Crítica: ‘Háblame’

En qué plataforma ver Háblame

Sinopsis

Clic para mostrar

Cuando un grupo de amigos descubre cómo invocar espíritus utilizando una mano embalsamada, se enganchan a esta nueva sensación hasta que uno de ellos va demasiado lejos y abre la puerta al mundo de los espíritus, obligándoles a elegir en quién confiar: en los muertos o en los vivos.

Crítica

Para tratar sobre una mano no esgrime métodos manidos

Unos jóvenes australianos se juntan en fiestas nocturnas para emborracharse y experimentar cosas. Surge en esas juergas un juego retorcido con una mano de lo más espeluznante que comienza a hacerse famoso en las redes sociales. A priori esta parece la típica película en la que todo sale mal tras hacerse viral o flirtear con un juego tipo ouija. Y si, la cosa va por ahí, pero ‘Háblame’ sorprende no por lo que plantea sino por cómo lo plantea.

El tráiler no hace justicia a esta película que se vende como una más de terror adolescente. El hecho de haber sido distribuida en Estados Unidos por A24 ya debería darnos una pista de que lo que nos espera es distinto. A priori tenemos a una protagonista que busca encajar y es por eso que se arriesga con la aterradora mano como cualquier otro chaval que teme decir que no cuando le ofrecen su primera calada o su primer sorbo de alcohol. Pero ese detalle que nos habla de los típicos protagonistas inadaptados o que sucumben ante el subidón o la presión de la mayoría, cede protagonismo a los traumas de dicha protagonista.

Sophie Wilde es quien interpreta con un dolor crudo y una existencia desesperada a esta joven castigada. El guión esboza muy bien todo el calvario que está pasando la protagonista y ella lo ha representado como si este fuese un drama al uso. Pero obivamente abdicando ante la parafernalia paranormal y desarrollando así una historia que en paralelo trata el dolor, la culpa y la desesperación.

Danny Philippou y Michael Philippou (del canal de Yutube RackaRacka) son dos creadores de vídeos paródicos muy violentos. Su esencia se mantiene ahora que han debutado con ‘Háblame’. Sus vídeos son locos, como hechos entre amigos para echarse unas risas y ser lo más macabros posible. Al fin y al cabo la trama de este largometraje va de unos chavales que se juntan y graban por los loles, lo cual, desencadena actos violentos. ‘Háblame’ no es la típica película de adolescentes que se meten en un lío por llamar repetidamente a Bloody Mary o al Candyman. No les tenemos todo el metraje corriendo de acá para allá buscando desentrañar las normas de un misterio paranormal mientras dan gritos y reciben sustos. El planteamiento ha sido más bien el establecer una historia inquietante y tensa. Además se desarrolla una iconografía, lo cual no siempre es fácil hoy en día que hemos visto tantas y tanas historias de terror. Mención especial a las escenas de posesiones y a la primera secuencia que arranca muy fuerte.

El hecho de hacer ‘Háblame’ supuso a estos directores el rechazar un proyecto de Warner para el DCEU. Pero aún con todo y con eso sus vídeos y parodias han valido la confianza de Capcom para poner en marcha un nuevo live action de ‘Street Figther’. Se han adaptado muy bien al terror evitando caer en los esquemas clásicos o en los sustos fáciles. A ver si a la tercera va la vencida con esta franquicia y su estilo y adaptabilidad hacen honor a tan mítica franquicia de videojuegos. Mientras tanto nos queda una película que sino se hace popular en la taquilla se convertirá en un fenómeno de culto que pasará de mano en mano de igual modo que lo hace la mano de la ficción, valga la redundancia.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de agosto de 2023. Título original: Talk to me. Duración: 95 min. País: Australia. Dirección: Danny Philippou, Michael Philippou. Guion: Michael H. Beck, Danny Philippou, Bill Hinzman, Daley Pearson. Música: Cornel Wilczek. Fotografía: Aaron McLisky. Reparto principal: Sophie Wilde, Joe Bird, Alexandra Jensen, Otis Dhanji, Miranda Otto. Producción: Bankside Films, Causeway Films, Head Gear Films, Metrol Technology, Screen Australia, Talk To Me Holdings, The South Australian Film Corporation. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial: https://www.bankside-films.com/films/talk-to-me

Crítica: ‘Vampiro al rescate’

En qué plataforma ver Vampiro al rescate

Sinopsis

Clic para mostrar

El eternamente joven y siempre elegante Vladimir el vampiro inmortal, no ha podido encontrar una novia durante trescientos años. Ha intimidado, secuestrado y convertido a varias princesas en ranas, pero eso no ha facilitado el cortejo para el príncipe de las tinieblas. Mientras tanto, todo lo que la bella doncella Bárbara la Valiente hace es luchar contra los posibles pretendientes en la arena, pretendientes que solo codician su dote. Pero el Rey Lenteja descubrió cómo llegar a Barbara y es también el punto débil de Vladimir. Aunque olvidó tener una cosa en cuenta: a pesar de que tiene la vida y el corazón de Vladimir en sus manos, todavía hay espacio en su corazón para que el amor cobre vida …

Crítica

Mix de cuentos a lo Shrek pero con un humor tosco

Coger a los monstruos clásicos de la Hammer y darles una perspectiva suavizada, infantil e incluso ridiculizada no es algo nuevo. Famosos son títulos como ‘La familia Addams’, ‘Monster Squad’, ‘Hotel Transylvania’ o ‘La pajarería de Transilvania’ (para los más nostálgicos). Incluso en España tuvimos ‘Buenas noches señor monstruo’. Ahora en Rusia se atreven con este subgénero y aunque se percibe que falta mucho que aprender a la hora de exportar un producto al mercado internacional, la cosa no va mal encaminada.

En España esta película ha recibido el nombre de ‘Vampiro al rescate’, en el mercado anglosajón el título escogido se traduce como ‘Cómo rescatar al inmortal’ pero si traducimos literalmente el título ruso significa algo así como ‘Koschey. secuestrador de novias’. ¿Quién acude al rescate de quién entonces? Vaya jaleo a la hora de interpretar la trama y el título. Koschey es un ser mitológico de rusia que atemoriza a las jóvenes, que en parte es lo que hace Drácula tras seducirlas. Seguro que os suena ese nombre si habéis leído los cómics de Hellboy o si habéis visto ‘Sisu’. Esa es la baza que juega este filme para generar un argumento en el que Vladimir Drybone (Koschey) no es capaz de encontrar una esposa a pesar de llevar varios siglos intentándolo. Y cuando parece que va a tirar la toalla surge un problema que le pone a él en peligro.

Aunque parezca un tanto increíble hay que decir que esta película rusa empodera a la mujer coprotagonista, aunque el título en España se empeñe en deshacer lo andado. El protagonista es evidentemente esta suerte de Drácula pero acaba compartiendo pantalla con una imbatible guerrera. Aquí es donde vemos algunos detalles de feminismo condescendiente que pierden peso en cuanto se imponen los estereotipos de los cuentos de “dama en apuros”. Al margen de esos detalles que denotan un leve esfuerzo por sumarse a las corrientes actuales podemos observar que en ocasiones ‘Vampiro al rescate’ muestra visos de ser como un cuento de los Grimm pero acaba siendo un mix de lo más vago. La película está repleta de recursos facilones como el nombre de los esbirros Stocker y Bram, Barbara the brave, un mago villano oriental llamado Jafar o caballeros como Sir Lancelot.

Tanto el tono como la calidad de la animación son bastante básicos para la época. Aunque en ambos casos procura introducir detalles acaba siendo tremendamente infantil y de segunda división. Si hacéis una comparativa parece que estamos ante unos dibujos de los tiempos de la primera de Shrek. De hecho tiene algunos esquemas e individuos parecidos, como el personaje cargante que acompaña al protagonista, la mezcolanza de cuentos de hadas y un panecillo llamado jengibre que tiene peores chistes que los M&M’s de los anuncios. Puede que la traducción y el doblaje (que siempre hay que diferenciarlos) habrán jugado una mala pasada a esta película a la hora de trasladar sus gags. Pero al margen de lo que digan los personajes, el largometraje hace mucho uso de un humor físico que a veces incluso es un poco tosco, lo cual, hace que estemos aunque una buena oportunidad de mejora.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de agosto de 2023. Título original: Koshchey. Pokhititel nevest. Duración: 76 min. País: Rusia. Dirección: Roman Artemyev. Guion: Roman Artemyev, Genrikh Nebolsin. Música: Anton Silaev. Reparto principal (doblaje original): Viktor Dobronravov, Roman Artemyev, Elizaveta Boyarskaya, Anton Eldarov, Irina Savina, Nikita Kologrivyy, Elena Shulman, Vladimir Sychyov, Ekaterina Tarasova. Producción: CTB Films Company, KinoAtis. Distribución: Cinemaran. Género: comedia. Web oficial: https://ctbfilm.com/films/how-to-save-the-Immortal/

Tráiler y poster de ‘Mi soledad tiene alas’

En cines el 25 de agosto

Para los que no estén aún enterados, Mario Casas ha pasado a afrontar un reto tras las cámaras. ‘Mi soledad tiene alas’ es el nombre de la primera película que ha dirigido el hasta ahora actor. Todo queda en casa y esta producción que Warner Bros. estrenará en cines el 25 de agosto está protagonizada por su hermano Óscar Casas (‘Instinto’, ‘Jaguar’). Además la acción transcurre en le ciudad donde el director pasó su infancia. Mario Casas coescribe la historia junto a Deborah François.

Debutan en ‘Mi soledad tiene alas’ Candela González y Farid Bechara y además veremos a otros actores conocidos como Francisco Boira (‘La mala educación’) y Marta Bayarri (‘Félix’, ‘La riera’).

 

Sinopsis oficial:

En un barrio humilde a las afueras de Barcelona, Dan (Óscar Casas) y sus dos amigos, Vio (Candela González) y Reno (Farid Bechara), viven sin pensar en el mañana, entre fiestas y dando palos a joyerías. Detrás de su apariencia de pequeño delincuente, Dan esconde un artista con talento, y una sensibilidad distinta al mundo que le rodea. La reaparición de su padre, tras salir de la cárcel, despierta los viejos demonios de Dan, sumergiéndolo en una espiral de violencia que le obliga a huir y pone a prueba la amistad entre los tres amigos. Empieza un viaje de descubrimiento sin retorno para Dan y Vio, donde tienen que dejar atrás los niños que fueron, cambiando sus vidas para siempre. ¿Podrán escapar de su destino por amor?

Crítica: ‘Megalodón 2: la fosa’

En qué plataforma ver Megalodón 2: la fosa

Sinopsis

Clic para mostrar

En ‘Megalodón 2: la fosa’ vivirás una inmersión en aguas desconocidas con Jason Statham y el ícono de acción global Wu Jing que encabezan un audaz equipo de investigación en una misión que va a explorar las profundidades más abismales del mar. Pero su viaje se convierte en caos cuando un malévolo operativo minero amenaza su misión y los obliga a librar una batalla de alto riesgo por la supervivencia. Enfrentados a colosales Megalodones y a implacables saqueadores medioambientales, nuestros héroes deben correr más rápido, ser más astutos y nadar a mayor velocidad que sus despiadados depredadores en una trepidante carrera contra el tiempo.

Crítica

Jason Statham regresa a base de patadas a tiburones gigantes y mucha acción

Cuando se estrenó ‘Megalodón’ (aquí nuestra crítica) mucha gente renegó de ella, yo admito que la disfruté. En el visionado de ‘Megalodón 2: la fosa’ he podido ver que, aunque había mucha gente renegando de la primera parte si que venían con ganas de pasárselo bien con esta nueva entrega.

Dirigida por Ben Wheatley (‘Turistas’), la película se va un poco más a la serie B, además de que no se toma para nada en serio. Con un guion muy flojo, pero con mucho dinero por delante nos dan unas buenas escenas de acción, con humor tonto y eso sí, poca sangre y muchas muertes.

Volvemos a adentrarnos en las profundidades de océano, donde esta vez el mal no está en estos gigantescos animales, sino que como de costumbre aparece el ser humano por encima de todo.

Nuestro héroe Jonas Taylor, vuelve a ponerse en frente de una expedición que lleva todas las de perder, pero a través de grandes inventivas de los guionistas se irán salvando poco a poco.

Aunque esté diciendo que el guion es flojo y que hay muchas licencias por parte de los escritores de la historia, he de decir, que esto es lo bueno de ‘Megalodón 2: la fosa’ y es que como he comentado no quiere tomarse en serio y logra crear una película de entretenimiento puro. Llena de idas de olla, con un villano más rápido que el correcaminos y con un megalodón capaz de escapar del lugar más seguro del mundo, sin que salten las alarmas. Y los protagonistas van de ecologistas y están todo el rato matando a animales. Vale que son peligrosos y vienen a comérselos, pero quizás lo del ecologismo les sobraba un poco.

En el reparto encontramos caras conocidas de la anterior entrega, como, por supuesto, Jason Statham, Cliff Curtis, Shuya Sophia Cai o Page Kennedy, que es el que da la nota de más humor en la cinta, con su mochila al estilo Mary Poppins preparada para cualquier emergencia.

Pero también encontramos en el reparto a Sienna Guillory, Skyler Samuels, Kiran Sonia Sawar, Melissanthi Mahut.

Mencionar a Jing Wu que acompaña a nuestro héroe y se vuelven un gran tándem en las luchas cuerpo a cuerpo. Y a Sergio Peris-Mencheta, que nada tiene que envidiar en el físico de estos dos y nos muestra sus dotes de lucha en la película.

Como podéis ver he disfrutado como una niña con la película, de verdad, no es una maravilla, pero es lo que se espera de ella. Una obra con una historia muy típica que no necesita demasiada explicación, que simplemente ponen para meterte a tres megalodones, unos cuantos lagartos peligrosos y algún que otro monstruo más.

El CGI según que escena está mejor que otras. Si que es cierto que hemos visto la película en 2D y algunos planos son bastantes raros, ya que han hecho la película para verla en 3D, y son planos que seguramente con unas buenas gafas se disfruten bastante.

Poco más que decir de la película, como digo, si vais a verla al cine es que os gustó la primera y os puedo decir que os vais a divertir mucho más. Aunque haya cosas absurdas, da igual, al final estás viendo una película de tiburones extintos con los que los humanos se pelean a patadas, no puedes pedir algo demasiado serio de todo esto y es más, no quieres ver nada serio en ‘Megalodón 2: la fosa’, solo muertes y peleas con tiburones. 

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de agosto de 2023. Título original: Meg 2: The Trench. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Ben Wheatley. Guion: Dean Georgaris, Erich Hoeber, Jon Hoeber. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Haris Zambarloukos. Reparto principal: Jason Statham, Wu Jing, Sophia Cai, Page Kennedy, Sergio Peris-Mencheta, Skyler Samuels, Cliff Curtis. Producción: Apelles Entertainment, China Media Capital, Flagship Entertainment Group, Gravity Pictures, Maeday Productions, Warner Bros. Studios. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial: http://www.themeg.movie/

Prime Video estrenará la serie de Roland Emmerich

‘Those About to Die’ llegará en 2024

Prime Video lanzará la serie dramática histórica ‘Those About to Die’ del director Roland Emmerich (‘Moonfall’, ‘Independence Day’, ‘Godzilla’) en 2024 en España, Alemania, Reino Unido, Francia, Italia, Portugal, Países Bajos, Austria, Suiza, Irlanda, Polonia, Turquía, Andorra, Mónaco, Luxemburgo y Bélgica. La serie está inspirada en los libros de no ficción del mismo nombre escritos por Daniel P. Mannix, y contará con 10 episodios que sumergirá a las audiencias en el espectacular, complejo y corrupto mundo de las carreras de carruajes y luchas de gladiadores en la antigua Roma. Todos los episodios de ‘Those About to Die’ se estrenarán próximamente en exclusiva en Prime Video en los países mencionados.

La serie está protagonizada por el ganador de dos premios Oscar Sir Anthony Hopkins (‘El silencio de los corderos’) como el Emperor Vespasian, Iwan Rheon (‘Juego de tronos’) como Tenax, Tom Hughes (‘The English’) como Titus Flavianus, Sara Martins (‘No se lo digas a nadie’) como Cala, y Jóhannes Haukur Jóhannesson (‘Juego de tronos’) como Viggo. El reparto lo completan Jojo Macari (‘Sex Education’), Gabriella Pession (‘Crossing Lines’), Dimitri Leonidas (‘Rosewater, Renegados’), Moe Hashim (‘Ted Lasso’), Rupert Penry-Jones (‘Whitechapel’), Eneko Sagardoy (‘Élite’), Pepe Barroso (‘Gran Turismo’), Gonçalo Almeida (‘Amor Amor’), Kyshan Wilson (‘Under the Amalfi Sun’), y Alicia Edogamhe (‘Summertime’), entre otros.

Panem et Circenses – Pan y circo, Roma, año 79 d.C.: el centro del Imperio Romano es la ciudad más rica del mundo, y existe una gran afluencia de esclavos obreros del creciente imperio para encargarse del trabajo. Se mantiene a raya a población romana (aburrida, inquieta, y cada vez más violenta) gracias a dos cosas: comida gratis y entretenimiento espectacular, en forma de carreras de carruajes y luchas de gladiadores. ‘Those About to Die’ indaga en el mundo de los juegos, un mundo caracterizado por la sed de sangre, codicia por el dinero, ansias de poder, y corrupción. Las carreras en el Circus Maximus están controladas por cuatro autoridades propiedad de la aristocracia, las facciones Azul, Roja, Blanca y Verde, y las acciones de esas facciones son lo más valioso en Roma. Cuando el gusto del pueblo por el entretenimiento se vuelve más sanguinario, se diseñará un estadio especialmente para los combates de gladiadores: el Coliseo. La escala del estadio y los combates entre gladiadores y animales será enorme, así como el inframundo del floreciente negocio de las apuestas.

‘Those About to Die’, de los estudios AGC, ha sido encargada por High End Productions, el proyecto en conjunto creado recientemente por Herbert G. Kloiber y Constantin Film, junto al servicio de streaming Peacock, y está producida por Centropolis, Hollywood Gang y Street Entertainment. La serie está escrita por el nominado al Oscar Robert Rodat (‘El patriota’, ‘Salvar al soldado Ryan’), y dirigida por Roland Emmerich junto a Marco Kreuzpaintner (‘Beat’, ‘The Lazarus Project’). Los productores ejecutivos son Emmerich, Harald Kloser, Gianni Nunnari, Herbert G. Kloiber, Martin Moszkowicz, Oliver Berben, Jonas Bauer, Charles Holland, Stuart Ford, Lourdes Diaz, Charles Holland, Kreuzpaintner y Rodat.

Crítica: ‘Wolfkin’

En qué plataforma ver Wolfkin

Sinopsis

Clic para mostrar

Elaine, madre soltera perturbada por el comportamiento agresivo de su hijo Martin, visita a la familia distanciada de su difunto padre en la pequeña ciudad de Luxemburgo, que esconde una naturaleza mucho más oscura. Cuando se da cuenta de que Martin podría llegar a ser como ellos, Elaine se ve obligada a luchar desesperadamente por el futuro de su hijo.

Crítica

Una historia de licantropía diferente, circunscrita a los esquemas dramáticos

Jacques Molitor es el director de esta íntima y diferente historia de licantropía. Los protagonistas son una madre soltera (Louise Manteau) y su hijo (Victor Dieu), el cual se muestra introvertido, apagado y tiene impulsos violentos. Evidentemente la madre está preocupada ante los arrebatos agresivos de su hijo y para intentar resolverlo se refugian con los abuelos paternos, donde descubren una verdad que han de aceptar o combatir, de ahí que el título original de Wolfkin sea sea ‘Comunión’.

‘Wolfkin’ se circunscribe a los esquemas dramáticos europeos pero introduce detalles que nos van dando pistas de que esto va de cambiaformas (por si el título en inglés no era suficiente), de personas que tiene algo de canis lupus. Viene bien saber este detalle para así poder fijarse en todos los elementos que van apareciendo y los comportamientos que se manifiestan. Al final la cosa se pone más intensa y terrorífica, en algún momento retorcida, pero de manera bastante moderada.

Si en algún momento esta película llega al mercado español que no os tire para atrás el hecho de que sea de un país tan poco frecuente en nuestras carteleras como Luxemburgo. Utiliza el realismo de manera convincente, metafórica y ante todo original. El juego del filme es que los protagonistas no verbalizan en ningún momento cuál es el problema real que tienen entre manos, lo cual permite manejar dobles sentidos y un contexto más amplio de lo que parece.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Kommunioun. Duración: 90 min. País: Luxemburgo, Bélgica. Dirección: Jacques Molitor. Guion: Régine Abadia, Jacques Molitor, Magali Negroni. Música: Daniel Offermann. Fotografía: Amandine Klee. Reparto principal: Louise Manteau, Victor Dieu, Marja-Leena Junker, Jules Werner, Marco Lorenzini, Myriam Muller, Yulia Chernyshkova, Jean-Jacques Rausin, Charles Muller, Benjamin Ramon. Producción: Les Films Fauves, Novak Production. Distribución: por determinar. Género: fantástico, terror. Web oficial: https://www.lesfilmsfauves.com/filmdetail.php?n=WOLFKIN

Crítica: ‘Something in the dirt’

En qué plataforma ver Something in the dirt

Sinopsis

Clic para mostrar

Cuando los vecinos John y Levi presencian eventos sobrenaturales en su edificio de apartamentos de Los Ángeles, se dan cuenta de que documentar lo paranormal podría inyectar algo de fama y fortuna en sus vidas desperdiciadas.

Crítica

Desde lo sencillo y exiguo consigue llegar a lo complejo e incluso bello

Quizá ‘Something in the dirt’ es la mayor comida de coco y la película más críptica de Justin Benson y Aaron Moorhead, los autores de ‘Resolution’ y ‘The Endless’ que son más conocidos por haber dirigido capítulos de ‘Caballero Luna’ o ‘Archivo 81’.

Algo complejo rodado de manera sencilla y con medios escasos. Una película realizada con pocos recursos, fruto de los confinamientos vividos en 2020. Es un filme cuya fuerza radica en lo enigmática que es, dejando en el aire diversas preguntas, pero es de esos largos que no necesitan resolverse para captar al espectador. El recorrido de esta historia es casi inexplicable, extraño y complejo. A veces darle demasiadas vueltas a algo hace que lo elemental se vuelva enrevesado. Mezclando matemáticas o física con teorías conspiranoicas o fanatismos generan una historia entre dos vecinos que encarnan ellos mismos y que acaba de un modo quizá excesivamente abierto a la interpretación o sin haber hilado suficientemente las pistas.

El filme suma constantemente divagaciones y elementos como las líneas ley, las cuatro fuerzas fundamentales de la física, espirales de Fibonacci, masones, el MK Ultra, sectas de la antigua Grecia… Se conforma un puzle que yo solo he podido componer como una maquinación fanático-matemática. Está narrada en retrospectiva, navegando entre grabaciones, entrevistas y recuerdos, puede rememorar en determinados aspectos a ‘Archivo 81’. Tal vez haga falta que salga una segunda entrega para que cerremos el círculo o encontremos una explicación más minuciosa y detallada, al fin y al cabo, hicieron lo mismo con ‘Resolution’ y ‘The endless’. Ojalá esta sea la puerta a una nueva dimensión del universo que están orquestando con sus películas. Con las madejas cronológicas que se montan no me extraña que estén también involucrados en la nueva temporada de ‘Loki’.

Quizá también hay que decir que esta es la película con más ciencia ficción surrealista que han hecho hasta la fecha. Es como si fuese una versión casera de ‘Expediente X’ en la que dos vecinos ejercen de Mulder y Scully buscando no solo significado a fenómenos desconcertantes sino también a una vida repleta de contradicciones y contratiempos. En esa búsqueda arrojan pasión, comedia y filosofeo. Tal vez es la película más íntima de ambos directores, en la que se reflejan más a sí mismos, ya que los protagonistas parecen una extensión de sus yoes reales y del cine que siempre han demostrado querer hacer. Sea como sea la agudeza de esta película demuestra que no hace falta gastarse un dineral para crear ciencia ficción sugerente y con talento.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Something in the dirt. Duración: 115. País: EE.UU. Dirección: Justin Benson, Aaron Moorhead. Guion: Justin Benson. Música: Jimmy LaValle.  Fotografía: Aaron Moorhead. Reparto principal: Justin Benson, Aaron Moorhead, Sarah Adina Smith, Issa López, Vinny Curran, Jeremy Harlin, Guille Klabin. Producción: Rustic Films. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.xyzfilms.com/something-in-the-dirt

Crítica: ‘El clon de Tyrone’

En qué plataforma ver El clon de Tyrone

Sinopsis

Clic para mostrar

Unos sucesos escalofriantes llevan a un trío muy peculiar (Boyega, Foxx y Parris) a investigar una perversa conspiración gubernamental en esta aventura de misterio de estilo ‘pulp’.

Crítica

Una concatenación de WTFs que esconde mucho más de lo que muestran sus tontorrones personajes

Juel Taylor debuta con ‘El clon de Tyrone’. Uno de los muchos guionistas de la nueva entrega de ‘Space Jam’ ha creado una película a la que tampoco le faltan rarezas y locura pero para esta propuesta de Netflix se ha pasado a un tono mucho más adulto. Comedia, acción, suspense y ciencia ficción son algunos de los géneros a los que se puede acoger esta película que podríamos etiquetar como pulp del siglo XXI.

¿Recordáis aquella película en la que Schwarzenegger interpretaba a un piloto que descubre que un clon le está robando su vida? Eso es lo que le pasa al personaje de John Boyega. Él es un maleante, el líder de la gente chunga de su barrio y todo su tinglado se viene a bajo y se ve cuestionado cuando descubre que no es el único “yo”. Para desentrañar qué sucede se alía con una prostituta (Teyonah Parris) y su chulo (Jamie Foxx). La película se convierte en una locura cada vez más rara y a pesar de toda la parafernalia y acción termina mostrando un mensaje bastante sutil sobre la lucha de razas y la marginación social sistémica.

Antes lo pulp causaba rechazo, por extraño, extravagante y por ser considerado algo de nicho o de culto. Probablemente la cantidad de películas de todo tipo que ha visto la audiencia actual le ha predispuesto a asimilar mejor este tipo de propuestas. Apostaría a que las historias de realismo sucio de Bukowski, no su controvertida personalidad, habrían encajado mejor hoy en día. ‘El clon de Tyrone’ dispone de elementos de los bajos fondos mezclados con una ciencia ficción bastante desconcertante mientras todo transcurre en un ambiente de los setenta a lo Jackie Brown que sin embargo se enmarca en nuestra actualizad y con todo y con esto nos tropezamos con blancos con pelo afro. Es de esas películas en las que el más loco de todos tiene la razón. Si eres propenso a creerte todo tipo de complots sobre el control de masas mejor no la veas porque vas a volverte más conspiranoico. Tampoco te conviene si eres racista pues como decía la película se reserva un mensaje potente contra la supremacía blanca.

A mitad del filme llega el gran giro de guión. Un descubrimiento que en otros casos sería preludio del clímax, pero no es así. El largometraje incorpora en su meridiano a personajes como el de Kiefer Sutherland y consigue mantenerse durante las dos horas. Sin llegar a ser una obra maestra logra estirar la gracieta y llevarla más allá de manera que es mucho más efectiva que las últimas películas de Spike Lee. El carácter cómico se mantiene durante casi todos sus estadios, incluida la escena que se ha insertado en los créditos en la que por fin se pronuncia el nombre de Tyrone. Básicamente ‘El clon de Tyrone’ es una concatenación de WTFs que esconde mucho más de lo que muestran sus tontorrones personajes, desde los subtextos y la sátira es capaz de llegar al cine social.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2023. Título original: They Cloned Tyrone. Duración: 115 min. País: EE.UU. Dirección: Juel Taylor. Guion: Tony Rettenmaier, Juel Taylor. Música: Pierre-Charles Audet, Desmond Murray, Antonio Malachi Wilson. Fotografía: Ken Seng. Reparto principal: John Boyega, Teyonah Parris, David Alan Grier, J. Alphonse Nicholson, Tamberla Perry, Eric Robinson Jr., Kiefer Sutherland, Jamie Foxx. Producción: Federal Films, MACRO, Made With Love Media. Distribución: Netflix. Género: suspense, ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80996324/

Crítica: ‘Good Omens’ T2

En qué plataforma ver Good Omens T2

Mantiene la química profana pero se desinfla con sus secundarios

Mucha ha sido la espera. Han pasado casi cuatro años desde que vimos ‘Good Omens’, esta divertidísima adaptación que sin tapujos se mueve entre lo celestial y lo infernal llevándoselo todo a lo más terrenal. Los fans pudieron disfrutar en mayor o menor medida de esta producción audiovisual que surge de aquello que hicieron juntos Neil Gaiman y Terry Pratchett. Gaiman sigue involucrado en este proyecto que ha procurado mantener el espíritu de su gran amigo y hace crecer a otra de sus adaptaciones. Ha habido muchas obras, que como ‘Stardust’ o ‘Coraline’, parten de material de este talentoso y adorado autor. Recientemente hubo un aprobado general para el ‘Sandman’ de Netflix o para la película ‘Cómo enamorar a una chica punk’. Si queréis conocer más tenéis este artículo recopilatorio y también os comentamos en su momento otra versión surgida de las páginas de Terry Pratchett como ‘La Guardia’, la cual, vimos a través de Movistar Plus+. Pero ahora partimos de material nuevo. Con guiones realizados junto a John Finnemore (‘Avenue 5’) seguimos con las aventuras de Crowley (David Tenant) y Aziraphale (Michael Sheen).

De nuevo esta temporada dispone de seis episodios y hemos podido ver cinco de ellos. La espera ha sido larga como recordaba al principio a si es que Prime Video se asegura que no haya quien tenga la malicia de Crowley y desvele el final a tan expectantes fans. Esta nueva temporada arranca casi olvidándose por completo de lo sucedido en la anterior en el sentido de que no continua con el resto de personajes, solo mantiene a los dos protagonistas. Con ellos arranca todo, en el mismísimo principio de todo.

‘Good Omens’ 2 mantiene algo que le da fuerza, comedia y a la vez tragedia, lo bien trabajada que está la personalidad de sus protagonistas. A lo largo del tiempo estos dos inusuales amigos han influido en uno en el otro, por encima de los designios sus dos señores supremos. Ya vimos en la primera parte cómo había sido su relación en el pasado, pero en esta ocasión los flashbacks se centran en cómo ambos seres sobrenaturales han ido moldeando su propia naturaleza convirtiéndose en auténticos jugadores de las zonas grises. Y de nuevo esos flashbacks se convierten en las partes más divertidas. Siempre es gracioso cuando ‘Good Omens’ retrocede a tiempos de antes de Cristo y parodia los hechos bíblicos. Ridiculizar los pasajes de los libros sagrados y los tejemanejes de Dios conecta con el ateo que llevamos dentro y con una sociedad que comienza a vivir lo que se percibe ya como el postcristianismo.

El eje de la historia no es solo la relación entre Aziraphale y Crowley, también su enfrentamiento directo con el Cielo y el Infierno. Sucede que el arcángel Gabriel ha desaparecido y se presenta sin recuerdo alguno en la puerta de la librería de Aziraphale. Ello propiciará que veamos a Jon Hamm con un gran paquete entre las piernas (ver para entender) y también que los adalides del bien y del mal comiencen una búsqueda llena de peculiares personajes. En ese sentido la serie pierde fuelle pues los secundarios no son tan eficientes o divertidos como los de la primera temporada. Además casi toda la acción transcurre en la librería o en sus aledaños, con un diseño de producción que nos remonta a esas producciones televisivas en las que todo es demasiado artificial y está atiborrado de viandantes.

Con pegas o sin ellas esta ‘Good Omens’ 2 vuelve a provocar ganas de maratón y de verse todo de corrido hasta que se haga de noche. Como reza una frase que vais a ver mucho “give me coffee or give me death”.

Q&A con ND Stevenson en Celsius 232

“Nimona refleja mis sentimientos y los de más gente que estuvo en mi situación”

En su día se convirtió en toda una sensación en Internet que posteriormente dio el salto al mundo editorial convirtiéndose en cómic. Posteriormente, tras varios cambios de productora, estudios, giones y directores llegó a convertirse en una película que Netflix ha distribuido a través de su plataforma y de la cual os hablamos aquí.

ND Stevenson habló en el Celsius 232, el festival finalizado en Avilés el pasado 22 de julio de este 2023, de lo que significa ‘Nimona’ en su vida. Nos habló del significado de su personaje, de las diferencias entre novela gráfica y película, de las dificultades a la hora de llevar a cabo la película, de la posibilidad de segundas partes… ¿Queréis descubrirlo todo? Dadle al play pues tenéis una estupenda charla traducida al castellano.

Agradecemos a Celsius 232 por traer como invitado a ND Stevenson y la estupenda traducción de Diego García Cruz.

Crítica: ‘Oppenheimer’

En qué plataforma ver Oppenheimer

Sinopsis

Clic para mostrar

Escrita y dirigida por Christopher Nolan, ‘Oppenheimer’ es un épico thriller rodado en IMAX® que transporta a los espectadores a la trepidante paradoja de un enigmático hombre que deberá arriesgarse a destruir el mundo para salvarlo.

Cillian Murphy como Julius Robert Oppenheimer y con Emily Blunt interpretando a su esposa, la bióloga y botánica Katherine Oppenheimer. El ganador de un Oscar® Matt Damon se convierte en el general Leslie Groves Jr., director del Proyecto Manhattan, y Robert Downey Jr. da vida a Lewis Strauss, un miembro fundador de la Comisión de Energía Atómica de los Estados Unidos.

Crítica

Un caramelo para los antibelicistas y los amantes de la ciencia

A pesar de su proximidad en el tiempo es muy probable que la historia de J. Robert Oppenheimer nos haya llegado con detalles tergiversados, ya sea por la desinformación, por las campañas de descrédito o por el material clasificado. A pesar de que no han pasado aún ni cien años lo único verdaderamente fiable y contrastable a la hora de reproducir su vida serían sus logros científicos. Ante la imagen tan desdibujada o borrosa que la historia ha creado de este importantísimo científico Christopher Nolan ha decidido basar su primer biopic en ‘Prometeo americano’, el libro de Kai Bird y Martin J. Sherwin.

Primera película biográfica del autor de películas como ‘Origen’ o la trilogía de ‘El Caballero Oscuro’. Es un director que siempre nos ofrece espectáculo o nos deja rallados. Cuesta creer que se haya pasado a los códigos de esas películas que narran la vida o la etapa de un personaje real y relevante. Pero Nolan es muy suyo y ha creado una comunión un tanto difícil de digerir. Para mí ‘Oppenheimer’ es una gran película que recrea detalles importantes de nuestra historia que hoy en día tienen mucho eco además de acercarnos a las figuras que estuvieron tras ello, pero el modus operandi de Nolan la convierten en un “mucho ruido y pocas nueces”.

Aunque me pese y mi amor por la ciencia se resienta habrá que decir que más allá de descubrir a este científico el atractivo de ‘Oppenheimer’ es el de recrear los hechos que hicieron a este neoyorquino citar la frase “ahora me he convertido en la muerte, el destructor de mundos”. En el 45 se detonó la primera bomba atómica, en la prueba Trinity, como fruto del proyecto Manhattan en las instalaciones de Los Alamos. Hitler estaba muerto, pero aún había que derrocar a los japoneses. Para ello se hizo uso del triunfo en la mayor apuesta científica de la historia, la carrera armamentística de la bomba atómica. Gran parte del ruido o la promoción del filme ha sido el ver esa bomba que ha recreado Nolan con diversos efectos prácticos, nada de ordenador. Esto sucede a las dos horas de película y no es para tanto, aunque la escena está muy bien montada. Lo cual me lleva a la otra obsesión de la campaña de marketing. No veo tan necesario ver este filme en las específicas condiciones que pide el director a pesar de que su fotografía es magnífica y su edición de sonido hace que te tiemblen hasta las tripas con la vibración.

Está claro una vez más que a Nolan le chifla la ciencia. A mí me ha enganchado porque no es parca en detalles y nombres, ya faltaría con tres horas de duración. No se deja a casi ningún científico o hecho relevante, aunque la fase en la que Oppenheimer se dedicaba a la cuántica queda a un plano secundario por motivos obvios que la propia historia también se ha ocupado en tapar. No veréis por lo tanto cómo se saltaba cursos enteros o cómo llegó a formular la aproximación de Born-Oppenheimer. Pero si otros detalles como que fue quien importó la física cuántica a los Estados Unidos o su estrecha relación con Albert Einstein. Todo esto a partir de otro amor que tiene Nolan, el de sus amigos actores. El reparto podría arruinar a cualquier productora con su caché y a algunos de nosotros a base de pagar entradas de cine. Las actuaciones de Cillian Murphy y Robert Downey Jr. son laureables. Ambos lucen en pantalla como si fuesen estrellas del Hollywood dorado y son capaces de llevar a cabo un duelo interpretativo a pesar de que no comparten muchas escenas.

‘Oppenheimer’ está mejor armada, concebida o es más comprensible que ‘Tenet’. Aunque de nuevo, salvo en los compases iniciales y finales, Nolan descuida el ámbito emocional. ¿Será que Christopher Nolan está acusando no escribir junto a su hermano Jonathan? Recordemos que no lo hace desde ‘Interstellar’. Intenta suplirlo con una banda sonora que de nuevo a estado a cargo de un Ludwig Göransson que cada vez imita mejor a Hans Zimmer. Algo que también nos transmite el guión es una saturación de temas, lo cual hace que la película sea densa o dispersa al mismo tiempo. Toca el ámbito científico con la incursión de la física cuántica, los nuevos inventos cuando están al servicio de lo bélico (el hombre siempre pervierte el progreso, como nos recuerda Nolan al comienzo con el mito de Prometeo), es a todas luces un thriller político que incluye hasta la permisibilidad de USA en la Guerra Civil Española y el auge del fascismo, por supuesto funciona como biopic de un científico que a muy poco podría haber sido como ‘La Teoría del todo’ o ‘The imitation game’, también reflexiona el cómo cambió el mundo a partir de aquello y cómo lo comprobamos hoy en día que tenemos candente una guerra violenta que a la vez es fría… Para todo esto se ha dispuesto un montaje en tres tiempos fílmicos distintos. El mayor tiempo de metraje se dedica a cómo Oppenheimer progresó en el campo de la física dentro de determinados ámbitos académicos y a cómo se desarrolló su moral durante su etapa como director en el proyecto Manhattan. A parte de eso saltamos por una auditoría en la que fue martirizado y una comisión ante el Congreso. Son tres horas de concatenación de escenas que no llegan a superar los cinco minutos cada una y por eso agradezco que se pasa rápido. Pero el montaje podría considerarse intenso y agotador. En mi lugar habría recortado algunas escenas, como muchas en las que interviene Florence Pugh que están no solo fuera del tono del filme, también de lo que acostumbra a mostrar Nolan.

Aunque tiene muchas temáticas pienso que se centra la atención en la caza de brujas y el escarnio que sufrió Oppenheimer por parte de ciertos miembros de su propio país, lo cual fue desvelado tras la desclasificación en 2014 de los juicios que fueron llevados a cabo en su contra. Él era de opiniones progresistas, consideradas de izquierdas y tal y como se empeña en mostrar el filme, con lazos comunistas. En lo que coinciden los historiadores es sobre todo que su carácter era pacifista. De ahí su segunda temática principal. Esta película es la filmación de su camino hacia la culpa que sintió toda su vida, llegando a manifestar su propia vergüenza, la oposición al uso de su propio invento, tras lo que consideró un verdadero abuso de poder y una masacre. ‘Oppenheimer’ nos deja como último mensaje la constatación de que ya hemos puesto el último clavo en el ataúd de la humanidad con la invención de la bomba atómica. Su mensaje es sin duda melancólico y catastrofista, esperemos que eso no sea vaticinio de lo que les espera a las salas de cine tras la invención del streaming y las IAs.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio de 2023. Título original: Oppenheimer. Duración: 180 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Nolan. Guion: Christopher Nolan. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Reparto principal: Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damon, Robert Downey Jr., Florence Pugh, Benny Safdie, Michael Angarano, Josh Hartnett, Rami Malek, Kenneth Branagh, Dane DeHaan, Dylan Arnold, David Krumholtz, Alden Ehrenreich, Matthew Modine. Producción: Universal Pictures, Atlas Entertainment, Gadget Films, Syncopy. Distribución: Universal Pictures. Género: biografía. Web oficial: https://www.instagram.com/oppenheimermovie/

Crítica: ‘Bull run’

Sinopsis

Clic para mostrar

Bull Run cuenta la historia de una directora de cine que, como tantos otros jóvenes, se engancha al trading de criptomonedas durante la pandemia (comprar barato, vender caro), y que para poder seguir haciendo trading sin que nadie le juzgue, decide hacer un documental sobre la fiebre de las criptomonedas.

Crítica

Con un sentido del humor analítico y autocrítico consigue ser accesible y nada criptica

‘Bull run’ hereda su título de la expresión usada en economía para describir una situación de fuerte alza en la cotización, en el caso concreto que trata este largometraje, en las criptomonedas. La directora (reconvertida en trader) Ana Ramón Rubio de quien os hemos hablado cuando comentamos su obra ‘Almost Ghosts’ ha elaborado este documental sobre la fiebre de los activos digitales adentrándose en ese mundo con la perspectiva de una persona joven que tras la pandemia intenta hacer dinero fácil comprando barato y vendiendo caro. ¿Os suena eso de la gente con ojos láser en las fotos de perfil? No os preocupéis que ‘Bull run’ os lo explica.

No os preocupéis si os suena a chino el primer párrafo porque ‘Bull run’ está tratado de un modo similar a ‘La gran apuesta’. El espíritu de Adam McKay parece presente en este largometraje que procura explicar punto por punto todo lo que sucede en nuestra actualidad con eso de los medios digitales de intercambio. Y para ello habría que citar su punto de partida, que es una fijación de la directora tras el confinamiento con este tipo de inversiones. Pero derivado de ello está un detalle más relevante y transgresor como es el hecho de que esta sea la primera película documental en formato largometraje en ser íntegramente tokenizada. Consiguió su financiación en menos de 24 horas como os contamos aquí en su día, hecho que se refleja también en el filme con una captura de nuestra web. Eso quiere decir que para llevarse acabo la representación digital del filme está dividida en tokens que pertenecen a aquellos que han creído en ella con su contribución. Una muestra más de que el blockchain está cambiando el mundo y cambiando las reglas a muchos niveles.

Aunque todo esto suene a clase aburrida de economía el tono de la película es cómico. Está narrada en primera persona, desde una perspectiva personal y moderna. ‘Bull run’ tiene muy buen sentido del humor, analítico y autocrítico. El prisma es el de obstinación que va más allá de una inquietud por algo que aún hoy en día sigue siendo un boom. El culmen de la burla sobre todo lo que vertebra el largometraje es un videoclip a tope de gusto kitsch con Lory Money orquestado por Javier Polo y con producción de Casabona Films, lo cual nos lleva a otros títulos interesantes y que se introducen en otros ámbitos de nuestra realidad como ‘The Mystery of the Pink Flamingos’ y ‘Una terapia de mierda’.

Con esta película nos planteamos si es momento para oportunistas y no rezagados o para estafados o víctimas de una burbuja ubicada en el mundo virtual. Desde luego es de estas cosas que cuando salen a la luz te quedas con ganas de haber sido parte de ella, te da rabia haber perdido el tren. Y es que aquellos que están en esta cresta de la ola pueden decir no estar influenciados por la inflación, eso que hace que suban los precios pero no los sueldos ni el valor del dinero que tienes en tu bolsillo o en tu cuenta corriente. Ahí es donde se resalta el devaneo con lo romántico. Es muy idílico o utópico poder decir que estás fuera de nuestro sistema controlado por los gobiernos o corporaciones, que vives sin ataduras e incluso sin depender del plano físico. Pero ‘Bull run’ tampoco es una apología por este tipo de inversiones, también previene de sus riesgos.

Vais a oír términos modernos como trading, Bitcoin, cripto, bear market, blockchain, tokenizar, sats, hodl, neoinversor… Y os vais a sentir como un boomer si no os suena ninguno. Pero hay mucho más allá de la visión o experiencia de la directora con toda esta nube de términos. Dado que esta película es en parte el retrato de una obsesión o de una situación tóxica el reparto está compuesto por la propia Ana Ramón Rubio (más familiares y terapeuta) junto a los testimonios de expertos como Michael J. Saylor, Gael Sánchez Smith, Miguel Ángel González, Stephan Livera, Trader Luis, Jose Antonio Bravo, Diego Mazo Rosete, Lorena Ortiz, Maurizio Esposito, Javier Callejo, Miguel Caballero, Covadonga Fernández o William Soriano. Todos ellos traders, sociólogos, economistas o influencers del tema.

‘Bull run’ va desde el origen de las cripto al margen de gobiernos o ideologías hasta la inmensa cantidad de monedas virtuales actuales que han llevado a acontecimientos históricos como la oficialidad del Bitcoin en El Salvador. Advierto de nuevo, esta no es una guía sobre cómo invertir, solo es una muestra de una realidad que es cada día más evidente que tiene perspectiva de futuro pero que también es totalmente inestable.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Bull Run. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Ana Ramón Rubio. Guion: Ana Ramón Rubio. Música: Lory Money, LolxdMafia y Daniel Bearoid (Sr. Flipante). Fotografía: Celia Riera, Nacho Toledo Roca. Reparto principal: Ana Ramón Rubio (más familiares y terapeuta), Michael J. Saylor, Gael Sánchez Smith, Miguel Ángel González, Stephan Livera, Trader Luis, Jose Antonio Bravo, Diego Mazo Rosete, Lorena Ortiz, Maurizio Esposito, Javier Callejo, Miguel Caballero, Covadonga Fernández o William Soriano. Producción: Casabona Films. Distribución: Bienvenidos a la Calama. Género: documental, comedia. Web oficial: https://www.cosabonafilms.com/project/bull-run/

Crítica: ‘Tierra de nuestras madres’

En qué plataforma ver Tierra de nuestras madres

Sinopsis

Clic para mostrar

Rosario es una señora mayor que vive a las afueras de un pueblo manchego con Ofelio, su hijo discapacitado, su borrico y su cabra. Rosario recoge la sal de higuera de su laguna y se gana la vida vendiéndosela a los viejos, que conocen sus usos milenarios… y a los no tan viejos, mezclándola con tranquilizantesde farmacia y más ingredientes. El

pueblo está arruinado por la ludopatía de sus habitantes y sus gobernantes, que deciden

venderlo. Los habitantes se someten a la venta forzada y a la expulsión, pero la casa y la laguna de Rosario están en medio del término municipal. Ella se opone a esta venta, y organiza, en la medida de sus posibilidades, la resistencia.

Crítica

Tan heredera de Cuerda y Berlanga como nosotros del ADN de nuestros progenitores

La primera película orquestada por la actriz Liz Lobato es ‘Tierra de nuestras madres’ y nos hace recordar de buenas a primeras a ‘La vida de Brian’. Por motivos evidentes al ver a Saturnino García ataviado de vestido negro fúnebre y mandil nos acordamos de Terry Jones. Al igual que la madre de Brian, la anciana que interpreta intenta salir adelante día a día manteniendo una austera casa y a un hijo que no se entera de qué va la vida. Y también al igual que aquella madre que se acostaba con romanos esta madre tiene que hacer sus trapicheos mientras demuestra su afecto con una aspereza e irritabilidad que es marca de La Mancha.

‘Tierra de nuestras madres’ nos cuenta cómo una vieja mustia y solitaria tira de tocomocho y sobornos para sobrevivir en una aldea dejada de la mano de Dios. La laguna de sal que heredó de su familia es la única fuente de ganancias que tiene, pero la usa muy a conveniencia. Rosario es una zalamera que vive de la manera más mundana posible a pesar de estar rodeada de historias disparatadas y peculiares pueblerinos.

Que el surrealismo está presente como bandera en esta película es manifiesto en cuanto descubrimos cómo está caracterizado el personaje protagonista pero aún más cuando descubrimos que la narradora de la historia es la cabra Emilia, un animal que se dice de vocación escritora y que antes de pasar a ser propiedad de la protagonista ha sido cabra de la legión y pedigüeña de esas de ir con el gitano y la trompeta. Saturnino García, recientemente visto en ‘Vampus Horror Tales’, es un valiente de nuestro cine que tras vivir tropecientos rodajes aún se apunta a un bombardeo. Habiendo trabajado con Cuerda y Saura es de comprender el verle en este proyecto lleno de cabras y personajes como cabras.

Si creímos en la existencia de personajes tan raros y cómicos como las hermanas del baptisterio porque no confiar en lo que nos cuenta ‘Tierra de nuestras madres’, es igual de real. El hecho de tener a un hombre ejerciendo de anciana es solo una herramienta más al servicio del esperpento y el neorrealismo propios de Cuerda y Berlanga. Efectivamente este filme es heredero de esos dos maestros recordando a ‘Amanece que no es poco’ o a ‘Bienvenido Mr. Marshall’. Pero también hay que decir que aunque heredes o sigas una línea continuista con determinados predecesores no quiere decir que estés a su nivel. ‘Tierra de nuestras madres’ esconde mensaje entre sus casas encaladas y sus palabros castellanos, nos brinda un humor totalmente llano, pero a veces aburre con su redundancia.

Encima de vaciados, desconcertados y expropiados. Más allá de su humor absurdo y pintoresco está el mensaje contrainvasor, el desarraigo con el campo que podemos observar desde las cada vez más saturadas ciudades y lo desactualizado que puede llegar a estar el mundo rural. Tirando de hipérbole se habla de pueblos franquicia. Como si de un club deportivo se tratase lo que le sucede al pueblo de Rosario es que una potencia extranjera quiere comprar todas las propiedades, casas y terrenos incluidos. Hay un paralelismo que se mantiene como hilo conductor y es el de la época de la ocupación francesa. Es la invasión comercial que en su día se convirtió en la victoria que USA no pudo tener en Vietnam.

Antes hablaba de herencias y el que creo que es el mayor legado de ‘Tierra de nuestras madres’ es su honesto sentido del humor y la manera de afrontar la vida. Para Liz Lobato el estoicismo significa aguantar con imperturbabilidad pero también con la resignación de que todo aquello que puebla nuestra realidad forma parte a la vez de un surrealismo casi imperceptible y a la vez innegable. A su vez es un empujón para mirar hacia nuestros orígenes. Todo, desde nuestra civilización hasta la comida que compramos en grandes supermercados, parte del campo y como germen ineludible e indispensable no debemos descuidarlo, así como nunca olvidamos los sueños, aspiraciones y obras de aquellas que nos parieron.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2023. Título original: Tierra de nuestras madres. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Liz Lobato. Guion: Liz Lobato. Música: Luis Tejera, Jeremías Tejera. Fotografía: Ismael Blanco. Reparto principal: Saturnino García, José Luis Cruza. Producción: Miguelina Producciones, Por lo visto, Lunática Films, La bestia produce. Distribución: Melocreo. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/p/Cs_1uOfKzSZ/

Crítica: ‘Bird Box Barcelona’

En qué plataforma ver Bird Box Barcelona

Sinopsis

Clic para mostrar

Los productores del fenómeno global ‘A ciegas’ presentan ‘Bird Box Barcelona’, una ampliación de la película que cautivó al público en 2018. Una fuerza misteriosa ha arrasado con la población del planeta, y Sebastián emprende un viaje por la supervivencia a través de las calles desiertas de Barcelona. Mientras forja alianzas incómodas con otros supervivientes e intentan salir de la ciudad, un peligro inesperado y aún más siniestro se cierne sobre ellos.

Crítica

Te deja con ganas de ver más sobre este universo

En 2018 llegó a nuestras casas ‘Bird Box’ película basada en la novela de Josh Malerman en la que acompañamos a una madre (Sandra Bullock) y sus dos hijos durante un apocalipsis en búsqueda de un refugio donde poder vivir. Algo está ocurriendo en la Tierra y es que una fuerza misteriosa es capaz de hacer que te suicides si la miras directamente.

En este mismo universo encontramos ‘Bird Box Barcelona’ que ya nada tiene que ver con la novela, simplemente la base. Aquí seguimos a Sebastián y su hija Anna, al igual que en la anterior, intentando buscar un refugio seguro para esconderse de aquellas fuerzas.

Dirigida por David Pastor y Álex Pastor (‘Hogar’), la historia da un giro bastante bueno, a mi parecer, y logra introducir más tensión a la cinta y bastante acción. Está muy bien rodada y el reparto logra que nos identifiquemos de una u otra manera con los distintos personajes.

Me ha parecido mucho más entretenida que su predecesora, que no terminaba de adentrarte en esa atmósfera de miedo que debería. Eso sí, hay detalles que se pierden en esta película, como los pájaros. Y es que en la novela las personas iban con una jaula con pájaros para que les avisen de la presencia de estos seres y aquí hay un guiño a ello, pero nada más.

Pero como os he comentado, introducen un giro en la historia bastante bueno para que esos detalles ni los recuerdes. Las reacciones de las distintas personas con las que se van encontrando nuestros protagonistas son muy reales. Vemos el miedo, el odio, la desconfianza, pero también vemos las ganas de encontrar supervivientes y entender que no estás solo. También están los personajes que piensan que esto es un castigo divino.

Mario Casas (‘El Inocente’) asume el gran peso de la película. En un papel con muchos matices que hace funcionar desde el principio. Además, que le vemos hablar en alemán e inglés sin ningún tipo de problema. Y como siempre, las escenas de acción las borda.

Georgina Campbell, Diego Calva, Michelle Jenner, Leonardo Sbaraglia, Naila Schuberth, Patrick Criado, Lola Dueñas, Alejandra Howard, Mireia Rey, Gonzalo de Castro o Celia Freijeiro son parte del elenco que acompaña a nuestro protagonista en este terrible apocalipsis.

El ambiente de la película me ha gustado mucho, está muy cuidado el vestuario y todos los decorados, donde vemos una ciudad devastada, con las ventanas tapiadas o pintadas para que no puedan adentrarse estas criaturas. La fotografía de Daniel Aranyó presta mucha atención a los grandes horizontes para que veamos Barcelona de la peor manera posible. Al igual que hizo con ‘Way Down‘ nos trae unas imágenes aéreas bastante buenos, sobre todo en el teleférico.

Este próximo 14 de julio llega a nuestras casas gracias a Netflix. Como aclaración, aunque esté ambientada en el mismo universo, no hace falta ver ‘Bird Box’, pues ‘Bird Box Barcelona’ funciona como película independiente. Pero como siempre, es bueno ver una versión diferente para poder comparar o simplemente disfrutar ambas por igual. Espero que hagan más películas sobre esta historia desde el punto de vista de otras ciudades. Pero también me gustaría ver una continuación de ésta, pues ese final, al menos a mí, deja con ganas de más.

 Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2023. Título original: Bird Box Barcelona. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Àlex Pastor, David Pastor. Guion: Àlex Pastor, David Pastor. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Daniel Aranyo. Reparto principal: Mario Casas, Georgina Campbell, Alejandra Howard, Naila Schuberth, Diego Calva, Patrick Criado, Lola Dueñas, Gonzalo de Castro, Michelle Jenner, Leonardo Sbaraglia. Producción: Chris Morgan Productions, Dylan Clark Productions, Netflix Studios, Nostromo Pictures. Distribución: Netflix. Género: terorr, ciencia ficción. Web oficial: https://www.netflix.com/title/81404810

Crítica: ‘El Castillo de Takeshi’

En qué plataforma ver El Castillo de Takeshi

Ha vuelto el decálogo del humor físico por excelencia

Mi yo de los ochenta y noventa pensaba que ‘La noche de los castillos’ y ‘El Gran Prix’ juntos no llegaban ni a la suela de los zapatos de ‘Humor Amarillo’. Tampoco programas extranjeros y posteriores como ‘Ninja Warrior’, ‘Gladiadores Americanos’ o ‘Wipeout’. Mi yo de 2023 sigue pensando eso con el regreso del programa que ahora conocemos como ‘El Castillo de Takeshi’. Para los nacidos en años posteriores al 2000, es un concurso que no tiene nada que envidiar a ‘El juego del calamar’.

Vuelve el battle royale más famoso de la televisión. El próximo 10 de julio en Prime Video podréis ver los 8 nuevos episodios de ‘El Castillo de Takeshi’. El concurso se presenta en un formato en el que cada dos episodios vemos a una tanda de concursantes intentando superar las pruebas que llevan hasta el gran Takeshi, es decir, dos episodios equivalen a un programa completo. Todo para intentar superar una prueba final atiborrada de leds que se antoja imposible.

No se puede hacer una crítica seria de esto. Es un concurso absurdo, puro caos basado en el humor splatstick y la broma fácil por parte de los narradores. Esta opinión va a estar muy condicionada en función del país desde el que la leas. Y es que la primera vez que se proyectó en España con una pareja de dobladores resultó la mar de divertido. Nunca nos ha preocupado qué dirían de verdad en el programa original ya que los nombres inventados o las voces que ponían ambos presentadores eran un acompañamiento ideal para los topetazos y zambullidas de los participantes que se ponían a merced de Takeshi. Un Takeshi que parece ahora en forma virtual durante toda la temporada, hasta que hace acto de presencia en los últimos episodios.

Las que si que están omnipresentes son algunas de las pruebas clásicas. Regresan Las Zamburguesas (ahora más largas e incluso con persecución), El Laberinto del Chinotauro (que ha cambiado de nombre y ya no están Juanito Calvicie y Paco Peluca), La Seta Asesina, Los cañones de Nakasone, Las Megapuertas del Pánico (con una extensión aún mayor)… Por mucho que se hayan introducido cambios o haya pruebas nuevas este ‘Castillo de Takeshi’ sigue recordando a aquel ‘Humor Amarillo’ en el que perecieron Gacela Thomson, el Chino Cudeiro y compañía. De hecho, hasta se recuperan concursantes de las temporadas originales, muy a lo ‘Saber y Ganar’.

Por supuesto hay hueco para la nueva chavalada e incluso para participantes españoles. En esta primera temporada de ‘El Castillo de Takeshi’ podréis ver a un colchonero gritando “¡al turrón!” antes de ser derribado por una salchicha gigante, un ingeniero que casi llega a la final y una cosplayer que se mete más de una toña.

Por supuesto, además de la retahíla de golpes que vemos la gracia de este concurso está en un doblaje que está más españolizado que series noventeras como ‘Sabrina’ o ‘El Príncipe de Bel-Air’. Con unos locutores muy a lo ‘El Informal’ nos echamos unas risas de las buenas. Dani Rovira, Eva Soriano y Jorge Ponce son los “presentadores/dobladores” principales. Aunque yo habría preferido propuestas más profesionales y graciosas como El Korah hay que reconocer que ver el programa con ellos es como estar con unos amigos comentando la jugada y saben sacar jugo a toda la parafernalia que se ha montado en este regreso. No esperaba menos de un producto que nos ha llegado producido por David Broncano (Encofrados Encofrasa).

La pena es que Fernando Costilla y Paco Bravo (locutores clásicos del programa) hayan quedado relegados a un segundo plano haciendo de dos Pepe Livingstone rebautizados como “los Calatrava”. No se las circunstancias en las que se ha gestado esto, pero queda feo porque seguramente será por puro marketing. De todos modos puede que haya sido algo amistoso o de otra índole pues hace mofa del tema.

Realmente el gran fallo con el tema del doblaje es la presencia de Míster Jägger, horrible haciendo las veces del que sería un nuevo General Tani obsesionado con los 90. Al menos tenemos también al original chocheando como si fuese Biden. Y quienes también habrían sido prescindibles son los Venga Monjas. Si yo fuese directivo de Prime Video me daría coraje haberles pagado por unas canciones que dan vergüenza ajena, parecen sacadas de un botellón.

No ha estado nada mal este regreso que incorpora nuevos personajes como Los Autotunos, el recién divorciado, la familia Cudeiro, Espoilerman, el niño de la generación z… Tampoco hay un exceso de modernización y son pocas pero acertadas las incorporaciones de GIFs, memes o animaciones que amenizan las tremendas caídas. Dada la cantidad de pruebas e inversión que se percibe da la impresión de que hay mucho más de lo que hemos podido ver en estos ocho primeros episodios. Ojalá vengan más asaltos al Castillo de Takeshi.

 

Crítica: ‘Esperando a Dalí’

En qué plataforma ver Esperando a Dalí

Sinopsis

Clic para mostrar

Los hermanos Fernando y Alberto, cocineros del mejor restaurante francés de Barcelona, huyen a Cadaqués debido a las implicaciones políticas de uno de ellos. Una vez allí, quedaran atrapados por el «ambiente mágico» del lugar, impregnado por la presencia del artista universal Salvador Dalí. Jules, el excéntrico propietario del restaurante El Surreal, los contrata como friegaplatos y les hará compartir su obsesión por Dalí. Mientras esperan ansiosos la llegada del artista, Fernando se enamora de Lola, la hija de Jules, quien le influirá para empezar una verdadera revolución en el mundo de la cocina.

Crítica

Posee un carácter soñador y risueño que es contagioso

Salvador Dalí fue precursor, maestro, estandarte y habitante del surrealismo. Era de esperar que una película que añora un encuentro con tan magno autor también hiciese uso de esa corriente artística. ‘Esperando a Dalí’ transita muchas veces por ese movimiento tan cultivado por autores como Buñuel, Breton o Ernst. Pero para mí lo que impera en esta película de David Pujol es la bohemia.

‘Esperando a Dalí’ está repleta de soñadores e idealistas, de personajes caóticos e inconformistas. El surrealismo siempre ha estado asociado al comunismo y en este caso se enfrenta a la represión y las pataletas de los últimos años del franquismo, cuando predominaba la opresión cultural y los baremos de los recatados. Pero este no es un filme político ni politizado, como decía simplemente impera el modo de vida despreocupado y eso contrasta con la época. Lo que sucede es que se enmarca en 1974, años en los que Dalí residía en Cadaqués. Allí algunos quieren cumplir el sueño de dar un servicio de comida a uno de los artistas más importantes de nuestra historia y otros solo quieren desarrollar su cocina sin límite alguno, hasta donde les alcance la imaginación. Existe un paralelismo entre la obra cubista y dadaísta y la capacidad abstracta de crear nuevos platos que esta película explota al máximo. El gérmen de esta cinta de ficción puede ser la serie documental que rodó Pujol en 2010, ‘El Bulli – Historia de un sueño’. Además, hablando de comida, el filme está patrocinado por Chupa Chups y Dalí diseñó el logotipo de esa marca en poco más de una hora. ¿Hay algo más surrealista que eso? Toda la vida hemos tenido en nuestro bolsillo una obra de Dalí y la hemos tirado a la basura para comernos su contenido.

Quizá las caras más conocidas dentro del reparto franco-español de ‘Esperando a Dalí’, sean las de Paco Tous y la de Iván Massagué. Este segundo es el protagonista de la película y cumple magníficamente en su papel de amante de su hermano y de la cocina. Pero debo destacar que aquel que ejerce de dueño del restaurante El Surreal es quién ha calado más en mí. Está interpretado por José García y simboliza a esos empresarios despreocupados, charlatanes y embaucadores qué tienen un carisma indiscutible, pero que también representan esa gran irresponsabilidad que tienen aquellos que quieren vivir solo para un sueño. Ojalá tener el carácter resiliente y risueño de este personaje, es contagioso y posee un optimismo envidiable. “Aquí los problemas siempre duran poco” dice en una parte de la película y creo que esa filosofía es el mayor legado de esta película, junto con su amor por el artista de Figueras.

El filme arroja muchas curiosidades sobre el pintor, como sus frecuentes visitas al restaurante Barroco, su domicilio de verano junto a la zona de los pescadores, sus “buenos días” saliendo de un huevo gigante junto a Gala… Pero más allá de girar entorno a la personalidad o historia del genio catalán nos intenta retratar a los habitantes de una casa de locos que por extensión podría ser nuestro mundo. ‘Esperando a Dalí’ es quizá menos cómica de lo que cabría esperar al enmarcarse dentro del surrealismo, pero es lo suficientemente reflexiva y fantaseadora como para considerarse un amor de verano.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2023. Título original: Esperando a Dalí. Duración: 114 min. País: España. Dirección: David Pujol. Guion: David Pujol. Música: Pascal Comelade. Fotografía: Román Martínez de Bujo. Reparto principal: José García, Iván Massagué, Clara Ponsot, Nicolas Cazalè, Pol López, Paco Tous, Alberto Lozano, Jose Ángel Egido, Vicky Peña. Producción: Fishcorb Films, Arlong Productions, TV3, Chupa Chups, Constant Productions. Distribución: Alfa Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.arlongproductions.com/esperando-a-dali

Crítica: ‘Nada’

En qué plataforma ver Nada

Sinopsis

Clic para mostrar

Pierre Anthon y sus compañeros de clase de octavo acaban de comenzar el curso cuando él declara que la vida no tiene sentido y se marcha del colegio. Esto provoca una crisis existencial entre sus compañeros, quienes deciden reunir sus pertenencias más valiosas con el reto de convencerle de que está equivocado. En su búsqueda arriesgarán parte de sí mismos y descubrirán que sólo al perder algo se aprecia su valor.

Crítica

Tras una serie de interesantes reflexiones se convierte en un juego casi vacuo

Cuando vemos una película en la que los protagonistas son muy muy jóvenes y estos se dedican a poner patas arriba el establishment o a orquestar su propia sociedad inmediatamente se nos viene a la cabeza ‘El señor de las moscas’. Es lógico que nos pase eso mismo con ‘Nada’ pero más que una acción utópica o rebelde lo de la película de Trine Piil Christensen y Seamus McNally es un estudio vandálico y nihilista, aunque no en el más estricto de los sentidos.

La historia arranca con un muchacho que de repente deja de verle sentido a lo que hace y sobre todo a las pautas que la sociedad le dice que ha de seguir. Cual ‘Club de los Poetas Muertos’ o ‘Club de la Lucha’ rápidamente contagia a otros formando sin darse cuenta una camarilla de seguidores que en secreto empiezan a poner en común sus inquietudes y a desarrollar sus pulsiones e ideas. Es ahí donde el filme se torna provocador y malsano pero a la vez sugerente y reflexivo. ‘Nada’ consigue girar con mucho tino en torno al materialismo, la perspectiva de las prioridades y el desarrollo de la personalidad.

Esta película danesa y alemana adapta una novela de Janne Teller. Se enmarca en esa difícil etapa de nuestras vidas en la que nos hacen elegir qué queremos estudiar para determinar a tan tierna edad qué vamos a ser o mejor dicho, a qué nos vamos a dedicar. Si siempre se dice que el cine nórdico suele girar alrededor de temas existencialistas o deprimentes con este drama adolescente tenemos un ejemplo más.

La dinámica de la película se va haciendo más y más impredecible, peligrosa y arriesgada, casi salvaje y desde luego perturbadora. Se crea así una tensión que aunque no alcanza el suspense suficiente como para amedrentarnos si como para suscitar cierta inquietud e incomodidad. Yo desde luego he agonizado con la escena de la perra. Es un flirteo con las emociones fuertes y el sentido de la vida, una búsqueda del disfrute del proceso más allá de las metas. Al final, a pesar de tanta invitación a la meditación la tónica que predomina es la de la venganza y la crueldad. Es una pena porque el morbo por ver qué se les ocurre a estas mentes púber le resta peso al mensaje de ‘Nada’ y casi se queda en algo vacuo. Al menos tiene un giro final de esos que recuerda a la parte más crítica de ‘Los Simpsons’ con nuestra sociedad actual y su “arte”.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2023. Título original: Intet. Duración: 83 min. País: Dinamarca, Alemania. Dirección: Trine Piil Christensen, Seamus McNally. Guion: Trine Piil Christensen. Música: Johan Carøe. Fotografía: Bo Bilstrup. Reparto principal: Vivelill Søgaard Holm, Harald Kaiser Hermann, Peter Gantzler, Mia Lerdam, Shahbaz Sarwar, Maya Louise Skipper Gonzales, Sigurd Philip Dalgas, Ellen Fensbo, Andrea Halskov-Jensen, Theodor Philip MacDonald, Claus Riis Østergaard, Paw Henriksen, Biljana Stojkoska, Laura Allen Müller, Sarah Boberg. Producción: Film og Lydholm, Komplizen Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, suspense. Web oficial: http://www.komplizenfilm.de/e/films/nichts.html

Crítica: ‘Unos suegros de armas tomar’

En qué plataforma ver Unos suegros de armas tomar

Sinopsis

Clic para mostrar

Owen Browning (Adam Devine) es un director de banco serio y formal que está a punto de casarse con el amor de su vida, Parker (Nina Dobrev). Pero, justo en la semana de su boda, Los bandidos fantasma atracan su banco y Owen cree que los forajidos son sus futuros suegros (Pierce Brosnan y Ellen Barkin), que acaban de llegar a la ciudad.

Crítica

Comedia de fondo de catálogo y humor básico

Como rezan las tradiciones norteamericanas los niños juegan con los Masters del Universo y a las niñas les toca el Power Ranger Rosa. Y desde que juegan con muñecos todos sueñan con la boda perfecta. Lo que no es nada recomendable pero que parece ser otra tradición en las comedias yanques es el conocer a los padres de tu pareja justo antes de desposarse. ‘Unos suegros de armas tomar’ es una comedia en la que un joven director de banco conoce a los siempre ausentes progenitores de su prometida a unos días de su boda. Esta es una comedia muy del estilo de ‘Los padres de ella’ solo que versión ‘Point Break’.

El título original de ‘Unos suegros de armas tomar’ es ‘Los fuera de la ley’, si lo traducimos más o menos literalmente. Alude a que los suegros del protagonista son unos atracadores de bancos y este ha de intentar demostrar su implicación en una famosa cadena de robos, incluido el de su sucursal. Esta comedia parte de crear situaciones incómodas, tantos entro de un entorno cotidiano como durante de las situaciones más peligrosas. Porque además de ser una sitcom esta es una película que muy de respajilón podría considerarse de acción.

‘Unos suegros de armas tomar’ está repleta de bromas tontorronas y chistes sexuales, todo con un estilo muy clásico de las más básicas comedias norteamericanas. El director Tyler Spindel ha estado ya en películas de este estilo, tanto delante como tras las cámaras. No se sale de esa sintonía y salvo por un par de escenas con cierta gracia el resto hacen siempre uso de mal gusto o un sentido del humor pueril.

Esta es una comedia tan de fondo de catálogo que ni merece la pena mencionar que aparecen en ella Ellen Barkin, Michael Rooker, Julie Hagerty o Pierce Brosnan, el cual incluso tira de galones y hace alusión a su papel como James Bond. El protagonismo y a la vez el grueso de los gags está volcado en Adam Devine y uno acaba un poco saturado de sus idioteces y ñoñerías.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2023. Título original: The Out-Laws. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Tyler Spindel. Guion: Evan Turner, Ben Zazove. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Michael Bonvillain. Reparto principal: Adam Devine, Ellen Barkin, Nina Dobrev, Pierce Brosnan, Poorna Jagannathan, Michael Rooker, Lauren Lapkus, Richard Kind, Blake Anderson, Julie Hagerty, Lil Rel Howery. Producción: Happy Madison Productions. Distribución: Netflix. Género: comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/title/81186234

Crítica: ‘Tiburón negro’

En qué plataforma ver Tiburón negro

Sinopsis

Clic para mostrar

Paul Sturges (Josh Lucas), trabajador de una empresa petrolífera, aprovecha sus idílicas vacaciones familiares en la bahía azul de México para hacer una inspección rutinaria de una plataforma ubicada en medio del océano. Lo que prometia ser una tarea sencilla se convierte en una auténtica pesadilla al encontrarse cara a cara con un sanguinario megalodón obsesionado con protegir su territorio a toda costa. Abandonados a su suerte, y con la constante amenaza de ser deborados, la família deberá encontrar el modo de regresar a tierra firme evitando los ataques mortales del enorme tiburón.

Crítica

Mola el poster y poco más

Tenemos nuevo título dentro de la sharksploitation, ‘Tiburón negro’. Una obra que ya de entrada podría haberse llamado literalmente como en versión original ‘El Demonio Negro’, pero que por razones que solo entienden los lumbreras de marketing se ha llamado así. Sea como fuere esta película de Adrian Grunberg, el director de la también malograda ‘Rambo: Last Blood’, está basada en una supuesta historia o leyenda real. Según los lugareños el gigantesco tiburón que encabeza el cartel de la película es una criatura que lleva generaciones eliminando a pescadores y ballenas de la zona.

Creencias de demonios y santería. El tiburón que atemoriza a los protagonistas es fruto de una venganza de los dioses y de la naturaleza, es un castigo para los humanos. La película intenta usar la mitología del pueblo mexicano para enarbolar una vez más el argumento que muestra al hombre como el verdadero monstruo que explota la Tierra hasta llevarla al límite succionándole los recursos y contaminando. Pero ni ese alegato ni el supuesto terror que deberíamos experimentar están bien desarrollados o del todo definidos.

Toda la acción transcurre en una destartalada plataforma petrolífera. Una explotación que se supone que ha sacado de las profundidades a este tiburón, sediento de víctimas. Pero el tiburón negro aparece más bien poco, gozando solo de un par de escenas en las que demuestra su potencial. A parte de eso esta es una película que intenta seguir los pasos de títulos como ‘Megalodón’, ‘A 47 metros’, ‘The Deep’ y evidentemente ‘Tiburón’, al que hace un guiño con la escena del escupitajo en las gafas de buceo. Pero no termina de funcionar pues esconde demasiado a su criatura, no trabaja bien la tensión y los efectos digitales son mejorables, aunque mejores que algunas de las interpretaciones. Por desgracia está indefinida ya que no se percibe como una película de terror serio ni como un espectáculo de serie B. Películas con híbridos como ‘Piranha sharks’ o ‘El ataque del tiburón de tres cabezas’ funcionan mejor y serían más disfrutables con amigos ahora en los cines de verano.

Se entiende que el filme quiere desarrollar una carrera a contrarreloj para conseguir escapar de la plataforma antes de que el tiburón la eche abajo con su gran tamaño. Pero hay multitud de incoherencias, como la calma con la que hacen todo los protagonistas, la cual impide que se transmita ninguna sensación de urgencia. El símil más próximo sería ‘Deep blue sea’ pero más quisiera ‘Tiburón negro’ desarrollar el espectáculo, el carisma y las muertes de la película de Renny Harlin. Si le quitas a esta película los flashbacks que no vienen a cuento y que parecen sacados de un banco de imágenes, los momentos de visiones psicodélicas, la mala elección de planos… quizá te quede un buen corto, porque yo prefiero quedarme con el tráiler que con la más de hora y media de película.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2023. Título original: The Black Demon. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Adrian Grunberg. Guion: Boise Esquerra. Fotografía: Antonio Riestra. Reparto principal: Josh Lucas, Fernanda Urrejola, Julio Cesar Cedillo, Jorge A. Jimenez, Hector Jimenez, Venus Ariel, Carlos Solórzano. Producción: Buzzfeed Studios, Chocolatito, Diamond Films, Lantica Media, Mucho Más Media, Silk Mass. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://www.muchomasmedia.com/film-and-tv

Crítica: ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal parte I’

En qué plataforma ver Misión: Imposible – Sentencia mortal parte I

Sinopsis

Clic para mostrar

En ‘Misión: Imposible- Sentencia Mortal Parte I’, Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI, se embarcan en su misión más peligrosa hasta la fecha: localizar, antes de que caiga en las manos equivocadas, una nueva y terrorífica arma que amenaza a toda la humanidad. En esta tesitura, y con unas fuerzas oscuras del pasado de Ethan acechando, comienza una carrera mortal alrededor del mundo en la que está en juego el control del futuro y el destino del planeta. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede anteponerse a su misión, ni siquiera las vidas de aquellos que más le importan.

Crítica

De irrefutable mérito y actualidad

Me divierte mucho el imaginar las caras de los empleados de las aseguradoras de Tom Cruise cuando leen las escenas que este va a hacer por sí mismo. Seguro que añoran los tiempos en los que solo Jackie Chan se trepaba por vertiginosos andamios o saltaba de un edificio a otro. Si encima pensamos que esta séptima entrega de la franquicia ‘Misión: Imposible’ va acompañada del título ‘Sentencia mortal’… tanto sus corredores de seguros, como sus productores o equipos de rodaje tienen que haber estado al borde del infarto.

Tom Cruise sigue haciendo lo posible dentro de lo imposible. Ya no me refiero solo a las meritorias proezas que hace a su edad y que le quitan el hipo hasta a los deportistas más extremos. También al logro de llenar las salas de cine con una película que no sea de superhéroes. Y volverá a hacerlo a pesar de ser una séptima entrega, al menos si nos atenemos a las buenas impresiones que leeréis aquí y estoy seguro que en otros muchos medios.

Se cierne una nueva amenaza sobre el mundo. Como parece que la edad de jubilación se ha alargado también para ellos tanto Ethan Hunt como sus compañeros se ponen de nuevo manos a la obra para intentar evitar que un nuevo arma caiga en malas manos. Aquí viene el elemento de tremenda actualidad. Un concepto, una tecnología tan abierta a debate y que tiene a tantos atemorizados que hace que ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal parte I’ adquiera varios significados incluso más allá de la gran pantalla. La nueva aventura de Cruise es trepidante, graciosa y casi no da respiro, pero más que nunca nos habla de algo que podría pasar de verdad. Bien es cierto que esto ya lo pronosticó cinematográficamente Cameron pero no de un modo tan próximo a nuestra realidad.

Para disfrutar ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal’ habría que conocer algo las entregas previas. Se puede disfrutar de manera independiente pero arranca con muchos conceptos y personajes ya introducidos, por lo que más de uno podría perderse en su arranque. Aún así consigue diferenciarse de las anteriores partes gracias a la incorporación de Hayley Atwell. Nos hace de perfecta guía y con ella el espectador se inmiscuye en el mundo de las intrigas del FMI como si fuese el niño de ‘El último gran héroe’. Con el permiso de Rebecca Ferguson hay que decir que es la que mejor ha congeniado en pantalla con Cruise dentro de esta saga.

Pero además se disfruta porque enarbola un buen guión de espionaje y tiene personajes muy bien trabajados e interpretados que rompen la dinámica de hasta ahora, de ese modo ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal’ no se percibe como otra más. Aunque he de reconocer que si sigo acudiendo a ver estas películas de suspense y acción es por los tiroteos, persecuciones y peleas que nos ofrecen Tom Cruise y todo su equipo. ‘Misión: Imposible’ se ha convertido en una locura adrenalítica, desde que J.J. Abrams y Christopher McQuarrie cogieron la saga. Aunque cada vez están alargando más las persecuciones y eso a mí me cansa o puede hacer que el giuón pierda peso, siempre nos dejan más de una escena para el recuerdo. Que si el mítico momento suspendido por unos cables, que si la escalada por un edificio de cristal, que si la pelea en los baños públicos… En esta ocasión para mi la memorable no es ni la del temerario salto en paracaídas con la moto. Es otra que me ha recordado también a una de ‘Jurassic Park’.

Toca quedarse con cliffhanger pero con uno mucho menos colgado en este verano de películas inconclusas como ‘Flash’, ‘Spider-Man cruzando el multiverso’ o ‘Fast & Furious X’, por cierto que de nuevo la escalinata de Plaza España se ve deteriorada como esta última. El viaje de Hunt va del desierto hasta ciudades italianas como Roma o Venecia, donde cedió su set de iluminación a Álex de la Iglesia. Esta “séptima primera” entrega no está concluida y eso que los personajes se encuentran con una facilidad tremenda, pero al menos su recorrido es tremendamente disfrutable.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2023. Título original: Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One. Duración: 156 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie, Erik Jendresen. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Fraser Taggart. Reparto principal: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Rebecca Ferguson, Vanessa Kirby, Esai Morales, Pom Klementieff, Mariela Garriga, Henry Czerny, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Frederick Schmidt, Cary Elwes, Mark Gatiss, Indira Varma, Rob Delaney. Producción: Paramount Pictures, Skydance Media, New Republic Pictures, TC Productions, Bad Robot. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, suspense, ciencia ficción. Web oficial: https://www.missionimpossible.com/

Crítica: ‘Reposo absoluto’

En qué plataforma ver Reposo absoluto

Sinopsis

Clic para mostrar

Tras años luchando por formar una familia, Julie Rivers (Melissa Barrera) está embarazada de nuevo y se muda a una nueva casa con su marido. Al recibir la orden del médico de guardar reposo absoluto, Julie comienza a sufrir unas aterradoras experiencias fantasmales que despertarán sus demonios del pasado y le harán preguntarse si su casa está embrujada o está todo en su cabeza. Atrapada y obligada a enfrentarse a su pasado y a lo sobrenatural Julie tendrá que luchar por protegerse a sí misma y a su bebé a punto de nacer.

Crítica

Un reposo a través de la ley del mínimo esfuerzo

Tras las últimas películas de ‘Scream’ toca seguir la pista a una de sus últimas incorporaciones protagónicas. No hablamos de Jenna Ortega, a la que parece que no paran de lloverle propuestas, sino de la otra protagonista principal, Melissa Barrera. Con ‘Reposo absoluto’ afronta su primer papel protagónico en solitario, si exceptuamos ‘Carmen’ por eso de ceñirnos al terror. La que muchos han bautizado como “la Gal Gadot mexicana” encabeza este filme de Lori Evans Taylor, productora y guionista que está preparando ahora ‘Destino Final 6’.

Partimos del hecho de que los productores son los mismos de ‘Scream’ y la última versión de ‘Suspiria’. Por desgracia ‘Reposo absoluto’ suena igual de repetitiva. El guión reitera en el mismo esquema de tantas otras películas de terror, véase: pareja intenta superar un bache, pareja intenta pasar página en una casa nueva, uno de ellos se tiene que quedar solo en casa, comienzan a sucederse cosas extrañas o paranormales… ‘Reposo absoluto’ juega con los miedos de una embarazada, como ya hacía en su día ‘Al interior’ (y su remake ‘Inside’), por citar algún ejemplo cercano y a partir de ahí procura usar los propios del espectador. Los tópicos se suceden, desde la apertura a lo ‘El resplandor’ hasta el niño inquietante a lo Demian, y como espectadores ya curtidos en el género esperamos algo que marque la diferencia, pero esto no llega a suceder en ningún momento.

Mantener una película en solo una localización y con únicamente tres o cuatro personajes no es fácil. Lori Evans Taylor lo consigue pero como decía antes sin novedades en el frente, sin arriesgar. Llega a intentar plantear si el personaje de Barrera está desquiciado o si realmente la casa está encantada, pero ni desarrolla esa idea ni la convierte en el centro del filme. En lugar de ello puebla el metraje de algo de camino hacia el desquicie y unos cuantos jump scares, poco más. Tira excesivamente de manual y de refreír la misma fórmula, al fin y al cabo es a lo que se están dedicando tanto la directora como su protagonista, a las secuelas y los remakes.

‘Reposo absoluto’ se presenta como una doble cuenta atrás. Una regresiva que nos indica cuánto queda para el parto y una creciente que enumera los días de encierro. Por supuesto finaliza con un agónico parto que todos podíamos intuir. Aunque la protagonista lee a Lorca no hay poesía en todo esto. Una película estándar del montón.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de julio de 2023. Título original: Bed Rest. Duración: 90 min. País: EE.UU., Canadá. Dirección: Lori Evans Taylor. Guion: Lori Evans Taylor. Música: Chris Forsgren. Fotografía: Jean-Philippe Bernier. Reparto principal: Melissa Barrera, Guy Burnet, Edie Inksetter, Paul Essiembre, Kristen Harris. Producción: BondIt Media Capital, Buffalo 8 Produtions, Project X Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial: https://www.projectxentertainment.com/#work

Estuvimos con Eva Longoria viendo ‘Flamin’ hot’

En qué plataforma ver Flamin’ hot: la historia de los Cheetos picantes

Sinopsis

Clic para mostrar

Cuenta la inspiradora historia real de Richard Montañez (Jesse García), un conserje de Frito-Lay que revolucionó la industria alimentaria y que supo sacar partido a su ascendencia mexicano-estadounidense, convirtiendo los Cheetos picantes de un snack a un fenómeno de la cultura popular en todo el mundo.

Crítica

Inspiradora y divertida

Hoy hemos tenido la ocasión de ver en una gran sala de cine ‘Flamin’ hot: la historia de los Cheetos picantes’ dirigida por Eva Longoria, quien ha estado con nosotros en la proyección y que nos ha contado un poquito acerca de la película y de Richard Montañez, su protagonista.

‘Flamin’ hot: la historia de los Cheetos picantes’ estrenada en Disney+ el pasado 9 de junio de 2023, nos cuenta la historia de Richard Montañez, un hombre que logró ascender desde lo más bajo de una empresa a base de trabajo y perspectiva de negocio, sin saber si quiera que como llevar un negocio. Creando un sabor nuevo para la famosa empresa Frito-Lay.

Nos cuenta su vida desde que era niño, lo complicado que era ser mexicano en Estados Unidos y como el racismo ha sido siempre un impedimento para lograr grandes cosas. Pero gracias a su constancia y buen hacer, logró que se le escuchara.

Es el primer largometraje de Eva Longoria, tras rodar ya varios documentales y series, ya la verdad que me ha gustado mucho el dinamismo de la cinta y la manera de contar la historia. Muy cercana y divertida. El montaje es muy ameno y logra que mantengas el interés por la historia desde el principio aun sabiendo como va a terminar.

Como todas las historias de superación, vemos también las malas rachas por las que se pasan y como hay veces que apetece abandonar todo y dejar de luchar. Pero al final vemos que el amor, la familia y la amistad lo pueden todo.

El reparto está encabezado por Jesse García, Annie Gonzalez, Dennis Haysbert, Tony Shalhoub, Bobby Soto, Matt Walsh y Emilio Rivera, entre muchos otros, que como he comentado logran un ambiente muy familiar.

En la presentación de la película, podéis ver el vídeo al final de esta crítica, Eva Longoria nos ha comentado lo importante que son conocer estas historias. Héroes de distintas culturas que han logrado mantenerse en lo más alto gracias al trabajo. Personas que aun sin estudios, tienen mucha iniciativa e inventiva y son capaces de hacer grandes cosas si se les da una oportunidad.

Así que ya sabéis, si os gustan las películas de superación, tenéis ‘Flamin’ hot: la historia de los Cheetos picantes’ en Disney+.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2023. Título original: Flamin’ Hot. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Eva Longoria. Guion: Linda Yvette Chávez, Lewis Colick. Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Federico Cantini. Reparto principal: Jesse García, Annie Gonzalez, Emilio Rivera, Vanessa Martinez, Dennis Haysbert, Tony Shalhoub, Pepe Serna, Bobby Soto, Jimmy Gonzales, Matt Walsh. Producción: Franklin Entertainment, Searchlight Pictures. Distribución: Disney+. Género: docuficción, drama, comedia. Web oficial: https://www.searchlightpictures.com/flamin-hot/

Crítica: ‘Se busca millonario’

Una historia local que retrata las codicias humanas

El próximo 7 de julio podréis ver en HBO Max la serie documental ‘Se busca millonario’. Una producción junto a Unicorn Content (‘Dolores: la verdad sobre el caso Wanninkhof’) que en tres episodios de casi una hora nos relata un suceso local que transgredió a las primeras planas nacionales pero que paulatinamente cayó en el olvido, sin haberse resuelto aún hoy en día.

El opening de la serie podría ser el anuncio de la lotería de estas navidades si este reflejase realmente el espíritu de ansia de dinero que despiertan los juegos de azar. ‘Se busca millonario’ nos devuelve a esa naturaleza codiciosa que hace que surjan las mentiras y que incluso aquellos que mienten se crean sus propios embustes hasta estar plenamente convencidos de ellos. Esto sucedería ahora y sucedió en 2012. Por entonces hubo quien acertó los números de La Primitiva pero no reclamó el premio. El boleto apareció en una administración coruñesa, presuntamente olvidado por alguien en el mostrador y ateniéndose a una norma que data del siglo XIX acabó bajo la responsabilidad del Ayuntamiento de A Coruña. El por entonces alcalde, Carlos Negreira, recibió el encargo de encontrar al ganador y aún hoy en día no se ha esclarecido a quien corresponden los casi 5 millones que se han incrementado a causa de los intereses.

Falacias, cambios de declaraciones, muertes, corruptelas… Este sería un caso ideal para Poirot o similares. Pero todo parte, así nos lo hace ver el documental, de la labor periodística de Alberto Mahía Rilo (La Voz de Galicia). Hubo mucho más de lo que nos llegó en los noticieros nacionales y fue más de lo que sucede siempre cuando los periodistas, abogados y bancos como crápulas se echan encima de este tipo de historias. Lo más interesante son las incongruencias detectadas en la investigación y por supuesto las teorías de aquellos que reclaman el premio como suyo. ‘Se busca millonario’ revela una vez más como el ser humano es capaz de agudizar el ingenio y de hacer actuaciones de Oscar. Además de intentar arrojar luz sobre este suceso la serie sirve como retrato de nuestra sociedad y de cómo el dinero envilece.

Sucesos, incongruencias, fallos en la custodia… Todo es sospechoso y excesivamente retorcido ya que el tiempo ha emponzoñado la verdad. Todo vale, agarrarse a casualidades numéricas, tirar de anclas emocionales… A veces parecen excusas y razones más cercanas al “mi perro se comió los deberes” que a historias cimentadas en pruebas comprobables y empíricas. De hecho, la prueba y el alegato de más peso que tiene cada uno de los demandantes/reclamantes es que los otros tampoco tienen pruebas. Para ello el documental enfrenta en un círculo de confesiones a los candidatos más destacados que aún viven. Sus historias son escenificadas con maquetas y recreaciones. Menos el caso de uno de ellos que está narrado en el segundo episodio con un dramatismo digno de un corto experimental.

Quizá lo adecuado habría sido sacar este documental cuando todo esté resuelto ya que hoy por hoy es un caso a la espera de dictamen judicial. Cuando salió todo en La Voz de Galicia se evitó que fuese un caso olvidado o que pasase de tapadillo, pero también produjo aún más desconcierto pues aparecieron los oportunistas como langostas. Nunca sabremos si eso entorpeció o aportó a la investigación. Ahora que sale ‘Se busca millonario’ yo no descartaría que surgiesen más arribistas, si yo fuese policía en A Coruña me iría preparando para recibir a más supuestos ganadores. Ahora bien, la docuserie remarca que ya hay dictamen, según el criterio de los policías que llevaron el caso durante casi una década. Pero también que cabe la posibilidad de que suceda lo que temen muchos de los que se declaran propietarios, que al final sea para nadie y paguen justos por pecadores.

Crítica: ‘El origen del mal’

En qué plataforma ver El origen del mal

Sinopsis

Clic para mostrar

En una lujosa villa junto al mar, una modesta joven encuentra una extraña familia: un padre desconocido y muy rico, su caprichosa esposa, su hija, una ambiciosa empresaria, una adolescente rebelde y una inquietante sirvienta. Alguien está mintiendo. Entre sospechas y mentiras, el misterio se instala y el mal se extiende…

Crítica

Aunque no tiene grandes artificios o carisma consigue sorprender con sus giros de guión

Hace un par de años recomendé con todas mis fuerzas ‘Solo las bestias’, entre otras cosas por el trabajazo de Laure Calamy. El año pasado se repitió lo mismo al hablaros de ‘A tiempo completo’. Ahora reincido por tercera vez con ‘El origen del mal’. El recomendar películas protagonizadas por esta actriz francesa se está convirtiendo en una de esas rutinas que se agradece que se mantengan.

La tercera película en formato largometraje de Sébastien Marnier nos lleva a la casa de una familia de snobs franceses. Allí una joven en una situación apurada se topa con un ambiente adinerado y de alta alcurnia empresarial. Pero el motivo de su visita es el encontrarse con quien hasta entonces era su desconocido padre. Una situación peliaguda e incómoda que se acrecienta por el hecho de que parece que todos tienen una mentira que ocultar, hostilidades que manifestar y a la vez la espada de Damocles sobre sus cabezas.

Se palpa el miedo y el odio en esta película, se palpa el secretismo. Pero a pesar de que funciona muy bien como thriller de misterio y crímenes, tras su conclusión lo que terminamos barruntando es otra cosa. Tradicionalmente la cultura falocentrista y cristiana se ha basado en la idea de que el mal surge de las mujeres, por eso de la tentación de Eva, la manzana y el pecado original. Pero… ¿y si esa idea ha emponzoñado la mente de muchos padres y en consecuencia estos han creado sus propios males y monstruos? Con un ambiente femenino lo que procura hacer ‘El origen del mal’ es el romper ideas preconcebidas y jugar con el espectador, sorprendiéndonos con múltiples giros de guión.

No me cabe duda de que ‘El origen del mal’ surge de la fábula de homónima de Tolstoi. En ese breve texto debate sobre la raíz del mal planteando si viene del hambre, el amor, el miedo o la ira. Por supuesto la conclusión que saca tanto el escritor del realismo como la película es que todo proviene de nuestra propia naturaleza. Pero esta no es una película pesimista ni un nuevo ‘Parásitos’. Es una obra de suspense que podría ser una nueva entrega de ‘Puñales por la espalda’ o de las aventuras los personajes de Agatha Crhistie pero sin ese toque carismático que las hace memorables. Os recomiendo que la veáis hasta los mismísimos títulos de crédito ya que hasta la ultimísima secuencia hay giros.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2023. Título original: L’origine du mal. Duración: 123 min. País: Francia. Dirección: Sébastien Marnier. Guion: Sébastien Marnier, Fanny Burdino. Música: Philippe Brault, Pierre Lapointe. Fotografía: Romain Carcanade. Reparto principal: Suzanne Clément, Laure Calamy, Naidra Ayadi, Dominique Blanc, Jackes Weber, Céleste Brunnquell. Producción: Avenue B Productions, micro_scope, Poison Productions, Canal+, Ciné+, Téléflim Canada, Gestion SODEC, The Harold Greenberg Fund. Distribución: Vercine Distribución. Género: suspense, drama. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/672-el-origen-del-mal/

Crítica: ‘Vesper’

En qué plataforma ver Vesper

Sinopsis

Clic para mostrar

Vesper es una niña que lucha por sobrevivir junto a su padre paralítico en un ambiente hostil donde virus y organismos modificados genéticamente han arrasado con la mayoría de la población. Una oligarquía tiene ahora el control de las llamadas “ciudadelas”, donde unos pocos privilegiados sobreviven gracias a la biotecnología de última generación. Un día, un avión procedente de una ciudadela se estrella, y Vesper encuentra a una única superviviente, Camellia, que esconde un secreto que puede ser la clave para un futuro mejor.

Crítica

Eficiente ciencia ficción postapocalíptica cargada de ingeniosas ideas

En ‘Vesper’ nuestra civilización ha colapsado y el planeta se ha transformado. Los humanos depositamos todas nuestras esperanzas en la tecnología genética, pero esta en gran parte fracasa. Los que son afortunados viven encerrados en ciudadelas, los más desgraciados están fuera, en un peligroso mundo exterior en el que han de comerciar con semillas y sangre. Con esto ya sabemos que nos espera una lucha de clases.

‘Vesper’ está cargada de un mensaje que acomete contra cualquier imposición de un orden social. Pero sobre todo es una película de ciencia ficción ecologista. Tiene un alegato abiertamente pronaturaleza y en formato de cuento nos habla del cuidado hacia nuestro entorno. Y lo hace irónicamente a través de una niña que va siempre acompañada de un dron y que es muy inteligente y diestra con la tecnología. La protagonista infantil tiene que intentar sobrevivir para salvarse a ella y a su padre que se encuentra en estado vegetativo, pero que es capaz de comunicarse a través de dicho dron. Al final artefacto volador ejerce el mismo papel que la pelota de vóley de ‘El naufrago’ pues impide que la joven se vuelva loca y haya quien le de las réplicas. Con estos elementos es fácil llegar a un alto grado de empatía con el personaje principal, pero es que el buen trabajo de CGI, de animatrónica y de interpretación de Raffiella Chapman nos lo ponen en bandeja. Además, encontramos a actores como Eddie MarsanRichard Brake y Rosy McEwen en el reparto, nada menospreciable.

Nada más arrancar se recrea para nuestro deleite el mundo que nos quieren plantear, muy similar al de ‘Aniquilación’ o ‘De amor y monstruos’. Tanto visual como argumentalmente se sostiene muy bien. Está repleto de ideas y soluciones originales, ingeniosas e interesantes. Esto hace que se estimule la imaginación del espectador. No obstante ‘Vesper’ está alejada de cualquier cabriola intelectual que siga las corrientes modernas de turno, lo cual juega a su favor pues hace pesar mucho más una trabajada vertiente emocional. Aunque en diversas ocasiones sea dispersa y carente de ritmo es todo un puntazo para Bruno Samper y Kristina Buozyte, autores que figuran en ‘The ABC’s of dead’.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de julio de 2023. Título original: Vesper. Duración: 114 min. País: Bélgica. Dirección: Kristina Buozyte, Bruno Samper. Guion: Kristina Buozyte, Brian Clark, Bruno Samper. Música: Dan Levy. Fotografía: Feliksas Abrukauskas. Reparto principal: Eddie Marsan, Raffiella Chapman, Richard Brake y Rosy McEwen. Producción: Rumble Films Productions, Natrix Natrix, 10.80 Films, Ev.L Prod. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.youplanetpictures.com/vesper/

Crítica: ‘Poquita fe’

Ingeniosa dentro del patetismo y el absurdo de sus personajes

Será el 4 de julio cuando Movistar Plus+ estrene ‘Poquita fe’. La nueva serie de Juan Maidagán y Pepón Montero aka Montero y Maidagán, autores de otras comedias como ‘Justo antes de Cristo’ o ‘Los del túnel’, os contará en doce episodios, uno por cada mes del año, la vida de una sosaina y gris pareja cuya vida está llena de momentos de lo más mundanos pero a la vez ridículos. Cada capítulo ronda los quince minutos de duración a si es que tras verla podemos garantizaros que os esperan más de tres horas de running gags y chistes dignos de un gran monólogo.

Normalmente se dice que la fuerza o el gancho de un monólogo está en conseguir conectar con el espectador a través de elementos de la vida cotidiana. Toda ‘Poquita fe’ sigue esa máxima. La serie relata un año en la vida de una pareja interpretada por Raúl Cimas y Esperanza Pedreño. Ellos son personajes patéticos y seguimos su trivial vida a través de situaciones incómodas que nos analizan o relatan ellos mismos en un formato de falso documental, como tanto ha hecho Gervais en su carrera, pero sin llegar a esos niveles de acidez.

A través de la vida de este vigilante de seguridad del INAP y de esta profesora de guardería recorremos una historia de entendimiento repleta de malentendidos. El título puede aludir a la poca fe que se tienen mutuamente y hacia sus peculiares amigos, compañeros, vecinos y familiares, todos ellos interpretados por Julia de Castro, Chani Martín, Marta Fernández-Muro, Pilar Gómez, María Jesús Hoyos, Juan Lombardero o Enrique Martínez, entre otros. El desconfiar de sus más allegados hace que la serie esté llena de sorpresas, recelos, suspicacias y desconcierto.

Todo el elenco de secundarios está estupendo, aportando esas réplicas que muchas veces aparecen de manera breve y súbita, haciendo de la serie un entretenimiento rapidísimo. Pero para mi gusto ‘Poquita fe’ se mantiene por la vis cómica de ambos protagonistas, sin duda reforzada por la voz tan característica de ambos. Con ellos las vicisitudes de una pareja que en la realidad estaría condenada a vivir en la más amarga monotonía parecen aventuras dignas de contar en la cena de Navidad cual cuñado venido arriba. Es por eso que esta es una serie ingeniosa dentro del patetismo y absurdo de sus personajes.

Crítica: ‘Huye, conejo, huye’

En qué plataforma ver Huye, conejo, huye.

 

Sinopsis

Clic para mostrar

Como médica especialista en fertilidad, Sarah conoce a fondo el ciclo de la vida. Sin embargo, cuando tiene que descifrar el extraño comportamiento de su hija, debe cuestionarse sus creencias y enfrentarse a un fantasma del pasado.

Crítica

 Inquietante y soporífera a partes iguales

Netflix nos trae ‘Huye, conejo, huye’. Un thriller de terror que llega a nuestras casas el próximo 28 de junio. Dirigido por Daina Reid (‘El cuento de la criada’) nos trae un drama familiar en el que una madre se enfrenta a los cambios que tiene su hija nada más cumplir 7 años. A partir de aquí tendrá que hacer frente a su pasado.

La película mantiene la tensión durante buena parte de la historia, aunque si que hay tramos que se hacen algo pesados. Pero aun así la historia que nos cuentan está bien narrada y es interesante.

El guion escrito por la novelista Hannah Kent, nos trae el dolor de una madre que no es capaz de hacer frente a su pasado. Los odios familiares van haciéndose más fuertes según recuerda su niñez, pero no solo eso, sino que también el odio hacia si misma por no reconocer sus errores.

La fotografía de Bonnie Elliott (‘Desplazados’) es bastante evocadora, con una gama de colores amarillos que nos lleva a un pasado al cual, la protagonista no quiere volver. Lleno de polvo y recuerdos repletos de dolor.

Diana Reid, nos logra mantener despiertos gracias a la tensión que logra con los distintos planos en la cinta. No hay grandes sustos, alguno cae, en ‘Huye, conejo, huye’, si no imágenes sutiles en las que puedes ver algo detrás de nuestra protagonista. Esto también hace que como he comentado antes, la película pueda hacerse algo aburrida. 

Sarah Snook (‘Sccession’) protagoniza la película junto a Lily LaTorre, ambas mantienen un pulso muy bueno durante la cinta. Sobre todo la niña, Lily LaTorre. Logra un papel bastante turbio y desconcertante.

En el resto del reparto encontramos a Greta Scacchi, Damon Herriman, Julia Davis, Shabana Azeez, Trevor Jamieson, Georgina Naidu, Neil Melville o D’Arcy Carty entre otros.

Pero como he dicho, la película en algunas partes se hace aburrida, su hora y cuarenta minutos llega hacerse larga y es una pena, porque la verdad la historia es interesante.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2023. Título original: Run rabbit run. Duración: 100 min. País: Australia. Dirección: Daina Reid. Guion: Hannah Kent. Música: Marc Bradshaw, Marcus Whale. Fotografía: Bonnie Elliott. Reparto principal: Sarah Snook, Damon Herriman, Greta Scacchi, Trevor Jamieson, Georgina Naidu, Neil Melville Genevieve Morris, Katherine Slatery, Naomi Rukavina. Producción: 30West, Adelaide Film Festival, Carver Films, Screen Australia, Soundfirm, South Australian Film Corporation, Victoria Film, XYZ Films. Distribución: Netflix. Género: Terror. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81664196

Crítica: ‘La paradoja de Antares’

Sinopsis

Clic para mostrar

Alexandra, científica de guardia de un radiotelescopio, recibe una señal que podría responder a una de las preguntas más trascendentales de la humanidad. Solo tiene un par de horas para verificarla, pero un inesperado problema familiar le obligará a librar una dramática lucha interna en una carrera contra reloj por desvelar uno de los mayores misterios del universo.

Crítica

Afronta la siempre difícil y desagradecida tarea de aupar los valores científicos y poner las emociones a flor de piel

Desde Onirikal Studios nos llega una nueva propuesta de ciencia ficción independiente destinada a suscitar curiosidad y emociones en los espectadores que se acerquen a verla y que sigan la recomendación de certámenes como los Blogos de Oro o el Fantastic Gijón donde ‘La paradoja de Antares’ ha sido premiada.

El director de ‘La paradoja de Antares’ es Luis Tinoco, autor del corto ‘Caronte’, una película que si tenéis tiempo para verla deberíais aprovechar pues es una pasada, sobre todo visualmente. Aquí tira menos del poder de la imagen para desarrollar una historia imaginativa y emotiva. Este autor ha trabajado en efectos de películas como ‘Interstellar’ y eso en gran parte se nota pues en varios sentidos tiene puntos en común con esta obra. La película de Nolan parece presente en ‘La paradoja de Antares’ pero también títulos como ‘Contact’ o ‘Frequency’.

Todo transcurre en un solo set. Ese escenario recrea el centro de control, medición y observación de un telescopio. Está siendo usado por una investigadora del SETI, una organización consagrada a detectar cualquier tipo de vida en el espacio exterior. La noche avanza como tantas otras, con las dificultades de una tormenta y los quehaceres diarios de la protagonista, una científica entregada en cuerpo y alma a bucear en las ondas que llegan desde el espacio exterior. Es entonces cuando una señal rompe la monotonía y saltan las alarmas ya que es una especie de comunicación deliberadamente codificada, tipo mensaje de Arecibo. ‘La paradoja de Antares’ dedica mucho tiempo para mostrar el protocolo que se emplea para diferenciar cualquier señal terrestre de entre tantas que pueblan nuestras frecuencias y esbozar la situación personal de la protagonista, esto segundo muy importante para la historia. Aun así, esto no es impedimento para que se mantenga nuestro interés. Aunque estemos solo en una única sala esta está acompañada de instrumental que la protagonista va manipulando, de llamadas con unos y otros, de comprobaciones que incrementan la expectativa, de fallos de luz y un temporal que aumentan la tensión o de inconvenientes personales que aportan a la trama… Desde luego la película está lo suficientemente cargada como para que se nos ocurra aburrirnos.

El filme es un recorrido hacia el desquicie y la locura. Todo está puesto en el guión para llegar al planteamiento de una dura decisión. La protagonista interpretada por Andrea Trepat ha de resolver la dicotomía en que se ha convertido y decidir si esa noche será hija o científica. Y ese es uno de los grandes valores de ‘La paradoja de Antares’ pues pone sobre la mesa un tema de prioridades, unas personales y otras destinadas a alcanzar un bien mayor para toda la humanidad. Con ello por supuesto llegan reflexiones sobre nuestra soledad en el universo, como individuos y como especie.

Decía que el metraje dedica mucho tiempo a los procedimientos que sigue esta investigadora y eso me gusta. La película incluye mucha ciencia y la incorpora a su narración. Sin entrar en si está científicamente más o menos acertada creo que hay que señalar algo tan importante como es el valor de contrastar y verificar la información. El director ha hecho bien en abrir su largometraje con un video blog de ciencia (con José Luis Crespo Cepeda de Quantum Fracture) para ir retomándolo poco a poco. Además de servir como ancla divulgativa es una herramienta para recrear como puede funcionar la mente de un científico, lo cual es vital para entender la encrucijada que plantea esta paradoja.

Al fin y al cabo ‘La paradoja de Antares’ se pone en el lugar de todas esas personas que están de sobra cualificadas pero que se dedican a la ciencia de una manera precaria. Sobrevivir así es casi una paradoja pues entregas tu vida para el progreso de la sociedad y esta no te da reconocimiento o apoyo alguno, es más, con la pandemia y los negacionistas hemos visto que a veces es lo contrario. Es una situación desesperante, a veces desquiciante y eso lo condensa muy bien el filme en una sola habitación. En buena parte es un ejercicio de sacrificio que queda reflejado en un final que pone las emociones a flor de piel.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de junio de 2023. Título original: La paradoja de Antares. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Luis Tinoco. Guion: Luis Tinoco. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Luis Tinoco. Reparto principal: Andrea Trepat, Aleida Torrent, Jaume de Sans, David Ramírez, José Luis Crespo Cepeda, Ferran Vilajosana, Dermot Arrigan, Christian Avilés, Helena Carrión, Luis de Sannta. Producción: Onirikal Studio. Distribución: #ConUnPack. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.onirikal.com/works_detail.php?f=1-44

Análisis del Blu-ray de ‘Llaman a la puerta’

Shyamalan llama a la puerta de tu casa

Para muchos la película protagonizada por Dave Bautista, Jonathan Groff, Rupert Grint, Ben Aldridge, Nikki Amuka-Bird, Abby Quinn, William Ragsdale, Kristen Cui y Satomi Hofmann supuso el regreso del buen Shyamalan. ‘Llaman a la puerta’ (crítica aquí) no tenía los sorprendentes giros del autor de ‘El sexto sentido’ o ‘La visita’ pero si su característica atmósfera y sentido del suspense.

Surgida de un relato de Paul Tremblay nos contaba como cuatro extraños irrumpían en una cabaña donde una familia pretendía pasar unos días tranquilos. El fin del mundo está cerca y solo ellos podían detenerlo. Esa misteriosa premisa es el punto de partida de esta película desconcertante por momentos.

Ahora Universal Pictures, a través de Arvi Licensing, saca a la venta este título que recaudó en cines más de cincuenta millones a nivel mundial, habiendo costado veinte. Por un precio mucho más moderado podéis encontrarla en tiendas a partir del 23 de junio.

Ha sido lanzada en varios formatos pero el que hemos podido analizar está en Blu-ray. En esa licencia la película se muestra en formato 2.39:1 widescreen. Si no queréis verla en castellano también está disponible en inglés con Dolby Atmos. En cuanto a los subtítulos está un poco más completa, pudiendo seleccionarse castellano, inglés para sordos, mandarín complejo, danés, finés, coreano, noruego o sueco.

Como siempre a continuación daríamos detalles sobre el contenido extra pero se ha decidido lanzar este disco sin ningún contenido adicional. Podéis ver una detallada galería de fotos que muestra cómo se ha publicado esta licencia.

Crítica: ‘Nimona’

En qué plataforma ver Nimona

Sinopsis

Clic para mostrar

En un mundo medieval futurista, el caballero Ballister Bravocorazón (Riz Ahmed) es acusado de un crimen que no ha cometido, y la única persona que puede ayudarlo a demostrar su inocencia es Nimona (Chloë Grace Moretz), una traviesa adolescente con inclinación por el caos… que además resulta ser el ser metamorfo al que debe destruir. Pero, dado que lo persigue todo el reino, Nimona es el mejor compinche (o más bien el único) al que Ballister puede aspirar. De modo que, mientras se difumina la línea entre héroes, villanos y monstruos, la pareja causa estragos a diestro y siniestro para que Ballister pueda lavar su nombre y Nimona… pueda causar estragos a diestro y siniestro.

Crítica

Cyberpunk medieval en contra de las mentiras y prejuicios del sistema

‘Nimona’ es una nueva película de Netflix que surge de una fuente tan invocada hoy en día como que recurrimos al agua para sobrevivir, los cómics. Es una obra accesible en España ya que está editada por Astiberri. En su día su autor ND Stevenson dibujó con una imagen muy similar a la suya a la protagonista de un webcómic fruto de un encargo para sus deberes escolares. La cosa creció en complejidad y repercusión y se llegó a convertir en toda una revelación ganadora del Eisner.

La historia sigue a un héroe caballeresco y a una heroína que realmente siente impulsos a ser una villana, una sierva del más puro caos. En este mundo los caballeros aspiran a ser protectores de un reino que vive entre muros para evitar ser invadidos por el mal exterior. Pero cuando uno de esos caballeros procede de la plebe se produce un complot que le usa como cabeza de turco. Es entonces cuando se cruza en su vida la joven protagonista, Nimona. Una muchacha desequilibrada, cargante y con deseos de ser la malvada de turno para derrocar al establishment y castigar a una prejuiciosa sociedad.

‘Nimona’ está repleta de comedia, aventura y algo de intriga por saber quién es realmente el villano. Pero al fin y al cabo nos cuenta lo de otras tantas veces, que el mal siempre acecha y que los monstruosos no siempre son lo que parecen. Por otro lado también desarrolla un discurso frecuente hoy en día, el de la sociedad creando a sus propios villanos. Y por supuesto la lucha de clases en un mundo en el que los privilegiados miran con recelo el ascenso de los de clase baja. Pero pese a estos tópicos manidos se mantiene por el carácter punk e hiperactivo de la protagonista. A lo que más se puede parecer es a ‘Shrek’ ya que comprobaréis como el supuesto ogro emprende una cruzada en busca de limpiar su imagen acompañado de un cargante compañero. Lo cual nos lleva a un desenlace obvio, propio de historias como ‘La Bella y la Bestia’ o ‘Brave’. Y pese a todas estas referencias cabe señalar que esta no es una propuesta del todo infantil, por determinados momentos violentos.

A todo esto, hay que añadir que esta es una historia oportuna ahora que se acerca el Orgullo LGTBI+ pues refleja un sentir de su creador que es altamente empatizable por muchas otras personas, más en concreto por aquellos que están en plena transición. Pero no es lo único que nos lleva a tiempos modernos. En ‘Nimona’ nos adentramos en un mundo futurista que conserva tradiciones y estética medieval y a la vez está repleto de detalles y tecnología ciberpunk. Es por eso que la película marca una vez más la diferencia con respecto a los esquemas clásicos. Además incluye momento kaiju, no os la puedo vender mejor.

Espera, claro, no hemos hablando del aspecto visual. La animación de la versión en largometraje de ‘Nimona’ no conserva el estilo del cómic. La obra publicada por Stevenson tiene texturas demasiado planas, es minimalista, carente de fondos y detalles. Para darle más riqueza a la película se ha conservado el estudio de personajes e incluso la paleta de colores pero se le ha dado mucha más profundidad al entorno y se han incorporado muchos más relieves. Contando en la producción con nombres como Sony Pictures Animation y Toei Animation era inevitable que estos dejasen su impronta. Este es un gran trabajo de DNEG Animation que a priori iba a estrenar Disney, pero que fue cancelado tras llevarse por delante a Blu Sky Studios con su cierre.

La historia está algo cambiada con respecto a las viñetas y no sé si el gran fallo de guión está heredado de estas. Y es que el personaje villano comete un crimen que no tiene explicación o por lo menos está excesivamente abandonada a la libre interpretación. No obstante la aventura de Nimona ejerciendo de esbirro del caballero Bravocorazón es un disfrute jocoso con un no parar de pulidas ilustraciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de junio de 2023. Título original: Nimona. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Nick Bruno, Troy Quane. Guion: Robert L. Baird, Lloyd Taylor, Pamela Ribon. Música: Christophe Beck. Reparto principal (doblaje original): Riz Ahmed, Chloë Grace Moretz, Eugene Lee Yang, Frances Conroy, Rupaul, Julio Torres, Sarah Sherman, Lorraine Toussaint. Producción: Annapurna Animation, DAMN! Show Productions, Sony Pictures Animation, Toei Animation, Vértigo Entertainment. Distribución: Netflix. Género: aventuras, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.netflix.com/us-es/title/81444554

Crítica: ‘Sin malos rollos’

En qué plataforma ver Sin malos rollos

 

Sinopsis

Clic para mostrar

Cuando está a punto de perder su casa de la infancia, Maddie (Lawrence) descubre un curioso anuncio de trabajo: unos adinerados padres controladores están buscando a alguien que salga en una cita con su introvertido hijo de 19 años, Percy, antes de que este vaya a la Universidad. Para su sorpresa, Maddie descubre pronto que la torpeza de Percy no está tan clara.

Crítica

Incorrecta e imprescindible

Tenía muchas ganas de ver ‘Sin malos rollos’ y sin duda no me ha decepcionado. Comedia sin la mayor pretensión que hacernos reír y pasar un buen rato en la sala de cine. Una de esas películas de verano, de las que sales con la sonrisa en la cara.

Gene Stupnisky que ya triunfó con ‘Chicos buenos’, nos trae a Jennifer Lawrence pasándoselo en grande, junto a Andrew Barth Feldman, a los cuales tuvimos la oportunidad de fotografiar en la presentación de la cinta en Madrid (aquí el enlace). Y la verdad que ha logrado crear una cinta muy divertida y a la vez muy bonita.

En ‘Sin malos rollos’ conocemos a Maddie, una joven vividora que está a punto de perder su casa. En la desesperación, encuentra un anuncio de trabajo, en el que debe conseguir sacar del cascarón a un chaval de 19 años, Percy, que está a punto de ir a la universidad y no hace más que jugar a videojuegos y no se relaciona con nadie.

A partir de este momento nuestros dos protagonistas se van conociendo muy a fondo. La bondad e ingenuidad de Percy choca de golpe con la madurez y la vida que lleva Maddie. Mayor que él y con bastante mala leche.

La verdad que la película tiene verdaderos momentos tronchantes y también como he dicho antes, bonitos. Y lo que más me ha gustado es que logran aunarlos perfectamente dándonos una buena historia que en ningún momento llega a aburrir.

Me ha encantado ver a Jennifer Lawrence en una comedia tan loca, la verdad que se le da bien, cosa que me ha sorprendido gratamente. Además que hace muy buen tándem con el joven Andrew Barth Feldman.

En el resto de reparto encontramos caras muy conocidas como Matthew Broderick, Natalie Morales, Ebon Moss-Bachrach, Laura Benanti, Scott MacArthur o Hasan Minhaj entre otros.

Me ha recordado en su base a ’10 razones para odiarte’ en la que Heath Ledger al igual que nuestra protagonista, también tenía que conseguir enamorar a alguien por dinero. Y al igual que en esta vemos situaciones surrealistas.

Trata muy bien el tema de la sociedad actual no sabemos vivir sin móvil, redes sociales y todo se graba para poder subirlo en directo en las redes. Además de que mucho del bullying viene por culpa de estas redes sociales y logra que chavales como Percy, nuestro protagonista, se encierre en su habitación y solo sociabilice a través de internet.

Pero también nos cuenta un poco acerca de lo difícil que es a veces la vida, o más bien de lo que la complicamos nosotros mismos. El dejar soltar y atreverte a dar el salto a un nuevo viaje. O simplemente los miedos a los cambios.

Una manera de reflexionar a través de un guion bastante desarrollado con un montón de gags y momentos tronchantes.

Así que a partir de este viernes 23 de junio podéis ver ‘Sin malos rollos’ en nuestras salas de cine. Una de las mejores opciones para esta ola de calor que se nos acerca, además de estar fresquitos en la sala de cine, nos podremos echar unas buenas risas.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de junio de 2023. Título original: No hard feelings. Duración: País: Estados Unidos. Dirección: Gene Stupnitsky. Guion: John Phillips, Gene Stupnitsky. Música: Mychael Danna, Jessica Rose Weiss. Fotografía: Eigil Bryld. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Natalie Morales, Mathew Broderick, Ebon Moss-Bachrach, Laura Bennati, Andrey Barth Feldman, Scott MacArthur, Victorya Danylko-Petrovskaya, Hasan Minhaj, Kyle Mooney, Matthew Noszka, Danielia Maximillian, Amalia Yoo, Abigail Hupp, Matt Walton. Producción: Sony Pictures, Odenkirk Provissiero Entertainment, Excellent Cadaver. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/sin-malos-rollos

Crítica: ‘Invasión secreta’

En qué plataforma ver Invasión secreta

Una historia de espías de las de antaño

Hoy hemos tenido la oportunidad de ver el primer episodio de la nueva serie de Marvel ‘Invasión secreta’ donde los skrull quieren tomar el mando. ¿En quién confías? Es el lema de ‘Invasión secreta’ y es que la serie juega muy bien con el quien es quien en este mundo repleto de skrulls que pueden cambiar su forma a su antojo.

Este próximo 21 de junio llega a nuestras pantallas con 6 episodios de una hora de duración cada uno. Donde podremos seguir esta historia de espías sin descanso en Disney+. Ya conocimos a estos personajes en ‘Capitana Marvel‘ y aquí sin duda los conoceremos mejor y podremos comprobar que no todos son tan buenos como lo eran cuando llegaron a la Tierra. La serie se basa en los cómics de Marvel de Brian Michael Bendis que fueron dibujados por Leinil Francis Yu.

En el primer episodio ya vemos muchas caras conocidas y otras que, aunque comienzan su andadura en el mundo Marvel, tiene pinta que llegan para quedarse. El comienzo de la serie es muy potente, a los fans de los cómics les gustará, aunque han cambiado al personaje principal con respecto al de las viñetas. Pero claro, una cosa que está haciendo muy bien Marvel, es llevarse a su camino las historias de los cómics y cambiarlas a su gusto y beneficio. Cosa que si estás en el lado del lector como de espectador termina gustando de igual manera.

El final también es muy potente, pero, en mi opinión, para ser un primer episodio, conociendo ya como conocemos a los personajes y la trama, tarda un poco en avanzar y el desarrollo puede llegar a ser algo pesado. Pero como digo, después de el desenlace de este episodio piloto, seguramente llegue mucha más acción a partir de los siguientes.

Kyle Bradstreet, uno de los guionistas de ‘Mr. Robot’, es el creador de esta serie. Como he dicho, logra adentrarnos en el mundo del espionaje. Las trampas de unos y de otros y de como cualquiera puede ser engañado en cualquier momento. En ese sentido la serie juega muy bien sus cartas y la verdad que es un gustazo.

El reparto está muy bien, en este primer episodio vemos por supuesto a Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Cobie Smulders, Olivia Colman, Emilia Clarke, Kingsley BenAdir, Martin Freeman o Dermot Mulroney, entre otros.

Una cosa que me sorprende es que Disney tiene que estar invirtiendo todo su presupuesto en las series, pues he de decir que el CGI está genial. La transformación de los skrull está muy bien y la verdad que se agradece darle ese realismo que muchas de sus películas han perdido.

En general este episodio piloto de ‘Invasión secreta’ deja con ganas de más, para avanzar con la trama y descubrir a los nuevos traidores que se cuelan en nuestro mundo para destruirlo. Así que ya sabéis, esta semana llegan los skrull a nuestras casas.

Crítica: ‘Tyler Rake 2’

En qué plataforma ver Tyler Rake 2

Sinopsis

Clic para mostrar

Chris Hemsworth retoma el papel de Tyler Rake en ‘Tyler Rake 2’, secuela de la taquillera película de acción de Netflix ‘Tyler Rake’. Tras sobrevivir de milagro en la primera entrega, el australiano Rake, mercenario de operaciones encubiertas, vuelve con otra misión letal: sacar de la cárcel a la familia de un despiadado gánster georgiano.

Crítica

Uno de los máximos exponentes del cine de acción actual

De nuevo Sam Hargrave y Joe Ruso adoptan la fórmula de ‘John Wick’ y se marcan una secuela de ‘Tyler Rake’ que resulta trepidante y se pasa en un pispás, pero que se queda por debajo de la primera entrega. ‘Tyler Rake 2’ por supuesto vuelve a estar protagonizada por Chris Hemsworth y sigue capitaneada por un director que durante su carrera se ha dedicado a ser especialista, coreógrafo, doble de acción… Eso conlleva que está repleta de peleas muy bien orquestadas pero la trama escogida, a caballo entre Georgia y Austria, hace que haya más momentos de pausa y tenga una estructura mucho más clásica, no tan rompedora, frenética o entregada constantemente a la acción como la primera parte.

No obstante, aunque no nos sorprenda tanto como el largometraje de 2020, ‘Tyler Rake 2’ tiene varias escenas de quitar el hipo. Veréis como el mercenario que interpreta Hemsworth se enfrenta a varios helicópteros a bordo de un tren o intenta entrar y salir de una cárcel a base de cuchilladas, tiros y mamporros a mano abierta. Todo ello en plano secuencia. Estén falseadas o no estas partes de la película son un subidón de adrenalina y tienen muchísimo trabajo de coordinación, esfuerzo físico y efectos especiales. A veces parece que estamos ante un gamplay de algún videojuego de gráficos hiperrealistas. Sin duda, si hablamos de los máximos exponentes del género de acción hoy en día, esta franquicia ha de incluirse.

El personaje que surgió de las viñetas del cómic ‘Ciudad’ se traslada a otra localización. Tras superar un largo coma consecuencia del final de la primera entrega este soldado de fortuna se ha convertido en una leyenda viva. Mientras se recupera le llega un encargo que no puede rechazar pues tiene conexión directa con su pasado íntimo. Comienza así una misión que va en la misma dinámica de la anterior: entrar en un lugar, rescatar a una persona, protegerla y extraerla. Dado el carácter de lo que tiene que hacer y el equipamiento táctico que portan todos los combatientes esta podría ser perfectamente la misión de un juego tipo ‘Call of Duty’. Y aunque el metraje no esté plagado de acción en su totalidad en esta secuela se esboza algo más la personalidad y el pasado del protagonista.

La primera película descargaba casi todo el protagonismo en Hemsworth y esta se apoya mucho más en personajes secundarios. Me encantan películas de Golshifteh Farahani como ‘Paterson’ o ‘Un diván en Túnez’ y he descubierto con ‘Tyler Rake 2’ que también tiene una capacidad asombrosa de adaptarse a la acción. Y el filme incorpora a Idris Elba pero lo hace a modo de personaje misterioso. No me cabe duda de que su intervención augura una tercera parte que se reserva para un futuro por si Hemsworth decide salir de su anunciado retiro que esperemos, por motivos obvios, que sea temporal como se dice.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de junio de 2023. Título original: Extraction 2. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Sam Hargrave. Guion: Joe Ruso. Música: Alex Belcher, Henry Jackman. Fotografía: Greg Baldi. Reparto principal: Chris Hemsworth, Golshifteh Farahani, Adam Bessa, Olga Kurylenko, Tinatin Dalakishvili, Dato Bakhtadze, Daniel Bernhardt. Producción: AGBO, Filmhaus Films, Netflix, Stillking Films, T.G.I.M. Films. Distribución: Nerflix. Género: acción. Web oficial: https://www.netflix.com/title/81098494/

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Salir de la versión móvil