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Crítica: ‘Dating Amber’

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Sigue los pasos de un chico y una chica, que fingen ser pareja para alejar los rumores sobre su orientación sexual que corren por el instituto. Ambientada en la Irlanda de los años noventa, la cinta es una conmovedora historia sobre dos adolescentes encerrados en una población que no les acaba de aceptar como son.

Crítica

Las guías de cambio social también pueden estar edulcoradas con humor

Podría adornar esta crítica de ‘Dating Amber’ con frases tópicas y típicas como “es una historia de autodescubrimiento” o “un paso hacia la madurez” pero considero sobre todo que ‘Dating Amber’ es una historia de reprimidos y amedrentados. Y eso no va solo por aquellos que temían salir del armario, va también por los abusones que aún sin conocerse a sí mismos criticaban a los demás por ser diferentes. La película de David Freyne se irgue como un buen ejemplo capaz de hacer que nazca reflexión sobre aquellos que ahora podemos considerar como artífices de acoso escolar.

El filme pone a la lesbiana protagonista (Lola Petticrew) como una machucho y al gay (Fionn O’Shea) como alguien debilucho. Son tópicos, manidos que poco a poco se va viendo que están llevados a ese extremo o estereotipo con el simple objetivo de devolvernos a ideas pasadas. ‘Dating Amber’ lucha contra el conservadurismo y lo hace desde la perspectiva de los años 90. Una época en la que Irlanda se debatía en aprobar o no los divorcios y en la que ya estaban presentes campañas contra el VIH no del todo bien enfocadas.

Además de ser una película con un evidente discurso a favor de la diversidad y pujando por la admisión de cualquier tipo de identidad, es una historia generacional de pardillos adolescentes y salidos. Otro aspecto llevado al extremo es la elevadísima lívido de los adolescentes irlandeses. Con ello se rompe el drama y se alcanza la comedia. ‘Dating Amber’ no tiene vergüenza y pinta penes por todas sus paredes y cuadernos. Es gracias a ese humor que se desmarca de filmes sensibleros o extremadamente dramáticos. No es todo lo hilarante que podría ser o no encaja con el humor que a mí me gusta pero reconozco que tiene cierta gracia.

Ya va tocando que artistas gays muestren en cines su visión sobre el tratamiento de la identidad de género en la sociedad. Lo de ‘Dating Amber’ no es novedoso pero puede alardear de tener director y reparto en el que encontramos a algunos que son abiertamente homosexuales. Esa manera de vivir abiertamente contrasta con la relación falsa que establecen los protagonistas para evitar que se sepa en el colegio que les gusta gente de su mismo sexo. Me parece una buena estrategia de combate.

Esta es una película que refleja esa época en la que nos íbamos tímidamente a escondidas a besarnos, fuese cual fuese la preferencia sexual. Al margen de preferencias amorosas o pulsiones sexuales es un filme que sirve de guía para adolescentes. Una película que acierta en la mayoría de sus planteamientos y que sobre todo hay que tener en cuenta que formará bloque educacional con títulos como ‘Con amor, Simon’, ‘Call me by your name’ o ‘Pride’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Título original: Dating Amber. Duración: 92 min. País: Ireland. Dirección: David Freyne. Guion: David Freyne. Música: Hugh Drumm, Stephen Rennicks. Fotografía: Ruairi O’Brien. Reparto principal: Fionn O’Shea, Lola Petticrew, Sharon Horgan, Barry Ward, Simone Kirby, Evan O’Connor, Ian O’Reilly, Emma Willis, Lauryn Canny. Producción: Screen Ireland, Altitude Film Entertainment, Broacasting Authority of Ireland, Radió Teilifís Éireann, Wrong Men, VOO, BE TV, BNP, Atomic 80, Particular Crowd. Distribución: Elamedia Studios. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.elamedia.com/Catalog/DATING-AMBER

Crítica: ‘Pequeños detalles’

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Envían a Joe «Deke» Deacon (Washington), el sheriff adjunto del condado de Kern, a Los Ángeles para lo que debería haber sido una tarea rápida de recopilación de pruebas. Pero Deke se ve envuelto en la búsqueda de un asesino en serie que aterroriza a la ciudad. El sargento del Departamento del Sheriff de Los Ángeles Jim Baxter (Malek) se encarga de dirigir la búsqueda del asesino. Impresionado con el instinto policial de Deke, consigue que colabore con él aunque no por el canal oficial. Mientras persiguen al asesino, Baxter no es consciente de que la investigación está sacando a la luz ecos del pasado de Deke, descubriendo secretos inquietantes que podrían poner en peligro algo más que su caso.

Crítica

Una buen manera de mostrar que algunos pequeños detalles pueden llegar a marcar

De la mano del irregular John Lee Hancock (‘Emboscada final’, ‘Al encuentro de Mr. Banks’) llega a cines ‘Pequeños detalles’. Una película dirigida y escrita por el cineasta texano, con un reparto de excepción ya que junta a actores con estilos diametralmente distintos. Un logro de dirección ya que consigue paliar los dejes de sus estrellas llevándoles a todos al mismo terreno.

Denzel Washington, Rami Malek y Jared Leto interpretan a tres personajes con una manera bastante concienzuda de tomarse la vida. ‘Pequeños detalles’ supone un pulso entre el carácter de los tres, una pelea por ver cuál de los tres personajes explota antes. El filme es bueno a la hora de hacer que nazca en nuestro pecho un grito que sirva de detonante, que traspase la pantalla. La meticulosidad y paciencia de los tres protagonistas parece que busca inquietar más y más al espectador y no cabe duda que contribuye a generar una atmósfera de alta tensión.

Ciertamente ‘Pequeños detalles’ podría ser un filme puramente noir si solo nos quedamos con su argumento. Una trama en la que un joven detective es ayudado por un alguacil que ocupaba su puesto de años atrás. Ambos intentan resolver unos crueles crímenes de mujeres que quedaron sin resolver a causa de lo cuidadoso que era su artífice. Es noir en cuanto a su ambiente y su fatalismo, en cuanto al carácter puro de sus comprometidos personajes. Pero se sale de esa corriente en cuanto ofrece tramas secundarias de sus personajes y momentos luminosos.

El misterio está sembrado, tanto por descubrir quién es el auténtico asesino como por conocer pormenores del pasado de todas las partes. Es por eso que ‘Pequeños detalles’ parecía que iba a ser una película que pidiese un visionado activo por parte del espectador. Pero no hay que estar al tanto de elementos ocultos o de imágenes fugaces para llegar a la resolución final. Es una película de almas oscuras y mentes detectivescas que nos van desentrañando abiertamente las soluciones. Lo más relevante para mí, las apariciones de libros como Flic Story y Helter Skelter. El significado de su título lo interpreto más bien como una reflexión a como un pequeño detalle puede marcar de por vida que a como un pequeño detalle puede resolver una historia.

Y a pesar de su nombre y sus cavilaciones la película nos deja con cierto suspense. Quizá el detalle más revelador, escondido o introducido a modo de huevo de pascua es que esta es una película de Warner Bros. y en determinado momento aparece una máquina de ‘Mortal Kombat’. Los diálogos son lo suficiente lúcidos como para mantenernos enganchados y hacer de este un viaje interesante, pero su resolución habría necesitado precisamente otros detalles que la enriqueciesen.

A parte de los buenos textos que han tenido que interpretar, el trío protagonista es el que levanta el filme. Todos pausados y pensantes, sin apenas acción en sus escenas. De todos ellos Rami Malek es el que más robótico actúa y Washington el único que se sale de la frialdad y aporta más sentimiento. Pero el que marca la diferencia y se sale más de sus papeles habituales es Leto con un personaje escalofriante, ominoso, burlesco y de peculiares andares. Entre alguno de ellos podría caer alguna nominación al Oscar.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Título original: The Little things. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: John Lee Hancock. Guion: John Lee Hancock. Música: Thomas Newman. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Denzel Washington, Rami Malek, Jared Leto, Natalie Morales, Terry Kinney, Chris Bauer, Joris Jarsky, Isabel Arraiza, Michael Hyatt. Producción: Gran via, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: drama, thriller. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/little-things

‘Fantasmas’, una serie de una mansión encantada que nos ha encantado

Una serie de Tom Kingsley llena de momentos divertidos

Nos llega ahora la serie británica ‘Fantasmas (Ghosts)’ y lo hará a través de Movistar+ desde el 26 de febrero. Una historia cómica, muy divertida, que está esperando estrenar su tercera temporada y que inicia su andadura en España. Debido a esto Movistar nos ha permitido ver el primer episodio y lo primero que debemos decir es… ¿Por qué no ha llegado antes?

‘Fantasmas’ es una serie con ese sarcasmo inglés que tanto se agradece en cuanto vemos que han sido capaces de desprenderse de la famosa sofisticación y refinamiento inglés. Una serie sin pelos en la lengua, que no por ello ha de considerarse de clasificación R, pero si que no tiene límites a la hora de ser descabellada o absurda.

Y para muestra su argumento. Una familia habita una gran mansión. Los Button velan por la Button House pero lo curioso es que no lo hace atemorizando a sus ocupantes, si no que cuidan y observan atentamente sus vidas, ya que todos comparten apellido, se preocupan porque su clan mantenga el hogar ancestral. Y eso es porque cada fantasma se ha ido incorporando con el paso del tiempo, son de diferentes épocas. Por eso tenemos un cavernícola, una dama cortesana, un militar del siglo XIX, un boy scout, un político, una mujer quemada por brujería… ¿Qué sucede? Pues que la última Button fallece sin descendencia y hereda la casa un familiar lejano, desarraigado, que quiere convertir el otrora majestuoso lugar en un hotel. Estando desacuerdo con esa transformación los fantasmas deberán aprender a asustar a sus nuevos inquilinos.

La comedia de esta serie viene sobre todo de la incapacidad y la torpeza de sus espectrales protagonistas. Llevan décadas e incluso siglos viviendo juntos en las tierras que han sido siempre de su familia y aun así no consiguen llevarse bien. Pero también son inútiles a la hora de asustar y esa absurda idea es de las que más juego dan. Absurda pero no única. En la famosa película ‘Ghost’ ya le pasaba eso a Patrick Swayze, no conseguía interactuar con el mundo de los vivos. A la ya clásica escena del movimiento de la moneda se le hace un guiño en ‘Fantasmas’.

Los guionistas Jim Howick y Mathew Baynton (que interpretan además a dos de los espectros protagonistas) desarrollan también sus gags a partir de las diferencias o contrastes que resultan evidentes nada más ver cómo va ataviado cada uno de ellos. Lo obvio es pensar que el enfrentamiento entre el mundo sobrenatural y aquellos que aún no se han ido al otro barrio es la principal arma de ‘Fantasmas’. Pero extrae muchas situaciones a partir de enfrentar los clichés de cada época.

En cierto sentido estos fantasmas tontorrones me recuerdan a los traicioneros hermanos de ‘Stardust’, son igual de bobalicones y se les coge cariño rápidamente. Pero a lo que más me ha recordado esta serie es al filme ‘El hotel de los fantasmas’, la película protagonizada por Steve Guttenberg y Daryl Hannah que nos enseñó el término esqueletear. Más allá del evidente símil que nos muestra su título, lo digo por el heterogéneo reparto y su capacidad para tomarse a broma el género fantástico de una manera bastante sana.

La serie tiene cierta candidez en sus argumentos y también algo de misterio, pues no sabemos si se acabarán llevando todos bien, si finalmente se convertirá en un hotel o simplemente por el hecho de ir descubriendo cómo murió cada uno de ellos. ¿Por qué el fantasma del político va siempre sin pantalones? Si toda la serie es como el primer episodio lo iremos descubriendo con sumo gusto.

Crítica: ‘Hail Satan?’

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Estrenamos en exclusiva este fascinante documental que indaga en la repentina popularización de un antiguo culto conocido como ‘El Templo Satánico’.

Crítica

Retrata con gracia a una sociedad hipócrita y reaccionaria

España necesita más satanistas. Si realmente los miembros de El Templo Satánico (TST) son como se les describe en el documental sarcástico ‘Hail Satan?’ España necesita más satanistas.

Seguramente esa afirmación suene alarmante pues el culto a Satanás siempre ha sido visto como un acto de maldad o de brujería. Pero lo que se define como satanismo moderno es básicamente un movimiento que busca simplemente ser la antítesis a lo establecido. Usan el nombre de Satán como el más antiguo de los rebeldes. El grupo liderado por Lucien Greaves promueve su causa más como un grupo político que como una religión, buscando en su máxima establecer herramientas de pensamiento crítico y estableciendo unos dogmas más propios de los Osos Amorosos que de una secta.

La película es el reflejo de una lucha por la ecuanimidad. Aquellos que tradicionalmente se han unido a sectas satánicas pertenecían a grupos selectos o marginales, igualmente El Templo Satánico se ha convertido en el paraguas bajo el que se cobijan muchas minorías que buscan únicamente un trato favorable e igual. Defienden la libertad, respetando la de todos, incluyendo la de aquellos que quieren ofenderse. Son un conjunto de personas que básicamente protestan contra los dogmas establecidos y lo hacen usando tácticas de provocación que van desde manifestaciones a misas negras muy particulares.

Yo soy ateo y agnóstico, pero defiendo este movimiento pues más que nunca en mi vida he visto como se vulnera la libertad de expresión. Tengamos en cuenta que escribo estas líneas estando vigente la Ley Mordaza y acaba de ser encarcelado Pablo Hasél. Tan paradógica es esta situación en un país que se supone que es democrático como aquello por lo que protestan los miembros del TST. En uno de sus actos más clamorosos de protesta han buscado instalar tras un capitolio una estatua de Baphomet. Y quieren hacerlo junto a otra de los 10 mandamientos queriendo señalar así que su país es plural y no confeso de una sola religión. Cómicamente aquellos que se exaltan por tal idea no saben que realmente adoran unas tablas que se popularizaron en ciudades de USA como parte de una campaña de márqueting por la película protagonizada por Charlton Heston en 1956.

Si habéis visto la versión de Netflix de ‘Sabrina’ seguramente os suene el Baphomet que ‘Hail Satan?’ muestra cómo se crea. El TST se tuvo que querellar contra la plataforma que le copió la estatua y Netflix admitirlo hasta el punto de ponerles en los créditos. Pues crédito es exactamente lo que requieren a las autoridades estos “creyentes” que llevan toda la vida creciendo bajo sesgos como el que pone de peligrosos o marginados a todos aquellos a los que jugamos a juegos de rol como D&D.

El tono del documental de Penny Lane no podría ser otro que burlesco. Los miembros del TST se tienen que considerar más sarcásticos que satánicos pues se tienen que reír para no llorar cuando solo les llueve odio. Aquí les veréis recoger basura en las cunetas con tridentes como medio para congratularse con la sociedad. Pero la directora también se muestra crítica pues toca algo tan arraigado como las religiones. ‘Hail Satan?’ muestra favoritismo hacia los protagonistas de esta historia, pero también encuentra puntos negativos como las confrontaciones surgidas entre sus miembros.

Todo esto me lleva de nuevo a la actualidad española pues tenemos otros grupos de semejante índole, como Podemos, en los que confluyen muchas corrientes de pensamiento con cosas en común, pero con puntos de divergencia. Obviamente no estoy tildando a la formación de Pablo Iglesias como un grupo satánico, el propio documental ya muestra que vincular el satanismo con políticas de izquierdas desembocó en el “in God we trust”. Pero si me alegra que quien pueda ver de verdad el auténtico propósito que hay tras todo esto se colocará en una nueva posición de análisis y pluralidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Título original: Hail Satan? Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Penny Lane. Música: Brian McOmber. Fotografía: Naiti Gámez. Reparto principal: Jex Blackmore, Chalice Blythe, Nicholas Crowe, Sal De Ciccio, Stu De Haan, Cecil B. DeMille, Dwight D. Eisenhower, Mamie Eisenhower, Michael Fischer, Courtney Francisco, Billy Graham, Lucien Greaves, Aurora Griffin, Mason Hargett, Chris Hayes, Charlton Heston, Shiva Honey, Malcolm Jarry. Producción: Hard Working Movies. Distribución: Filmin. Género: documental, comedia. Web oficial: http://www.magpictures.com/profile.aspx?id=bcab6d8f-9bd3-4402-90ac-1a008ccf7c47

Crítica: ’14 días, 12 noches’

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La adolescente hija adoptada de Isabelle muere en un trágico accidente. Un año después, y aún conmocionada por la experiencia, Isabelle regresa al orfanato vietnamita con la esperanza de volver a conectarse emocionalmente con su hija Clara a través de su tierra natal.

Immersa y abrumada, Isabelle inesperadamente se encuentra con la madre biológica de su hija, y juntas encuentran el cierre para seguir adelante.

Crítica

Un drama plagado de contrastes

Dado que casi todas las localizaciones de la película y sus actores provienen de Vietnam podríamos pensar que esta es una película de producción oriental. Pero nada de eso. ‘14 días, 12 noches’ es una producción canadiense que ha llegado a ser la mejor baza del país de América del Norte para los próximos Oscar.

Pero dando la vuelta a lo que acabo de decir, a pesar del origen el filme de Jean-Philippe Duval el carácter es del todo oriental. Ya no solo porque el escenario en el que transcurre todo nos transporta a un cine con tintes asiáticos, también por las formas tan pausadas de narrar, donde los silencios dicen mucho. La película establece una nueva relación entre los personajes de Anne Dorval y Leanna Chea que están ligadas en el pasado y que por causas del destino vuelven a encontrarse.

En esta cinta una madre pierde tras un trágico accidente a la hija que adoptó hace tiempo en el extranjero. Toma la decisión de ir a la tierra natal de la fallecida y encontrarse con su pasado, con su madre biológica.

‘14 días, 12 noches’ es un viaje o más bien una inmersión cultural que supone una introspección en un pasado desconocido que aun así forma parte de ambas protagonistas. Es una historia de palabras contenidas en la que la protagonista ha de tantear el terreno, tanto social como sentimental. La película se muestra interesante en las escenas en las que se ponen de frente las diferencias entre distintas culturas y nos plantea si es juicioso que la protagonista dé la fatídica noticia a la joven vietnamita.

Pero ese interés que consigue suscitar se diluye tras muchas escenas paisajísticas que rompen por completo el clima dramático. No obstante, hay que destacar que Attraction Images es la productora del filme y haciendo honor a ese nombre ‘14 días, 12 noches’ tiene imágenes cautivadoras. Tomas que establecen una correlación entre tierras tan diferentes y lejanas como Quebec y la Bahía de Ha-long. Lugares donde una naturaleza salvaje está siempre presente. Lo veo como una manera correcta de decir que ambas mujeres son distintas, pero tienen a la vez cosas en común.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Título original: 14 jours, 12 nuits. Duración: 99 min. País: Canadá. Dirección: Jean-Philippe Duval. Guion: Marie Vien. Música: Bertrand Chénier. Fotografía: Yves Bélanger. Reparto principal: Anne Dorval, Leanna Chea, François Papineau, Laurence Barrette. Producción: Attraction Images. Distribución: Adso Films. Género: drama. Web oficial: https://adso.tv/ficha/4

Crítica: ‘Barrenderos espaciales’

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Año 2092. Cuatro inadaptados a la caza de chatarra espacial y sueños lejanos descubren unos inquietantes secretos cuando intentan vender a una humanoide poco común.

Crítica

Un título que podría haber barrido en taquilla

Una capitana, un tipo con flequillo, un robot, un hombre con rastas y una nave que se cae a pedazos. No, este no es el live action de ‘Futurama’, pero bien es cierto que tiene determinados puntos en común, como esos barrenderos (que no balleneros) lanzando arpones en medio del vacío. ‘Barrenderos espaciales’ probablemente sea equiparada a títulos como ‘Guardianes de la galaxia’ por sus acción, sus momentos cómicos y por el carácter buscavidas de los protagonistas. Y cuando me refiero a ‘Guardianes’ me quiero referir sobre todo al grupo de rateros llamados Ravagers.

Pero a lo que más se asemeja esta película coreana es a ‘Cowboy Bebop’, solo le falta la música jazz. Los héroes de esta historia llevan oculto su carácter de salvavidas y en su carcasa son supervivientes que hacen lo que sea por conseguir sus diferentes objetivos o motivaciones. Son un equipo que se enfrenta unido al nuevo orden mundial pero que individualmente no tienen casi nada en común. Aventurando un pronóstico de popularidad destacará sobre todo el tan bien realizado robot que además de tener una estética similar al que ya vimos en ‘Rogue One’ posee una personalidad que va desde lo sensible hasta lo macabramente letal.

Lo que nos plantea esta historia que en pantalla grande podría haber sido todo un bombazo de aventura es que el mundo está acabado. Arranca con un discurso medioambiental y nos sitúa en un futuro cercano en el que la humanidad cuelga de un hilo sujetado por una gran corporación dirigida por una especie de Elon Musk o Bill Gates interpretado por Richard Armitage (‘El Hobbit’). Nos preparamos para dar el salto a la vida fuera de la Tierra abordo de un mundodisco pero muchos se oponen ya que los principios corporativistas juegan a favor del elitismo. En medio de ese enfrentamiento otros viven a base de recoger la ingente cantidad de basura que orbita el planeta. Los protagonistas son parte de esos barrenderos espaciales, están arruinados y encima se ven metidos en una trama que les viene grande tras encontrarse a una niña en una nave a la deriva. El esquema sigue patrones bastante conocidos en el cine occidental.

‘Barrenderos espaciales’ tiene algún fallo de guión, como por ejemplo el que atañe a las constantes vitales de la niña, pero es bastante fantasiosa como para andar mirando con lupa esos detalles. Yo diría que incluso se ríe de sí misma haciendo de la niña una bomba de flatulencias. Es de esos filmes donde se impone el fantástico y no hay cabida a quejas sobre si los objetos suenan en el espacio o si queda por explicar alguna cosa sobre el villano.

Incluso pasaría por alto la extraña sensación al oír su inglés causada por la gran cantidad de intérpretes de otros países. Vemos una diversidad de acentos angloparlantes tremenda. Algo que por otro lado pienso que es intencionado pues la tierra de 2092 que imagina ‘Barrenderos espaciales’ está hecha de toda una mezcolanza de culturas.

Me a encantado todo el diseño de personajes y naves. Podemos observar además referentes clásicos y modernos. Algunas naves, por citar algo que me ha venido a la cabeza, se parecen a las de los Cylon de ‘Battlestar Galáctica’. Y los exoesqueletos de los agentes de la ley me parece que están bastante inspirados en ‘Chappie’. Incluso diría que las escenas en las que las naves recorren tubos de chatarra liándose a tiros rememoran a ‘Matrix’. Está claro que la película genera su propio universo visual pero no puede negar las fuentes de las que bebe.

El cine coreano ha puesto la vista en las estrellas y ya ha adelantado al de otros muchos países. ‘Barrenderos espaciales’ es de esas películas que se deja hasta el último cuarto en los títulos de crédito. Ya vemos como grandes nombres internacionales se acercan a las producciones coreanas y no es de extrañar cuando observamos con gusto que el diseño de producción, los efectos especiales o incluso la banda sonora no tienen nada que envidiar a las películas de Marvel Studios o Amblin Entertainment. Los responsables de los efectos especiales son aquellos que ya han llegado a España con títulos como la saga ‘Along with the Gods’, si os acercáis a esas películas veréis como se reafirma todo esto que os acabo de contar.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de febrero de 2021. Título original: Seungriho (Space sweepers). Duración: 136 min. País: Corea del Sur. Dirección: Sung-Hee Jo. Guion: Sung-Hee Jo, Seung-min Yoon, Yookang Seo-ae. Música: Kim Tae-seong. Fotografía: Byun Bong-sun. Reparto principal: Son Joong-ki, Kim Tae-ri, Jun Sun-kyu, Yoo Hai-jin, Richard Armitage, Park Ye-rin. Producción: Bidangil Pictures, Dexter Studios. Distribución: Netflix. Género: aacción, aventura, ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘The Map of Tiny Perfect Things’

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Basada en el relato de Lev Grossman, la película, dirigida por Ian Samuels, cuenta la historia del ingenioso adolescente Mark (Kylie Allen), quien vive felizmente el mismo día en un bucle sin fin y cuyo mundo se pone patas arriba cuando conoce a la misteriosa Margaret (Kathryn Newton), también atrapada en el bucle temporal. Mark y Margaret forman una pareja magnética que se propone encontrar todas las pequeñas cosas que hacen que ese día sea perfecto. Lo que sigue es una historia de amor con un giro fantástico, en la que los dos luchan por descubrir cómo, y si es posible, escapar de su día interminable.

Crítica

Tiene todos los puntos para convertirse en un clásico juvenil

Ha habido dos cosas de ‘The Map of Tiny Perfect Things’ que me inclinaron a enviar una solicitud para verla al departamento de prensa de Amaozn Prime Video. Una de ellas es Kathryn Newton (la actriz protagonista) y la otra el componente de ciencia ficción con todo el tema del bucle temporal. Y ambos componentes me han parecido suficientes como para sostener la narración de una película que termina siendo bastante más romántica o sensiblera que otra cosa. Quizá por buscar una mezcla entre género fantástico y tierno es por lo que se ha introducido por ahí de fondo la nave de E.T. ‘The Map of Tiny Perfect Things’ es una película muy simpática y ocurrente que además de saber ser lo justamente traviesa sabe explotar al máximo el lado emotivo de su título.

Newton trabajó hace poco en ‘Este cuerpo me sienta de muerte’, película que os recomiendo que veáis en cuanto se estrene. En ese filme estuvo a las órdenes de Christoper Landon, autor de la saga ‘Feliz día de tu muerte’. Quizá ambos ya sabían de este proyecto y el director le pudo dar algún consejo paradójico temporal. El caso es que tanto ella como Kyle Allen (el otro protagonista del filme) llevan con gracia esta historia que a pesar de estar ambientada en un día que se repite una y otra vez se hace cambiante y nada reiterativa.

‘The Map of Tiny Perfect Things’ trata acerca de dos chicos que sin saber por qué se ven encerrados en un bucle temporal viviendo una y otra vez el mismo día. Llevan tanto tiempo así que tienen oportunidad de memorizar todo lo que pasa, igual que Tom Cruise en ‘Al filo del mañana’. Así nos lo demuestran con un primer plano secuencia bastante bien hecho. A parte de con varios tramos de la película consistentes en llevar a cabo algunos sueños húmedos de todo adolescente. La cuestión es que acaban recorriendo su pequeño pueblo en busca de aquellos pequeños momentos perfectos que pueden ver repetirse una y otra vez, de ahí el mapa. Digamos que es como ir encontrando los secretos ocultos en un enorme videojuego del tipo sandbox, algo complicado pero que al fin y al cabo es meramente recreativo, una evasión del verdadero objetivo.

Lev Grossman ha desarrollado el guión a partir de un relato que escribió en 2016. Él mismo se moja y hace un cameo en la propia película siendo salvado de la siempre molesta mancha que producen las cagarrutas de los pájaros. Con esa “salvación” y con alguna imagen en televisión hace el guionista hace un homenaje a ‘Los héroes del tiempo (Time bandits)’ del fallecido Terry Gilliam, en la cual también había un mapa, este indicando la ubicación de agujeros temporales.

La edad de los protagonistas, la música, algunas escenas luminosas, secuencias muy videoclipistas, la historia de amor… Hace que esta película de Ian Samuels tenga todos los puntos para convertirse en un clásico juvenil. Al fin y al cabo la moraleja de la cinta gira en torno a la madurez, a aprender a dejar de evadirnos con trivialidades y afrontar la realidad. Nos cuenta eso y nos grita qué podemos hacer usando nuestros conocimientos para servir a la felicidad del resto.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de febrero de 2021. Título original: The Map of Tiny Perfect Things. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Ian Samuels. Guion: Lev Grossman. Música: Tom Bromley. Fotografía: Andrew Wehde. Reparto principal: Kathryn Newton, Kyle Allen, Josh Hamilton, Al Madrigal, Cleo Fraser, Anna Mikami, Teance Blackburn, Vanessa Padla, Jermaine Harris, Emmett Ferguson, Lily Lumpkin, Lisa VanAmburg, Douglas DeLisle. Producción: FilmNation Entertainment, Weed Road Pictures. Distribución: Amazon Prime Video. Género: ciencia ficción, romance, adaptación. Web oficial: https://www.filmnation.com/library/the-map-of-tiny-perfect-things

Crítica: ‘La Sra. Lowry e hijo’

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L.S. Lowry fue una de las figuras artísticas más importantes del Reino Unido de mediados del siglo XX y sus obras triunfaron por su visión única del noroeste industrial de Inglaterra.

‘La Sra. Lowry e hijo’ nos muestra la complicada relación que mantiene con su madre, una mujer que trató activamente de disuadir a su hijo soltero de perseguir sus ambiciones artísticas y criticó cualquiera de sus gustos.

Este poderoso, pero humorístico drama ambientado en los años 30 en Inglaterra, imagina el impacto que esta obsesiva relación entre madre e hijo tuvo en el gran artista.

Crítica

Un buen retrato de un pintor perfilado por su relación maternofilial

Las películas que retratan una relación maternofilial a menudo vienen vertebradas por un drama que ha marcado a alguna de las dos partes. ‘La Sra. Lowry e hijo’ no se queda atrás. Sin llegar a los extremos de ‘Psicosis’ o ‘Kaleidoscope’ esta producción británica refleja como una madre dejó huella en un pintor reputado y reconocido a una edad muy avanzada como es el caso de Laurence Stephen Lowry.

‘La Sra. Lowry e hijo’ no tiene ese título de manera arbitraria. La Sra Lowry era (o al menos así se la refleja en este filme de Adrian Noble) alguien controlador, caprichoso, quisquilloso, clasista y por qué no decirlo, muy mala enferma. Una de esas personas que más que querer vivir a través de su hijo le absorbe su tiempo y sus aspiraciones. Este largometraje se centra en la aceptación, en la visión que tiene cada uno de sí mismo y en la que puede tener del mundo.

A través de la entregada relación con su madre se realiza un retrato del pintor. Alguien que vivía una completa dicotomía en sus carnes. Dentro de casa estaba subyugado a repetir la palabra madre constantemente, viviendo por y para ella. Fuera muestra otro semblante y mira de manera juguetona las sucias calles del periférico Manchester industrial.

Casi imitando a los hermanos Lumière y para disgusto de su madre inmortalizaba en sus lienzos escenas de obreros saliendo de fábricas. Hablando en algunas ocasiones sobre la razón de ser de su vocación de pintor la película intenta hacer una estampa de lo que el artista intentaba reflejar. Pero lo más que llega a remarcar es que en sus inicios era alguien incomprendido, tanto en los círculos artísticos como en su propia casa.

Os pinto ‘La Sra. Lowry e hijo’ como una historia de amargura y así es. No obstante es capaz de transmitir cierta ternura. Eso lo logra a través de determinados momentos candorosos, sobre todo en su escena inicial y en aquellos en los que madre e hijo suavizan las formas. Pero también lo hace con unas tonalidades suaves, con colores blancuzcos y desgastados. Josep M. Civit (quien ha logrado también buenas instantáneas en películas como ‘Baby’ o ‘La vampira de Barcelona’) cuida de buscar símiles visuales para con las pinturas ahora expuestas en museos de prestigio, pero también de lograr trasladarnos a mediados del siglo XX. Consigue ser tan naif como el arte de Lowry.

Vanessa Redgrave y Timothy Spall llevan a cabo un duelo interpretativo en el que uno ha de interpretar a un personaje oprimido y la otra cambiar de humor como una veleta movida por el viento. Ni lo uno ni lo otro es fácil sin perder de vista los detalles de su personaje y a Spall a veces se le van los gestos y parece alguien con un desequilibrio mental más que una persona frustrada.

‘La Sra. Lowry e hijo’ es una historia de modestia con ciertos tintes teatrales, de hecho, surge de una obra escrita por Martyn Hesford. Más que como homenaje o acercamiento a L.S. Lowry la veo como una vía para llegar a aquellos que por agentes externos o internos se sienten encadenados o reprimidos.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de febrero de 2021. Título original: Mrs. Lowry & Son. Duración: 91 min. País: Reino Unido. Dirección: Adrian Noble. Guion: Martyn Hesford. Música: Craig Armstrong. Fotografía: Josep M. Civit. Reparto principal: Timothy Spall, Vanessa Redgrave, Stephen Lord, David Schaal, Wendy Morgan, John Alan Roberts, Michael Keogh, Joanne Pearce, Jon Furlong, Paul Bergquist, Amanda Higson, Jennifer Banks, Giselle Cullinane, Laurence Mills, Rose Noble. Producción: Genesius Pictures, IPG Media Pty, Library Films. Distribución: VerCine. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.genesiuspictures.com/mrs-lowry-son-1

Crítica: ‘Punto rojo’

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‘Punto rojo’ es un thriller de acción sueco ambientado en los Alpes escandinavos. Narra la historia de David y Nadja, una pareja a punto de cumplir los treinta cuyo matrimonio atraviesa dificultades. Cuando Nadja se queda embarazada, ambos tratan de salvar la relación y deciden viajar a los magníficos parajes del norte de Suecia para disfrutar de una excursión en la nieve. Pero, tras lo que empieza como una pelea con dos cazadores de la zona, su viaje romántico se convierte en una pesadilla. Al poco, un punto de láser rojo señala la tienda del matrimonio, que se ve obligado a huir al frío e implacable bosque. Ahora están los dos totalmente aislados en las montañas, perseguidos por unos cazadores desaforados. Además, durante esta sádica cacería, su pasado también regresa para atormentarlos.

Crítica

Crea una animadversión hacia sus protagonistas que se contagia a toda la película

Desde Suecia, rodada y ambientada en el país del norte de Europa, nos llega ‘Punto rojo’. Un filme de Alain Darborg que podréis ver en Netflix. Una de esas películas que pintan emocionantes pero cuya expectativa se desinfla rápidamente. Y eso sucede porque ella misma se encarga de adelantarnos una parte importante de la trama con una primera y premonitoria escena inicial. Con eso y con la inclusión de un perro en el elenco, ya sabemos cómo suelen acabar nuestros cuadrúpedos amigos. La verdad es que uno empieza a estar harto de tanta redundancia respecto al tema, sobre todo cuando hace casi un año tuvimos una Muestra SYFY con unos nueve perros muertos en diecisiete películas.

Aún con todo esto ‘Punto rojo’ se reserva una parte de suspense. Y es que lo que sucede es que una pareja en plena crisis se plantea una excursión para dar vidilla a su relación. Una acampada en plena nevada por los Alpes escandinavos. Y todo se tuerce cuando un punto rojo, una mira láser de un fusil, comienza a apuntarles procedente de la lejana oscuridad. En ese ambiente de total hostilidad tenemos un par de imágenes memorables, pero no lo suficientes como para decir aquello de “al menos tiene buena fotografía”.

‘Punto rojo’ tiene pistas, pero realmente no sabemos quién está acosando a nuestros dos protagonistas. Y se agradece la sorpresa que da paso al último acto del filme. Pero también nos habría llenado el tener más detalles relacionados con lo que sucede pues Darborg tira de todo un deus ex machina para resolver su entuerto. Hace poco vimos ‘Salvaje’ en cines, donde Russell Crowe perdía los estribos por un lance que se envenenaba más y más. Aquí sucede algo por el estilo pero intentando conservar quién es realmente la persona que se ha puesto en pie de guerra contra la pareja interpretada por Nanna Blondell y Anastasios Soulis.

Al margen de una evidente trama con racismo quiero creer que la película trata a cerca de las malas decisiones. De actos y consecuencias. De lo que nos puede repercutir el elegir bien a tu pareja, el concebir un hijo o algo tan simple como avisar de que has rayado el coche de alguien. Y en ese discurso me crea una total apatía por los protagonistas que me parecen emocionalmente incompetentes. A si es que si la intención de los guionistas era que sintiésemos animadversión por los personajes principales, misión conseguida.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de febrero de 2021. Título original: Red Dot. Duración: 85 min. País: Suecia. Dirección: Alain Darborg. Guion: Alain Darborg, Per Dickson. Música: Carl-Johan Sevedag. Fotografía: Benjam Orre. Reparto principal: Nanna Blondell, Anastasios Soulis, Tomas Bergström, Kalled Mustonen, Johannes Bah Kuhnke, Thomas Hanzon, Anna Azcárate. Producción: SF Studios. Distribución: Netflix. Género: suspense, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Mi primo’

Sinopsis

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Pierre (Vincent Lindon) es el consejero delegado de un gran grupo familiar. Cuando está a punto de firmar el trato del siglo, debe resolver una última formalidad: lograr la firma de su primo Adrien (François Damiens) quien posee el 50% de la empresa. Éste es un soñador idealista algo gafe que, sin embargo, está muy feliz de reencontrarse con Pierre y solo quiere pasar tiempo con él y retrasar la firma. Pierre no tendrá otra elección que embarcarse con su primo en un turbulento viaje de negocios donde su paciencia será seriamente puesta a prueba.

Crítica

Más candorosa que cómica, lo suficientemente amena

¿Tenéis a ese amigo o familiar que solo te visita o te contacta por cochino interés? Ese que solo os busca para que le arregles el ordenador, le ayudes con la declaración de la renta o le hagas un apaño en su casa. Pues imaginad si fuese un primo que solo te quiere por las acciones de la empresa familiar que comparte contigo y que encima te llama loco a tus espaldas. Eso es lo que pasa en ‘Mi primo’. Un empresario de éxito ha llevado a lo más alto la empresa de su abuelo, pero para seguir teniendo el control de ella necesita que cada cinco años su primo, un hombre que se sale de lo “mentalmente normal”, firme un acuerdo.

Esto que suena de lo más crápula es una comedia. Y lo es sobre todo por cómo chocan ambos protagonistas. Tenemos a un hombre de negocios, irascible, perfeccionista y caprichoso que intenta mantener las formas junto a su primo que es excéntrico y ha empleado el dinero de su fortuna en experimentar por todo el mundo. Si no fuesen familiares y fuesen amigos la llamaríamos estrictamente una buddy movie.

‘Mi primo’ es una de esas comedias obvias, de manual. De esas que sabes que va a tener su parte de conflicto, de redención y de catarsis. Pero se deja ver. Nos causa y aporta las mismas sensaciones que títulos del estilo ‘Intocable’ o ‘Toy story’, salvando las diferencias claro está. Sobre todo hay que tener en cuenta que tiene un guión muy humano y no por eso descuida sus locuras. Aunque yo no habría echado de menos un poco más de descontrol para poder materializar una metáfora que usa el propio filme, dirigido por Jan Kounen por cierto. Se hace un símil con una palomita, que cuando estalla rebota de manera caótica por todas partes.

Pues esa es la chispa que le ha faltado, dejarse llevar y explotar. ‘Mi primo’ se convierte en su tramo central en toda una road movie y es ahí cuando más nos reímos, cuando se lleva a los personajes al límite. Pero por lo demás tiende a inclinarse hacia lo sensiblero.

Tanto François Damiens, en el papel del inestable primo, como Vincent Lindon metido en el traje de estirado presidente forman buena pareja y nos hacen creer sus personajes. Quedan encorsetados por un guión que peca de no ser lo suficientemente desinhibido y estar demasiado contenido. Hay que remontarse en el tiempo y recordar que Kounen es el director de películas como ‘Doberman’ o ‘Vibroboy’ para darse aún más cuenta de cuán loco podría haber sido el resultado de este filme. Aunque en algún momento se deslengua y nos brinda frases del tipo “parece que hablo inglés como un español”, así, gratuitamente.

El roce hace el cariño. Sabemos cómo suelen acabar estas películas. ‘Mi primo’ no innova dentro de su género, pero invita a acercarnos desinteresadamente a los nuestros y a ser más abiertos de mente y/o tolerantes. No sé si en Francia se usa la expresión “ser un primo” pero le viene como anillo al dedo.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2021. Título original: Mon cousin. Duración: 107 min. País: Francia. Dirección: Jan Kounen. Guion: Jan Kounen, Vincent Lindon, Fabrice Roger-Lacan. Música: Anne-Sophie Versnaeyen. Fotografía: Guillaume Schiffman. Reparto principal: François Damiens, Vincent Lindon, Pascale Arbillot, Alix Poisson, Olivia Gotanègre, Lumina Wang. Producción: Eskwad, Pathé, TF1 Films Productiokns, Umedia, Canal+, Ciné+, Télé Monté Carlo, TFX, uFund. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/mi-primo/

Crítica: ‘Malcolm y Marie’

Sinopsis

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Sam Levinson trabaja con Zendaya y John David Washington en este drama profundamente romántico donde un cineasta y su novia vuelven a casa tras asistir a la fiesta de un estreno de cine que él cree que será un gran éxito de crítica y público. Pero entonces afloran ciertas revelaciones sobre su relación que ponen a prueba la solidez de su amor, y de pronto la noche cambia por completo. Junto al director de fotografía Marcell Rév, Levinson crea una película muy singular, una oda a los grandes idilios de Hollywood, así como una sincera expresión de fe en el futuro del sector.

Crítica

‘Malcolm y Marie’ una historia de un amor demasiado tóxico

El 5 de febrero de 2021, llega a Netflix, ‘Malcolm y Marie’. La nueva cinta de Sam Levinson (‘Nación salvaje’). En la que unos fantásticos John David Washington y Zendaya nos muestran una historia de amor tóxico.

La película rodada en blanco y negro, es de las primeras en ser rodadas en medio de la pandemia, con todas las medidas de protección necesarias y con el beneplácito de la Academia.

El resultado es bastante teatral, nos encontramos en una misma localización, una mansión acristalada, con la que se juega mucho. Miradas a través de cristales, reflejos en los espejos. Maneras de atraer nuestra atención y a la vez experimentar los sentimientos de los protagonistas.

‘Malcolm y Marie’ es ante todo una gran discusión entre dos enamorados. Un director que acaba de presentar su película y que está pletórico. Su novia, que quiere que tenga los pies en la tierra, se lo pone muy complicado en su gran noche. Todo esto mientras esperan las primeras críticas de la película.

Los celos, el odio, rencores pasados, malas interpretaciones y palabras que nunca se deben decir, van saliendo por la boca de estos dos personajes que no sabes muy bien por qué están juntos.

Una película muy bonita visualmente, Marcell Rév, nos lleva hasta el fondo de los personajes gracias a sus miradas. Como he dicho, esas miradas a través de los reflejos, esos gestos y medias sonrisas cogidos por la cámara y el buen ojo de este director de fotografía.

Y la música, tan bien utilizada en la película, canciones de perdón, con las que intentan el uno al otro mandarse mensajes en los momento más tediosos de la gran discusión.

Y como he comentado al comenzar la crítica, ellos dos. Zendaya, natural e incisiva. Se come la cámara y a su compañero. Ese odio y a la vez amor hacia su contrincante es maravilloso.

Mientras que el personaje de John David Washington, intenta salir del atolladero en el que se ha metido. Sí que es cierto que en el tema actoral, Washington, nos da una representación mucho más teatral y menos natural. Pero tampoco desentona demasiado y nos muestra un tanto esa prepotencia que el mismo tiene al ser un hombre del espectáculo.

Si que quizás la película termina siendo bastante tediosa. La confrontación entre ambos termina girando sobre el mismo tema durante los 106 minutos de duración y no avanzan demasiado.

‘Malcolm y Marie’ no es una mala película, pero al final me quedo con el ejercicio visual y sonoro que con la historia que me están contando.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de febrero 2021. Título original: Malcolm and Marie. Duración: 106 min. País: Estados Unidos. Dirección: Sam Levinson. Guión: Sam Levinson. Música: Labrinth. Fotografía: Marcell Rév. Reparto principal: Zendaya, John David Washington. Producción: Little Lamb, The Reasonable Bunch. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81344370

«Nombre en clave Maverick», WikiLeaks y el franquismo

Patxi Basabe nos trae “Nombre en clave Maverick”. Una historia conspiranoica llena de intrigas y traiciones. Un documental del cual podéis participar a través de su web. Solo hay que leer su sinopsis para comprobar que este es un documental comprometido e interesante: Abril del año 2010. Una organización hasta entonces desconocida publica un video que da la vuelta al mundo y la sitúa en el punto de mira de todos los gobiernos. En él, dos reporteros de la agencia alemana Reuters fallecían bajo el fuego de sendos helicópteros estadounidenses durante la guerra de Irak. De esta forma salta a la palestra WikiLeaks, creada por el periodista y programador Julian Assange en 2006. Los cables diplomáticos divulgados por el sitio web dejan en evidencia la política exterior de los Estados Unidos comprometiendo años de historia adulterada y de propaganda en cientos de países, entre los que se encuentra España. WikiLeaks desclasifica unos cables pertenecientes a la época denominada postfranquismo y transición, que nombran a una persona como enemiga acérrima de Francisco Franco, un agente que actuaba de forma independiente y que luchó por la libertad política en España. Libertad que a día de hoy sigue secuestrada. Su nombre en clave era MAVERICK.

Ximo Amat, productor de la cinta nos cuenta: “Decidí ponerme manos a la obra con este trabajo tras escuchar en internet un programa de radio que trastocó todo mi concepto, todo lo que me habían enseñado, o había leído, sobre la transición. De hecho, no lo afirmaban dos personas sin criterio, hablamos del coronel Diego Camacho, y de un don Antonio García-Trevijano todavía desconocido para mí. A partir de ahí, seguí indagando por las redes, programas como La clave, apariciones en televisión, hasta que al poco tiempo salta la bomba. Se desclasifican los documentos de WikiLeaks que confirman totalmente lo que estos dos hombres debatieron en ese programa. En concreto, en relación a la figura de Trevijano. Lo tenía claro. Teníamos una gran historia, y debíamos de ponernos en marcha. Siempre que uno se mueve fuera del circuito comercial sabe a lo que se enfrenta. Entro otros muchos quebraderos de cabeza, a conseguir dinero puerta a puerta. Eso que ahora se llama crowfunding, y que es una colecta de toda la vida. Nos movemos bien en ese terreno, y como suele pasar, uno encuentra a verdaderos incondicionales como el director, Patxi Basabe. Un enfermo de las buenas historias y con una energía vital arrolladora. Gracias a todos ellos, hoy hemos estrenado este teaser. Es un día para estar radiantes.”

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