos da muertes muy divertidas. Pero, si que es cierto, que tiene muchos ratos absurdos y la hay partes de la película que pierde bastante.

Nos intentan mostrar lo que puede hacer el miedo, como puede crear un caos innecesario y convertirnos en verdaderos borregos, hasta el punto de llegar al asesinato.

Pero termino quedándome con lo bueno, lo entretenida que es, las muertes salvajes que vemos y también lo divertido de sus diálogos absurdos. Pronto tendréis la crítica extensa de esta película en nuestra web.

Comentado por Vicky Carras.

‘Lamb’

El nombre de la película me ha recordado a La lambada, aquel baile movido, pegajoso y animado que se hizo famoso en el 89. La película de Valdimar Johannsson es todo lo contrario. En vez de una fiesta supone un relato sobre el duelo que mantiene un matrimonio formado por Noomi Rapace y Hilmir Snær Guðnason. Un filme pausado, tranquilo, solitario, sin jolgorio. Pero todo esto que puede sonar aburrido está compensado con el contenido, pues la película y su simbolismo transmiten mensajes valiosos. La paternidad y la aflicción son el eje del filme.

Casi sin diálogos, hemos de entender a los protagonistas de igual modo que comprendemos a los animales, a través de sus actos. Y esto me lleva también a lo excelentemente bien que está reducida la película a lo básico. Con poco le basta a este filme para contar lo que pasa. También nos lleva a un lugar que usa de pasada algún componente religioso (María, el cordero, el nacimiento…) pero que tiene un objetivo que se puede asociar más a un sentido de la realidad que viene a decirnos que no somos nada ante la evolución de la vida y los designios de la naturaleza.

Para contarnos todo esto se recurre a la excentricidad de ver a una niña con cabeza de cordero. Pero esto tiene su sentido, no como sucede por ejemplo con la también proyectada en Sitges, ‘Titane’. Este es un filme que por mucho que parezca fantasioso o surrealista tiene bastante de naturalista. Y la historia además está acompañada de un marco incomparable, que no funciona solo por el hecho de estar localizado en la siempre imponente Islandia. La composición de planos respalda la traslación al mundo campestre, que pese a ser bonito muchas veces es crudo y duro, en el caso de ‘Lamb’ también desconcertante y cómico.

Es un curioso cuento con apabullantes paisajes. Dispone de algunos planos excesivamente largos pero son pocos y su discurso está tan bien desarrollado que nos aportan. Cine mayúsculo, con intencionalidad, con arte y con sentimiento.

Comentado por Furanu.

‘Where is Anne Frank’

En la casa-museo de Anne Frank se encuentra su famoso diario. De él, en una noche tormentosa, sale Kitty, su amiga imaginaria y a la cual le relata su vida. Kitty, quiere conocer el destino de su amiga y porque en casa no se encuentra nadie de la familia.

A través de los ojos de esta niña vamos conociendo parte de la historia de Anne Frank. Como les iban quitan libertades a los judíos, toques de queda y hasta la obligación de abandonar sus hogares cuando a ellos les pareciese. Como tuvo que huir y vivir en un escondite durante años para que no les llevasen a un campo de concentración. Pero no solo vemos lo malo, también vemos a una niña crecer, de una manera distinta, pero si que con las mismas ganas. Sus peleas con sus padres, la rebeldía según avanza en edad, su primer amor y también la tristeza de no poder salir.

Es una manera muy bonita de adentrar a los más jóvenes en esta historia que todos los niños deberían de leer. Pero tiene mucho más, explicándonos la vida y sentimientos de Anne, conocemos que en la actualidad hay niños que son obligados a salir de sus países por las guerras y al final terminan siendo refugiados en los distintos países, “estorbando”. Una gran lección para nuestros pequeños y que vean que el mundo no es solo color de rosa.

Si sois de lagrima fácil, os aseguro que os va a salir, porque la verdad que aunque todos conozcamos el desenlace de Anne, la película es muy emotiva.

Comentado por Vicky Carras.

 ‘Más allá de los dos minutos infinitos’

Dos minutos es lo que puede aventajar a los acontecimientos un empleado de un restaurante al descubrir que se ve a sí mismo en el futuro a través de la pantalla de su ordenador y dos en el pasado a través de un monitor de su establecimiento. La verdad es que cuando los japoneses se comen el coco para ser originales y divertidos con algún elemento complejo son insuperables. En concreto aquí juegan con las paradojas temporales y consiguen una narración muy loca que podría formar parte de un anime disparatado.

Se une a películas tipo ‘Frequency’, ‘Dejavu’, ‘Los cronocrímenes’ ‘Next’… pero como he comentado con el humor como herramienta. Simpatiquísima película que nos conquista con una duración más que modesta y moderada, una hora y diez minutos que de haberse alargado quizá habría pecado en errores. Estupendo control del racord y del tiempo fílmico, pero sobre todo de la coreografía. Y es que además para rizar el rizo, emulando a sus compatriotas, también tremendamente ingeniosos de ‘One cut of the dead’, juguetean cámara en mano con planos secuencias. Toda encaja sin que percibamos ni un solo artificio, como una obra de teatro ensayada una y otra y otra vez hasta alcanzar la perseguida cuadratura del círculo. El trabajo de planificación de movimiento de cámara y el de generación de vídeos para las pantallas es tremendo.

¿Qué te dirías a ti mismo si pudieses enviarte un consejo dos minutos antes o dos minutos después del instante en el que vives? Aquí te dan unas cuantas ideas muy locas que van más allá de decirte qué saldrá en el próximo boleto de la lotería.

Comentado por Furanu.

’Barbaque’

Barbaque’, una película de la que no me esperaba absolutamente nada y me ha alegrado el día. Un matrimonio en horas bajas, que trabaja en una carnicería, en horas mucho más bajas, consigue una nueva carne que va a volver loco a todo el pueblo en el que viven.

Qué maravilla, con un humor bastante negro, vamos viendo las peripecias de estos dos personajes que nada tienen que perder en su vida y que de repente han encontrado algo que les da vida y dinero.

Solo espero que la estrenen pronto en salas, porque aunque sea de género, esta sí que es una de las comedias francesas del año.

Los personajes son muy turbios y a la vez entrañables, llegas a cogerle bastante cariño, pese que sabes que lo que están haciendo está mal.

Dirigida por Fabrice Eboué y también protagonizada por él y por Marina Föis. Hacen una pareja increíble en pantalla y os van hacer reír un montón.

Solo os puedo decir que vais a salir con mucha hambre, todos los platos que cocinan tienen una pinta tremenda, siempre y cuando no seáis veganos claro.

Comentado por Vicky Carras.

‘Knocking’

Suecia nos ofrece un drama de suspense, de esos psicológicos que buscan ejemplificar lo que pasa por la mente de una persona con problemas de salud mental. Y el filme consigue hacerse a la idea y que nos hagamos a la idea de qué es lo que sucede en la cabeza de alguien que sale de un psiquiátrico e intenta reinsertarse.

Más allá de eso pretende generar una historia en la que pasa algo desconcertante: que la protagonista oye ruidos en su piso nuevo, pero nadie más los oye o reconoce ser el artífice. No hay spoiler alguno en decir todo esto pues es lo que nos plantean nada más empezar, es el punto de partida. No hay intriga alguna y eso provoca que, aunque haya juegos interesantes de sonido y cámara la película aburra. El título alude a los ruidos que desquician a la protagonista interpretada por Cecilia Milococo pero también a esa llamada a la puerta o retorno de los recuerdos, dolor u obsesiones. Muy buena idea, pero excesivamente estirada.

Comentado por Furanu.

‘The execution’

Desde Rusia nos llega una película de esas que podríamos decir que emulan los grandes éxitos detectivescos de Hollywood, pero quizá por cercanía o por lo fan que soy de esa saga, me ha recordado más a ‘Los casos del departamento Q’.

El filme de Lado Kvataniya es de esos que entran dentro de un festival de cine de terror por el miedo que dan sus personajes, psicológicamente dañados. Este thriller es de esos que tienen mucha demencia, que vienen cargados de gritos de locura y desesperación.

Es un filme de investigación oscuro, sucio, que se va hasta el punto de lo personal. Una historia bien desarrollada a lo largo de diez años (del 81 al 91) en la que no hay que atrapar, sino desquiciar a un asesino en serie para poder demostrar su culpabilidad. Un criminal con sus ritos, crueldades y taras mentales.

La película refleja bien el toma y daca entre el asesino y los detectives, así como el desgaste que causa en ellos. Todo para desembocarnos a un trágico final, no innovador, pero si bien ejecutado.

Comentado por Furanu.

‘Users’

El otro día reflexionaba con mi pareja sobre como ponemos nuestra vida en manos de las máquinas día a día al subirnos a un ascensor, montar en un coche o avión, comiéndonos productos envasados por robots… La Influencia de las tecnologías en la vida de los seres humanos es el foco de ‘Users’. Me parece muy apropiado que para la proyección de esta película hubiese una zona en el cine destinada solo a estudiantes.

Espacio para documental, para la parte predictiva que tantas películas de ciencia ficción tienen. Reflexión sobre cómo nos puede beneficiar la tecnología optimizando nuestro entorno y actividades pero también como altera el planeta que nos vio nacer. Como si fuese una advertencia para que no lleguemos a los extremos del Los Ángeles de ‘Blade Runner’, el Coruscant de ‘Star wars’ o los desiertos de chatarra de ‘Wall•e’. Todo suena a esas películas distópicas que muestran que somos usuarios de un planeta y que a veces el alcanzar mayor cantidad de comodidades hace que seamos menos humanos.

La película de la mexicana Natalia Almada cuenta cosas que son vox populi: nacimientos a la carta, un negocio de petróleo que agoniza, kilómetros de datos digitales atravesando océanos… Pero aunque suena a sermón repetido marca la diferencia aplicando un estilo más contemplativo. Almada es también fotógrafa y se regodea en sus imágenes tanto tiempo que parece que ha hecho el filme con Iñárritu. Hay que reconocerle buenos símiles, como el que enlaza el white noise con el oleaje del mar o el que llama úteros a las máquinas que conservan óvulos fecundados artificialmente durante 5 días. Quizá esa hechura sea la que le valió un premio en el último festival de Sundance.

Comentado por Furanu.

 ‘The boy behind the door’

Un niño secuestrado es el protagonista de esta película. Pero ojo que a pesar de tener un protagonista infantil la cinta no se anda con chiquitas ni para sus giros ni para su violencia. Se dice mucho eso de que los niños de ahora están muy insensibilizados por culpa de la violencia de los videojuegos y la televisión pero esta película aboga por una apuesta diferente. Esta es la historia de unos buenos muchachos que tienen que convertirse en algo que jamás deberían ser, supervivientes.

Hay dinero para destrozar una puerta haciendo un guiño a ‘El resplandor’ pero el presupuesto es inversamente proporcional al ritmo que tiene. Película sencilla que nos lleva con mucha agilidad por la desventura de este muchacho que intenta escapar de sus captores. Chapó por el niño protagonista (Lonnie Chavis) en un papel la mar de atípico y truculento para su edad.

Cuando eres un niño ¿qué te puede dar más miedo que quedarte solo en un sitio desconocido, a merced de unos adultos también desconocidos y encima sin poder salir corriendo porque dejas atrás a un amigo? Os contado que el protagonista intenta huir pero hay otro muchacho encerrado que no tiene la suerte que ha tenido él al encontrar una oportunidad escape. La película se basa en el subterfugio y en el objetivo de que ambos chiquillos puedan salir ilesos. Los directores hacen que sufras por ellos y más aún si tenéis, hijos sobrinos…

Comentado por Furanu.

Diario de Sitges 2021. 10 de octubre

Un día de juegos

El día de hoy ha sido una vuelta al pasado. Con las nuevas versiones de ‘Historias para no dormir’ hemos arrancado una jornada que ha tenido alguna que otra sorpresa en forma de nostalgia. Hemos vuelto a aquellas historias juguetonas en las que Chicho Ibáñez Serrador nos proponía narraciones fantasiosas, misteriosas y terroríficas.

Además también hemos descubierto como entre las actividades del festival había un stand de ‘El juego del calamar’ y entre las películas que hemos visto nos hemos topado con otros juegos, como el de la ouija que se juega en ‘Seance’. Pero la gran sorpresa ha llegado con la atmósfera del ‘Caveat’, sin duda trabajadísima y de lo mejor de la jornada.

‘Caveat’

La opera prima de Damian Mc Carthy parte de una escena en la que la niña protagonista usa un desastrado conejo tamborilero de juguete como medidor geiger. Hay que señalar que literalmente “caveat” es advertencia en inglés. Un hombre en horas bajas con problemas de memoria acepta el encargo de cuidar a esa niña cuyo padre ha muerto dejándola sola en una ruinosa casa en medio de una isla donde Cristo perdió el mechero. Pero va advertido, la niña tiene problemas mentales y la madre desapareció hace meses, antes del suicidio del padre. Y el que avisa… no es traidor, si no omite nada… porque hay una condición extra que… tela.

Un amigo necesitado de dinero, un encargo de vigilante, una casa que da escalofríos… todo eso me recuerda a ‘The vigil’. Y un poco es así, ya que el personaje protagonista está encerrado en una casa al cuidado de alguien que no parece precisamente amigable o en sus cabales. La película sabe inquietar y planear enigmas. El mencionado conejo solo es un elemento más de una película que, aunque se duerme en algún momento nos deja con el alma en vilo.

Un escape room indudablemente británico pero que bien podría haber sido nipón. Y esto es debido a que no se fundamenta en sustos, sino en una atmósfera que rechaza a todo aquel que se sumerge en ella. Sencilla propuesta que seguro que consigue seguidores allá donde se proyecte.

Comentado por Furanu.

‘Seance’

Dirigida por Simon Barrett (guionista de ‘The Guess’) nos vamos un internado de muchachas donde sucede un suicidio después de un intento de invocación. Al poco de esto, ingresa una alumna nueva que tiene demasiado que esconder. Típica película slasher con sorpresa final.

¿Me ha gustado? He de decir que no, me ha parecido demasiado predecible, aunque hay un giro final que no te esperas, pero que es tan ridículo que termina de fastidiar lo poco que quedaba pasable de la película.

Fantasmas, adolescentes fastidiándose unas a otras pese a que supuestamente están en el mismo bando, es decir, en el bando de tenemos que luchar juntas porque si no nos van a matar. Hay momentos tan absurdos en ‘Seance’ que hacen que la película deje de interesar desde muy al principio. Una pena, porque he de decir, que primera escena con la que comienza todo, me pareció original.

En el reparto Suki Waterhouse (‘Nación salvaje’), Medisen Beaty (‘Erase una vez enHollywood’), Inanna Sarkis (‘After. En mil pedazos’), Ella-Rae Smith (‘El pasajero’), Stephanie Sy (‘Nadie’), Djouliet Amara (‘Riverdale’), Jade Michael (‘Hunters hunters’), Seamus Patterson (‘Books o Blood’) o Marina Stephenson (‘El día de la bandera’) entre otros.

Comentado por Vicky Carras.

‘Historias para no dormir: la broma’

He de decir que este episodio de Rodrigo Cortés es el más flojo de los cuatro que tiene la serie y que se han proyectado en el Festival de Sitges. El director nos plantea un thriller más que una historia de terror o de fantástico.

Una propuesta de suspense, humor cargante y traiciones. El episodio se desarrolla con solo tres personajes interpretados por tres grandes nombres. Nathalie Poza, Eduard Fernández y Raúl Arévalo. Pero pierde fuelle tras una torpe escena de lucha a bordo de un coche y cuando llegamos a su final.

En esta historia un empresario, de esos que prodigan que se han construido a sí mismos, tiene amargados a sus empleados y familiares con constantes bromas pesadas y ya ni por el sueldo le bailan el agua. Entre su mujer y su empleado de confianza forman un triángulo lleno de tensión y desconfianza que desemboca en una serie de puñaladas.

Este capítulo no es de terror pero si de personas que juegan al límite. En algún momento recuerda a ‘Se lo que hicisteis el último verano’ pero sin slasher, con más intriga y nervios a flor de piel.

Quien ríe el último ríe mejor dice el dicho, pero a este episodio le pega más la frase de El Comediante de ‘Watchmen’: “Dije que la vida era una broma, no que la broma tuviera gracia”.

Comentado por Furanu.

‘Historias para no dormir: Freddy’

El tercer episodio de los cuatro de la nueva temporada de ‘Historias para no dormir’, nos lleva al rodaje de uno de los cuatro episodios que fueron la vuelta de esta serie de historias de terror de TVE, su vuelta en color además.

La original es la historia de un grupo de variedades en la que de repente están ocurriendo una serie de asesinatos.

En esta vemos el rodaje de aquel episodio, con un increíble Carlos Santos como el gran Chicho Ibáñez Serrador. Bailarinas, una vidente, un prestidigitador y por supuesto un ventrílocuo. El actor que representa a este ventrílocuo es bastante malo y Chicho decide cambiarle el muñeco para darle más confianza, así es como conoce a Freddy. Por supuesto, todo esto con terribles consecuencias.

Sin duda, es el episodio que más me ha gustado, Paco Plaza nunca me defrauda y nos regala imágenes bastante potentes que homenajean al giallo italiano.

En el reparto nos encontramos con Miki Esparbé, que la verdad está estupendo, su personaje evoluciona en muy poco tiempo y lo hace estupendamente. También tenemos a Adriana Torrebejano dando vida al amor de André.

Y aunque lo he dicho al comienzo, Carlos Santos, que me parece que está tremendo como Chicho y borda el papel.

También podemos ver a Almudena Amor ,Ismael Martínez, Enrique Villén o Maru Valdivielso.

Alberto Marini y Paco Plaza, crean una historia bastante macabra con un humor demasiado sórdido. Pero me ha gustado mucho la elección de esta historia, pues no la conocía y la verdad que después de ver este episodio me busqué el antiguo y lo disfruté bastante.

Una buena revisión sin duda de una de las historias más espeluznantes de la televisión.

Comentado por Vicky Carras.

‘Historias para no dormir: el asfalto’

Otra de las pequeñas sorpresas de ‘Historias para no dormir’ ha sido el episodio dirigido por Paula Ortiz. ‘El asfalto’, protagonizado por Dani Rovira, nos presenta a Baldo un joven trabajador que va en bici de un lado a otro repartiendo lo que le pidan, en un momento dado se queda atrapado en una calle.

Me ha parecido de lo más curioso, como se nos muestra la indiferencia de las personas hacia una desgracia ajena. El cómo, nos enseña, que no importamos a nadie y que sin duda uno de los grandes temores es acabar en el olvido y desaparece.

El episodio está muy bien rodado, creo que la parsimonia que presenta nuestro protagonista es muy de esta época, en la que esperamos que de una manera u otra algo salga sin hacer nada, ni una simple llamada a la policía.

Dani Rovira nos muestra esta tranquilidad al comienzo, para pasar a la desesperación. Nadie le ayuda, todo el mundo se toma a guasa lo que le ocurre y prefieren mirar a otro lado. También están los que, en vez de mirar a otro lado, están cerca para cotillear o lograr un notición de las desgracias de otras personas.

En el reparto encontramos también a Celia Freijeiro, Inma Cuesta o Gala Bichir.

‘El Asfalto’ da mucho que pensar, te deja un poco de bajón, porque en el fondo ves perfectamente a la humanidad reflejada en cada una de esas personas que van apareciendo al lado de Baldo.

Comentado por Vicky Carras.

‘Historias para no dormir: el doble’

Sorogoyen vuelve con una situación crítica para una pareja. Y digo que vuelve porque el argumento de este episodio nos plantea algo no muy alejado a lo planteado en su episodio pandémico de la serie ‘En casa’, titulado ‘Una situación extraordinaria’. Una pareja que aparentemente se encuentra en un momento dulce pasa a experimentar una profunda crisis y los otros participantes de este conflicto son una situación epidémica que conlleva confinamientos y dobles de personas.

Un poco al estilo de ‘Los sustitutos’ que protagonizó un Bruce Willis vemos como las personas pueden tener reemplazos que se ocupan de aquello de lo que no quieren enfrentarse en su día a día. Para ello desarrolla su propia versión de las leyes de la robótica de Asimov. Y es a su manera porque como sabemos Sorogoyen es muy bueno exponiendo debates en relaciones interpersonales y ha empleado este elemento de ciencia ficción para ilustrar como muchas veces evitamos afrontar la realidad o evitamos la parte conflictiva de tener pareja.

David Verdaguer y Vicky Luengo interpretan a la pareja en ciernes. Su historia se ambienta en una especie de futuro en el cual lo que se ha normalizado es que vivamos con mascarilla siempre que salimos a la calle y las casas estén extremadamente domotizadas. Consigue ser inquietante y desconcertante por momentos pero quizá lo más destacable qué habría que decir es qué este episodio lucha contra la vida artificial y distanciada, ya no solo el distanciamiento físico sino también sentimental hasta el punto de elegir qué queremos y qué no queremos experimentar o vivir, la insensibilidad de la vida selectiva.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Un segundo’

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Un convicto es enviado a un campo de trabajo en el desolado noroeste de China, durante la Revolución Cultural del país. Utilizando su ingenio, y con el único fin de ver a su hija, quien ha sido filmada en una película, logra escapar y huye en dirección al cine de un pueblo cercano. Allí espera encontrar esa cinta de película y hacerse con ella. Sin embargo, en dicho lugar se cruza con una vagabunda que está desesperada por conseguir el mismo carrete de película y que logra robarlo. Curiosamente, este enigmático objeto, que ambos anhelan por motivos muy distintos, se convertirá en la raíz de una inesperada amistad.

Crítica

Zhang Yimou se ha montado su propio ‘Cinema Paradiso’

La nueva película de Zhang Yimou seguro que aparece en todas las listas que reúnen films sobre hacer cine o sobre el amor al cine, como esta que podéis leer aquí. En el caso de ‘Un segundo’ se persigue un rollo de película con la mayor de las desesperaciones y diferentes motivaciones, pero es por la labor del proteccionista que creo que debería figurar entre las primeras posiciones de la temática.

Zhang Yimou se ha montado su propio ‘Cinema Paradiso’. Con su proyeccionista, sus proyectores gastados, sus espectadores embelesados… Elabora con tremendo cariño una cinta que respira amor por el séptimo arte y a la vez desarrolla un curioso discurso sobre la humanidad y la amistad. Memorables son muchas de las tomas que ha configurado, en especial aquellas que suceden tras la pantalla de cine y en el desierto, donde la brisa llega a arañar a unos solitarios fotogramas.

Quizá es tan buena mi impresión porque iba con la expectativa baja. Baja tras el chasco que fue ‘La gran muralla’ o en parte ‘Sombra’. Siempre me ha gustado el Yimou medieval, despuntando en su currículo ‘La casa de las dagas voladoras’, pero a partir de ahora me abriré más a sus otras ambientaciones, como la próxima ‘Cliff Walkers’. Que la inquietud del personaje llamado “Don Películas” sea transmitir a la plana mayor del partido que no tiene sucesor suyo para el cine ya nos dice cuánto se preocupa el director por su legado y el relevo generacional.

‘Un segundo’ nos lleva a la China de los 60, la de los campos de trabajo, la limpieza de Mao y la Revolución Cultural. La política siempre está ahí como telón de fondo (no olvidemos el bloqueo que el gobierno Chino impuso a este filme) pero sin ser el centro de atención, es solo una consecuencia de la estructuración social que experimentaban en provincias del país asiático. En un desértico escenario sometido a esas normas se mueven los dos protagonistas, un prófugo y una huérfana que se disputan un celuloide. Una relación que se desarrolla de manera plausible y que es capaz de enternecernos como las películas de antes.

‘Un segundo’ rebosa humor, pillería y romanticismo analógico. Siendo Zhang Yimou un director tan reconocido en China y laureado internacionalmente, es aún mayor agrado decir que esta es una de sus películas más humildes. Es un filme muy sencillo, que no necesita mayores artificios. De hecho con tres o cuatro localizaciones el director nos cuenta la historia. Aprovecha muy bien la escenografía para darnos una pequeña clase magistral de exhibición cinematográfica.

Sin tener relación y puede que tampoco conocimiento del cine de Berlanga y Cuerda, esta película de Yimou tiene mucho del entrañable ruralismo de películas como ‘Así en el Cielo como en la Tierra’ o ‘La vaquilla’. Desborda detalles campechanos y momentos simpáticos hasta tal punto que sus remembranzas y anhelos por la experiencia en la sala de cine sabe a puro recuerdo.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de octubre. Título original: Yi miao zhong (One second). Duración: 104 min. País: China. Dirección: Zhang Yimou. Guion: Zhang Yimou. Música: Loudboy. Fotografía: Xiaoding Zhao. Reparto principal: Zhang Yi, Fan Wei, Chang Haijun, Li Xiaochuan, Li Yan, Liu Haocun, Liu Yunlong. Producción: Huanxi Media Group, Edko Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://www.huanximedia.com/en#recent-works

Crítica: ‘Tokyo shaking’

En qué plataforma ver Tokyo shaking

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11 de marzo de 2011. El mayor terremoto que ha experimentado Tokio desencadena el desastre de Fukushima. Alexandra acaba de llegar al país procedente de Francia para trabajar en un banco y tiene que afrontar esta crisis nuclear.

Separada entre su trabajo y su familia, defenderá el honor y la palabra a pesar del terror y la ansiedad emergentes. “Un capitán nunca abandona su barco en plena tormenta”.

Crítica

Nueva visión acerca de otro de los jaques recientes vividos por la humanidad

Coincidiendo con plena crisis energética, porque la gran subida de precios en España es una crisis en toda regla, llega a nuestros cines ‘Tokyo shaking’. Las compañías eléctricas nos amenazan con cierres y cese de suministro ante avisos de regulaciones de las facturas que llegan a los ciudadanos y eso puede tener más consecuencias de las que pensamos. En el caso de la película de Olivier Peyon la situación es aún más crítica pues nos habla del parón y daños sufridos en la central de Fukushima por el terremoto y tsunami del 11 de marzo de 2011. Lo que quiero señalar con esta relación es que estamos a merced de la decisión de unas cuantas empresas y así lo demuestra este largometraje.

Nos trasladamos pues al tercer mes de 2011, cumplido el décimo aniversario del incidente. Pero la acción no transcurre a pie de campo, en las insstalaciónes de la central nuclear. El director francés nos emplaza a más de doscientos kilómetros de allí, en la sede del Crédit de France en Tokio. Y eso es porque más allá del accidente que todos conocemos bien nos quiere contar el comportamiento de quienes trabajan en tan millonarias empresas en un momento de extrema urgencia.

‘Tokyo shaking’ acierta al mostrarnos la frialdad de una entidad preocupada en no perder dinero en vez de garantizar los bienes de sus clientes e incluso preocuparse por sus vidas o la de sus empleados. Ese es el contexto mientras más y más el desastre de Fukushima a nivel humano va ganando presencia. Como con otras catástrofes los protagonistas presentan una resistencia inconsciente a creer que puede darse el horror, pero poco a poco todo se va reduciendo a la supervivencia y el miedo o la estoicidad de cada uno juegan su papel.

El miedo corporativo era aún mayor pues si hacemos memoria en aquel entonces se empezaban a ver recelosamente brotes verdes tras la crisis inmobiliaria. El terremoto no tambaleó solo Japón sino la economía global y nos mantuvo en vilo por el miedo a vivir otro Chernobyl. El filme capta muy bien el egoísmo, tanto corporativo como personal. El cómo cada uno mira solo por lo suyo incluso en situaciones de emergencia, algo que hemos podido comprobar en muchos casos con el jaque vivido en la pandemia del COVID-19.

Toda esta situación se cuenta a través de los ojos de una francesa en Japón. Directiva del grupo financiero Crédit de France, empresaria de moderado éxito que hace viajar a sus hijas por todo el mundo. Su papel llama la atención en Japón donde la mujer queda relegada al hogar en cuanto se convierten en madres. El filme también acierta con ese contraste, pero peca de la clásica arrogancia francesa cuando muestra otros detalles, como el hecho de tener una mini corte de servidoras. Cede el pulso en cuanto habla de una falsa superación del techo de cristal ya que la protagonista, interpretada por Karin Viard, realmente ejerce el único trabajo que le han permitido hacer y lo hace de buen grado, con sacrificio, casi por encima de su familia. Hace falta una amenaza de holocausto nuclear para que reaccione.

Finalmente, el personaje explota contra una serie de tropelías pero lo más enfocado en el filme es la duda a la hora de abandonar el barco, a costa de dejar atrás a merced de una posible muerte o acentuada depresión a aquellos que ha podido conocer en su primer mes en Japón. Lo bueno del personaje de Viard es cómo muestra la dificultad de la toma de decisiones, las encrucijadas en las que se puede ver metida. Entran en juego asuntos personales, raciales, culturales… Elementos bastante fuertes que, aunque no se analizan con mucho compromiso, si se tratan sin pasarlos por alto.

Hacía Mucho que no veía una película de terremotos, viendo los edificios tambalearse. Aquí no tenemos un temblor espectacular, aunque si un sonido lo bastante bien recreado como para tener unos instantes de terror. Obra por cierto del belga Marc Engels, fallecido por el COVID-19 en 2020 y a quien le dedican en filme en los créditos. Y al igual que en otras películas de catástrofes tenemos también un coloso en llamas, uno figurado, el de la economía mundial. El filme no da datos pero si habla de cómo se cubren las espaldas las grandes compañías para tener las mínimas pérdidas cuando todo se va a pique, incluso cuando es el mundo el que corre peligro. Una perspectiva que nos deja a los hombres de a pie en calzoncillos. El tono podría haber sido más alarmista, pero es comedido. De hecho lo que más nos deja sin aliento son las imágenes reales del tsunami, pero el filme solo injerta un minuto de esto en su metraje total. ‘Tokyo shaking’ se queda por lo tanto lejos de la calidad y el vértigo de otros ejemplos catastrofistas como el de su compatriota ‘El colapso’.

‘Tokyo shaking’ nos deja con un triste final, cuyo resultado dependerá de lo bueno que sea vuestro recuerdo o vuestras ganas de googlear el desenlace de la historia o la gestión de la dañada central Fukushima.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de octubre de 2021. Título original: Tokyo shaking. Duración: 101 min. País: Francia. Dirección: Olivier Peyon. Guion: Cyril Brody, Olivier Peyon. Música: Manuel Roland. Fotografía: Alexis Kavyrchine. Reparto principal: Karin Viard, Stéphane Bak, Yumi Narita. Producción: Les Films du Lendemain, Wild Bunch, Scope Pictures, Canal+. Distribución: Alfa Pictures. Género: drama. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/tokyo-shaking/

La segunda temporada de ‘EVIL’ llega este 18 de octubre

SYFY continúa contándonos este debate entre ciencia y religión

SYFY, el canal de la ciencia ficción, nos comunica que estrenará la segunda temporada de ‘EVIL’ el próximo 18 de octubre y que lo hará emitiendo un doble episodio. Además sabemos que la temporada 2 contará con un total de 13 episodios. Si aún no habéis visto esta serie y queréis poneros al día os gustará saber que la temporada 1 está disponible al completo en todos los operadores (Movistar, Vodafone, Orange, Virgin, Euskaltel, R y Telecable).

La segunda temporada de ‘EVIL’ llega a SYFY el lunes 18 de octubre y cada lunes se estrenarán nuevos episodios en exclusiva en SYFY España. ‘EVIL’ es un thriller psicológico que analiza los orígenes del mal y la contraposición entre ciencia y religión. Los protagonistas son una psicóloga escéptica, un seminarista y un experto independiente que investigan el archivo de misterios sin resolver de la Iglesia: supuestos milagros, posesiones demoniacas y otros fenómenos inexplicables. Su objetivo será evaluar si existe una explicación lógica o si estos hechos se deben realmente a causas sobrenaturales.

En la segunda temporada el mal acecha más que nunca. Kristen se enfrenta a su lado más oscuro, David siente la tentación según se va aproximando su ordenación y Ben sufre terrores nocturnos que se alimentan de sus mayores miedos.

‘EVIL’ está protagonizada por Katja Herbers, Mike Colter, Aasif Mandvi, Michael Emerson, Christine Lahti, Kurt Fuller, Brooklyn Shuck, Skylar Gray, Maddy Crocco y Dalya Knapp. ‘EVIL’ es una producción de CBS Studios en asociación con King Size Productions. Robert King, Michelle King, Liz Glotzer, Rockne S. O’Bannon y Nelson McCormick participan como productores ejecutivos. La distribución internacional de la serie corre a cuenta de ViacomCBS Global Distribution Group.

A continuación tenéis disponible el tráiler, con sus monstruos y protagonistas totalmente presentes.

Crítica: ‘Un hombre lobo entre nosotros’

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Después de que la construcción de un gasoducto cree divisiones dentro de la pequeña ciudad de Beaverfield, y una tormenta de nieve atrape a sus residentes dentro de la posada local, el guardabosques recién llegado Finn (Sam Richardson) y la empleada postal local Cecily (Milana Vayntrub) deben tratar de mantener la paz y descubrir la verdad detrás de una misteriosa criatura que ha comenzado a aterrorizar a la comunidad.

Adaptación del videojuego de Ubisoft.

Crítica

Una lobera de casualidades

Si os gustan las comedias de terror y las películas con muchos personajes esta puede ser una propuesta estupenda para ver, en este caso desde casa ya que Diamond Films ha incluido ‘Un lobo entre nosotros’ entre los estrenos que está dirigiendo directamente a Amazon Prime Video.

No es de extrañar que esta película haya pasado por el festival de Sitges. Ya no es solo porque el leitmotiv de este año eran los licántropos u hombres lobo, sino porque por el festival de cine internacional de terror de la ciudad catalana se suelen ver propuestas tan divertidas y juguetonas como esta. Y no digo juguetonas porque se diviertan trastocando un mito del terror como es el hombre lobo, sino porque también la cinta se basa en dos juegos.

Esta es una producción de Ubisoft que ha pretendido trasladar su juego de realidad virtual al cine. ‘Werewolves Within’ es el título original del juego digital que junta a jugadores online y les invita a asumir roles, entre ellos el de hombre lobo. La mecánica consiste en que a través de pesquisas, mentiras, acusaciones o debates hay que localizar al hombre lobo, antes de que este acabe con la vida de todos los aldeanos. Quizá os suene este juego si sois más de tablero pues todo proviene del divertido juego de cartas ‘Lobos de Castronegro’.

Ciertamente es más divertido ponerse con los amigos a jugar a estos juegos, pero la propuesta de ‘Un lobo entre nosotros’ no se queda muy atrás. Nos trasladamos a un pueblo nevado en el que los ciudadanos debaten si permitir una nueva explotación que les traerá dinero pero un fuerte impacto ambiental. Allí llega un nuevo sheriff (Sam Richardson), a conocer a un pintoresco reparto de lugareños y a intentar aclimatarse.

El problema, obviamente, llega cuando se quedan atrapados por una avalancha y comienzan las muertes. Josh Ruben junto a la guionista Mishna Wolff (todo muy de lobos) desarrollan una comedia llena de patetismo y muertes sanguinolentas. Sin ser un thriller de misterio si consigue que en determinados puntos nos pongamos a dilucidar quién es el malo. El sabor que te deja esta corta historia es de haber visto algo ameno, divertido, sin grandes pretensiones y metiéndote ganas de ser el hombre lobo de la historia.

¿Queréis otro gancho? En este filme trabaja Harvey Guillen, el adorable y letal Guillermo de ‘Lo que hacemos en las sombras’.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de octubre de 2021. Título original: Werewolves Within. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Ruben. Guion: Mishna Wolff. Música: Anna Drubich. Fotografía: Matt Wise. Reparto principal: Sam Richardson, Harvey Guillen, Milana Vayntrub, Cheyenne Jackson, Michaela Watkins, Sam Richardson, Glenn Fleshler, Harvey Guillen, Sarah Burns, Michael Chernus, Wayne Duvall, George Basil, Rebecca Henderson, Catherine Curtin, Anni Krueger. Producción: Ubisoft Film and Television, Ubisoft, Vanishing Angle. Distribución: Diamond Films (Amazon). Género: comedia, terror. Web oficial: https://www.ifcfilms.com/films/werewolves-within

Crítica: ‘Las leyes de la frontera’

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Nos traslada al verano de 1978, Nacho Cañas, un estudiante introvertido y algo inadaptado, tiene diecisiete años y vive en Gerona. Al conocer al Zarco y a Tere, dos jóvenes delincuentes del barrio chino de la ciudad, empieza a formar parta de “la banda del Zarco” que le lleva a vivir una carrera imparable de robos y atracos que se prolongará durante todo el verano y que cambiará su vida para siempre. ‘Las leyes de la frontera’ es la historia del verano en el que Nacho experimentó el primer amor y se hizo mayor, transgrediendo constantemente la frontera entre dos mundos, cruzando la línea que hay entre el bien y el mal, entre la justicia y la injusticia.

Crítica

Un regreso magnífico al cine quinqui

Antes que nada he de decir, por si me empiezo a ir por las ramas, ¡qué bien dirige Daniel Monzón y qué bien escribe Jorge Guerricaechevarría! A partir de la traslación a cine de novela del cacereño Javier Cercas nos llevan a los años de la transición, pero poniendo el foco en la vida cotidiana, una vida en la que cada día hay que sobrevivir como sea.

Efectivamente, la sanción real de la constitución del 78 y la fumata blanca de Juan Pablo II están presentes, pero a donde nos lleva la película es a las calles de Gerona. ‘Las leyes de la frontera’ es una película de barrios. Nos devuelve al cine quinqui, ese que nos hizo conocer y empatizar con personajes como El Vaquilla, Urko o El Torete. Es como si José Antonio de la Loma y Eloy de la Iglesia hubiesen regresado.

Bien es verdad que no hay tanta vileza y suciedad pero ‘Las leyes de la frontera’ igualmente es un filme de jóvenes sin rumbo, leales e incluso nobles, simpáticos, gamberros, bromistas, vividores… También de drogainónamos y delincuentes, buscavidas que hacían lo que fuese para poder sobrevivir o sobreponerse a las miserias de su vida. La película está estupendamente bien ambientada pero es sobre todo por su jerga y sus apodos que nos devuelve a aquellos años y al Barrio Chino de Gerona.

Pero para que sobrenombres como “gordo”, “piernas” o “chino” funcionen los actores tienen que saber cómo hablar y entonar términos como “hierro”, “pirula” o “palos”. Solo de ese modo podrán parecerse a aquellos que no eran los abusones de las aulas, sino que ni siquiera las pisaban. La banda de Zarco consigue ser realista e incluso entrañable gracias a que todo el reparto, protagonista y secundario, calva esas maneras de ser, en especial Xavier Martín, Begoña Vargas y Chechu Salgado. El protagonista innegable es Marcos Ruiz como el joven Nacho, pero él no es un quinqui, es simplemente quien nos sirve de vehículo para regresar a este pasado. Su personaje evoluciona, va asimilando el mundo en el que se sumerge, pasando de ser víctima de los chulitos de su barrio acomodado a un criminal. Muy bien llevada esa evolución por parte de Marcos Ruiz y por Javier Beltrán que hace brevemente de su personaje con unos años más.

Para mí el título de este filme no se debe solo a la proximidad geográfica de Gerona con Francia. Nos habla de las líneas rojas que va sobrepasando el protagonista, desde la pillería de sacar una partida gratis en los recreativos hasta llegar a huir a tiros de la policía. Nos habla de una nueva época, sin una represión dictatorial y con más descaro ante la ley, del descubrimiento de las bandas en Cataluña. Casi siempre que Monzón ha dirigido Guerricaechevarría ha estado ahí, como fue el caso de la vibrante ‘Celda 211’ o la intrigante ‘La caja Kovak’. Con ‘Las leyes de la frontera’ lo vuelven a lograr pues consigue convertirnos en uno más de la “banda del Zarco” y además regresar a esos tiempos mozos en los que teníamos que decidir si queríamos seguir siendo el pringado de turno o traspasar las normas de nuestras casas, barrios o juzgados.

‘Las leyes de la frontera’ no puede negar ser una historia de amor, pero también un tributo a una época de nuestro cine y a un modo de vida, que, aunque esté repleto de peligros y elementos perniciosos tiene su carisma y gancho. Una vida para audaces de la que solo algunos quedan para contarlo, así nos lo cuentan, de manera menos cruda de lo habitual, pero si relevantemente.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de octubre de 2021. Título original: Las leyes de la frontera. Duración: 130 min. País: España. Dirección: Daniel Monzón. Guion: Jorge Guerricaechevarría. Música: Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Fotografía: Carles Gusi. Reparto principal: Marcos Ruiz, Begoña Vargas, Chechu Salgado, Carlos Oviedo, Xavier Martín, Daniel Ibañez, Jorge Aparicio, Víctor Manuel Pajares, Cintia García. Producción: Ikiru Films, La Terraza Films, Atresmedia, Buendía Estudios, Las Leyes de la Frontera AIE. Distribución: Warner Bros. Género: adaptación, drama. Web oficial: https://www.ikirufilms.com/portfolio_page/las-leyes-de-la-frontera/

Crítica: ‘Titane’

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Después de una serie de crímenes que han quedado inexplicados, un padre reencuentra a su hijo desaparecido hace 10 años.

Crítica

Peculiar o particular, pero no plantea nada en especial

Empezar una película con el ‘Wayfaring stranger’ de Johnny Cash es mucho decir, sobretodo cuando hace poco ha sido excelentemente rememorado en ‘1917’. Decir en una entrevista que odias la provocación cuando tu filme arranca con unas bailarinas sobre coches espaturrando las tetas mojadas contra el cristal mientras unos pokeros miran babeando también es negarse lo evidente a uno mismo. Bien es cierto que ‘Titane’ tiene algunos argumentos valiosos, pero también es verdad que los desarrolla poco, se distrae o no los explora correctamente.

Leo en la cartelería de la película en España: “La revolución del cine fantástico”, ni de lejos. También se lee en esa creatividad que “Todo en ‘Titane’ es una fiesta”, confundiendo fiesta con ida de olla. ‘Titane’ tiene momentos muy locos, alguna que otra fiesta, pero no se percibe en ella ninguna celebración y durante algunos compases adormece sin ofrecer nada nuevo, nada que no hayamos visto en películas que emulen el juego del cuco o la suplantación. Debe ser que Ducournau alucinó con el trío de ‘All about Yves’ y decidió marcarse su propio ménage à trois malsano y automovilístico.

Quizá yo no la haya entendido o no estoy en sintonía con las hechuras del filme, cosa que me extrañaría pues le doy a todo tipo de cine, pero todo es posible y estaría dispuesto a ver la película con alguna otra perspectiva. Lo que más me extraña de ‘Titane’ es no encontrarle a la protagonista una motivación, quizá si un conflicto, que empieza con su padre pero que pronto se olvida de argumentar. Y lo peor es que el componente desconcertante del filme está como mero atrezo, no tiene un simbolismo justificable. No hay un claro disparador en el personaje de Agathe Rousselle. Para aludir a un elemento tan resistente como el titanio me sorprende lo poco que se sostiene el filme, aún más cuando la directora viene de dirigir episodios tan bien apuntalados como los de ‘The Servant’.

Muchas veces se alude a la composición fotográfica de un largometraje para hablar por lo menos bien de algo de una película. Pero es que eso si que está logrado en ‘Titane’. No solo la foto fija, si no también el movimiento de cámara que nos lleva por un ambiente enrarecido y lleno de testosterona. Al igual que está bien claro cómo la directora habla sobre la explotación, degradación y el culto al cuerpo, de lo poco que deja bien retratado de principio a fin. Ahí percibimos también que se quiere hablar de una protagonista aparentemente tan sólida como el titanio pero a la vez maleable y cambiante.

No basta con que un filme sea una cosa de locos para que cale, no comparto esa Palma de Oro. Cuando un filme te pregunta cosas o por lo menos demuestra inquietudes por parte de su director/a es cuando cobra valor. Es todo un chasco ver como ‘Titane’ siembra cosas pero no recoge frutos. Doucournau ha emprendido la senda de Gaspar Noe, Von Trier o Verhoeven, cuanto antes asuma la controversia que es capaz de generar antes logrará penetrar en nuestras mentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de octubre de 2021. Título original: Titane. Duración: 107 min. País: Francia. Dirección: Julia Ducournau. Guion: Julia Ducournau. Música: Jim Williams. Fotografía: Ruben Impens. Reparto principal: Vincent Lindon, Agathe Rousselle, Garance Marillier, Laïs Salame. Producción: Kazak Productions, Frakas Productions, Arte France Cinéma, VOO, BeTV, Canal+. Distribución: Caramel Films. Género: drama, suspense. Web oficial: https://neonrated.com/films/titane

Crítica: ‘Madres paralelas’

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Dos mujeres, Janis y Ana, coinciden en la habitación de un hospital donde van a dar a luz. Las dos son solteras y quedaron embarazadas accidentalmente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y en las horas previas al parto está pletórica; la otra, Ana, es una adolescente y está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean como sonámbulas por el pasillo del hospital. Las pocas palabras que cruzan en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que el azar se encargará de desarrollar y complicar de un modo tan rotundo que cambiará las vidas de ambas.

Crítica

Dos historias demasiado potentes para contar en una sola película

Que difícil me ha sido escribir esta crítica, pensar bien lo que vi el otro día en el pase de prensa y sopesar mis primeras impresiones.

Admito que salí bastante decepcionada con el nuevo trabajo de Pedro Almodóvar. Si, puedo ser exagerada, ni que Almodóvar me deba nada a mí. Pero he utilizado esa expresión porque en sus ‘Madres paralelas’ nos cuenta dos historias que me atraen mucho, interesantes y que ojalá no las hubiese juntado. Porque creo que ambas historias hubiesen funcionado mucho mejor por separado.

En la película conocemos a Janis (Penélope Cruz) y Ana (Milena Smith), dos mujeres a punto de dar a luz solas y que se hacen amigas después de toda esta experiencia. Por distintos avatares de la vida, tardan un tiempo en volver a reencontrarse.

Dentro de esta historia de amistad, amor y maternidad encontramos también la lucha por la memoria histórica, tan actual y necesaria. Es una película bastante política. No he visto demasiado cine de Almodóvar y esto me ha chocado bastante.

Pero como os he comentado no me ha terminado de funcionar la manera en la que han introducido las dos historias, ojalá las hubiese separado y hubiésemos tenido dos cintas memorables. El tema de la memoria histórica termina dejando de ser interesante ya que tampoco se le termina dando la importancia que, creo, el director quería darle.

Toda la parte de esas dos madres me ha fascinado. Una historia un tanto loca, triste y con un humor bastante sarcástico, logra mantener en pie esta película. Nos muestra lo duro y bonito de la maternidad y el amor en todas sus fases.

Penélope Cruz está inmensa, le da tanta naturalidad a su Janis que no tienes ningún tipo de problema a la hora de creerte su historia y a su personaje. Sus decisiones, malas o buenas, las entiendes siempre, ya que desde el minuto uno, logras conocer perfectamente a esta mujer fuerte y decidida.

Milena Smith nos da a cambio a una mujer que está aprendiendo a serlo por fuerza y a la que le queda mucho por aprender. Un personaje muy dulce y tierno que borda.

En el resto del reparto encontramos a Aitana SánchezGijón, Rossy de Palma, Daniela Santiago, Julieta Serrano, Israel Elejalde, Adelfa Calvo, Julio Manrique o Inma Ochoa entre otros.

El rojo y el verde son los colores destacados de esta película. Una de las cosas que más representa el cine de Pedro Almodóvar, son sus colores y aquí hace realmente ahínco en estos dos.

El 5 de octubre conoceremos si es la elegida para el camino hacia los Oscar y el 8 de octubre tendremos su estreno en todas las salas españolas.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de octubre de 2021. Título original: Madres paralelas. Duración: 123 min. País: España. Dirección: Pedro Almodóvar. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Jose Luis Alcaine. Reparto principal: Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde, Aitana Sánchez-Gijón, Rossy de Palma, Julieta Serrano, Daniela Santiago, Adelfa Calvo. Producción: El Deseo, Remotamente Films, RTVE. Distribución: Sony Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/madres-paralelas

Crítica: ‘Mediterráneo’

Sinopsis

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Otoño 2015. Dos socorristas, Oscar (Eduard Fernández) y Gerard (Dani Rovira), viajan hasta Lesbos (Grecia) impactados por la fotografía de un niño ahogado en las aguas del Mediterráneo. Al llegar descubren una realidad sobrecogedora: cada día miles de personas arriesgan sus vidas en el mar huyendo de conflictos armados sin que nadie ejerza labores de rescate.

Junto a Esther (Anna Castillo) y Nico (Sergi López) crearán un equipo de salvamento con el que intentarán hacer frente a la situación e inevitablemente harán visible una realidad que afecta a toda Europa.

Mediterráneo es una batalla por la supervivencia, una lucha en la que cada vida cuenta.

Crítica

Es una cinta enrabietada con la actualidad, indignada con la parsimonia de la “civilización”

La última imagen de Aylan Kurdi en la orilla de Turquía fue la última instantánea de ese niño de 3 años. La fotografía que dio la vuelta al mundo y dividió a la opinión publica y periodística en 2015 es el claro detonante para esta película o por lo menos uno de los pilares referenciales en los que se asienta. Aquella criatura fallecida en la playa tras un fallido intento de llegar a Grecia sirve de conducto para llevar a la gran pantalla una historia que pese a ser ficción documentada tiene una desgraciada y enorme cara real.

Veo esta película poco después de que ‘Mediterráneo’ sea anunciada como una de las tres preseleccionadas por España para los Oscar de 2022. Y pese a que técnicamente he visto mejores obras este año no cabe duda de que es un filme con mucho valor. Es una cinta enrabietada con la actualidad, indignada con la parsimonia de la “civilización”.

Los homenajes y la visualización muchas veces llegan tarde, a titulo póstumo o con una visión más histórica. Este no es el caso, es una cinta orientada a la acción, con una iniciativa digna de la organización de cuyos orígenes habla, Open Arms. Es por eso que el juego de palabras está servido: ‘Mediterráneo’ es un filme la mar de solidario. Posee el toque documental que tienen otros títulos como ‘Las lágrimas de África’ y el trasunto de ficción que tenía ‘Adú’.

El protagonista es claramente Eduard Fernández. El actor, casi siempre con roles de marcado carácter estoico, interpreta al fundador de Open Arms, Òscar Camps. Un hombre proactivo y de ideas tozudas que no se si es muy fiel a la realidad pero que desde luego nos transmite la urgencia y calamidad de la historia. Junto a él Anna Castillo de nuevo hace de la hija Pepito Grillo, buscando encauzar a su padre mientras gruñe por la dejadez de este en sus funciones como padre. Ha cambiado a Luis Tosar por Eduard Fernández ya que representó casi el mismo papel en ‘Adú’.

Y no podemos olvidar a Dani Rovira que es parte fundamental de la historia, la que muestra el autentico debate moral de aquellos que sufren cuando alguien pide socorro y eso les resta tiempo de vida personal. Rovira siempre se ha mostrado activo con causas humanitarias o solidarias. Repite con el director Marcel Barrena en otra película de experiencias vitales.

Si la frecuencia con la que los protagonistas se van encontrando pateras está basada en la realidad, es una peregrinación abrumadora. Si no es así quizá la película exagera un poco para generar la acción y la emoción. Desde el año 2000 Grecia recibe más de un millón de migrantes cada año, ahí queda el dato. Mientras, el primer mundo piensa más en salvar su turismo u hostelería.

Ojalá hablásemos de realidad con el giro final, pero la egoísta comodidad de nuestro sofá lo impide. ‘Mediterráneo’ es la historia de un imposible con un pero. Pero si occidente hiciese uso de su tan alardeada ética y ejemplo esto no pasaría. Al respecto de esto en la película tenemos la entrevista que es una declaración pura y dura. “Estamos convirtiendo el mar Mediterráneo en una fosa común”.

A aquellos que se oponen a que acojamos a personas desamparadas y les brindemos un futuro les cito a dejar el chiringuito y las banderillas para sumergirse en este Mediterráneo.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de octubre de 2021. Título original: Mediterráneo. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Marcel Barrena. Guion: Marcel Barrena, Danielle Schleif. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Kiko de la Rica. Reparto principal: Eduard Fernández, Dani Rovira, Anna Castillo, Sergi López, Àlex Monner y Patricia López Arnaiz. Producción: Lastor Media, Fasten Films, Arcadia Motion Pictures, Cados Producciones, Heretic . Distribución: DeAPlaneta. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://www.mediterraneopelicula.com/

‘Chucky’ podrá verse en Sitges y llegará a SYFY en enero

La nueva serie del muñeco diabólico creada por Mancini

El Festival de Sitges acogerá un pase especial del primer episodio de la nueva serie ‘Chucky’ (tráiler aquí) el 15 de octubre (pocos días después de su estreno en USA), antes de su estreno en el canal SYFY en enero del año que viene.

En la nueva serie de televisión ‘Chucky’, un idílico pueblo estadounidense se ve sumido en el caos cuando un muñeco Chucky clásico aparece en un mercadillo en un barrio residencial. Al poco, empiezan a producirse una serie de terroríficos asesinatos que destapan la hipocresía y los oscuros secretos de los vecinos. Por otro lado, la llegada de enemigos y aliados del pasado de Chucky amenazan con revelar los orígenes secretos del muñeco como un niño normal que, de alguna manera, acabó convertido en este infame monstruo.

Encabezan el reparto Zackary Arthur (La quinta ola, Kidding), Björgvin Arnarson (The Seventh Day), Alyvia Alyn Lind (Future Man), Teo Briones (The Whispers) y Devon Sawa (Destino Final), entre otros. Brad Dourif volverá a prestar su voz a Chucky.  Asimismo, Jennifer Tilly (La novia de Chucky, La semilla de Chucky, La maldición de Chucky, El culto de Chucky), Alex Vincent (Muñeco diabólico, Muñeco diabólico 2, La maldición de Chucky, El culto de Chucky), Fiona Dourif (El culto de Chucky) y Christine Elise (Muñeco diabólico 2) retomarán sus papeles en la saga.

La esperada serie de televisión es una producción de UCP, una división de Universal Studio Group, con producción ejecutiva de Don Mancini, David Kirschner, Nick Antosca y Alex Hudland. Harley Peyton también participará como productor ejecutivo. Don Mancini —creador y guionista de la saga Muñeco diabólico que comenzó su andadura en 1988— ha adaptado la historia para televisión, dirige el primer episodio y colabora como showrunner.

Crítica de ‘La Fortuna’, la serie de Alejandro Amenábar

Sabor a novela gráfica, pinceladas de realidad y acabado de calidad

Hemos visto 3 de los 6 capítulos de ‘La Fortuna’, primera incursión de Alejandro Amenábar para la televisión de la mano de Movistar+ y contándonos una historia basada en la novela gráfica ‘El tesoro de Cisne Negro’ a su vez basado en hechos reales.

El relato no es otro que la historia del mayor expolio de un tesoro de un barco español que fue hundido por la armada inglesa y descubierto por una empresa cazatesoros estadounidense.

Amenabar se ha implicado no solo en la dirección del proyecto, sino también en el guión y el resultado visto lo visto es un thriller político con un toque de aventura, humor, una ración de acidez, un poquito de romance y en definitiva, un producto de calidad que mantiene el interés en todo momento.

Aunque la acción se desarrolla a principios de este siglo, también se ven flashbacks que nos trasladan al año 1804 y se nos muestra cómo se produjo el infame ataque y el hundimiento de la fragata de guerra que causó posteriormente la batalla de Trafalgar y más tarde la invasión de Napoleón a España. Buen diseño de producción y se nota la buena mano en la dirección para que la narrativa fluya y la serie adopte un estilo de clásico de aventuras a lo “Tintín”.

Pero lo que realmente se cuenta es como una pareja singular de protagonistas, un joven diplomático inexperto pero muy voluntarioso (Alvaro Mel) y una funcionaria con mucho carácter que no tiene pelos en la lengua (Ana Polvorosa) se encuentran en medio de esta singular aventura investigando el descubrimiento del pecio español en medio de las presiones políticas, económicas y sociales que implican tal hallazgo.

No veo ningún personaje plano, sino que todos tienen un desarrollo a lo largo de los capítulos y vamos viendo las verdaderas motivaciones de cada uno.

La trama nos va mostrando poco a poco nuevos elementos que incrementan el misterio que rodea a ‘La Fortuna’ y nuestros intrépidos protagonistas van descubriendo junto con el espectador todos los intereses que hay puestos en el pecio descubierto.

Amenabar no deja títere con cabeza y hasta lo visto tiene para todos: caricaturiza de aquella manera la política española y su gestión. Nos reímos con el personaje del ministro encarnado por un genial Karra Elejalde y luego uno piensa que se parece todo demasiado a la realidad.

También es una crítica al capitalismo, a todo lo que pervierte el dinero y ahí pone a los americanos como punta de lanza. Hasta tiene tiempo de meterse con la flema imperialista inglesa en su narración del hundimiento de ‘La Fortuna’.

Mal aliado “Don dinero”, causante de muerte, engaños, robos y corrupción. Esta historia también va de eso.

Decir que el reparto internacional también brilla y tiene también a caras tan conocidas como Stanley Tucci, al que he visto en infinidad de producciones de Hollywood y que aquí es el antagonista principal. El resto del elenco está también a la altura de la calidad de la serie.

En definitiva, ‘La Fortuna’ cumple con la calidad que uno espera de un fenómeno como Alejandro Amenábar, a la que impregna con un estilo a clásico de aventuras. Las localizaciones nos llevan desde España a Estados Unidos dónde viviremos un interesante thriller judicial y estoy seguro de que querréis saber cómo acaba todo. Yo al menos, después de 3 capítulos sí.

Amenábar confirma la tendencia que desde hace un tiempo estamos viendo. Los grandes actores y actrices, directores y guionistas se embarcan cada vez más en proyectos para la televisión. Una industria que con la aparición de las plataformas de contenido streaming ha cambiado el concepto de ver la propia televisión e incluso de ir al cine (o no ir). Son los tiempos que corren, saturados de oferta televisiva, donde surgen producciones como ‘La Fortuna’ que elevan el nivel entre la mediocridad de muchos títulos y me alegra en grado sumo que en España la industria audiovisual alcance esas cotas de buena calidad en muchas de sus series y películas. Que siga así.

‘La Fortuna’ se estrena el 30 de septiembre en Movistar+.

Crítica: ‘Benedetta’

Sinopsis

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A finales del siglo XV, con una plaga asolando la tierra, Benedetta Carlini se une como novicia al convento de Pescia en la Toscana. Benedetta, que desde muy joven ha tenido la capacidad de realizar milagros, llega a la comunidad y su impacto será inmediato y trascendental.

Crítica

Me río yo (y Verhoeven) de los éxtasis de Santa Teresa

La provocación es un acto de rebeldía o de búsqueda de reacción que está muy bien cuando esta tiene algún objeto concreto o por lo menos cuando se utiliza de manera diferente o novedosa. Que Paul Verhoeven es un provocador lo sabemos y lo disfrutamos la mayoría de las veces. Cual antítesis de Instagram nunca se ha cortado a la hora de mostrar un pezón e incluso más, como los tripechos de ‘Desafío total’. El director holandés se regodea en sus más oscuras ideas y nos lleva a una lasciva Italia del siglo XV.

¿Recordáis aquellas películas o ministeries de sábado por la tarde en Telecinco que venían anunciadas como “grandes relatos”? Ese es el sabor que me deja a mi ‘Benedetta’. Un drama histórico con romance y giros melodramáticos. Con el añadido de tener de manera gratuita y por reiteración algunas escenas de cama que van a escandalizar a más de un puritano.

La historia nos habla de una joven que es internada en un convento. O más que internada casi habría que decir vendida y cambiada cual tocomocho a la avariciosa y usurera iglesia de la época. Esa joven comienza a destacar entre sus “hermanas” por la devoción que siente y que ve recompensada. No hay nada de especial en esta historia que se basa en un libro de Judith C. Brown que a su vez se inspiró en el mito de Benedetta Carlini.

No veo epifanía u obra maestra en este filme. Lo único que saca a esta historia de otras narraciones católicas es el hecho de que la monja era lesbiana. Y en esas interpretaciones lésbicas obviamente la atención se centra en una más que exagerada Virginie Efira. Quizá nadie se ha atrevido a hacer antes esta adaptación por el choque se podría suponer para la sociedad cristiana, pero precisamente eso es lo que pide este filme, haberse estrenado hace treinta años o más.

El único logro de ‘Benedetta’ es el mantenernos en vilo entre tres posibilidades, dejando además cualquiera de las tres abiertas en el cierre y a la libre interpretación del espectador. Deambulamos entre escenas que nos indican que la protagonista es una timadora o aprovechada, entre momentos que nos hablan de puro evento místico y también de instantes en los que parece que de lo que habla el filme es de que algunos locos se creen sus propias mentiras.

No se si Verhoeven es religioso o no pero forma parte de un seminario que estudia los hechos reales de Jesús. Si demuestran que Cristo iba por ahí partiendo cabezas a mandoblazos como en el filme yo me hago monaguillo. La verdad es que parece que el director se ríe de la construcción de los Santos hasta tal punto que deja los éxtasis de Santa Teresa en un mal colocón.

Que si, que mete una vez más su violencia explícita. Pero si ‘Benedetta’ hubiese tenido un conflicto tan bien trabajado como el que tenía ‘El tercer milagro’ de Agnieszka Holland o suscitase un debate como ‘Amarás al prójimo’ de Malgorzata Szumowska quizá hubiese alcanzado el tono correcto.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de octubre de 2021. Título original: Benedetta. Duración: 127 min. País: Francia. Dirección: Paul Verhoeven. Guion: David Birke, Paul Verhoeven. Música: Anne Dudley. Fotografía: Jeanne Lapoirie. Reparto principal: Virginie Efira, Charlotte Rampling,  Lambert Wilson, Daphne Patakia, Olivier Rabourdin. Producción: SBS Productions, Pathé, Belga Films Found, Canal+, France 2 Cinema, Indéfilms7, Topaki Films. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: http://www.sbs-distribution.fr/distribution-france-benedetta

Crítica: ‘Cry macho’

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La película está protagonizada por Eastwood en el papel de Mike Milo, que en sus buenos tiempos fue una estrella del rodeo además de dedicarse a la cría de caballos. En 1979 acepta el trabajo de un antiguo jefe para traer a casa a su hijo pequeño que está en México. Esta extraña pareja se ve obligada a viajar por carreteras secundarias para volver a Texas y se enfrenta a un periplo repleto de dificultades imprevistas. Durante el viaje, el jinete, de vuelta de todo, tendrá encuentros inesperados y encontrará su propia redención.

Crítica

Gran Torino versión latino y road trip

De nuevo volvemos a tener a Clint Eastwood como protagonista y director de un filme. En este caso retrocedemos a 1979, época en la que el rubio de ‘El bueno, el feo y el malo’ interpretaba sus papeles más rudos. Pero época en la que también exploraba papeles más simpáticos, como el que representó en ‘Duro de pelar’ junto a su orangután.

La ficción nos lleva al 79 y principios de los ochenta, pero la realidad nos recuerda que Eastwood ya tiene 91 años. Y sin disimular su edad el californiano nos cuenta la historia de un cowboy retirado, más bien despedido. Acepta a regañadientes un encargo que le hace su jefe, el cual vuelve a él con el rabo entre las piernas. Ha de traer con cualquier método a su alcance a un chico (Eduardo Minett) que presumiblemente no está teniendo una buena vida en México.

En la actualidad vemos muchos casos de madres o padres que se llevan a sus hijos a otra ciudad o país sin el consentimiento de la otra parte. En ocasiones esos casos nos llevan hasta episodios de violencia de género y otras hasta auténticos problemas de salud mental. ‘Cry macho’ toca por lo tanto un tema escabroso. No obstante el guión inspirado en la novela de N. Richard Nash nos pinta tal escenario que es muy fácil posicionarse. Al fin y al cabo planeta un mal escenario desde ambas partes, llegando a hablarnos de intereses y de padres que eluden responsabilidades o dan por perdidos a sus descendientes.

Pese a su edad Eastwood conserva gran parte de su energía y de su mala uva. Sabe cómo colocar la cámara para destacar que aún tiene presencia, pero tampoco intenta disimular que no está ni para perseguir a un gallo. Macho, de hecho, es el nombre del gallo que atesora el chico que le acompaña toda la película. Lo cual me lleva a que todo el filme tiene un poco de comicidad, sobre todo cuando vemos al texano recortando silueta junto al chico y el ave. También cuando intuímos que es evidente que usa un doble y trucos de cámara para hacer de tejano a lomos de un caballo salvaje. Y también cuando vemos su faceta más adorable o entrañable. No es fácil ver a Clint sonreír y esta es una de sus extrañas excepciones, creo que la última vez que le vi como en esta película fue en uno de los carteles de ‘Space cowboys’.

Hablar de un envejecido Eatswood emparejado con un joven extranjero problemático es recordar irremediablemente ‘Gran Torino’. Tiene cosas en común, pero aparte de ser encuentro de generaciones, ‘Cry macho’ es un western moderno. Un road trip fronterizo que se desmarca del resto de producciones actuales similares al no recabar en menesteres políticos heredades de la administración Trump. Y no por esa razón uno acaba sintiendo que es una buddy movie que podemos considerar menor en la carrera de este cineasta como director.

Interpreta a un vaquero actual, genuino, digno de un anuncio de Marlboro, de esos que tienen su rancho, camioneta Chevrolet en vez de caballo y escuchan el country que cae en la radio. ‘Cry macho’ persigue recuperar con mayor parsimonia al cowboy con ética de héroe, buscavidas, pero con escrúpulos que tantas veces ha interpretado Eastwood. Y lo consigue, pero con excesiva sobriedad y falta de riesgo o reflexión.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Título original: Cry macho. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Guion: N. Richard Nash, Nick Schenk. Música: Mark Mancina. Fotografía: Ben Davis. Reparto principal: Clint Eastwood, Eduardo Minett, Natalia Traven, Dwight Yoakam, Howard Polk, Fernanda Urrejola, Horacio García-Rojas. Producción: Malpaso Productions, Albert S. Ruddy Productions, Daniel Grodnik Productions, QED International. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.crymachofilm.com/

Crítica: ‘Maligno’

Sinopsis

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Madison está paralizada por causa de visiones impactantes de asesinatos espeluznantes. Su tormento empeora cuando descubre que estos sueños de vigilia son, de hecho, realidades aterradoras.

Crítica

Wan sorprende saliéndose por la tangente

En primer lugar, he de decir a quienes se hayan sorprendido durante la película, que no les entiendo. Me refiero a los sorprendidos por el tono del filme. ¡Si ya la escena introductoria marca cuál va a ser el rollo a seguir! Es pura serie B, cosa que siempre nos hace gozar. Pero es más, de sobra es sabido que ese es un género que a James Wan le encanta, solo hay que ver la secuencia del logo de su productora Atomic Monster. Antes o después caería una película así con su firma.

Aunque sus primeras imágenes sean de auténtica locura, después nos mete en un drama de pareja. Pero eso dura poco. Casi de manera inmediatamente comienza una historia de esas que de verdad son “una montaña rusa”. Un filme que nos recuerda a otros largometrajes demenciales tales como ‘Rabid’ o ‘Martyrs’.

Si nos quedamos solo con la banda sonora o las líneas generales de la trama de ‘Maligno’ debemos admitir su simpleza. Pero es compleja y original. Por mucho que esta no sea una historia fina o elegante se nota que hay dinero invertido, tanto que el sabor de boca es mucho más agradecido que el que dejan esas producciones low cost que suelen tirar de sangre y casquería. Incluso en cuanto a la música se ven detalles magníficos, como la versión del ‘Where is my mind’ de Pixies que es estremecedora.

Pudiera ser que ‘Maligno’ haya surgido de una idea modesta, sacada de un cajón desastre y que Wan ha aprovechado a hacer en un hueco entre tanto que produce. Da la impresión de que al igual que Tarantino quiso hacer su Western moderno él se ha quitado la espinita con el giallo, un giallo moderno pero al fin y al cabo cargado de rojo, luz y gritos.

Por ejemplo, reconocemos que es de tintes actuales porque dispone sustos de esos que se producen por que el peligro aparece y desaparece de repente, acompañado de algún sonido estridente. Pero nadie negará que Wan se las ingenia para hacerlo de otra manera.

Quizá es porque una de las protagonistas tiene el mismo coche que yo, pero me ha parecido que la película está muy bien conducida. Dirigida a seguir una senda muy obvia, que parece que no exige mucho a los actores. Pero para nada, el guión es más exigente de lo que se preveía. Y no es fácil moverse ante la cámara de Wan, sobre todo por las tomas que hace. Desde esa secuencia en plano cenital que se adelantó en el tráiler pasando por planos cerrados en ángulos incómodos, travellings y giros bastante pronunciados. Nos mete en la película, nos mantiene visualmente enganchados.

El retorcido y violento Gabriel se une a la tropa de Freddy, Jason, The Collector, Michael Myers y compañía. Tortura a la protagonista más que la muerte a Devon Sawa en Destino Final al hacerlo en riguroso directo y sin capacidad de actuar.

‘Maligno’ no es lo que esperábamos, tampoco nos habían prometido que sería lo de siempre. Una lección de cómo no hay que hacerse pajas mentales y de cómo se disfruta con las de otros. Muchos lo han intentado y fracasado, otro logro de Wan. Eso sí, Los Simpson ya lo hicieron.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de septiembre de 2021. Título original: Malignant. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: James Wan. Guion: Ingrid Bisu, James Wan, Akela Cooper. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Annabelle Wallis, Maddie Hasson, George Young, Michole Briana White, Jacqueline McKenzie, Jake Abel, Ingrid Bisu. Producción: Atomic Monster, Boom Entertainment, Boom! Studios, New Line Cinema, Starlight Culture Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: terror. Web oficial: https://www.malignantmovie.net/

Crítica de ‘Misa de medianoche’

Confundir el “ver es creer” con el “creer es ver”, las trampas de la fe

El nombre de Mike Flanagan se popularizó tras la impactante y exitosa ‘La maldición de Hill House’. El director nacido en Salem está dejando su impronta en la historia del cine de terror norteamericano y no hace mucho dividió opiniones con su adaptación de ‘Doctor Sueño’. Ahora vuelve a retomar su estilo, ese pausado y bien construido con ‘Misa de medianoche’, una obra original que se estrena en Netflix el próximo 24 de septiembre.

Esta serie de siete episodios nos lleva hasta Crockett Island, en donde tan solo 127 habitantes viven a la espera de la vuelta de su anciano párroco. Un lugar muy católico que recibe la visita de un sustituto para sus misas. También regresa un joven hijo pródigo que llevaba fuera años tras estar encarcelado. A partir de entonces y de menos a más las cosas raras van sucediendo. Lo que al principio me ha recordado un poco a ‘El tercer día’ después se ha convertido en una especie de ‘Cocoon’ malvado. Se acaba inclinando más y más hacia el terror, como era de esperar siendo una serie de Flanagan y también, como cabía imaginar, se divide entre las batallas personales de cada uno y lo fantástico o misterioso.

La mezcla de drama, religión y fantástico terrorífico recuerda un poco a Stephen King, a quien ya versionó Flanagan en 2019 como he mencionado antes. La serie nos deja intuir ya en su segundo capítulo de qué trata y en el tercero lo desvela abiertamente, aunque con constantes tabúes. Entonces diréis, si se descubren las cartas en el tercero, ¿luego qué? Posteriormente la serie mantiene nuestro interés porque ‘Misa de medianoche’ reescribe uno de los mitos del terror más clásicos y lo hace de un modo creativo e interesante. Empuña una idea que usa el poder aterrador de Dios, un discurso aplastante y nuevo que se agradece, hace que merezca la pena todo lo que tarda en arrancar. Algunas charlas y momentos como el final del episodio cinco son prueba de ello. De hecho ese quinto capítulo podría funcionar como una película por si sola que nos asalta con un final desolador. A partir de ese momento ya se desata la cosa.

Como es de imaginar la nota religiosa domina la serie. Partamos del hecho de que se llama ‘Misa de medianoche’ y sus episodios llevan nombres de libros de la Biblia tales como Génesis, Salmos, Proverbios, Evangelio… Todo el discurso de esta inteligente producción se fundamenta y adorna con la parafernalia católica. Estos argumentos no solo se desarrollan con una relación fantástica, también cogen fuerza con dos grandes interpretaciones, la de Hamish Linklater en la piel de un joven cura que resulta tan reconfortante como eufórico y la de Samantha Sloyan que lleva a cabo un papel que recuerda al de Marcia Gay Harden en ‘La niebla’ de Frank Darabont, una católica remilgada y soberbia a la que le coges manía desde su primera escena.

Fe y culpa. El magnetismo de la palabra y obra de Dios frente al raciocinio que ve que Dios permite sufrimiento y horrores en su misterioso e inescrutable plan. Abundan los discursos que mutan muy convenientemente según se suceden los hechos. ‘Misa de medianoche’ lleva hasta el extremo el que muchos confundan el “ver es creer” con el “creer es ver”, las trampas y las vendas que la fe pone a aquellos que son fundamentalistas.

Además de esos dos protagonistas aparecen otros habituales de Flanagan como su esposa Kate Siegel o Henry Thomas. Algunos de ellos aparecen muy maquillados, envejecidos. Esto también hace que te veas venir que más adelante conoceremos una versión más jóvenes de ellos, pues de lo contrario el casting incluiría a actores más mayores que se les pareciesen. Y cuando descubres que eso tiene su utilidad y sentido te vuelve a pasar lo mismo que cuando descubres el pastel en el segundo episodio, que se mantiene el interés. El trabajo de maquillaje es muy importante, está bien ejecutado, como no lo estuvo en ‘Tiempo’ y eso que ahí era igual de necesario.

‘Misa de medianoche’ tiene tomas que ya reconocemos como propias de Flanagan. Vemos secuencias aéreas como las que usó en ‘Doctor Sueño’ o planos americanos muy al estilo de aquellos que nos inquietaban en ‘La maldición de Hill House’. Esta serie se aleja de esa propuesta pues el argumento es muy diferente, no obstante también nos pide una paciencia que acaba siendo recompensada.

Crítica: ‘Jaguar’

Naziexplotaition española de calidad

El próximo 22 de septiembre se estrena en Netflix una nueva producción española. ‘Jaguar’ llega con 6 episodios llenos de acción y emoción, algo ya típico en las producciones de quienes la han creado Ramón Campos y Gema R. Neira (‘Fariña’, ‘Velvet’, ‘Instinto’).

Partiendo de un hecho que fue real, que muchos nazis pasaron por España para continuar su huida hacia el otro lado del charco, ‘Jaguar’ nos propone una cacería. Un título que se va a unir a otros ya vistos como ‘Malditos bastardos’ o ‘Hunters’. En esta película también tenemos a un grupo que busca atrapar a antiguos miembros del partido alemán y quiere darles caza para ponerlos ante la justicia. Sin el carisma de ‘Hunters’ o la violencia de la película de Tarantino consigue engancharnos.

Esta especie de Equipo A sesentero está liderado por un elegante Iván Marcos que luce tanto músculo como en ‘Malasaña’. Pero la protagonista real es Blanca Suárez quien ejecuta el que probablemente será el papel con más acción de su carrera. Junto a ellos están Francesc Garrido, Oscar Casas y Adrián Lastra. Este último suele tener papeles más charlatanes y aquí os va a sorprender.

‘Jaguar’ nos traslada a 1962 y allí unos españoles que consiguieron sobrevivir a los campos de concentración nazis buscan su venganza. Este es un busca y captura sin redes sociales o móviles, a base de jugársela con vigilancias e incursiones. Pero sobre todo es una serie de ideales. No me refiero a que esté todo lleno de rojo y gualda, aguiluchos o yugos y flechas, me refiero a ideales humanos, a principios morales y a la ejecución de una justicia, de esas que nunca llegan o que ninguna ley de memoria histórica puede alcanzar a satisfacer.

Probablemente surja una vez más la discusión entre nacionales y republicanos, de hecho, hoy en día por desgracia está cada vez más en auge. La serie azuza ese conflicto y aunque la trama le obligue a arrimarse a la izquierda de las Brigadas Internacionales o de la CNT la finalidad no se percibe orientada a la política.

Es como si esta fuese una apuesta más por la naziexplotaition pero a la española, ‘Jaguar’ pretende mostrar a un equipo enrabietado por lo que ha sufrido, pero a su vez controlado por sus conflictos morales, tales como la fe en un Dios que permite el holocausto, la línea que se puede atravesar al matar a alguien, el resultado que pueden tener sus actos para la historia… Todos los personajes sufren de alguna manera pero es sobre todo el de Blanca Suárez quien tiene que debatirse entre su ira y su dolor al mismo tiempo.

Bien es cierto que a veces la ambientación parece demasiado moderna, que las peleas se disimulan con mucho movimiento de cámara o que la actuación de Oscar Casas deslucen la historia. Pero ‘Jaguar’ tiene intriga, y curiosidades ya que introduce alguna que otra cosa real. Bien es sabido de la red Odessa y del amiguismo que había entre la esvástica y el águila de San Juan.

Referencias históricas hay. Desde los paseos por El Prado hasta las calles de Madrid cuyos edificios han cambiado de función para dar cobijo a fiestas o sedes de los años sesenta. Pero también las hay culturales. Por ejemplo el opening animado viene acompañado de la versión de “Vientos del pueblo” realizada por Ebri Knight. Os va a recordar a los carteles de José Bardasano o Josep Renau, lo cual es lógico pues pone música al poema de Miguel Hernández Gilabert. Quizá pase con esta canción como con el “Bella ciao” de ‘La casa de papel’, espero que al menos la curiosidad haga que los espectadores descubran su verdadero origen. También suenan temas como el “Adiós a España” de Antonio Molina, la “Tómbola” de Marisol, “El emigrante” de Juanito Valderrama e incluso el himno nazi.

‘El ángel exterminador’ de Buñuel es otro huevo de pascua que vemos en uno de los episodios. La serie está relacionada con esa película pues aquí también nos adentramos en la clase alta de la época para descubrir que los lujos y los buenos ademanes esconden intenciones repugnantes y un pasado reprobable. Muy buena esa analogía que además viene acompañada de mucho ritmo.

Tráiler de ‘Injustice’

El tráiler no, pero la película será tipo R

Una tragedia impensable empuja a Superman a una nueva y peligrosa mentalidad, que acaba enfrentando a los miembros de la Liga de la Justicia. Es una manera de resumir el evento tan significativo que resultó ser ‘Injustice’ para el mundo de DC.

Videojuegos multiplataforma de lucha y cómics que contaron una historia que tergiversa y lleva más allá a todos los miembros de la Liga de la Justicia. ‘Injustice: Dioses y entre nosotros’ fue un proyecto en el que trabajó el español Bruno Redondo y que ahora tendrá película de animación, para muchos, las mejores adaptaciones de DC Comics.

Producido por Warner Bros. Animation, DC y Warner Bros. Home Entertainment, el largometraje de animación se lanzará en 4K Ultra HD Blu-ray Combo Pack (EE.UU. $39.99 SRP; Canadá $44.98SRP), Blu-ray (EE.UU. $29.98 SRP; Canadá $39.99 SRP) y Digital el 19 de octubre de 2021.

Matt Peters es el director de esta película tras haber llevado a la pantalla otros clásicos de los cómics como ‘Batman: la broma asesina’, ‘Superman: hijo rojo’ o ‘Vengadores’, casi siempre en los departamentos de arte.

Entrevistamos a los artífices de ‘El club del paro’

Unas cañas con David Marqués, Carlos Areces, Eric Francés y Adriá Collado

Juntarse con amigos entorno a una mesa de un bar o ir al cine a ver una buena comedia es algo que poco a poco vamos recuperando con mucha felicidad. Las carteleras vuelven a llenarse de buena oferta de películas y los colegas vuelven a llamar para quedar. Esas dos cosas son las que fomenta ‘El club del paro’, llamándonos para ir a los cines, comentar en corrillos y volver a vivir esas charlas de bar que tanto se echan de menos.

La nueva película escrita y dirigida por David Marqués (‘Campeones’) es ‘El club del paro’ (crítica aquí en texto y aquí en vídeo). En ella cuenta como unos amigos se juntan todos los días para tomar unas cañas mientras divagan sobre su día a día y, como hacemos todos los españoles, para solucionar los problemas del país.

Una comedia rápida, ágil, corta y sencilla con la que muchos seguro que os sentís identificados, por lo menos con alguno de sus personajes. Tuvimos la ocasión de hablar con el director y con tres de sus cuatro protagonistas: Carlos Areces, Eric Francés y Adriá Collado. Nos faltó el cuarto, Fernando Tejero, que no pudo estar presente.

Crítica: ‘Dune’

Sinopsis

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‘Dune’, el viaje de un héroe mítico que soporta una enorme carga emocional, cuenta la historia de Paul Atreides, un joven brillante que ha nacido con un destino más grande que él mismo. En esta epopeya, deberá viajar al planeta más peligroso del universo para asegurar el futuro de su familia y de su gente. Mientras las fuerzas del mal se enfrentan para hacerse con uno de los recursos más excepcionales del planeta, que tiene el poder de desbloquear todo el potencial de la humanidad, solo los que logren dominar sus miedos podrán sobrevivir.

Crítica

¿La mejor película del año? Yo diría que sí. ‘Dune’ llega para llenar las salas de cine

Este viernes 17 de septiembre llega a nuestras salas uno de los eventos cinematográficos del año, ‘Dune’ de Denis Villeneuve. Me quedé sin palabras al ver algo tan monstruoso como esta cinta de ciencia ficción que el director canadiense ha logrado crear.

Basada en la novela de Frank Herbert, ‘Dune’ nos lleva a una gran disputa por el poder de la Especia. Esta Especia se encuentra en el planeta Arrakis, donde residen los Fremen, un pueblo autóctono del planeta al que le han quitado todo. Allí es donde el emperador manda a la familia Atreides para que sean los encargados de extraerla. Después de haberles quitado esa competencia a la familia Harkonnen. Lo que los Atreides no se esperan es que esto va a terminar en guerra.

Después de una adaptación bastante fallida de David Lynch y un intento por parte de Alejandro Jodorowsky para llevar ‘Dune’ a la gran pantalla, Denis Villeneuve ha sacado su magia y sin duda ha creado una obra maestra.

Estamos hablando de una primera parte. Pero si la primera ha sido así, no me quiero imaginar la segunda, cuando ya hemos visto toda una introducción al mundo de Herbert.

Nunca he leído el libro al completo pero sí que puedo decir que hasta donde  he llegado es bastante fiel. No del todo, pues tienen algunas licencias que la verdad tampoco molestan.

Para que esta película sea tan perfecta se han juntado muchas situaciones, una, la dirección de Villeneuve, impecable. Dos, una fotografía de ensueño, Greig Fraser, es el encargado de esta y el trabajo que ha realizado sin duda va a ser nominación para los Oscar. Al igual que la tercera maravilla de la película, Hans Zimmer. Demos gracias que dejó tirado a Christopher Nolan e hizo esta maravillosa banda sonora, sin ella, ‘Dune’ no sería tan espectacular e inmersiva.

Sí, porque es una película, en la que te introducen, gracias a las imágenes y a su música, esa música llena de instrumentos de vientos y percusión. Es alucinante, puede ser agobiante, pero también de eso se trata, que te inquiete como a los protagonistas.

Y por supuesto, no me quedo sin hablar de su reparto, extenso y sin duda no podía ser mejor. Desde Oscar Isaac, pasando por Rebecca Ferguson, Jason Momoa, Timothée Chalamet, David Dastmalchian, Dave Bautista, Josh Brolin, Zendaya, Javier Bardem, Stellan Skarsgard, Charlotte Rampling, Chen Chang, entre muchos otros.

Si me parase a hablar de cada uno de ellos, esta crítica no terminaría. Pero por comentaros, Timothée Chalamet me ha vuelto a sorprender y sin duda estoy dejando atrás esos prejuicios hacia este actor y estoy viendo que de verdad se merece todas las ovaciones que ha recibido hasta ahora. Stellan Skarsgard está imponente, el físico que Villeneuve le ha colocado es bestial y nunca mejor dicho, pues la intención del director es que este personaje pareciese un grandioso rinoceronte.

Qué decir de ella, Rebecca Ferguson como siempre no defrauda y es que me encanta todo lo que hace, aquí no es distinto, de hecho tiene un papel muy potente. Y para terminar, como he dicho por mencionar a unos cuantos, el eterno secundario de las cintas de superhéroes, al que este año pudimos ver también en El Escuadrón Suicida, David Dastmalchian, nos da un personaje de lo más extraño y que la verdad le pega un montón.

Como curiosidad, hubo una cosa que me llamó mucho la atención. Los guiños hacia la tauromaquia en la película, incluso aparece alguien ataviado con un traje de luces y me puse a indagar y es un guiño a la novela.

Para terminar, le pongo dos pegas a la película que son insulsas. Una es, la falta de sangre en las batallas y la otra la lucha con los escudos. Evidentemente están mucho mejor resueltos que en la película de Lynch, pero aun así, me siguen pixelando a los personajes y con un sonido estridente cada vez que les dan en ellos hace que las peleas lleguen a ser confusas.

Por lo demás, id al cine, llenad las salas y disfrutad de esta experiencia en pantalla grande. Y ojalá pronto tengamos noticias de la segunda parte y podamos hablar pronto de ella.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Dune. Duración: 155 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Stephen McKinley Henderson, Zendaya, David Dastmalchian, Chang Chen, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Jason Momoa, Javier Bardem. Producción: Legendary Entertainment, Villeneuve Films, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/dune

Crítica: ‘Las consecuencias’

Sinopsis

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En un viaje a una pequeña isla volcánica, Fabiola se convierte en espía de su hogar. No tiene evidencias ni certezas, pero su intuición le dice que no todo es lo que parece. Se debate entre el miedo a lo que puede encontrar y la necesidad de obtener respuestas. ¿Hasta dónde hurgar en la intimidad de los demás? ¿Hasta dónde mentir para proteger a la gente que quieres?

Crítica

Ahonda en lugares y dolores escabrosos y remotos

Una madre viuda (Juana Acosta) convive con su padre (Alfredo Castro) y su hija (María Romanillos). Pero también vive con el dolor y el trauma del accidente de submarinismo que la dejó sin esposo. Claudia Pinto nos ofrece una historia de familia, raíces, cicatrización y expiación.

Esta película, dedicada al diseñador de producción Floris Vos y a la asistente de producción Lucia Blasco, nos habla de la repercusión de contener el dolor, de callarse secretos o por el contrario las consecuencias de inmiscuirse en el pasado o mente de nuestros allegados. Cuando hablamos de los efectos trascendentales de aquello que hacemos (o no hacemos) es fácil arribar en relatos muy dramáticos. Este en concreto es de los ariscos, taciturnos e incluso turbios.

Dicho esto, hay que admitir que ‘Las consecuencias’ tiene un gran trabajo de dirección y guión. Se percibe cuando se descubre que la historia y los actores nos están contando muchas cosas pero sin exteriorizarlas, simplemente con miradas, gestos y contenciones. Al final la película explota en revelaciones verbalizadas y tiene incluso varios momentos en los que Claudia Pinto podría haber clausurado el filme. Peca de explicativa, ya iba sobrada con las insinuaciones que ha ido dejando caer.

Y si he llamado arisco al filme no es solo por el carácter de las relaciones que tienen entre si los personajes. También es por su paisaje. Las islas de La Gomera y La Palma tienen un gran panfleto turístico en ‘Las consecuencias’. Sus paisajes más abruptos sirven de escenario para llevarnos a localizaciones remotas, apartadas de toda civilización. En ese oasis isleño es donde Pinto nos aparta y dónde desarrolla una historia de reconciliación y conflictos.

Podría decirse que el protagonismo recae en Juana Acosta, la cual hace una buena interpretación, a veces nada sencilla. Pero delega buena parte del peso de la película en María Romanillos, quien ejerce de su hija, aquella que sufre las consecuencias del comportamiento de su madre. Un personaje que tanto en la ficción como en la realidad demanda nuestra atención.

Hace poco en ‘Worth’ oía una frase que decía algo así como “derribaron el puente por el que luchabas, no a ti”. Pues algo así sucede en esta película. A la protagonista se le ha muerto el marido, pero su familia demanda que ellos siguen ahí y que ella si está viva. Ese abandono familiar al que se somete el personaje de Juana Acosta tiene repercusiones que tanto actriz como directora plasman muy bien. Cual exploradores dirigiéndose a la Isla Calavera la protagonista se aísla encaminándose a un enfrentamiento con miedos de carácter monstruoso. Claudia Pinto ha sabido manejar muy bien la prisión que supone nuestra propia mente cuando se niega a aceptar lo sucedido.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Las consecuencias. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Claudia Pinto Emperador. Guion: Claudia Pinto Emperador, Eduardo Sánchez Rugeles. Música: Vincent Barriere. Fotografía: Gabriel Guerra. Reparto principal: Juana Acosta, Alfredo Castro, María Romanillos, Carme Elías, Sonia Almarcha, Héctor Alterio. Producción: N279 Entertainment, Potemkino, Radio Televisión Española, Sin Rodeos Films España. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama, misterio. Web oficial: http://www.sinrodeosfilms.com/las-consecuencias/

Crítica: ‘El club del paro’

Sinopsis

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Cada mañana, sea el día que sea, Fernando (Carlos Areces), el Negro (Eric Francés), Jesús (Fernando Tejero) y Benavente (Adrià Collado), cuatro amigos, se reúnen en un bar a tomar unas cañas y arreglar el mundo a su manera: criticando y despotricando contra todo y contra todos. Tienen algo en común, están en paro, bueno… todos, menos uno.

Crítica

Fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro

Si hay algo que nos caracteriza a los ciudadanos españoles es el tomarnos la vida a guasa y el creernos más listos que nadie. Todos decimos que los taxistas siempre dicen saberlo todo, pero nadie se libra de ejercer de cuñado. Éstos factores son la nota predominante en ‘El club del paro’.

La nueva comedia de David Marqués, que parte de un cortometraje que hizo en 2013 reúne al mismo reparto salvo que incluye a Fernando Tejero en lugar de a Alberto San Juan. Se amplía la historia y vemos mucho más allá de lo que es la reunión diaria que tienen estos cuatro “amigos”. Amigos que hay que entrecomillar porque literalmente se desprecian y se tienen cariño a la vez. Así lo demuestran en las conversaciones que tienen sentados en la mesa de su nuevo Bar Rami (¿Cómo guiño a Sam Raimi?) y en las entrevistas que les hacen al más puro estilo confesionario Gran Hermano de parroquianos.

Cada uno de los protagonistas tiene una personalidad radicalmente distinta y uno solo he atinado a comprender que son amigos por el hecho de encontrarse en situación de desempleo, salvo uno de ellos. Estaría bien saber el origen de su amistad pero viendo la película creo que más bien nos quieren relatar el final, ya que no hacen más que tirarse los trastos a la cabeza. Esas riñas que tienen entre ellos nos traen cómicas situaciones alimentadas sobre todo por malentendidos a la hora de captar la intencionalidad o palabras que se dicen los unos a los otros. Algo muy similar a lo que le pasaba a veces a Javier Gutiérrez y su equipo en ‘Campeones’, película que también escribió David Marqués.

Pero además de la comedia que tiene, ‘El club del paro’ aprovecha para hacer muchísima crítica social tocando un montón de palos. Bien es cierto que algunos gags no llegan a hacer efecto, pero sin embargo si se consigue hacer mofa de la más reciente actualidad. No solo se toca el tema político, muy bien encarrilado para no alinearse con absolutamente ninguna vertiente de pensamiento, sino que también es capaz de reírse bastante de la pandemia que aún hoy en día no hemos superado. Está muy presente el concepto de negacionismo, el papel higiénico, las mascarillas, el 5G, las conspiraciones, el teletrabajo, los chinos que comen murciélagos… Si nunca habéis oído nada acerca de teorías de reptílianos o illuminati David Marqués y su equipo os van a acercar a ellas.

Básicamente en lo que consiste el club del paro es en mostrar cómo somos los españoles, quizá en un punto algo extremo, claramente orientado a la parodia, pero estoy seguro de que va a conseguir alinearse con todos aquellos que están o han estado en situación de desempleo de larga duración. Es el papel de Carlos Areces es el que mejor nos acerca a ese sentimiento de indignación e incluso envidia que se siente cuando uno tiene una vocación o profesión y se ve en la cola del SEPE.

Este no es un filme político, ni mucho menos. Es una película sarcástica y caricaturesca de esos españoles que llevan un parroquiano dentro. Si, se citan episodios conocidos como el de los sobres de Bárcenas pero ya os digo que os vais a quedar más con el concepto de “ensobrar” que tiene Tejero.

Los personajes de la película son de esos que pasan de querer comerse el mundo a que el mundo no se los coma. Salvo el de Adriá Collado que interpreta a alguien más noble que los borricos en contraposición del jeta que encarna Eric Francés. Fijo que todos tenéis en vuestro grupo al buscavidas, el honesto, el paranoico y el que se hace el íntegro, fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Duración: 87 min. País: España. Dirección: David Marqués. Guion: David Marqués. Música: Muchachito Bombo Infierno. Fotografía: Guillem Oliver. Reparto principal: Carlos Areces, Fernando Tejero, Adriá Collado, Eric Francés, Antonio Resines, Carmen Ruiz, Javier Botet, Fernando Colomo. Producción: Sunrise Pictures Company, Telespan 2000. Distribución: Vértice Cine. Género: comedia. Web oficial: https://sunrisepictures.es/el-club-del-paro/ 

Crítica: ‘Josee, el tigre y los peces’

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Josee es una chica que ha estado postrada en una silla de ruedas desde su infancia y habita en su propio mundo de pinturas, libros e imaginación. Un día, cae por una pendiente y solo la oportuna aparición de Tsuneo evita que se estrelle contra el suelo. Tsuneo estudia biología marina con el sueño de ver algún día a un pez fantasma que vive únicamente en México.

Como consecuencia de su encuentro casual, la abuela de Josee ofrece un trabajo a tiempo parcial a Tsuneo como cuidador de la muchacha. Aunque la egoísta y exigente Josee no le pone las cosas fáciles a Tsuneo, este decide no arrugarse ante ella.

Fruto de ese toma y daca, la distancia que separa los corazones de ambos se reduce y Josee decide saltar con Tsuneo al mundo exterior con el que solo había soñado.

Crítica

Un romance suavizado con la discapacidad motriz como herramienta narrativa

Una chica en silla de ruedas que vive con su abuela y un chico que trabaja en una tienda de buceo para costearse sus futuros estudios en México. Estos son los dos protagonistas de ‘Josee, el tigre y los peces’. Un cuento moderno que a priori podría parecer un mero romance o una historia sobre la accesibilidad en la gran ciudad, pero que tiene algo más que contarnos.

El relato corto de Seiko Tanabe cuenta ya con una versión de acción real que data de 2003 y es ahora la de animación la que llega a nuestros cines. ‘Josee, el tigre y los peces’ cuenta la historia de dos jóvenes cuyas vidas se cruzan fortuitamente. Él le salva la vida a ella (cosas que peca de reiterar el filme) y desde ese momento comienza una historia de descubrimiento, tanto personal como social.

Si conocéis la reciente película ‘A silent voice’ ya podéis haceros a la idea de qué tono lleva la historia de Kotaro Tamura. Es un filme melodramático con bastante jugo. En el caso de ‘Josee, el tigre y los peces’ sucede igual pero se aligera el toque romanticón, aunque hay un predecible triángulo amoroso, incorporando algo más de comedia al más puro estilo japonés.

La película abrió Annecy y la academia japonesa la nominó a mejor película de animación en 2020 y sabiendo el nivel que tienen allí ya es un gran mérito. Iba a ver el filme conociendo estos detalles por lo que la expectativa era alta. Y la verdad es que he visto otros animes recientes mejores, pero no me ha defraudado. Cierto es también que para que para disfrutar la película tienes que estar acostumbrado tanto a los animes japoneses como a los romances. Pero este no es un caso excesivamente tradicional en cuanto al estilo nipón ni llega a ser un romance empalagoso.

Su animación no se percibe tan digital como estrenos recientes del tipo ‘El tiempo contigo’ o ‘Promare’. La animación tiene toques muy tradicionales y se asemeja más a obras de los noventa. No obstante vemos en ella artificios realizados por ordenador, como muchos movimientos que simulan un travelling o un desplazamiento de grúa que aportan cierto dinamismo, sobre todo en un par de escenas que requieren acelerar un poco el ritmo. Tiene un trazo fino y suave, con colores casi pastel y a veces líneas difusas para darnos una imagen la mar de amable a la vista.

Como decía esta película va de algo más que el plantearnos una pastelosa historia de amor o de mostrarnos cuántas dificultades tiene una persona con movilidad reducida en su casa o a la hora de enfrentarse a la configuración arquitectónica de su entorno. ‘Josee, el tigre y los peces’ intenta abrazar la ruptura de barreras y con esto no me refiero a un bordillo excesivamente alto. Cada cual se pone impedimentos a su progreso o se haya encorsetado por rutinas. La película de Kotaro Tamura, imagino que también el relato de Tanabe también, nos empuja a dejar nuestra tópicamente llamada zona de confort y de lanzarnos a hacer aquello que pensamos que nos hará felices.

‘Josee, el tigre y los peces’ no es un título únicamente para amantes de la animación oriental. Puede entretener a todo tipo de públicos e incluso tal vez tocarles la fibra a aquellos más escépticos. Aunque se perciba a veces egoísmo en alguno de sus personajes es indiscutible que nos anima a levantarnos del asiento y alcanzar nuestros sueños.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Josee to Tora to Sakana-tachi. Duración: 98 min. País: Japón. Dirección: Kotaro Tamura. Guion: Sayaka Kuwamura. Música: Evan Call. Canción: Eve. Reparto principal (doblaje original): Kaya Kiyohara, Taishi Nakagawa, Matsutera Chiemi, Kengo Kawanishi, Lynn, Yume Miyamoto, Kazuyuki Okitsu. Producción: BONES, Shôchiku, Kadokawa. Distribución: SelectaVisión. Género: adaptación, drama. Web oficial: https://www.funimationfilms.com/movie/josee-the-tiger-and-the-fish/

Crítica: ‘Worth’

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Tras los atentados de 2001 contra el World Trade Center y el Pentágono, el Congreso nombra al abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) para dirigir el Fondo de Compensación a las Víctimas del 11 de Septiembre. Pero ¿cómo puede poner en valor las vidas perdidas?

Atrapado entre abogados que quieren demandar y los grupos de presión de las aerolíneas que quieren llegar a un acuerdo, Feinberg debe negociar con las familias de las víctimas. Cuando se enfrenta a Charles Wolf (Stanley Tucci), un organizador comunitario entre los afectados y cuya esposa murió en una de las torres, Feinberg empieza a conocer el coste humano de la tragedia.

Crítica

Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia

Pudiera ser que ahora que se cumplen 20 años del atentado de las Torres Gemelas en el 11 de septiembre podría parecer frívolo o comercial un estreno que trate precisamente sobre aquella tragedia. Pero ‘Worth’ llega, imagino que también para hacer caja, pero también para hacernos reflexionar sobre cómo algunas personas empezaron una lucha, no contra los talibanes sino contra su propio gobierno, tarando hacer entender lo incalculable de sus pérdidas.

Al igual que con ‘Spotlight’ los productores han procurado conseguir un filme analítico y punzante. Y es que frívolo es el cómo se quiso indemnizar a los familiares de los fallecidos. Personas que no tenían un cuerpo que enterrar y que sufrieron unas ausencias que a todos los niveles les trastocaron la vida.

El filme remarca que esos familiares serán los únicos en recordar realmente como eran los rostros de los que estaban en el World Trade Center el 11-S y lo hace ocultando sus caras en todos los planos. No busca dar pena a través de los muertos, sino a través de unos vivos que están muertos en vida con todo lo que están sufriendo. La burocracia siempre trivializa con sus tablas y números, con sus sistemas impersonales.

La película es sutil y respetuosa, sobretodo con los detalles escabrosos y intentando tener  las torres siempre en el plano más secundario. El atentado generó gran número de pequeñas historias y el abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) las tiene que escuchar para intentar hacer la labor que le han encomendado. “Worth” es “valor” en inglés. Al igual que hacemos en esta web intentamos no dar un valor cuantitativo al cine, si no cualitativo, sin puntuaciones. Lo mismo pasa con las indemnización y seguros de vida, nunca miran el lado humano y se basan en baremos generalizados que no se pueden aplicar a todos los casos, mucho menos a algo tan excepcional como un asesinato masivo. Es por eso que analizar la figura de aquellos que tuvieron que peritar lo sucedido resulta más que interesante.

El guionista, aunque suene a Frankenstein del aburrimiento, ha logrado una película cautivadora. Max Borenstein ha llegado casi siempre hasta nosotros con terror y fantástico a través de películas como ‘Gozilla’, ‘Kong: la isla calavera’ o la serie ‘The Terror’ pero demuestra que con un drama realista también se puede lucir. ‘Worth’ nos lleva por caras no conocidas de lo sucedido.

No se queda en lo superficial y va a los detalles. Complicada y peliaguda esta película y la tarea de quienes eligieron qué y a quién darle algo. Es por eso que tiene más mérito lo que ha conseguido Sara Colangelo con ‘Worth’. Más aún cuando tiene a su cargo a un peso pesado como Michael Keaton, quien a mi parecer actúa de un modo similar en casi todas sus películas y en esta se va a términos más fríos y menos de bufón o charlatán. Y es Stanley Tucci quien de verdad apunta alto con este filme. Su interpretación nos lleva a un personaje muy civilizado, dolido y ofendido, pero aun así sosegado. Tanto este personaje como ese tipo de personas son muy difíciles de encontrar y por eso su trabajo se encuentra dentro de lo raro y lo aplaudible. Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia. Representan dos caras de una misma realidad que dolorosamente tienen parte de razón.

Todos sabemos qué quieren las grandes empresas y no me gustaría verme en la situación de los protagonistas, pero no puedo dejar de pensar cuán hipócrita podemos llegar a ser los seres humanos al tachar de incalculable la vida de alguien y no obstante luchar por una compensación más alta. Mi reflexión es, si pensamos que todas las vidas son igual de incalculables por qué seguimos pidiéndole a alguien que las valorice. ‘Worth’ se mueve entre el dolor y los tiburones. No llega para resolver ningún misterio, simplemente para explicar una vez más cuan injusto o apático es nuestro sistema. Prueba de ello es la web que el personaje de Tucci tuvo que publicar para que modificasen el fondo de compensaciones. La tenéis disponible aquí, pero no entréis si no queréis haceros un gran spoiler.

Quizá leáis en esta crítica más reflexión que comentarios sobre la fotografía, montaje y demás. Pero es que su mérito está realmente en cómo nos hace replantearnos ciertas cosas entre aquello que tenemos asimilado como evidente. En ‘Worth’ vemos como el ser humano está sometido a uno de sus inventos, los números. Es por eso que trata sobre el valor de la verdad, de admitir realmente que lo que importa y lo que se busca son dos cosas distintas. Esto sucedía cuando cayeron aquellos rascacielos y aún se llevaban las torres de compact disc. Que tomen nota aquellos que trabajan en fondos de pensiones, bancos, seguros o similares pues todo lo deshumanizado que puede parecer lo que vemos en la película de Colangelo lo tienen día a día frente a las pantallas de sus ordenadores.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Worth. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Sara Colangelo. Guion: Max Borenstein. Música: Nico Muhly. Fotografía: Pepe Avila del Pino. Reparto principal: Michael Keaton, Stanley Tucci, Amy Ryan, Tate Donovan, Shunori Ramanathan , Laura Benanti. Producción: Anonymous Content, Higer Ground Productions, MadRiver Pictures, Paradise City Films, Riverstone Pictures, Royal Viking Entertainment, West Madison Entertainment, Wiffle Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://madriverpictures.com/movie/what-is-life-worth

Crítica de ‘Secretos de un matrimonio’

Tras las deprimentes bambalinas de un matrimonio en crisis

La miniserie ‘Secretos de un matrimonio’ viene a unirse al catálogo de HBO a partir del próximo 13 de septiembre. Cuidado con no confundir con ‘Historia de un matrimonio’ que es la de Netflix y aunque tienen cosas en común tanto su tratamiento como su historia son bastante diferentes.

‘Secretos de un matrimonio’ surge de una obra de Ingmar Bergman, de hecho su hijo Daniel Bergman figura como productor ejecutivo de la serie. Pero más que una adaptación diría que esta es una actualización de la obra que lanzó para televisión el famoso cineasta sueco en 1974. No he tenido oportunidad de verla pues no está disponible en ninguna plataforma pero me consta que en la original dos personas comienzan a cuestionarse su relación tras ver a una pareja de amigos discutir en una cena. Como poco esta serie introduce una referencia a eso en uno de los episodios.

Vida ordinaria, normalidad, común. Son adjetivos que le pegan a esta serie. Y es que la trama nos lleva a la historia de una pareja que se está desmoronando. Aunque más adelante repetiré que me ha aburrido soberanamente hay que reconocer que está bien hecha si lo que se pretende es ponernos en la piel de alguien que espía a dos personas mientras estas se encuentran en un bucle de complicidad, cariños, tensiones, discusiones, peleas y sexo y vuelta a empezar.

‘Secretos de un matrimonio’ habla mucho de la ruptura del techo de cristal bajo el que se encuentran a menudo las mujeres. Se hace hincapié en que en la pareja que interpretan Jessica Chastain y Oscar Isaac ella es la que trabaja más y lleva más dinero a casa. Pero más allá de eso sirve como manual para aquellas parejas que apenas hablan. Y es que la serie son charlas y más charlas, discusiones y más discusiones. Es totalmente conversacional y apenas tiene momentos que dependan de la acción. ¿Por qué digo que es como un manual? Pues porque a menudo descubrimos que en las relaciones no se habla, básicamente la gente se guarda sentimientos, pensamientos y secretos. Y así ha sucedido, que tras el confinamiento aumentaron las rupturas, aunque un buen dato es que los divorcios consensuados son más frecuentes.

No es la primera vez que el israelí Hagai Levi, creador de la serie, se mete en una historia de parejas o terapias. Es indudable que ha adoptado un sobrio estilo sueco y aunque no nos abrace con un drama existencialista si nos plantea como puede estar maquillada o tolerada una profunda crisis. Los protagonistas son dos cuarentones que se convierten en padres y se replantean su convivencia. La historia nos lleva por distintas etapas de ese conflicto sin apenas artificios visuales, lo cual hace de ‘Secretos de un matrimonio’ algo aún más monótono y en consecuencia realista.

El único mérito narrativo de esta serie es el que revela que ha sido rodada en época COVID. Así lo descubrimos pues cada episodio empieza mostrando al equipo de rodaje trabajando tras bambalinas, entre asistentes, técnicos, dobles de iluminación… Todos con mascarilla. Una manera de empezar con un plano secuencia estupendo que nos indica que nos vamos a colar en las bambalinas de una pareja, pero que después queda deslucido.

Soy de los que piensan en que la risa es más poderosa y que es mucho más difícil hacer reír que llorar. Por eso soy de los que llegan hasta a aborrecer las historias lacrimógenas. Por mucho que se edulcore o maquille el final es el caso de ‘Secretos de un matrimonio’. Que si, que está muy bien interpretada pero que tiene poco más objetivo que dejar un reguero de lágrimas, deprimente.

Crítica: ‘Mis funciones secretas’

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Otoño de 1989: mientras el muro está a punto de caer en Berlín, la policía secreta vigila a cientos de miles de personas en Suiza. Viktor, un policía de buen comportamiento, es infiltrado de incógnito en el Schauspielhaus de Zúrich por su superior Marogg para recabar información sobre la gente de izquierdas del teatro.

Cuando se enamora de la actriz Odile, la persona a la que debe observar, no hay vuelta atrás: debe decidir entre su misión y su corazón.

Crítica

‘Mis funciones secretas’ una función divertida y crítica de una época bastante complicada

Este viernes 10 de septiembre llega a nuestras salas ‘Mis funciones secretas’. Una divertida comedia sobre espionaje que nos ha gustado bastante.

Viktor es un policía en Suiza, correcto y que vive por y para su trabajo. Estamos en otoño de 1989 y mientras el muro está a punto de caer en Berlín. Suiza se encuentra en plena crisis social y se dedican a investigar a aquellos que tienen a favor de Moscú y el Pacto de Varsovia.

Aquí es cuando el superior de Viktor le manda infiltrarse en una obra de teatro como figurante, pues creen que alguno de los actores tienen intención de cometer algún atentado.

A partir de aquí, tendremos un serie de situaciones de las que nuestro protagonista tendrá que usar toda su inteligencia para poder salir airoso de ellas.

La película es divertida y sencilla, no trata de ser una película pretenciosa y eso es bastante bueno. Logra divertir y a la vez mostrarnos una crítica hacía esta época de desconfianza de los ciudadanos entre unos y otros.

Me ha encantado la manera de comparar el trabajo de espía con el de actor. A la vez de como vemos crecer a Viktor como persona. Se da cuenta de que la vida no es solo servir y trabajar, sino que hay mucho más fuera.

Dirigida por Micha Lewinsky y con guion de Plinio Bachmann, Barbara Sommer y el propio director, la película nos trae un reparto encabezado por Eva Bay, Philippe Graber, Peter Jecklin, Saladin Dellers, Thomas Douglas, Vera Flück, Urs Jucker o Kamil Krejcí, entre muchos otros. Todos ellos están en perfecta armonía en la película. Dando sintonía y realidad a la compañía de teatro que vemos en ella.

Si queréis ver algo para distraeros y pasar un buen rato sin necesidad de grandes efectos especiales ‘Mis funciones secretas’ es vuestra película. Con un guion ligero logra mantenernos pegados a la pantalla y disfrutar de las desventuras de Viktor.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Moskau Einfach! (One-way to Moscow). Duración: 99 min. País: Suiza. Dirección: Micha Lewinsky, Guion: Plinio Bachmann, Micha Lewinsky, Barbara Sommer. Música: Ephrem Lüchinger. Fotografía: Tobias Dengler. Reparto principal: Philippe Graber, Miriam Stein, Mike Müller. Producción: Langfilm. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: comedia, romance. Web oficial: https://moskaueinfach.ch/

Crítica: ‘Con quién viajas’

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Cuatro desconocidos quedan en el centro de Madrid para ir en coche a Cieza (Murcia), gracias a una aplicación de viajes compartidos. Durante el trayecto los pasajeros charlan sobre aspectos de su vida para romper el hielo. Todo fluye con normalidad, pero el conductor parece ocultar algo y se comporta de forma extraña. El viaje resultará muy surrealista, más divertido de lo que esperaban.

Crítica

Una sorpresa de viaje

Sorpresas reserva unas cuantas el viaje de ‘Con quién viajas’. Aunque esos giros o su esquema se pueden ver venir si uno está atento a las señales o si ha visto muchas películas, la obra dirigida por el debutante (en largometraje) Martín Cuervo termina siendo más agradable de lo que parecía, más traviesa y surrealista de lo que podría pronosticarse, siempre hay que confiar en el potencial de estas pequeñas propuestas.

Pequeña por número de reparto y por escasez de escenario. Solo cuatro viajeros reunidos por una app de viajes en un único coche que les lleva de la madrileña plaza de Las Ventas a la murciana localidad de Cieza. Una travesía que en tiempo fílmico se antoja largo pero que para el espectador se completa rápido.

La película nos junta a cuatro caras harto conocidas como son las de Salva Reina, Ana Polvorosa, Pol Monen y Andrea Duro. Precisamente esta cinta tiene un planteamiento similar a otra obra en la que ha trabajado Duro, ‘Perfectos desconocidos’: un único escenario, tensión, descubrimiento de secretos, toques de comedia, cruces de acusaciones, puesta en escena teatral… Claro está que aquí partimos del hecho de que los protagonistas sí que son desconocidos entre ellos y el toque de suspense lo tenemos desde el principio con las sospechas que levanta el personaje de Salva Reina. Ya de entrada sus miradas por el retrovisor pueden recordar a las de Russell Crowe en ‘Salvaje’ o a las de Joaquin Phoenix en ‘En realidad nunca estuviste aquí’, a si es que sospechas vais a tener sobre él.

‘Con quién viajas’ se basa en tensar aún más la situación que se vive cuando te montas en el coche de un desconocido. Las sospechas, los prejuicios, el nerviosismo o el desconcierto le juegan una mala pasada a estos personajes en más de una ocasión hasta que todo explota en ciertas revelaciones o confesiones. Tan ansiados están los personajes que pronuncian entrecortadamente o repitiendo frases, también proponiendo triviales maneras de pasar el trayecto que les queda. Por muy surrealista que acabe por ser su desenlace toda esa interacción entre ellos está plasmada de un modo que sí que se antoja real y ahí está la gracia.

‘Con quién viajas’ se presenta como buen visionado para el verano… o no. Si vas a irte de vacaciones y tu alternativa es reservar un asiento en un coche compartido esta película hará que te lo pienses dos veces. Este tipo de bromas como la que acabo de escribir es con el que juega ‘Con quién viajas’. Si por algo se pasa rápido es por el humor que tiene y la vis cómica de Salva Reina que se ríe aquí hasta de sí mismo jugando con su razonable parecido con Fernando Tejero.

Desde luego que el conductor que interpreta Reina peinado a lo Nino Bravo, con su cazadora vaquera retro y el afán por cantar a Los Brincos a grito pelado no da buen rollo. Pero hay que advertir que casi todos aquí tienen algo que ocultar. La película está bien contemporizada, sabe cuándo ir metiendo nuevos elementos y así jugar con la opinión y conciencia de quien la ve.

Que no pase inadvertido el como ‘Con quién viajas’ pone de relieve que nuestra huella digital nos hace totalmente rastreables. No sé si es algo voluntario o no, pero como moraleja me parece más beneficiosa que su lucha contra los prejuicios, que es válida, pero quizá más manida.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Con quién viajas. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Martín Cuervo. Guion: Martín Cuervo. Música: Iván Valdés. Fotografía: Pablo Bürmann. Reparto principal: Salva Reina, Ana Polvorosa, Pol Monen, Andrea Duro. Producción: Álamo Producciones, A Contracorriente Films, Neón Producciones Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, thriller. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/film/detail/con-quien-viaja/in-cinemas

Crítica: ‘Kate’

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Tras ser envenenada durante su último trabajo en Tokio, una despiadada asesina tiene menos de 24h para averiguar quién ordenó su muerte y vengarse.

Crítica

Un suma y sigue para las herederas de Sigourney Weaver y Linda Hamilton

Cedric Nicolas-Troyan vuelve a nuestras pantallas y lo hace a través de Netflix. El autor de desatinos como ‘Las crónicas de Blancanieves’, realizador también de efectos especiales en muchos títulos, ha orquestado un estupendo filme de acción a pesar de contar un libreto nada elaborado y poco intrincado.

¿Por qué me ha gustado Kate? Básicamente es una película de acción, pero es de las que gustan por ser sincera en sus pretensiones y además por añadir otra heroína más. En ‘Kate’ nos encontramos a un experimentado Woody Harrelson que ha de ejercer de mentor de la asesina que interpreta Mary Elizabeth Winstead, la cual es la protagonista absoluta de la cinta. Ciertamente nos encontramos con la paradoja de tener dos películas de acción con protagonismo femenino en la misma semana ya que en cines españoles se estrena también ‘Gunpowder milkshake’. En ambas propuestas la protagonista ha sido entrenada para matar desde que era una niña y en ambas también alguien se la juega y acaba compartiendo aventura con una joven a la cual ha trastocado la vida.

El punto de ‘Kate’ es que empieza rápido como una carrera de venganza a contrarreloj, a lo ‘Crank’, también con mucha acción pero sin el carácter soez de la película de Jason Statham. Como dije con ‘Altered Carbon’ y como acabo de mencionar en mi publicación sobre ‘Gunpowder milkshake’, lo que nos rodea aquí son los neones y los complementos cuquis rodeados de tiros y sangre.

Mary Elizabeth Winstead mola y punto. Es una actriz habitual del género fantástico y de acción, una de las responsables (junto a Samara Weaving, Bella Heathcote, Chloë Grace Moretz y demás) de que vayamos viendo diversidad de historias y de géneros en el cine. El papel que interpreta aquí podría haberlo hecho tanto una mujer como un hombre, como ocurre en las otras películas que he citado en esta crítica. A aquellos que están anclados en los 80 descubrirán con asombro que mujeres como Karen Gillan, Blake Lively, Michelle Rodríguez o Mary Elizabeth Winstead en este caso, pelean, se manchan de sangre… Puede que muchos consideren que estas son películas de acción del montón, pero al fin y al cabo con títulos así se han forjado otros héroes de acción a lo Van Damme o Norris. Creo que con estos estrenos se está sembrando la semilla que hará que dentro de unos años hablemos de las heroínas de acción del primer cuarto del siglo XXI, aquellas sucesoras de Sigourney Weaver y Linda Hamilton. Aunque la trama sea la mar de arquetípica, si te gustan los clásicos de acción te gustará ‘Kate’, no por ser condescendiente o igualitario, sino por que Winstead realmente vale como heroína de acción.

Y a parte de la acción trepidante y abiertamente violenta podemos disfrutar de otro factor, el visual. Se percibe cierto amor por la cultura japonesa por parte de Nicolas-Troyan. Por todas partes nos tropezamos con detalles otakus o escuchamos J-pop. La puesta en escena puede antojarse friki pero nos da momentos muy intensos y efectivos como la persecución en coche o la pelea entre los shōjis, la cual tiene tantos destrozos como el enfrentamiento del baño de ‘Misión Imposible – Fallout’.

Ese provecho visual que se le saca a la ciudad nipona es lógicamente obra del director de fotografía Lyle Vincent, el cual ha hecho trabajos como ‘Amor carnal’ o ‘Una chica vuelve a casa sola de noche’, títulos que te entretengan o no consiguen grabarse en tu retina. Nos hace pasear por el Tokio más moderno y oculto, ese que está repleto de luces, suciedad y entretenimiento. Si esta película tuviese cyberpunk podríamos decir que Winstead está interpretando a la Mayor Kusanagi de ‘Ghost in the shell’ en una sencilla misión de asesinato.

Como decía antes, las características de este filme son las mismas que han forjado a grandes estrellas del cine blockbuster. Un villano escondido tras un ejército de secuaces, una historia de venganza, una protagonista dura de pelar y una acompañante del tipo “dolor de cabeza”. Una aporta el “drama” y el músculo y la otra pone la comedia, el contraste habitual de las buddy movies.

Os animo a acercaros a Kate, una mujer que está vendida pero que no deja de ser letal. Animo también, desde este tremendamente modesto texto, a las productoras a seguir haciendo películas de acción como esta, sangrientas, bien coreografiadas y si puede ser, con algo más de historia o sorpresa.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Kate. Duración: 106 min. País: EE.U. Dirección: Cedric Nicolas-Troyan. Guion: Umair Aleem. Música: Nathan Barr. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Mary Elizabeth Winstead, Jun Kunimura, Woody Harrelson, Tadanobu Asano, Miyavi, Michiel Huisman, Miku Martineau. Producción: 87 North, Screen Arcade. Distribución: Netflix. Género: acción. Web oficial: ver en Netflix

Crítica: ‘Gunpowder Milkshake (Cóctel explosivo)’

Sinopsis

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Sam (Karen Gillan) tenía solo 12 años cuando su madre Scarlet (Lena Headey), una asesina de élite, se vio obligada a abandonarla. Sam fue criada por “La Firma”, el despiadado sindicato del crimen para el que trabajaba su madre. Ahora, 15 años después, Sam ha seguido los pasos de su madre y se ha convertido en una cruel asesina a sueldo, tan eficiente como leal. Ella usa sus «talentos» para limpiar los líos más peligrosos de “La Firma”.

Pero cuando un trabajo de alto riesgo sale mal, Sam debe elegir entre servir a “La Firma” y proteger la vida de una niña inocente de 8 años: Emily (Chloe Coleman). Sam solo tiene una oportunidad para sobrevivir: reunirse con su madre y sus letales socias: “Las bibliotecarias” (Angela Bassett, Michelle Yeoh y Carla Gugino).

Estas tres generaciones de mujeres deberán aprender a confiar las unas en las otras, enfrentarse a “La Firma” y a su ejército de secuaces, y hacer frente a todos aquellos que se interpongan en su camino.

Crítica

Esgrime tantas buenas armas como objetos hay en su atrezo

Como seguramente saltará el tema quiero zanjarlo desde las primeras líneas y dejar claro mi enfoque con esta película. ‘Gunpowder Milkshake (Cóctel explosivo)’ es un filme que ha sido escrito y dirigido por hombres (Navot Papushado y Ehud Lavski) y es una película de acción en la que el protagonismo es exclusivamente femenino y funciona la mar de bien sin necesidad de usar argumentos rancios o de tener a las actrices luciendo el palmito, abstenerse salidorros. Tiene un marcado carácter feminista y no lo disimula con sus frases o sus referencias a Janis Joplin, Virginia Woolf, Charlotte Brontë… E incluso poniendo a todos los hombres en el bando de los malos y tontos hasta el punto de ser capaces de llevar un martillo a un tiroteo, como vemos en una gran escena con traveling a cámara lenta.

Y el mejor favor que le podemos hacer a esta película es considerar esos argumentos en pro de las mujeres, pero disfrutarla de manera normalizada, como otra más. ¿Cómo otra más? Quizá eso sería introducirla en un saco de películas irrelevantes que no se merece. ‘Gunpowder Milkshake’ es un filme de asesinas que el israelí Navot Papushado ha cargado de tiroteos y de peleas. Pero dota al metraje de un estilo moderno que le permite mezclar violencia explícita con humor, además de muy buen ritmo. Eso nos lleva a equipararla con películas como ‘Kingsman’ en la que nos introducen en organizaciones secretas y quienes las protagonizan van matando con mucho estilo por todo el mundo. La trama nos mete en la vida de una joven sicaria (Karen Gillan) que tropieza en uno de sus trabajos y debe abrirse paso a tiros para sobrevivir.

Este es un mundo de parafernalia elitista y secreta en el que unos son los mandamases, otras las que se manchan las manos, otras quienes surten de armas a los asesinos… Y está el médico que ilegalmente remienda las heridas. En la consulta y en el parking de este doctor suceden unas de las escenas con mejor acción y comedia de todo el filme. ‘Gunpowder Milkshake’ se enreda y complica para la protagonista de un modo francamente típico, pero bien llevado. Es de esas en las que la heroína tiene un delatador talón de Aquiles que le hace encontrarse con diversas encrucijadas morales.

Gillan está bien en ese papel y se luce en las escenas de acción más que en películas como ‘Jumanji’ y se aproxima más a los movimientos que hizo en ‘Guardianes de la Galaxia’, donde en la piel de Nebula se batió el cobre y peleó unas cuantas veces. Al final el camino que recorre su personaje es similar al de la saga ‘John Wick’ y se cruza con el de la trama de ‘Léon, el Profesional’. Se percibe que hay bien de extras y no tenemos el nivel de coreografías que ejecutó Keanu Reeves o el engatusamiento que lograron Jean Reno y Natalie Portman con su química. Pero hay carisma y buenas proezas físicas.

Es uno de esos filmes donde la acción se consigue recreando peleas en las que cualquier objeto del atrezo puede servir del arma. Esto lo hemos visto también en la saga de Chad Stahelski o en ‘Equalizer’ y parece que es una dinámica que sigue funcionando. Más que decir que se tira de ingenio cabe mejor usar la expresión menaje armamentístico del hogar. Y lo que parece funcionar también es rellenar la escenografía de ciertos elementos visuales. Está claro que el siglo XXI ha rescatado los neones de los años 80 y los ha hecho suyos. Pero más allá de eso están los detalles “monos” que llevan tan letales personajes y que al estilo de la mochila de unicornios que lucía lucía por ejemplo Joel Kinnaman en ‘Altered Carbon’ dota al filme de algo de ternura que contrasta con la sangre con la que está todo salpicado. De ahí que veamos bolsas de gatitos, móviles cucos con forma de panda…

Prefiero no destriparos cuáles son los roles o cómo intervienen las otras integrantes del reparto. Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh y Angela Bassett son quienes además de Ralph Ineson y Paul Giamatti acaparan el foco de las cámaras. Simplemente basta decir que son actrices de armas tomar y en la película hacen honor a esa fama. Chloe Coleman es la pequeña actriz que apunta maneras y ya figura en repartos de películas como ‘Avatar 2’ o la nueva versión de ‘Dragones y Mazmorras’, anotemos su nombre.

Tiros, fracturas y cuchilladas no le faltan a ‘Gunpowder Milkshake’. Al margen del tema del feminismo me gusta cómo pone en relevancia casi de tapadillo su crítica hacia el ostracismo que le estamos haciendo como sociedad a la literatura. Y es que usa como un lugar perfecto para esconder armas, dinero, documentación falsa… los libros de una biblioteca pues en estos tiempos apenas nadie las pisa. No es que esta sea una película trascendental, pero ahí está el detalle contra el consumismo y el maltrato a las letras.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Gunpowder Milkshake. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Navot Papushado. Guion: Navot Papushado, Ehud Lavski. Música: Haim Frank Ilfman. Fotografía: Michael Seresin. Reparto principal: Karen Gillan, Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh, Angela Bassett, Paul Giamatti, Chloe Coleman, Freya Allan, Ralph Ineson, Adam Nagaitis, Ivan Kaye, Joanna Bobin. Producción: Studio Canal, The Picture Company, Studio Babelsberg. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, thriller. Web oficial: https://www.studiocanal.com/title/gunpowder-milkshake-2020/ 

Así es el regreso de ‘Lo que hacemos en las sombras’ con su T3

Nuestros vampiros favoritos se ven en una posición que nunca imaginaron

Desde este viernes 3 de septiembre podemos disfrutar en España de la tercera temporada de ‘Lo que hacemos en las sombras’ que se ha estrenado con doble episodio. Tanto la primera como la segunda supusieron una prolongación magnífica de la película de Jemaine Clement y Taika Waititi estrenada en 2014. La segunda incluso podemos decir que tuvo mejor acogida pues además de confirmar lo estupenda que es esta comedia vino a animar nuestros confinamientos.

Tras dos temporadas hilarantes no se puede decir mucho más. He de declararme fan de esta serie y con esto también puedo reconocer que con ella pierdo casi toda mi objetividad. A si es que si escribo esta crítica es por recalcar que han vuelto estos patéticos vampiros y por reincidir en mi recomendación de que veáis ‘Lo que hacemos en las sombras’.

Patetismo y absurdo. La dinámica de ‘Lo que hacemos en las sombras’ temporada 3 sigue siendo la misma. Las historias incoherentes siempre cuesta mantenerlas o finalizarlas. Pero Jemaine Clement está sabiendo desarrollar su locura, siempre se le ocurre algo para seguir con ella. Ya de por si contar con la premisa de unos torpes vampiros, socialmente nulos y conviviendo juntos parece disparatada. Pero la serie va siempre un paso más allá y nos han posicionado en tal punto de ilógica que está preparada para que cualquier cosa valga.

Y aún con todo esto no nos esperamos nunca lo que va a suceder. En la temporada dos Guillermo (Harvey Guillén) montaba una escabechina vampírica a raíz de sus genes heredados de los Van Hellsing. Si esta fuese una serie al uso imaginaríamos que nos espera un enfrentamiento entre los vampiros y el hasta ahora su fiel familiar. Pero la cosa no va por ahí. Nandor, Laszlo, Nadja y Colin Robinson se ven en una posición en la que jamás pensarían que estarían. Un lugar que les abre todo un mundo de posibilidades, que nos hace conocer más este mundo vampírico y que por supuesto consigue que nos partamos de risa, ya sabéis lo habitual con Taika Waititi.

Tras el gran número de cameos de las otras temporadas cabía esperar que en esta hubiese nuevas apariciones. Hay nuevos personajes y por supuesto cameos. En uno de los dos primeros episodios ya tenemos uno que a los fans de la película original va a encantar. Y se intuye que con cierto personaje oculto hay aguardándonos una cara conocida.

En resumen. Continúa el humor negro y ridículo con el que nació esta franquicia. Vemos más que nunca que los vampiros dependen de Guillermo pero a la vez que le tienen miedo. Y lo vemos como siempre, en forma de falso documental, cámara en mano y con entrevistas tipo confesionario. Visto lo visto, no me entra en la cabeza que ‘Lo que hacemos en las sombras’ pueda disgustarme, ni con un cambio de tónica ni eliminando a alguno de estos queridos personajes. Os recomiendo que le hinquéis el diente pues es una inyección de oxígeno.

Crítica: ‘El tubo’

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Tras subirse en el coche de un desconocido, Lisa se despierta en el interior de una estrecha tubería. En su brazo tiene un brazalete con una cuenta atrás. La joven no sabe por qué está allí, pero pronto comprenderá que deberá llegar a sus límites de resistencia física y psicológica para sobrevivir a esta trampa claustrofóbica.

Crítica

Más allá de lo metafórico o caprichoso se percibe una agradable intención de contar algo

Mathieu Turi no es un nombre muy conocido aún en España, pero pronto lo será. El director, que ha sido mucho tiempo asistente de grandes directores como Tarantino, inició hace no mucho una carrera en el campo de los largometrajes de terror y la calidad de sus trabajos está yendo a más. En esta web os hablamos de ‘Hostille’, un título donde una chica trataba de salir de un coche que era asediado por las inclemencias de un peligroso desierto y las criaturas que lo habitan. Con ‘El tubo’ se pone aún más claustrofóbico si cabe.

En este filme lo que sucede es que tras montarse en el coche de un peligroso desconocido despierta en un tubo. Intentará escapar de él, pero la situación se vuelve cada vez más y más extraña. Con esta premisa sobra decir que ‘El tubo’ recuerda a títulos como ‘Cube’, ‘Buried’ o las recientes ‘Tin Can’ u ‘Oxígeno’, de su compatriota Alexandre Aja. No esperéis trampas a lo ‘Cube’, las hay pero no tan sesudas o sanguinolentas. La protagonista interpretada por Gaia Weiss tiene un recorrido más arduo que el más difícil de nuestros lunes, pero el verdadero valor de esta película es su interpretación y las molestias que se han tomado en contar una historia.

Es fácil encerrar a una protagonista y hacérselas pasar canutas porque sí. Originalmente ‘Cube’ era algo por el estilo, más adelante con sus secuelas se desarrolló su discurso. Contaros la intencionalidad oculta de este filme sería romperos su gracia. Lo único que puedo decir es que a partir de determinado giro todos llegamos a una interpretación más o menos idéntica. Es innegable que ‘El tubo’ despierta curiosidad e intriga. Es enigmática, metafórica, a veces parece que un poco caprichosa con sus elementos, pero explicada al fin y al cabo. Donde causará más discrepancia de opiniones es con su ultimísima y desconcertante escena.

Y cuando me refiero en que se han tomado molestias en contar una historia también me refiero a la fotografía y el diseño de producción. Mathiew Turi ha contado con parte de su equipo habitual como el compositor Frédéric Poirier, pero para la historia es aún más importante la búsqueda de imágenes por parte del camarógrafo Alain Duplantier. El estudio de la escenografía planteada por el director es algo magnífico. Consiguen muy buenas tomas y agobiantes imágenes. La iluminación, que parte casi únicamente del brazalete implantado en la muñeca de la chica atrapada, esta logradísima.

Gratuita podría ser esta película por alguna escena ligeramente gore que tiene, con unos protésicos bastante conseguidos hasta el punto de dar nauseas. Pero ‘El tubo’ plantea situaciones más difíciles para la protagonista como esquinazos y meandros casi imposibles de salvar, por algo su título original es ‘Méandre’. Ahí es donde se percibe un gran trabajo físico de la protagonista, Gaia Weiss. Conocidas son sus interpretaciones en la serie ‘Vikingos’ y aquí no se queda atrás. Pero son aún mejores sus movimientos, casi de contorsionista.

‘El tubo’ se cuela en esas películas «tipo escape room” que tienen algo que aportar y que además nos habla de carreras en sentido ascendente. Prácticamente no tiene diálogos as si es que no dudéis en verla en versión original, apreciaréis más el sufrimiento de la protagonista, por morboso que suene.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de septiembre de 2021. Título original: Méandre. Duración: 87 min. País: Francia. Dirección: Mathieu Turi. Guion: Mathieu Turi. Música: Frédéric Poirier. Fotografía: Alain Duplantier. Reparto principal: Gaia Weiss, Peter Franzén, Romane Libert, Frédéric Franchitti. Producción: Fulltime Studio, Cinéfrance Studios, Equiltime, WTFilms, OCS, Alba Films, SG Image 2018, Cinéaxe, Ynns Interactive. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://fulltime.studio/meandre

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