Etiqueta: ver

Ganadores locales de Rodando por la igualdad, un certamen celebrado en TikTok

El concurso sigue hasta el 25 de marzo

Con más de 700 trabajos presentados y 4 millones de visualizaciones acumuladas en la red social TikTok, el certamen audiovisual “Rodando por la Igualdad”, organizado en torno al pasado Día Internacional de la Mujer, ha publicado la lista de obras ganadoras a nivel local, un total de 55 piezas elegidas entre los diversos municipios, provincias y mancomunidades de todo el país que han participado en la iniciativa. Se pueden ver todos en este enlace.

A través de pequeños trabajos de hasta un máximo de 60 segundos, las personas participantes de los más de 50 certámenes celebrados al mismo tiempo en todo el territorio nacional, han volcado su talento y creatividad alrededor del hashtag #rodandoporlaigualdad, para abordar el tema de la desigualdad de género en su más amplio sentido.

Canciones creadas para la ocasión, impactantes alegatos en primera persona o sorprendentes efectos visuales, son algunos de los elementos que se han empleado para tratar asuntos como la igualdad en el deporte, en oportunidades laborales, en tareas domésticas o la denuncia de relaciones tóxicas, entre otras muchas cuestiones.

Pero “Rodando Por La Igualdad” aún no ha finalizado, ya que las obras ganadoras de los distintos certámenes locales competirán entre sí hasta el 25 de marzo, en un concurso nacional donde se elegirán los tres mejores trabajos de todo el país, y que contará con un premio extra para los vencedores. En concreto, los galardones a nivel nacional consisten en un primer premio dotado con 1.000 euros y 500 euros en formación online o presencial en la escuela audiovisual EFTI de Madrid, un segundo premio dotado con 500 euros y un tercer premio dotado con 250 euros. También habrá un premio para la obra que consiga más likes de entre las 55 ganadoras, consistente en un lote de productos de «Tierra de sabor». Así, sumando los certámenes locales y la competición nacional, se van a repartir más de 18.000 euros en premios.

Las comunidades con el mayor número de certámenes celebrados han sido Madrid (once), Islas Canarias (ocho), Comunidad Valenciana (ocho), Castilla y León (cinco) y Andalucía (cuatro). Asimismo, ha destacado el caso de Albacete, cuya diputación organizó un certamen para la totalidad de la provincia. La lista la han completado convocatorias en ayuntamientos de Aragón, Asturias, Cantabria, Castilla La Mancha, Cataluña, Extremadura, Galicia, Baleares, La Rioja, Murcia y Navarra.

La productora Cortoespaña, especializada en el cortometraje e impulsora de la iniciativa, se puso como objetivo “estimular la capacidad creativa y potencia rla reflexión y la concienciación por la igualdad de género” y se eligió la plataforma TikTok por “su alta penetración en los estratos más jóvenes de la sociedad y por la facilidad de creación audiovisual que proporciona”.

“Muchos son los esfuerzos que la sociedad tiene que realizar para tratar el tema de la igualdad de género”, han apuntado desde la organización, cuyos miembros tienen “el convencimiento de que el papel de la educación es vital y el camino hacia el cambio se encuentra en ofrecer a los sectores más jóvenes de la población todos los recursos posibles para sensibilizar y visibilizar el problema”.

Con más de diez años de experiencia en iniciativas culturales y acostumbrado a los certámenes de carácter presencial, el equipo de CortoEspaña ha visto necesario explorar nuevos formatos audiovisuales, a causa de la actual crisis sanitaria. Es por ello que ahora están centrando sus esfuerzos en propuestas de carácter online, aunque continúan organizando actos presenciales, siempre que las condiciones sanitarias lo permitan.

«Rodando por la igualdad» es una inicativa promovida por la plataforma CortoEspaña y organizada y respaldada por los organismos públicos pertinentes (Ayuntamientos, Diputaciones, Mancomunidades) en cada respectivo certamen. EFTI, Centro Internacional de Fotografía y Cine, y Tierra de sabor, apoyan también la iniciativa y participan en la dotación de sus premios a nivel nacional.

Crítica: ‘Monster Hunter’

Sinopsis

Clic para mostrar

Detrás de nuestro mundo, hay otro: un mundo de peligrosos y poderosos monstruos que reinan en su dominio con una ferocidad mortal. Cuando una inesperada tormenta de arena transporta a la teniente Artemis (Milla Jovovich) y a su unidad (TI Harris, Meagan Good, Diego Boneta) a un nuevo mundo, los soldados se sorprenden al descubrir que ese desconocido y hostil entorno es el hogar de enormes y aterradores monstruos que son inmunes a su potencia de fuego. En su desesperada batalla por la supervivencia, la unidad se encuentra con un misterioso cazador (Tony Jaa), cuyas habilidades únicas le permiten plantar cara a las peligrosas criaturas. A medida que Artemis y el cazador ganan confianza, ella descubre que él es parte de un equipo liderado por el Almirante (Ron Perlman). Enfrentándose a un peligro tan grande que podría amenazar con destruir su mundo, los valientes guerreros combinan sus habilidades únicas para unirse en la última batalla.

Crítica

Anderson se aleja de esos títulos en los que rozaba más el “arte” de Uwe Boll y entretiene

Como un matrimonio perenne permanece sin deshacerse la asociación Paul W.S. Anderson, Milla Jovovich y Capcom. Todos sabemos que Anderson y Jovovich son pareja desde hace más de diez años y raro será que los espectadores no conozcan el hecho de que las adaptaciones de ‘Resident Evil’ también proceden de esa alianza. A esos tres elementos debemos sumar otra constante como Sony Pictures y tenemos otra adaptación de videojuego, en este caso el juego de rol ‘Monster Hunter’.

Erguida como una reina del fantástico y el género de acción Milla Jovovich vuelve a empuñar un arma y se convierte en una soldado de la ONU que viaja a otra dimensión en la que bestias enormes devoran a las personas en medio de un desierto infinito. Esa es la excusa que ha empleado Paul W.S. Anderson para acercarnos a este nuevo live action que se coloca, para mi gusto, por debajo de las primeras de la saga de zombies pero superando a las últimas secuelas.

Al igual que hizo ya con ‘Mortal Kombat’ el director ha velado porque los jugadores sientan que están ante el producto original. Como paréntesis diría que Anderson se ha hecho un guiño a sí mismo en la última escena nocturna, la cual nos recuerda al oscuro mundo de Outworld recreado en el último tramo de la adaptación de ‘Mortal Kombat’. Es por eso que aparecen personajes que se han usado antes en los videojuegos habiendo dos al margen de los protagonistas que llaman especialmente la atención. Por un lado, nos meten ganas no solo de ir a ese mundo de aventuras, sino también de degustar la espectacular cocina de Palico, el felino que cocina rico rico y con fundamento. Y por otro está El Almirante (Ron Perlman) cuya introducción en el filme y capacidad de hablar en nuestro idioma está un poco cogida con pinzas. No obstante tiene justificación en tanto y en cuanto es el único que nos explica qué es lo que está sucediendo allí o por lo menos qué se han sacado de la manga acercándose a otra película de Sony como ‘La torre oscura’. Y eso me lleva a otra pega de la película. Veo innecesario que esto sea un cruce entre mundos. Incluso diría que eso le quita encanto a un mundo fantástico bien desarrollado en los juegos. Da la sensación de que se ha hecho para poder mostrar a una bestia arrancando las alas de un avión y se agradece la espectacularidad, pero la historia se convierte en un tópico.

Tony Jaa es quien más nos devuelve al juego de rol basado en cazadores. Su estética y carácter nos acercan a la parte más salvaje y también nos recuerda lo difícil que es sobrevivir en el ambiente de ‘Monster Hunter’. Sus aptitudes físicas están algo desaprovechadas, se aprecian sobre todo en un par de escenas de lucha que tiene con Jovovich, momentos en los que la película goza de su mejor tramo. Como aliciente, sobre todo para los jugadores, encontramos que se han replicado los poderes de las armas o algunas cosas que pueden hacer los personajes del juego. Todo ello va apareciendo en distintas partes de la película y lo considero un caramelo para los gamers.

Y me he dejado lo mejor para el final. ‘Monster Hunter’ es el mismo ‘Monster Hunter’ de las consolas si nos quedamos solo con el diseño de criaturas. Muy bien hechas a través de imágenes generadas por ordenador (CGI). Se ha conservado el diseño cornúpeta de los monstruos o wyverns. No me extraña que en el visionado previo los creadores Ryozo Tsujimoto y Kaname Fujioka diesen el visto bueno.

Pienso que la acción de la película es mejor al principio, cuando se mueve con criaturas de menor escala y es capaz de llevarnos a un terror visto en escenas como las de Ella-Laraña, ‘Dune’ o incluso la parte desértica de ‘Transformers’. En ese momento es cuando más nos transmite la sensación de que este mundo adaptado ahora a la gran pantalla no da tregua y no tiene ni un sitio seguro. En cuanto pasa a mayores, los final boss que suele decirse en jerga gamer, pierde fuelle y además tiene alguna escena donde el croma se hace más evidente.

Paul W.S. Anderson se aleja de esos títulos en los que rozaba más el “arte” de Uwe Boll y consigue una película muy entretenida a pesar de tener algunos gráficos mejorables, una banda sonora repetitiva y un mundo que podría haberse explotado mejor. Sin duda esta es una película introductoria y si la taquilla lo permite no me cabe duda de que tienen pensado ampliar con más. La escena insertada en los créditos es una declaración de intenciones indicando por dónde pueden ir los tiros.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Monster Hunter. Duración: 99 min. País: Estados Unidos. Dirección: Paul W.S. Anderson. Guion: Paul W.S. Anderson. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Reparto principal: Milla Jovovich, Tip Harris, Ron Perlman, Tony Jaa, Meagan Good, Josh Helman, Diego Boneta, Jannik Schümann, Schelaine Bennett, Nic Rasenti, Jin Auyeung, Nanda Costa, Aaron Beelner, Hirona Yamazaki, Adrian Munoz Nordqvist. Producción: Constantin Film, Impact Pictures, Capcom Company, Tencent Pictures, Toho Company. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.monsterhunter-movie.jp/

Crítica de ‘Invincible’

Animación comiquera para público adolescente o adulto

‘Invincible’ surge de unos cómics que en España se han venido a llamar simple y llanamente ‘Invencible’, sin cabriolas de marketing que arruinen el título. Al igual que ‘The walking dead’ esta obra también de Robert Kirkman, conserva su título y en su traslación no se ha perdido mucho de su espíritu.

El cómic ‘Invincible’ (reseña aquí) presenta una trama adolescente en la que un joven de unos dieciocho años descubre que al igual que su padre tiene poderes y puede llegar a ser un superhéroe. En mi artículo de opinión sobre el cómic relacionaba todo un poco con ‘Los increíbles’ o con ‘Superman y Lois’ y tras ver la serie me reafirmo y además debo sumar el videojuego ‘City of heroes’.

El 26 de marzo en Amazon Prime Video podréis comenzar a ver esta serie de 8 episodios de larga duración. En ella interactúan héroes o grupos de héroes a los que va conociendo Mark Grayson, el hijo del todopoderoso Omni-Man. Es una especie de Superboy tutoreado por Superman. Instituto, vida familiar, aventuras con superhéroes adolescentes y agentes del gobierno. Entre esas cuatro tramas nos va moviendo ‘Invincible’ de un modo dinámico, aunque algunos momentos se pueden hacer algo tediosos.

Con respecto a la colección de cómics. ¿Qué pierde? Se deja por el camino algo de intrahistoria que en las viñetas enriquece el camino de Invincible. De este modo la trama avanza mucho más rápido pero nos da la sensación de que pasa por alto ciertas cosas. Y hablando de riqueza también se han eliminado casi todos los guiños o referencias a otros cómics que había insertado Kirkman, lo cual hace que tenga menos gracia, supongo que hay licencias de por medio. ¿Qué gana? Dinamismo, la acción siempre es más eficiente cuando se ve en movimiento. Aunque a continuación hablaré de la animación hay que decir que en los tramos de acción la serie funciona muy bien. De hecho entra al meollo de la cuestión y a la violencia antes que el cómic. A parte de eso las voces de los famosos escogidos hacen buena comunión con los personajes, más adelante os enumero algunos.

La animación es obra de Wind Sun Sky Entertainment. Un estudio que no tenía fichado, que creo que no ha llegado con ningún trabajo a España y que por lo que he indagado realiza todo tipo de estilos animados, desde el 3D hasta cosas más “sencillas” o planas como ‘Invincible’. Obviamente todo ello bajo la tutela de Skybound Entertainment, la compañía de entretenimiento de Kirkman y Alpert. El caso es que la animación no difiere mucho de la que hemos visto en muchas películas animadas de Warner/DC. El diseño de personajes, los colores e incluso el trazo es parecido. Son dibujos que no emplean casi texturas, usan más colores sólidos pero que aun así introducen algún efecto en sus luces. Cabe señalar que no está a la altura de ‘Liga de la Justicia: Dioses y Monstruos’ o ‘Liga de la Justicia Oscura’.

En las voces de la versión original vais a encontrar a Steven Yeun como Invincible, J.K. Simmons en el rol de Omni-Man, Mark Hamill como su sastre, Sandra Oh como la madre y esposa de ambos héroes protagonistas, Gillian Jacobs como la poderosa Atom Eve y Zachary Quinto algo modificado pero reconocible como Robot. Pero además si soléis ver material en versión original vais a reconocer a Seth Rogen, Zazie Beetz,, Walton Goggins, Clancy Brown, Mahershala Ali, Lennie James, Jon Hamm, Djimon Hounsou, Ezra Miller….

El protagonista sigue siendo igual de tontorrón y novato, hay quienes ocultan cosas, continuamente se incorporan nuevos personajes, hay humor (procrastinado entre episodios además), no falta la épica… ‘Invincible’ es una buena traslación de un cómic. Os recomiendo tanto su lectura como su visionado.

Crítica: ‘Un efecto óptico’

Sinopsis

Clic para mostrar

Alfredo y Teresa son un matrimonio de Burgos que viaja a Nueva York con la intención de «desconectar» y hacer todos los planes que vienen en la guía. Pero nada más aterrizar empiezan a percibir señales, sutiles y no tanto, de que en realidad no están en la ciudad que les vendieron en la agencia. ¿Dónde están entonces?

Crítica

Reclama toda la atención como buen efecto óptico

Una pareja se va de vacaciones con la imperiosa necesidad de dejar de discutir, de tomarse un respiro, de imitar el plan que tiempo atrás unos amigos disfrutaron. Pero su sensación es rara, ¿están en Nueva York o están en un sitio como Burgos? Están más perdidos que Tony Leblanc en ‘El astronauta’ y la situación poco a poco se torna más absurda.

Según la Wikipedia una ilusión óptica es cualquier ilusión del sentido de la visión que nos lleva a percibir la realidad de varias formas. Puede ser de carácter fisiológico, asociada a los efectos de una estimulación excesiva en los ojos o el cerebro o de carácter cognitivo, en las que interviene nuestro conocimiento del mundo. Teniendo en clara esa definición puede ser más fácil escudriñar la maraña que teje Juan Cavestany en esta comedia con mucho de metáfora y bastante de desconcertante.

Las situaciones que viven Carmen Machi y Pepón Nieto nos dejan tan perplejos como los mayores desvaríos de ‘Amanece que no es poco’. Ellos dos hacen con sus actuaciones que todo esto sea la mar de gracioso, pero no nos podemos despistar de los detalles que a nada que bajamos la guardia la historia da un giro y se reescribe en nuestras cabezas y en la pantalla. La sucesión de eventos inauditos que desembocan en la confusión que sufren los propios protagonistas es contagiosa.

Diría que esta es una película sencilla por eso de que se basa solo en dos personajes pero es compleja. Incluso al principio puede parecer de poca monta porque al principio Cavestany parece que está haciendo malabares para recrear sus escenarios, cabriolas con los planos y los desenfoques que camuflan lo que hay de fondo, pero luego te sacude y te cambia el chip. Puede ser una película de bajo presupuesto pero está claro que ‘Un efecto óptico’ no está falta de medios.

Tengo algunas teorías acerca de lo que representan todas las desconcertantes escenas que vemos pero no quiero destriparlas ya que tanto Cavestany (entrevista aquí) como Carmen Machi y Pepón Nieto (entrevista aquí) me las han confirmado. Si puedo decir que el concepto de déjà vu está ahí, pero hay algo más.

La película cuenta con el respaldo de Javier Gutiérrez y Álvaro Fernández-Armero, asociación que conoceréis por ‘Vergüenza’. Cavestany ha demostrado ser muy bueno con el absurdo con series como esa o como con ‘Vota Juan’, la cual escribió. En este caso no tenemos personajes tan ridículos. Más bien están desorientados y por otro lado tienen una inquietud que les carcome y eso es lo que pienso que Cavestany quiere que resolvamos con las migas de pan que va dejando.

‘Un efecto óptico’ es una serie de marcianadas en la que quizá la música es lo peor. Un imaginativo y rallante viaje. Está lleno de running gags que te los puedes tomar como chistes o como indicaciones, pero desde luego no puedes despreciar ninguno ya que Cavestany no da puntada sin hilo. La película tiene hasta momento ‘Joker’ que algunos sabrán identificar. Una curiosidad para una película bastante peculiar.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Un efecto óptico. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Juan Cavestany. Guion: Juan Cavestany. Música: Nick Powell. Fotografía: Javier López Bermejo. Reparto principal: Carmen Machi, Pepón Nieto, Luis Bermejo, Lucía Juárez. Producción: Cuidado con el perro. Distribución: por determinar. Género: comedia. Web oficial: blog de Filmin

Crítica de ‘Q: en el ojo del huracán’

Las consecuencias de un Internet libre pero… ¿sano?

Gran parte de la opinión pública supo del movimiento QAnon cuando se produjo el peligroso, pero tomado a mofa, asalto al Capitolio. Las propias redes se rieron de lo sucedido con infinidad de memes y precisamente en Internet está el germen de esa explosión de hartazgo y conspiración.

HBO estrena ‘Q: en el ojo del huracán’ el próximo 22 de marzo. Una miniserie documental de emisión semanal que se ha rodado a lo largo de los tres últimos años intentando arrojar luz a esta teoría que se originó en el portal 4chan. Os esperan 6 episodios de teorías y personajes.

‘Q: en el ojo del huracán’ nos acerca a la historia de esos portales que están repletos de mensajes y mentes propensas a caer en los complots. Este es un reportaje de emparanoiados, de personas que claramente se ve que necesitan un cambio para dar sentido a sus vidas. Se obsesionan con la idea de una persona sapiente, que acapara conocimiento desde la sombra y que se esconde tras una letra. ¿Quién hubiese dicho que podíamos vivir un fenómeno como el que genera L en ‘Death Note’? La realidad supera de nuevo a la ficción. “Esto no es un juego, aprendamos a jugar” es lo que dice Q en uno de sus posts. Una persona que también insinúa ser alguien con acceso a información secreta y además tener un plan para salvar el mundo.

Este documental producido por Adam McKay (‘El vicio del poder’, ‘La gran apuesta’) va directo a la raíz. Por eso toca de primeras los orígenes de 2channel, la creación de 4chan, la aparición de 8chan y en última instancia 8Kun. Es por eso que más que ser un título político, ‘Q: en el ojo del huracán’ es un reportaje casi únicamente tecnológico en el que acompañamos a los creadores, administradores o propietarios de esos sitios.

Vais a conocer a Fredrick Brennan alias Hotweels, a Jim Watkins y a su hijo Ron Watkins. Ellos son los que están detrás de esas páginas web donde aparte de prodigarse la libre expresión se ha alojado contenido supremacista o de extrema derecha. Sabiendo esto es obvio decir que en el documental se muestran las consecuencias de las palabras de Q traducidas en el movimiento QAnon (cuyo nombre viene de combinar Q con el término Anonymous).

Tanto el documental como las personas a las que sigue juegan a menudo al despiste. Una táctica que no es difícil de conseguir ya que la personalidad de los entrevistados es tan peculiar como la del propio Trump. Esta es una historia de confusión, de información difusa y de patriotas un tanto desorientados. Lógicamente el trumpismo está muy presente, así como figuras como la de Steve Bannon, el consejero que abandonó a Trump, que fue detenido por fraude e indultado posteriormente por Trump en sus últimas decisiones.

‘Q: en el ojo del huracán’ no entra demasiado en la dimensión política, no tanto como lo hace con sus raíces en la red. Da por hecho que muchos sabemos quienes son algunas personas de USA que pone sobre el tablero y se habría agradecido un poco más de información al respecto. Tampoco parece ser el interés de esta serie. Busca sus respuestas en los responsables de los portales web, quien por otro lado han estado relacionados en sitios de pornografía, teorías sobre fraude electoral, apoyos a la esterilización voluntaria u otros temas controvertidos. De ahí que en mi titular indique que son personas que hablan abiertamente de lo que piensan pero cuyas artimañas pueden tener graves repercusiones.

Siendo una obra de Adam Mckay el tono podría ser más burlesco, pero aun así da la impresión de que se ha hecho con una constante risa contenida. Es lógico pues en ocasiones se topan con seguidores de Q cuya vida cobra sentido solo con poder decir que Trump les ha señalado/saludado en alguno de sus mítines, que ven conspiraciones hasta en una camiseta de ‘Onward’, que creen en el Pizzagate y por supuesto, son aquellos que piensan que actualmente vivimos una “plandemia”. Estas mentes que se creen iluminadas o más despiertas le dan mil vueltas al significado de la letra Q e incluso a las implicaciones de la forma de este carácter. Más allá de hacer un retrato de quienes respaldan QAnon, ‘Q: en el ojo del huracán’ lanza sus posibles candidatos a tener el login y la contraseña de Q. ¿Llega a una conclusión definitiva sobre la identidad de Q? La gracia está en que indaguéis por vosotros mismos o que veáis el documental.

Crítica: ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’

Sinopsis

Clic para mostrar

En La Liga de la Justicia de Zack Snyder, se decidido a asegurar que el sacrificio final de Superman (Henry Cavill) no fue en vano, Bruce Wayne (Ben Affleck) alinea sus fuerzas con Diana Prince (Gal Gadot) con planes para reclutar un equipo de metahumanos para proteger al mundo de una amenaza que se aproxima de proporciones catastróficas. La tarea resulta ser más difícil de lo que Bruce imaginaba, ya que cada uno de los reclutas debe enfrentarse a los demonios de su propio pasado para trascender aquello que les ha retenido, lo que les permite unirse, formando finalmente una liga de héroes sin precedentes. Ahora unidos, Batman (Affleck), Wonder Woman (Gadot), Aquaman (Jason Momoa), Cyborg (Ray Fisher) y The Flash (Ezra Miller) puede ser demasiado tarde para salvar el planeta de Steppenwolf, DeSaad y Darkseid y sus temibles intenciones.

 

Crítica

Coherentemente re-formulada y con más épica

Seguramente me caiga algún que otro hater por decir esto, pero siempre he dicho que la primera versión de ‘Liga de la Justicia’ fue injustamente criticada. Pienso que gana adeptos según pasa el tiempo y que pagó el hecho de que el fandom esperaba que se hiciese una planificación tipo Fases de Marvel. Ni fue así ni creo que sea esencial ese planing solo por el hecho de que hablemos de superhéroes, aunque también pienso que todo puede haber respondido a una fallida estrategia agolpada y al galope por parte de Warner. Pues bien, Zack Snyder ha retomado su idea original con ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’ y ha hecho todo eso en una sola película de cuatro horas tan disfrutables que tras acabarse esperamos hasta una escena post-créditos.

Defendí la versión hecha a reales por Joss Whedon desde su lanzamiento (para muestra un botón) y ahora he agradecido esta reconstrucción, soy de los que demandaban ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’ y me parece que ha merecido la pena. Son maneras diferentes de concebir una historia que es casi la misma. Pero en este caso la sensación es mucho más profunda y completa, nos deja con ese sabor de haber seguido una novela gráfica en la que se van construyendo múltiples historias individuales para acabar en una confluencia y apogeo. Snyder ha aprovechado las alas que le han dado para dedicar más tiempo a los trasuntos personales, tanto de los héroes como de los villanos o incluso de los personajes secundarios. Y vemos mucho más justificadas las escenas que había rodadas. Y todo ello con mucho, muchísimo material nuevo. De hecho diría que fácilmente la mitad del metraje no ha sido visto nunca. Gracias a esto todo cobra más sentido. Un punto importante es el cómo se justifica la aparición de Flash en ‘Batman V Superman’, el “Lois es la clave”. ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’ juega mucho más en equipo y aún con eso podremos seguir disfrutando de manera inconexa de las películas individuales de cada personaje.

No solo se han añadido personajes y escenas nuevas. Si no que las que ya vimos en 2017 tienen modificaciones, ya sea para aportar algo de sangre o para agregar elementos muy importantes. En este caso el software de animación por ordenador ha jugado un papel vital. Ya no tenemos la famosa escena de Superman y su bigote, se han mejorado algunos cromas o modificado a los villanos. Al fin y al cabo todo responde a generar un montaje con un esquema que resulta mucho más coherente y nada precipitado. El orden y el ritmo es diferente, las cuatro horas se pasan volando. Y eso es o bien porque la película está mucho más enriquecida o bien porque las escenas de acción se han alargado. Aunque el Flash de Ezra Miller sigue siendo el alivio cómico ya no ha hecho falta convertir a todos los personajes en participantes de El Club del Chiste ansiosos por soltar una gracia, como pasa en el MCU. Todo es más serio, violento e incluso dramático. Es un goce, por ejemplo, ver el flashback de la batalla con los atlantes, amazonas o Green Lanterns, recuerda totalmente al momento de ‘El Señor de los Anillos’ en el que Isildur y Elendil derrotan a Sauron junto a las otras razas de a Tierra Media.

Soy fan declarado de las adaptaciones comiqueras de Snyder. Creo que es un director capaz de hacer auténticas obras maestras como ‘Watchmen’ o ‘300’ y luego darse el varapalo con películas que ni un contenedor de reciclaje admitiría, como ‘Sucker Punch’. Suele ser criticado por dar oscuridad a sus producciones, pero ese es su estilo y si no te gusta, next. Sobre todo le critican sus cámaras lentas. A mi precisamente es lo que me gusta de él, pues pienso que con ellas nos podemos recrear con sus imágenes casi tanto como hacemos al escudriñar unas viñetas, que creo que es la principal razón por las que las utiliza. Imaginad cuántas emplea en 4 horas de metraje, que por cierto se pueden ver repartidas en seis episodios más un epílogo en HBO.

Snyder tuvo que dejar el rodaje por causas de fuerza mayor, de hecho, como es lógico dedica el filme a su hija Autumn Snyder. Según la web de ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’, ha querido mostrar su versión, alejándose de la visión más cómica y ligera que el estudio encargó a Whedon (el cuál solo dejó 45 minutos de las 5 horas que él había grabado). Ha introducido sorpresas muy chulas para los lectores de DC Comics e incluso se ha permitido hacer un cameo en una de las escenas de Lois. Se ha distanciado de la versión ya estrenada tanto narrativa, como musical y visualmente, con una relación de aspecto diferente e imágenes mucho más contrastadas. Ha merecido la pena todo este viaje y ojalá saque secuela mostrándonos qué pretende con la última escena. ¿Vamos hacia ‘Injustice’ tal vez?

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de marzo de 2021. Título original: Zack Snyder’s Justice League. Duración: 242 min. País: EE.UU. Dirección: Zack Snyder. Guión: Chris Terrio. Música: Junkie XL. Fotografía: Fabian Wagner. Reparto principal: Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill,Amber Heard, Amy Adams, Jesse Eisenberg, J.K. Simmons, Jeremy Irons,Willem Dafoe, Shalini Peiris, Connie Nielsen, Robin Wright, Diane Lane,Kiersey Clemons, Billy Crudup, Ciarán Hinds, Daniel Stisen, Samantha Jo, Harry Lennix, Peter Guiness. Producción: DC Comics, DC Entertainment, Dune Entertainment, Lensbern Productions, Warner Bros. Distribución: HBO. Género: adaptación, cómic, aventura, ciencia ficción. Web oficial: https://www.snydercut.com/

Crítica: ‘The mauritanian’

Sinopsis

Clic para mostrar

Mohamedou Ould Slahi (Tahar Rahim) sobrevive en la prisión de Guantánamo después de haber sido detenido y encarcelado sin cargos por el gobierno de Estados Unidos durante una década y sin que se haya celebrado ningún juicio. Habiendo perdido toda esperanza, Slahi encuentra aliados en la abogada defensora Nancy Hollander (Jodie Foster) y su asociada Teri Duncan (Shailene Woodley). Juntos se enfrentan a innumerables obstáculos en una búsqueda desesperada de justicia.

Crítica

Demoledora. Os damos 11 razones para ver esta película sobre el 11S

Puntualicemos antes de que os espante y penséis que esta es una película efectista que recrea el fatídico atentado. ‘The mauritanian’ es una película sobre el 11S, pero sobre todo se inspira en eventos posteriores al atentado contra las Torres Gemelas de Nueva York. Estamos en un punto lo suficientemente distanciado en el tiempo como para herir sensibilidades, pero con estos temas hay que andar siempre con pies de plomo. Es por eso que ‘The mauritanian’ es un filme valiente.

Sin embargo lo que queda claro nada más empezar es que ‘The mauritanian’ gira vertiginosamente en torno a la vulneración de los derechos humanos y la inviolabilidad del estado de derecho. Principalmente es un largometraje osado, en el que el director Kevin Macdonald se atreve de nuevo a mostrar un punto de vista diametralmente opuesto al que maneja la opinión popular, a tocar un tema capaz de levantar ampollas en la sociedad estadounidense.

Es una película centrada en cuestionar el juicio nublado de un país enrabietado, con el orgullo herido, en el que las ansias de afianzar el poder y la supremacía pudieron hacer que se obviase algo tan elemental como es el beneficio de la duda y la presunción de inocencia. Lo narrado aquí con altos niveles de tensión, la historia de Mohamedou Ould Slahi, fue una de las consecuencias del 11S y por eso queremos daros 11 razones para verla.

  1. La gran interpretación de Tahar Rahim. El actor se pone de nuevo bajo la batuta de Kevin Mcdonald y es todo un acierto. Su trabajo gestual es brillante y es el hilo conductor de un duro drama.
  2. Su soberbia escena final en la que Rahim nos deja destrozados. Además con una música de fondo que me recuerda al tema ‘Blake and Schofield’ de ‘1917’, quizá para mostrar también que los protagonistas están ante una gesta imposible.
  3. Está basada en hechos reales. Surgida de los diarios que el propio Slahi publicó en 2015 y si echamos mano al libro probablemente descubramos que con las barbaridades que se dicen de Guantánamo podría haber sido aún más dura.
  4. Es un bofetón a un reciente pasado y a todo un país que se adjetiva civilizado. Una invitación a ambos bandos a no repetir errores.
  5. Aún con toda su dureza exhibe un humor sarcástico que alivia el tono del filme y va acorde a la personalidad real del protagonista.
  6. El resto del elenco protagónico es un gustazo. Jodie Foster, Benedict Cumberbatch y la joven Shailene Woodley están ensombrecidos por el papel de Rahim pero su participación además de vital es cercana a lo visceral.
  7. El lujo de secundarios o de reparto que ostenta el filme. Que encontremos a Denis Ménochet y a Zachary Levi salpicando el metraje es una sorpresa brindada en pequeñas cápsulas.
  8. Ya le ha valido el Globo de Oro a Jodie Foster y apunta a acaparar más estatuillas.
  9. La atrevida trama política y jurídica que nos cautiva sin aburrirnos con uno de esos extensos juicios.
  10. Los momentos de conversaciones entre presos respiran remembranza a ‘El conde de Montecristo’, otro personaje que sufrió un injusto cautiverio.
  11. Si es tu primer encuentro con el director y documentalista Kevin Macdonald hará que te vayas a otras películas suyas como ‘El último rey de Escocia’, ‘Whitney’ o ‘La vida en un día’, ahí es nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de marzo de 2021. Título original: The mauritanian. Duración: 129 min. País: Reino Unido. Dirección: Kevin Macdonald. Guion: Rory Haines, Sohrab Noshirvani, M.B. Trave. Música: Tom Hodge. Fotografía: Alwin H. Kuchler. Reparto principal: Tahar Rahim, Jodie Foster, Shailene Woodley, Benedict Cumberbatch, Denis Ménochet, Zachary Levi, Corey Johnson, Langley Kirkwood, David Fynn. Producción: Wonder Street, 30WEST, BBC Films, Convergent Media, Great Point Media, Shadowplay Features, SunnyMarch, Topic Studios. Distribución: Vértigo Films. Género: thriller, drama, política, hechos reales. Web oficial: https://www.facebook.com/TheMauritanian/

Crítica: ‘Dardara’

Sinopsis

Clic para mostrar

Tras 25 años de incansable trayectoria y en el momento álgido de su carrera, la banda de rock Berri Txarrak decide parar. Antes, y a modo de despedida, emprenden una última gira por medio mundo para agradecer a todos esos fans que han vibrado con su música durante este tiempo.

La cineasta Marina Lameiro se embarca con ellos con la intención de registrarlo, construyendo un retrato coral a partir de historias diversas que van desde su propia tierra hasta México, Alemania, Japón, Estados Unidos… marcadas todas ellas por una pasión común: la música de Berri Txarrak.

Crítica

El testimonio de una carga sentimental indeleble

Desde la humilde opinión de un seguidor de Berri Txarrak intentaré transmitiros objetivamente el valor del documental ‘Dardara’ rodado por Marina Lameiro. Un reportaje muy bien montado y orquestado (permitidme el símil musical) que transmite más allá de lo que muchos pueden pensar.

‘Dardara’ puede alzarse como homenaje a una banda que ha pulsado el botón de pause y no sabemos si volverá a darle al play. No es un repaso estricto de una carrera ni una lluvia de cifras, bien podría el grupo presumir de ellas. Orientado de un modo realmente singular y más creativo, es una manera de ilustrar el cómo se puede llegar a un punto de desgaste, pero a la vez de satisfacción. Y yendo más allá, ese era el deseo de Gorka Urbizu, David González y Galder Izagirre al proponer llevar a cabo este proyecto, es una manera de dar las gracias y de rendir cortesía a los fans que han seguido al grupo en España y en todos aquellos países por los que ha tenido bolos Berri Txarrak, desde Japón pasando por sus momentos como teloneros de Rise against the machine hasta su concierto 1000 en la otra punta del globo terráqueo.

La traducción de “dardara” es “temblor” y precisamente eso produce el sonido de apertura y cierre del documental. Esa sensación o sentimiento que hace brincar, chocar o gritar en un concierto es lo que manifiestan los fans que dejan que los infrasonidos de Berri Txarrak les atraviesen y que se han colocado ante las cámaras de Lameiro. Las imágenes y los testimonios, incluidos los de Urbizu, hablan de los sentimientos que despierta su música, de la transcendencia en la vida de muchos. Todo ello visto desde múltiples prismas, haciendo de la carrera de la banda (y de la música en general) una herramienta de diversidad e inclusión que va más allá de ser o no euskaldún.

Este es un documento indispensable para la comprensión del rock de las últimas décadas y también para la difusión y normalización del euskera en todas partes, librándolo de sesgos o prejuicios. Puedes ser fan y disfrutar de detalles como el saber que Urbizu entró tardío en el mundo del rock o como sus poéticas letras también emanan rabia, pero es indudable que aquel que quiera ser artista o busque indagar en lo más profundo de una mente creativa apreciará este documento. Berri Txarrak ha dejado una huella indeleble de esa y otras maneras, poco a poco ser irá reconociendo su peso en nuestra cultura. Al fin y al cabo, el tiempo es el único polígrafo.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de marzo de 2021. Título original: Dardara. Duración: 97 min. País: España. Dirección: Marina Lameiro. Guion: Marina Lameiro. Música: Berri Txarrak. Fotografía: Marina Lameiro. Reparto principal: Gorka Urbizu, David González, Galder Izagirre, Kochi Hanafusa, Pauline Rzempowski, Xabi Cabrera, Jare Lertxundi, Ryan Demma, Max Meisterling, Juan de Dios Ríos, Fátima Guadalupe García Quintana, Oihane Ofogo, Asako Nitta. Producción: Arena Comunicación, Txalap.art, Only in Dreams. Distribución: Atera Films. Género: documental, música. Web oficial: https://dardarafilma.com/

Entrevista a Marina Lameiro y Gorka Urbizu por ‘Dardara’

Han realizado un documental homenaje a los fans de Berri Txarrak

El grupo Berri Txarrak (Malas noticias) dio un disgusto a sus seguidores en 2018 anunciando un parón indefinido. Justo en la cresta de la ola y llenando conciertos con miles de personas la banda decidió parar para orientar su carrera artística de otra manera y sin indicar si habrá vuelta o no.

Para despedirse de sus seguidores la banda formada por Gorka Urbizu, David González y Galder Izagirre lanzó una impresionante gira mundial que reventó toda expectativa. Ahora un largometraje en formato documental llamado ‘Dardara’ (podréis leer la crítica aquí) se estrena en cines, en concreto el 19 de marzo.

En ese documental la directora Marina Lameiro ha captado una gran cantidad de imágenes grabadas en conciertos y en backstage, además de otros emplazamientos, donde vemos no solo las entrañas del grupo, si no todo aquello que sienten seguidores del trío a lo largo de todo el mundo. Todo ello acompañado de testimonios o reflexiones de Gorka Urbizu, el cantante, guitarrista y compositor del grupo euskaldún.

A continuación, hablamos tanto del grupo como del documental con la directora y el cantante tras su paso por Madrid.

Sinopsis oficial:

Tras 25 años de incansable trayectoria y en el momento álgido de su carrera, la banda de rock Berri Txarrak decide parar. Antes, y a modo de despedida, emprenden una última gira por medio mundo para agradecer a todos esos fans que han vibrado con su música durante este tiempo.

La cineasta Marina Lameiro se embarca con ellos con la intención de registrarlo, construyendo un retrato coral a partir de historias diversas que van desde su propia tierra hasta México, Alemania, Japón, Estados Unidos… marcadas todas ellas por una pasión común: la música de Berri Txarrak.

Vemos el poso que han dejado sus canciones en un relato que sigue los últimos pasos de un grupo capaz de trascender un estilo, una lengua y varias generaciones para convertirse en un fenómeno universal.

Dardara es un documental que avanza a través de las letras y reflexiones de Gorka Urbizu, autor de las canciones del grupo durante un cuarto de siglo y que ahora se enfrenta al vértigo de un futuro creativo por escribir. Una película sobre el poder de la música y la pasión –ese mínimo exigible, como reza una de sus letras-, la misma que les ha guiado desde sus inicios hasta esta última gira y con la que han logrado formar parte importante de la vida de miles de personas.

Movistar+ estrenará una serie sobre lo sucedido en Palomares

Un documental trata de arrojar luz 55 años después

17 de enero de 1966. Un avión estalla en el cielo de Almería dejando caer 4 bombas termonucleares, 75 veces más destructivas que las de Hiroshima, en los alrededores del pequeño pueblo de Palomares.

Washington activa todos sus protocolos ante un accidente nuclear. En El Pardo, Franco recibe estupefacto la noticia. Se pone en marcha un secretísimo dispositivo de búsqueda de las cuatro bombas atómicas. El ejército norteamericano, con la ayuda de la Guardia Civil y los vecinos, localiza un proyectil intacto, pero otros dos han esparcido su contenido radiactivo a lo largo y ancho de Palomares. De la cuarta bomba nuclear… ni rastro.

Comienza una tensa cuenta atrás para encontrar el artefacto que puede desencadenar la mayor explosión atómica de toda la historia. 55 años más tarde, `Palomares´, nueva serie documental original Movistar+, reconstruye por primera vez, en clave de thriller, lo que ocurrió en aquellos 80 días de búsqueda, gracias al material e información que tanto el gobierno norteamericano como el español mantenían como clasificado.

1.600 soldados del ejército americano aterrizan en Palomares para deshacerse del material radiactivo esparcido por dos de las bombas, ante la atónita mirada de los lugareños de aquella pedanía de poco más de 1.000 habitantes, sin apenas luz eléctrica ni agua corriente. Las autoridades españolas descartan evacuar el pueblo, dañaría la imagen de un país como el nuestro que vive del turismo…

Los soldados americanos sólo se llevaron parte del plutonio. 55 años después Bruselas ha dado un ultimátum a España: tiene hasta finales de 2021 para informar sobre la contaminación nuclear real en Palomares a día de hoy. En febrero de 2020, la Audiencia Nacional insta al Gobierno a que desclasifique el Plan de Rehabilitación para el área contaminada con plutonio en Palomares.

Nos han ocultado tanto la verdad, que ahora cuesta creerla.

Esta serie documental sacará a la luz documentos y materiales recientemente desclasificados y cientos de imágenes y fotografías inéditas fruto de una larga investigación (como las entrevistas a Larry Messinger, piloto del B-52 accidentado que cargaba las 4 bombas o a Marvin McCamis, el piloto del submarino que encontró la bomba perdida), pero también mostrará las surrealistas situaciones que produjo la convivencia de estos dos mundos tan dispares. Anécdotas enmarcadas en una localidad perdida que de repente se ve invadida por el mayor y más moderno ejército del mundo. Un relato que será contado por personas que vivieron los hechos en primera persona y por expertos en la materia, como el periodista Rafa Moreno, que aportarán luz sobre el tema.

Conoceremos enredos políticos como la verdad del famoso baño del Ministro de Información y Turismo, Manuel Fraga, y su campaña de comunicación que llevó a cabo para minimizar el asunto o la reacción de Franco al conocer la tragedia y la tensión política entre Washington y Madrid en plena Guerra Fría. Pero también, cómo vivió todo aquello el pueblo de Palomares, que se movilizó por unas “indemnizaciones justas” en unas manifestaciones encabezadas por una aristócrata apodada la Duquesa Roja que finalmente acaba en la cárcel.

‘Palomares’, nueva serie documental original Movistar+ en colaboración con 93 Metros, es un singular juego de tramas para comprender lo que realmente ocurrió en uno de los episodios más inéditos de nuestra historia reciente. En 4 capítulos de 52 minutos cada uno, viviremos el día a día de una de las historias más sobrecogedoras, fascinantes y desconocidas de nuestro país. Unos hechos que están marcados por el valor y el coraje de unos hombres que ponen en riesgo sus vidas por encontrar las bombas atómicas y por eliminar los restos radiactivos.

Los momentos más importantes de la serie serán recreados gracias a documentos desclasificados por los Estados Unidos, con actores y extras de Almería e incluso del mismo Palomares, que gracias a estos materiales podrán reproducir las palabras textuales y los diálogos de los protagonistas de esta fascinante historia.

Está dirigida por Álvaro Ron (‘La Caza: Monteperdido’, ‘Los protegidos’) y escrita por Daniel Boluda (‘El Palmar de Troya’), Maria Cabo (‘Clandestino’) y Álvaro Ron.

Crítica: ‘Relic’

Sinopsis

Clic para mostrar

Cuando la anciana Edna desaparece y reaparece inexplicablemente, su hija Kay y su nieta Sam viajan a la casa familiar en la que descubren que tras la demencia de la abuela se oculta una presencia malévola que trata de poseerla.

Crítica

Genera muy buen discurso entre generaciones

Para empezar a comprender bien ‘Relic’ hay que tener en cuenta que está protagonizada por tres actrices que además de dar la talla interpretativamente funcionan bien como familia. De menor a mayor, de nieta a abuela: Bella Heathcote, Emily Mortimer y Robyn Nevin. Es importante el relato generacional en este filme por lo que quiere contar.

Se que es una película difícil de tragar pero a mí me ha gustado. Construye muy poco a poco su argumentación y conforma toda ella una metáfora, con el terror como canal de transmisión. Algunos no admiten esa planificación que nos lleva de empezar con secuencias lentas y nos conduce a un climax intenso, pero yo creo que es la clave para sentir agobio, miedo y claustrofobia con esta película. Desde luego ‘Relic’ es capaz de materializar algunos temores inevitables dados en el ser humano.

Natalie Erika James (premiada en Sitges) se ha estrenado con este filme que a diferencia de otras muchas películas que solo buscan los sustos o el espectáculo grimoso se esfuerza en transmitir una inquietud. Siembra pistas que al final evidencian el resultado, como debe ser, sin finalizar de un modo enigmático o solo incomprensible con aclaraciones en entrevistas posteriores. No engaña al espectador que sale de la sala con una idea hecha de lo que ha visto.

La ambientación es otro logro de ‘Relic’. Con ella nos introducen en un lugar triste y que en algunos estadios del filme se hace literalmente agobiante. Hace que una casa funcione como un símil de una mente perdida y desorientada. Además consigue acabar con una escena sentida de verdad. Eso hace que la película gane enteros y no sea un título más entre los muchos que llegan con una temática similar.

En mi caso, no sigáis leyendo si no queréis spoilers o no queréis sacar conclusiones condicionadas, la historia habla del miedo a la muerte, de cómo la vejez acecha y nos hace sentir reliquias. Sobe todo de comprender y acompañar a los que están en una situación en la que los achaques de la edad tergiversan la personalidad. Por supuesto este es un filme que creo que habla de la demencia senil. Es un camino con sufrimiento pero con construcción personal que acaba sacando a la luz nuestra humanidad y el amor por los nuestros.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de marzo 2021. Título original: Duración: 89 min. País: Estados Unidos. Dirección: Natalie Erika James. Guion: Natalie Erika James, Christian White. Música: Brian Reitzell. Fotografía: Charlie Sarroff. Reparto principal: Emily Mortimer, Robyn Nevin, Bella Heathcote. Producción: AGBO, Carver Films, Film Victoria, Nine Stories Productions, Screen Autralia. Distribución: Selecta Visión. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.ifcfilms.com/films/relic#&gid=1&pid=1

Crítica: ‘Solo las bestias’

Sinopsis

Clic para mostrar

Después de la desaparición de una mujer durante una tormenta de nieve, cinco desconocidos de un pueblo remoto de las montañas se verán envueltos en un misterio que trasciende los continentes y que ninguno de ellos esperaba.

Crítica

Una historia intercontinental hecha a retales con muy buenas puntadas

‘Solo las bestias’ empieza con una escena corta en la que un joven (Guy Roger ‘Bibisse’ N’Drin) carga a sus espaldas un animal. Corte, títulos de créditos y pasamos a una Francia rural nevada en la que transcurre casi toda la acción de la película. Nos quedamos preguntándonos qué significa esa secuencia introductoria grabada en África.

Dominik Moll ha afirmado que ha adaptado la novela de Colin Niel sin cambiar su título ya que le atrapó la atmósfera. Pero yo digo que lo que me ha atrapado son sus misterios. No solo ese cambio de escenario que os he descrito, también el misterio por saber qué pasó con la chica que desaparece y que forma parte de la sinopsis del filme, así como la manera en cómo se van a resolver todos los cruces de caminos que tiene. Podríamos definir ‘Solo las bestias’ como cine negro de campiña.

La tónica de ‘Solo las bestias’ es meternos en un ambiente de desconcierto, misterio y hostilidad. Desde el mismísimo principio sentimos la misma confusión que los protagonistas pues hay escenas que no tenemos ni idea de por qué suceden. Los primeros compases en Francia nos hacen pasar el día con una de las protagonistas femeninas (Laure Calamy). Poco después la trama nos devuelve a momentos pasados para conectar con los trasuntos de otros personajes. Con esa mecánica vamos descubriendo muchas verdades acerca de lo que se ha estado viendo en ese corto espacio de tiempo. Entre todos van completando y explicando cómo se ha dado esta confluencia de historias, al más puro estilo ‘Babel’. Por supuesto está relacionado todo con la desaparición de la mujer. Y la manera en cómo nos cuentan lo sucedido es un aliciente que se suma al de los enigmas sembrados en los primeros instantes.

‘Solo la bestias’ nos viene a decir como tantas otras películas que solo sobrevive el más fuerte o que seguimos siendo animales que se mueven por instintos básicos. Es una película de escarceos y secretos pero también de pulsiones y de sentimientos no correspondidos. El mejor ejemplo de todo esto son los personajes de Denis Menochet y Nadia Tereszkiewicz. A Menochet le pega el papel de granjero iluso, no solo por aspecto sino porque es un actor que sabe elaborar una flema muy característica que además va cargada de sentimiento. En el caso de la sensual Tereszkiewicz lo que mejor define su trabajo, lo que materializa, es la desesperanza y entrega.

Aunque no lleguemos a tener un desenlace específico para todos y cada uno los protagonistas, ‘Solo las bestias’ se caracteriza por cómo trata cruelmente a todos y cada uno de ellos. Y es que con la película avanzada retomamos al chico de África y la cosa se pone entonces más retorcida. Esta es una historia en la que la globalización se vuelve en contra de los ciudadanos cuyos países consienten esa diferencia entre mundos. Hay un poco de karma en todo esto.

El montaje de ‘Solo las bestias’ es excelente. Tiene una manera muy particular de narrar y eso encandila siempre. Me gusta además que las películas queden sin flecos, en esta película lo dejan todo cerrado pero eso no quiere decir que no dejen algunas cosas a lazar. Quizá es la mayor pega que le pongo al filme de Moll. Hay un evento que deja demasiado a lo casual, casi como si determinado encuentro sucediese por intercepción de la magia.

De Francia a Costa de Marfil, donde falleció Thierry Kafando el técnico al que está dedicado el filme. ‘Solo las bestias’ es una historia intercontinental hecha a retales que tiene muy buenas puntadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de marzo de 2021. Título original: Seules les bêtes. Duración: 117 min. País: Francia. Dirección: Dominik Moll. Guion: Gilles Marchand, Dominik Moll. Música: Benedikt Schiefer. Fotografía: Patrick Ghiringhelli. Reparto principal: Denis Menochet, Valeria Bruni Tedeschi, Laure Calamy, Nadia Tereszkiewicz, Damien Bonnard, Bastien Bouillon, Guy Roger ‘Bibisse’ N’Drin. Producción: Haut et Court, Razor Film Produktion GmbH, France 3 Cinéma. Distribución: Festival Films. Género: thriller. Web oficial: https://www.hautetcourt.com/en/films/only-the-animals/

Crítica: ‘The owners’

Sinopsis

Clic para mostrar

Un grupo de amigos cree que encuentran un blanco fácil en una casa vacía con una caja fuerte llena de dinero en efectivo. Pero cuando la pareja de ancianos que vive allí llega temprano a casa las cosas cambian de repente. Mientras se produce un juego mortal del gato y el ratón, los posibles ladrones deben luchar por salvarse de una pesadilla que nunca hubieran imaginado.

Crítica

Una Maisie Williams diferente y un misterio por resolver nos mantienen enganchados

La trama de ‘The owners’, sobre todo durante el primer acto, recuerda mucho a ‘No respires’. Unos ladrones se creen más listos que nadie y quieren saquear una casa que piensan que esconde una fortuna y cuyos dueños van a estar desprotegidos. Si en la película de Fede Álvarez era un ciego el que les hacía la vida imposible a los protagonistas, en esta de Julius Berg es una pareja de ancianos que como intuiréis no esconde nada bondadoso entre sus quehaceres.

Esta es una película de personajes sucios, sospechosos e inquietantes. No inquietantes en plan Jordan Peele, más bien se aproxima a lo sibilino u ominoso de algunos personajes de Shyamalan. Y aunque el giro de guión que tenemos al final no está a la altura del director hindú, ‘The owners’ esconde un sorprendente final.

Este es un home invasión en el que se enfrentan unos ancianos de clase media alta a unos granujas al más puro estilo Guy Ritchie, ataviados con chándal, cadena de oro, jerga barriobajera… Obviamente quien llama más la atención en el reparto es Maisie Williams, quien ya dejó de ser nuestra letal niña de ‘Juego de Tronos’. Destaca por ser la cara conocida porque la trama pone su foco en ella (aparte de en la pareja de ancianos) y porque su personaje es el que va a contracorriente del resto en todo momento. Dejando al margen ‘The new mutants’ creo que es el filme en el que se ha visto más obligada a elaborar un registro diferente. Porque lo que hizo en la reciente ‘Two weeks to live’ o incluso en ‘Mary Shelley’ no le ha hecho separarse demasiado del carácter de Arya.

Frente a ella y a los malogrados ladrones destaca el matrimonio propietario de la casa. Están interpretados por Sylvester McCoy y Rita Tushingham (a quien he confundido un par de veces con Geraldine Chaplin, ambas trabajaron en ‘Doctor Zhivago’). El actor, que seguro recordaréis como Dr. Who o Radagast el Pardo, se desenvuelve bien en su papel sereno, refinado y educado. Mientras Tushingham es la que lleva la responsabilidad de dejarnos más descolocados que ningún personaje y funciona medianamente bien.

‘The owners’ no inventa nada nuevo dentro del género de suspense, tiene una trama estrictamente lineal y se centra en lo que hacen otras muchas, en desarrollar su acción a base de pérdidas de nervios, presión y desesperación. A mitad de la película parece que hemos llegado a un desenlace como el de tantas otras cintas de este tipo, pero un giro que va desarrollándose poco a poco mantiene la historia en marcha. El guión es básico, la violencia aparece de vez en cuando para engancharnos de nuevo, pero sobre todo es con su pequeño misterio con lo que consigue hacernos llegar hasta el final.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Título original: The owners. Duración: 92 min. País: Reino Unido. Dirección: Julius Berg. Guion: Julius Berg, Matthieu Gompel. Fotografía: David Ungaro. Reparto principal: Maisie Williams, Sylvester McCoy, Rita Tushingham, Jake Curran, Andrew Elis, Ian Kenny, Stacha Hicks. Producción: Blue Light, Logical Pictures, Wild Bunch, XYZ Films. Distribución: A contracorriente films. Género: thriller. Web oficial: http://logicalpictures.com/catalogue/

Crítica: ‘Pacific Rim: Tierra de nadie’

Dos películas han dado a luz a un nuevo anime moderno con tintes clásicos

Tras dos películas en cines, con mayor o peor aceptación, ahora Netflix lanza una serie sobre el universo que Guillermo del Toro ha creado y llamado ‘Pacific Rim’. Un universo en el que robots gigantes y kaijus de otra dimensión luchan para proteger o dominar la Tierra. Una nueva etapa que se llama ‘Pacific Rim: Tierra de nadie (The black)’.

En las anteriores películas vimos como una brecha dimensional surgida en el océano Pacífico permitía la entrada de unas bestias titánicas a las que la humanidad solo podía vencer a bordo de unos mechas. En la serie que podemos ver desde este 4 de marzo lo que sucede es que han pasado algunos años y la Tierra, más concretamente Australia, ha perdido el pulso. Han aparecido brechas por todas partes y nuestro planeta se ha convertido en un lugar hostil plagado de criaturas, al más puro estilo ‘Monster hunter’.

Casi coincidiendo con el cumpleaños de ‘Mazinger Z’ surge esta serie que bebe de esas referencias. Personajes jóvenes que casualmente se ven en la oportunidad de salvar su planeta ayudados de un colosal robot. Taylor y Hayley es como se llaman estos chicos cuya misión realmente es encontrar a sus padres. ‘Pacific Rim: Tierra de nadie’ es una gran aventura en tierras donde impera la ley del más fuerte o avispado.

Del Toro no está involucrado en el proyecto, es Legendary Entertainment, productora de las dos películas de acción real, quien se ha encargado de esta serie. Los episodios han sido escritos por Greg Johnson (‘X-Men: evolution’), Craig Kyle (habitual de Marvel en títulos como ‘Thor: Ragnarok’ o ‘Wolverine and the X-Men’) o Paul Giacoppo (‘La joven Liga de la Justicia’, ‘Star Wars: La resistencia’).

Los fans, yo entre ellos, pensábamos que esta historia iba a acabar teniendo como localización la dimensión enemiga, que los mechas harían un auténtico contraataque y se aventurarían en territorio rival para acabar de una vez por todas con la amenaza. El devenir de los acontecimientos ha hecho que sea al revés, que los humanos hayan perdido y que esta sea una lucha por la no extinción más crítica todavía. Obviamente no se pierde de vista todo lo sucedido en las películas, incluso la banda sonora está en sintonía a la que compuso Ramin Djawadi con riffs de guitarra eléctrica. Ha sido una composición de Brandon Campbell, quién trabajó con Djawadi en ‘Slender man’.

La animación es sumamente digital, con luces y fuegos muy logrados, con movimientos bastante dinámicos. Esta nueva versión de ‘Pacific Rim’ está llena de texturas, efectos y detalles, como por ejemplo el movimiento del pelo. El estudio japonés Polygon Pictures es quien se ha encargado de dar vida a esta historia. Esta subsidiaria de Amana Holdings ha impreso un claro estilo nipón a la serie como ya hizo en otros excelentes trabajos como ‘Human Lost’ o ‘Godzilla: the planet eater’. El diseño de personajes y la mecánica de la serie recuerda mucho a producciones japonesas de nuestra infancia y visualmente sigue la estela de animes tipo ‘Gantz’ o ‘Ghost in the shell’, pero va más allá.

Obviamente al ver ahora esta historia en formato animación es más fácil que tengamos sensaciones similares a las que despertaron en su día ‘Gundam’, ‘Evangelion’ o incluso sucesores o evoluciones como los ‘Power Rangers’.

La serie tiene valores. Eso ya lo hacían las películas, sobre todo cuando nos hablaban de jinetes de jaeger que tenían que encontrar una sintonía entre sus mentes. Además el mecha que tienen que controlar ambos hermanos tiene solo fines formativos, no va armado, a si es que también potencia el ingenio. Este es un drama con hermanos que tienen confrontaciones y catarsis, como lo fue ‘Fullmetal Alchemist’. Además incorpora novedades para darle más jugo a la historia, como un inquietante niño que me ha encantado.

Son siete episodios de veinticinco minutos de media que nos dejan para una segunda temporada que esperemos llegue pronto.

Crítica: ‘El rey de Zamunda’

Sinopsis

Clic para mostrar

Ambientada en el exuberante real país de Zamunda, el recién coronado Rey Akeem (Eddie Murphy) y su fiel confidente Semmi (Arsenio Hall) se embarcan en una nueva y divertidísima aventura que los lleva a recorrer el mundo, desde su gran nación africana hasta el distrito de Queens, Nueva York, donde empezó todo.

Crítica

Cargante y predecible

‘El príncipe de Zamunda’ es un clásico contemporáneo de la comedia que además supuso un paso adelante para el cine hecho por personas de raza negra. La película es todo un logro dirigido por John Landis (‘Granujas a todo ritmo’) en el 88 de la cual conservo un grato recuerdo tras múltiples visionados. Ahora, con Craig Brewer (‘Black Snake Moan’) tras las cámaras volvemos a Zamunda.

Al margen de los gags que recuerdo de la película original hay que reconocer que se ha quedado algo anticuada, sobre todo en lo que se refiere al concepto de personajes y el tipo de humor. Paramount y Eddie Murphy han intentado tomar nota de los nuevos vientos y durante toda la película procuran mostrar que estamos en el siglo XXI y hay cambios por aplicar. Es algo extrapolable a lo que hemos vivido en España cuando se ha planteado si puede reinar una primogénita o si un rey se puede casar con alguien del burgo.

Volvemos por lo tanto a ese reino arcaico, ritualista y tribal. Un lugar que se ve forzado a actualizarse dejando de lado los matrimonios concertados o los aburridos protocolos ya que la descendencia del príncipe es toda femenina y de armas tomar, por lo menos que él sepa. Para eso se incluye nueva sangre en el reparto de manera que sus ideas choquen con las clásicas normas del reino, porque el tipo de comedia sigue siendo el mismo. Aunque va de moderna por detrás tenemos siempre a algún personaje (incluido Murphy) que mantiene las ideas pasadas. El de ‘El rey de Zamunda’ es un discurso que habría funcionado en una secuela próxima a la original, pero en pleno 2021 se hace tan ineficiente como predecible.

Si me parece una continuación fallida es sobre todo porque peca de haber eliminado el carisma de Eddie Murphy. De hecho da la impresión de que ‘El rey de Zamunda’ está concebida más para impulsar la carrera del Jermaine Fowler que para retomar un personaje cómico que funcionó en los ochenta.

El tipo de humor sigue siendo el mismo. El sexo y el racismo se mantienen como los temas principales. Hace gracia por ejemplo la inclusión del objeto de entrenamiento conocido en las redes como pajilleitor plus. Y cuando aparecen los personajes originales, sobre todo los que interpretan Murphy y Arsenio Hall hasta arriba de maquillaje, la película parece funcionar. Pero ‘El rey de Zamunda’ da mucho más metraje a Fowler, Leslie Jones, Tracy Morgan y compañía, con personajes del Queens de visita en África. Su tarea consiste sobre todo en ser ordinarios para chocar con la refinada nobleza de Zamunda. Y lo hacen bien pero a base de griterío al más puro estilo ‘La que se avecina’ y acaban cargando. Pero no solo eso nos acaba hastiando, también exagerada chulería de Fowler o incluso un Wesley Snipes que como villano cogiendo el testigo del fallecido Calvin Lockhart ha quedado ridículo y tiene una última escena de lucha que roza lo involuntariamente bochornoso para alguien con su carrera en el género de acción.

El Rey León está por todas partes: hay mucha danza tribal, los trajes parecen sacados del musical y por supuesto está de nuevo James Earl Jones, mucho menos cómico que en sus cameos de ‘The Big Bang Theory’. Pero las que también están por todas partes son las marcas. La película tiene bastante product placement: en ropa, en joyas… Y sobre todo en comida. Si la primera parte parodiaba a McDonald’s esta ya es una broma directa y reiterativa con la marca de comida rápida.

‘El rey de Zamunda’ no se atreve a mirar de cara la época más machista y retrógrada de la que viene y no hace crítica de ello, se queda en lo superficial. Valoro como han rescatado imágenes originales o como han tirado de artificios digitales para volver 33 años atrás. Pero el intento de remozar el personaje del Principe Akeem se queda en algo que vemos venir a la legua, como si en todos estos años no hubiese habido evolución alguna. Si la primera fue un taquillazo, sobre todo teniendo en cuenta su reparto afroamericano, esta segunda tiene la suerte de no medirse en afluencia de público y ser proyectada en Amazon Prime Video.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Título original: Coming 2 America. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Craig Brewer. Guion: Kenya Barris, Barry W. Blaustein, David Sheffield. Música: Jermaine Stegall. Fotografía: Joe ‘Jody’ Williams. Reparto principal: Eddie Murphy, Jermaine Fowler, Arsenio Hall, Shari Headley, Wesley Snipes, Leslie Jones, James Earl Jones, Gracelle Beauvais, David Lengel, John Amos, Paul Bates, Tracy Morgan, Loui Anderson, Rotimi. Producción: Eddie Murphy Productions, Misher Films, New Republic Pictures, Paramount Puctures. Distribución: Amazon Prime Video. Género: comedia.

‘Una niña’, estreno el 13 de marzo

Una película de Sébastien Lifshitz

Good Films y La Aventura Cine estrenarán en cines ‘Una niña’, la película dirigida por Sébastien Lifshitz. El 12 de marzo esta película documental estará en carteleras con toda su sensibilidad. Según nos transmite la distribuidora es un luminoso, conmovedor y necesario documental

Es una historia de aeptación y amor, que fue presentada internacionalmente en la Berlinale-Festival Internacional de Cine de Berlín (Panorama), ganó el Premio a la Mejor Película No Ficción (Las Nuevas Olas) del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2020 y ha sido nominado al Mejor Documental Europeo en los Premios del Cine Europeo 2020, logrando además el Premio al Mejor Sonido Europeo.

El año pasado ha ganado asimismo el Premio al Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine de Chicago y el Premio a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Gante.

Narrada con enorme sensibilidad, esperamos en relación al fuerte debate político, jurídico, mediático y social actual sobre la Ley Trans, que este documental ayude a comprender mejor la disforia de género y la lucha por este derecho.

Sinopsis oficial:

Sasha, de 7 años, siempre ha sabido que es una niña, aunque naciera atrapada en un cuerpo de niño. A medida que la sociedad fracasa, al no tratarla como a las demás niñas de su edad, sea en su vida diaria en la escuela, en clases de ballet o en fiestas de cumpleaños, su comprensiva y empática familia lidera una batalla constante frente a la violenta rigidez de los prejuicios sociales, para hacer que su diferencia sea entendida y aceptada por todo el mundo.

Reseña: ‘Invencible’

Argumento

Clic para mostrar

Mark Grayson es como cualquier chico de su edad.

Estudia en un instituto americano, tiene un trabajo basura después de clase y le gustan mucho las chicas, aunque las entiende poco. Le gusta salir con sus amigos y dormir hasta las tantas los sábados (al menos hasta que empiezan los dibujos animados que le gustan). La única diferencia entre Mark y el resto de chicos es que su padre es el superhéroe más poderoso del planeta y, para colmo, parece que él ha heredado sus poderes.

Reseña

Remembranza a los clásicos héroes invencibles pero con ruptura de moldes

No solo de ‘The walking dead’ vive Robert Kirkman. El autor de la saga de cómics más famosa sobre muertos vivientes además de otras series marvelianas ha concebido otros superhéroes, como Mark Grayson. Bajo Image Comics, el sello creado por Jim Lee, McFarlane y compañía, ha estado publicando también desde 2003 la serie ‘Invencible (Invincible)’.

Aunque no hayáis leído nunca ‘Invencible’ esto os va a sonar. Aquí las personas que tienen superpoderes se toman el hecho de ser superhéroes como un trabajo, comentan en la sobremesa qué países han salvado, tienen costurero propio y se dan situaciones en las que “superpadres” quieren legar el negocio familiar. ¿No os suena eso un poco a ‘Los increíbles’? Pues este cómic surgió justo un año antes y casualmente los héroes de Disney/Pixar lucen en su pecho una “i” como la de Image Comics, la editorial del cómic. También “casualmente” el título original de la película iba a ser “Los invencibles”. No voy a entrar en teorías conspiranoicas que sugieran que Disney cogió este cómic y se lo llevo al terreno familiar sin pagar licencia alguna porque los parecidos se quedan en lo que acabo de contar, el resto es totalmente distinto, además una película de animación se tarda años en hacer.

‘Invencible’ es una obra a la que ha ido dando forma Kirkman contando con los dibujantes Cory Walker y Ryan Ottley. Y la verdad es que el dibujo es extremadamente colorido y animado, lo podéis ver en las portadas. Pues la trama no tiene tanto color. Aunque no es un dramón y no tenemos muchos momentos sangrientos como nos acostumbra a dar en su saga de muertos vivientes, esta obra de Kirkman es una historia adolescente que poco a poco se va tornando más seria u oscura. Kirkman se lo toma con calma para ir desarrollando todo un nuevo abanico de héroes, villanos y normas. No os fieis del tono simpático de la trama que esconde cosas y eso es lo que me ha parecido más divertido y cautivador.

Mark Grayson, el protagonista, comparte apellido con el héroe de DC Comics, Nightwing y al igual que él también imparte justicia violenta. De hecho empieza haciendo estallar a un hombre por los aires. Incluso el traje de ambos tiene muchas similitudes. Invencible también está concebido para alinearse con el lector más joven, que busca romper las normas clásicas de los superhéroes.

En una era digital como la nuestra se agradece que un cómic huya de los recursos hiperrealistas que pueden lograrse gracias a programas de diseño y dibujo. Entre eso y la composición de escenas tanto Cory Walker y Ryan Ottley consiguen un dinamismo que nos hace remontarnos a Kirby o a Stanton. Obviamente cada artista usa sus colores y aplica sus trazos pero ‘Invencible’ tiene un estilo totalmente identificable.

Desde el comienzo vemos que el cómic va a tener comedia. Arrancamos con un guiño a la serie ‘Cosas de casa’, no solo por el título, también porque el instituto se llama Reginald VelJohnson y aparece dibujado Steve Urkel, aunque aquí se llama Steve White (el actor se llama Jaleel White). Las viñetas tienen un humor casi igual de tontorrón y algunos gags que pueden durar entregas enteras. Tanto los chistes como algunos eventos que van sucediendo se van resolviendo muchas páginas más adelante, sin que al guionista se le quede nada por cerrar.

‘Invencible’ no es un cómic complejo ni portentoso. Es una historia desenfadada que ciertamente podría haber abarcado cuestiones más interesantes. De hecho justo ahora que leo este cómic y veo alternativamente la serie ‘Superman y Lois’ descubro puntos en común: el padre todopoderoso, el joven descubriendo sus nuevas habilidades, el adolescente compaginando su vida de instituto, la madre que es una humana normal y corriente… Por otro lado aunque a veces parece que nos va a mantener en la monotonía de los argumentos típicos de los personajes con capa, consigue aportar giros novedosos.

A parte de la citada serie cómica hay otros huevos de pascua. También vemos algún guiño a Superman Hijo Rojo, con cuyo autor comparte nombre el protagonista, a Los Cuatro Fantásticos o a ‘Regreso al Futuro’. Entre cosas sutiles como esas y algunos personajes que recuerdan descaradamente a Batman, Detective Marciano, Green Lantern, El Buitre, Rino, Rorschach, Picard o Wonder Woman Robert Kirkman nos deja claro que este es un cómic que pretende romper pero que también está hecho para homenajear a los superhéroes clásicos, como quisieron hacer con ‘Los increíbles’, ejem…

Amazon Prime Video estrenará en breve la serie de animación surgida de estas páginas. Si el guión pasa rápido los primeros números y llega pronto al primer giro sangriento de las viñetas puede convertirse en una serie de animación para adultos muy interesante, no en la línea de ‘The Boys’ pero si llamando igualmente la atención.

Ficha del cómic

Guion: Robert Kirkman. Dibujo: Cory Walker, Ryan Ottley. Color: Bill Crabtree. Editorial: Image (Aleta ediciones). Datos técnicos: 52 págs. (primera entrega), color, rústica, 17 x 26 cm. Publicación: 2003. Precio: 4,50€ (primera entrega).

Tráiler de ‘Los secretos que ocultamos’

Estreno el 10 de marzo en Prime Video

Diamond Films continúa lanzando su catálogo a través de medios digitales como hará con ‘El amigo’ en Movitar+ o como hizo con ‘Richard dice adiós’ en Prime Video. ‘Los secretos que ocultamos (The secrets we keep)’ es otra película en propiedad de la distribuidora que podremos ver en Amazon Prime Video.

A partir del próximo 10 de marzo llegará este thriller escrito y dirigido por Yuval Adler (‘The Operative’). Una cinta sobre las consecuencias del holocausto nazi, ambientada obviamente en una época post Segunda Guerra Mundial. Para ello nos presenta a dos protagonistas enfrentados en ambas caras de la guerra.

‘Los secretos que ocultamos’ está protagonizada por Noomi Rapace (‘Alien: Covenant’), Joel Kinnaman (‘RoboCop’) y Chris Messina (‘Argo’).

 

Sinopsis oficial:

Una superviviente del Holocausto (Noomi Rapace) intenta reconstruir su vida en los EEUU junto a su marido (Chris Messina). Pero su vida da un vuelco cuando cree reconocer a su vecino (Joel Kinnaman) y decide secuestrarle en busca de venganza por los atroces crímenes de guerra que piensa que cometió contra ella.

Palmarés de los Premios Feroz 2021

‘Las niñas’ mejor película, ‘Patria’ y ‘Antidisturbios’ destacan en series

Anoche se entregaron los Premios Feroz 2021, los premios que otorga la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE). El Teatro Coliseum de Madrid y el Hotel VP Plaza España Design 5 fueron testigos de cómo ‘Las niñas’, ‘Patria’ y ‘Antidisturbios’ subían más veces al escenario a por sus estatuillas.

Muchos pedíamos el reconocimiento compartido para Elena Irureta y Ane Gabarain pero finalmente solo una de ellas, compartiendo por su cuenta el galardón, quien fue premiada. Si que fue ex aequo el premio a Mejor Actor Protagonista entregado a Hovik Keuchkerian por ‘Antidisturbios’ y Eduard Fernández por ’30 monedas’.

Tras la polémica de Victoria Abril el foco estaba puesto en la receptora del Premio de Honor. La actriz lanzó una escueta disculpa tras el discurso de presentación de Jorge Sanz.

Mejor película dramática

  • Iker Ganuza Taberna, Koldo Zuazua, Fred Prémel, Nicolás Avruj. Sorgin Films, Lamia Producciones Audiovisuales, Kowalski Films, Gariza Produkzioak, Tita Productions, La Fidèle Productions, Tita B. Productions, Campocine
  • Elena Sánchez Maeso, Agustín Delgado Bulnes, David Pérez Sañudo. Amania Films
  • El año del descubrimiento. Luis Ferrón, Luis López Carrasco, Javier Fernández. LaCima Producciones, Alina Film
  • Las niñas. Valérie Delpierre, Álex Lafuente. Inicia Films, Bteam Pictures, Las Niñas Majicas
  • No matarás. Carlos Fernández Rodríguez, Laura Fernández Brites. Sin Retorno La Película, Castelao Productions, Castelao Pictures

Mejor película de comedia

  • La boda de Rosa. Cristina Zumárraga, Lina Badenes, Fernanda del Nido, Pablo Bossi. Tandem Films, Turanga Films, Setembro Cine, Halley Production, La boda de Rosa la película AIE
  • Los europeos. Enrique López Lavigne, Jaime Gona, Xavier Granada, Louise Bellicaud. Los Europeos la Película AIE, Apache Films, Gonita Filmacción, A Contraluz Films, In Vivo Films
  • Historias lamentables. Luis Manso, Alvaro Longoria. Películas Pendelton, Morena Films, Unfortunate Stories AIE
  • Orígenes secretos. Kiko Martínez, Alberto Aranda. Nadie Es Perfecto AIE, Nadie Es Perfecto PC, La Chica de la Curva, In Post We Trust
  • Marta Esteban. Sentimentalfilm AIE, Imposible Film

Mejor dirección

  • Icíar Bollaín por La boda de Rosa
  • Cesc Gay por Sentimental
  • Luis López Carrasco por El año del descubrimiento
  • Pilar Palomero por Las niñas
  • David Victori por No matarás

Mejor actriz protagonista de una película

  • Amaia Aberasturi por Akelarre
  • Andrea Fandos por Las niñas
  • Patricia López Arnáiz por Ane
  • Kiti Mánver por El inconveniente
  • Candela Peña por La boda de Rosa

Mejor actor protagonista de una película

  • Raúl Arévalo por Los europeos
  • Javier Cámara por Sentimental
  • Mario Casas por No matarás
  • Javier Gutiérrez por Hogar
  • David Verdaguer por Uno para todos

Mejor actriz de reparto de una película

  • Juana Acosta por El inconveniente
  • Verónica Echegui por Explota explota
  • Natalia de Molina por Las niñas
  • Nathalie Poza por La boda de Rosa
  • Paula Usero por La boda de Rosa

Mejor actor de reparto en una película

  • Chema del Barco por El plan
  • Ramón Barea por La boda de Rosa
  • Juan Diego Botto por Los europeos
  • Alex Brendemühl por Akelarre
  • Sergi López por La boda de Rosa
  • Alberto San Juan por Sentimental

Mejor guion

  • Marina Parés Pulido, David Pérez Sañudo por Ane
  • Luis López Carrasco, Raúl Liarte por El año del descubrimiento
  • Icíar Bollaín, Alicia Luna por La boda de Rosa
  • Javier Fesser, Claro García por Historias lamentables
  • Pilar Palomero por Las niñas

Mejor música original

  • Roque Baños por Adú
  • Maite Arrotajauregi, Aranzazu Calleja por Akelarre
  • Koldo Uriarte, Bingen Mendizabal por Baby
  • Roque Baños por Explota explota
  • Federico Jusid, Adrián Foulkes por No matarás

Mejor tráiler

  • Marta Longas, Rafa Martinez por Akelarre
  • Juan Santiago por La boda de Rosa
  • Miguel Ángel Trudu por Explota explota
  • Javier Fesser, Rafa Martínez por Historias lamentables
  • Marina Francisco, Juan Gabriel García Román por Las niñas

Premio Feroz FlixOlé al mejor cartel

  • Natalia Montes por Akelarre
  • Pablo Dávila, Espinar Gabriel por El arte de volver
  • David de las Heras por Los europeos
  • Alfredo Borés, Berta González por La reina de los lagartos
  • Jordi Labanda por Rifkin’s Festival

Mejor serie dramática

  • 30 monedas. Álex de la Iglesia. HBO Europe
  • Antidisturbios, Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña. Movistar+, The Lab, Caballo Films
  • El Ministerio del Tiempo. Javier Olivares, Pablo Olivares. Globomedia, Onza, RTVE
  • Aitor Gabilondo. HBO Europe
  • Javier Calvo, Javier Ambrossi. Atresmedia Studios, Suma Latina

Mejor serie de comedia

  • Mira lo que has hecho. Berto Romero. Movistar+, El Terrat
  • Sergio Sarria, Luismi Pérez, Miguel Esteban. Movistar+, Globomedia
  • Vamos Juan. Diego San José. TNT España, 100 Balas
  • Vergüenza. Álvaro Fernández-Armero, Juan Cavestany. Movistar+, Apache Films

Mejor actriz protagonista de una serie

  • Ane Gabarain por Patria
  • Elena Irureta por Patria
  • Vicky Luengo por Antidisturbios
  • Megan Montaner por 30 monedas
  • Daniela Santiago por Veneno

Mejor actor protagonista de una serie

  • Raúl Arévalo por Antidisturbios
  • Javier Cámara por Vamos Juan
  • Eduard Fernández por 30 monedas
  • Álex García por Antidisturbios
  • Hovik Keuchkerian por Antidisturbios

Mejor actriz de reparto de una serie

  • Susana Abaitua por Patria
  • Macarena Gómez por 30 monedas
  • Carmen Machi por 30 monedas
  • Loreto Mauleón por Patria
  • Paca la Piraña por Veneno

Mejor actor de reparto de una serie

  • Patrick Criado por Antidisturbios
  • Mikel Laskurain por Patria
  • Eneko Sagardoy por Patria
  • Manolo Solo por 30 monedas
  • Willy Toledo por Los favoritos de Midas

Premio Especial

  • Blanco en blanco
  • Lúa Vermella
  • My Mexican Bretzel
  • El plan
  • La reina de los lagartos

Mejor documental

  • A media voz
  • El año del descubrimiento
  • Courtroom 3H
  • Dear Werner (Walking on Cinema)
  • El desafío: ETA

Fotografía de portada: Alberto Ortega

Crítica: ‘Woman’

Sinopsis

Clic para mostrar

La película nos lleva por todos los rincones del mundo para conocer el retrato íntimo de miles de mujeres con diferentes caminos de vida, modelados por su cultura, su fe o su historia familiar.

Es un reflejo actual de la sociedad, donde a menudo la mujer sufre desigualdades y se enfrenta a dificultades, pero también es un canto al empoderamiento del género femenino y a su capacidad y fuerza interior para cambiar el mundo.

Basado en encuentros en primera persona, el proyecto aborda temas como la maternidad, la educación, el matrimonio, la independencia económica, la menstruación o la sexualidad.

Crítica

Todo un retrato antropológico

Yann Arthus-Bertrand y Anastasia Mikova están construyendo su propia matrioshka cinematográfica. Empezaron con ‘Home’, pasaron a ‘Human’ y ahora, tras otros que ha habido entre medias, presentan ‘Woman’. “He sobrevivido a la violencia sexual y al tráfico de personas”. Con un testimonio así, de una persona que reconoce que decir eso en público es lo más valiente que ha hecho en su vida, arranca ‘Woman’. Esta es una película que parece querer remover conciencias más que querer ser sensiblera. Sobre todo, cuando descubrimos que la que ha pronunciado esas duras palabras es toda una deportista, una campeona que ha superado retos impresionantes.

Los títulos de crédito muestran a una mujer en comunión con la naturaleza. Como podréis ver, el documental toca infinidad de facetas a cerca de lo que significa ser mujer. Es todo un retrato antropológico. Cierto es que habla y redunda sobre lo mismo de siempre, pero por desgracia para muchas personas este podría suponer un ejercicio de cerca de dos horas al que les tendríamos que someter casi de manera obligatoria.

En ‘Woman’ oímos y vemos a mujeres que han decidido superar miedos y retos, que se comunican de multitud de maneras. El abanico de testimonios es inmenso. El propio documental se ha planteado un reto casi inabarcable, el de dar voz a mujeres de todo el globo terráqueo y de todas las edades. Y ni cortos ni perezosos Anastasia Mikova y Yann Arthus-Bertrand han contado con unas 2000 mujeres. A ellas les agradecen su participación en este documental, no es para menos, pues frente a la cámara se abren, reclaman, proclaman, ríen y lloran.

¿Son fuertes las mujeres? ¿Cómo afrontaron su primera regla y los cambios de su cuerpo? ¿Cómo les gusta experimentar el sexo? ¿Cómo es su situación en el mercado laboral? ¿Cómo ven el tema de la igualdad? ¿Cómo es para ellas estar gestando una vida? Podríamos decir que, principalmente respecto a esta última cuestión, el documental es tan universal que nos hace volver a conceptos como el de la Pachamama o las venus paleolíticas en los que la madre tierra era adorada como fuente de toda vida. Quizá es por eso que ‘Woman’ dice desde el principio estar dedicado a todas las madres. Y pese a ello tampoco deja de lado a esas mujeres que no pueden concebir, como las que han sido violadas, víctimas de ablación o simplemente han decidido cambiar de sexo.

‘Woman’ va a quedar ahí como algo más que una guía o un manual, es el testimonio de una raza que ojalá vean algún día vecinos de galaxias cercanas, para que sepan realmente como era una gran parte de la humanidad. Y esta suele ser la tónica de los documentales de Yann Arthus-Bertrand que están menos premiados de lo que deberían.

Este documental solo ofrece la perspectiva de mujeres sobre ellas mismas. Podría ponerme a la defensiva desde mi posición de hombre pero, aparte de que me considero partidario de la igualdad y nada condescendiente hacia las mujeres, creo que el documental no presenta ninguna hostilidad. Nos invita, como pienso que hace falta hacer repetidamente hoy en día, a reflexionar cómo tratamos o hemos tratado siempre la figura de la mujer. Quiero creer que estas casi dos horas de testimonios harán que muchos y muchas reconsideren su posición a cerca de las temáticas que se comentan. Y sobre todo, si alguien se siente dolido porque a veces en ‘Woman’ se generalice es porque no ha entendido el mensaje de diversidad que envía el documental.

‘Woman’ se forma a base de innumerables entrevistas que abrazan lo que significa ser mujer desde muchas culturas y experiencias. Entremedias intercala a modo de transición algunas imágenes que se salen del estudio de grabación, pero básicamente lo que calan son las palabras de todas ellas. Esta obra de Anastasia Mikova y Yann Arthus-Bertrand tiene que haberles llevado mucho tiempo pues se ha realizado colaborando con ONGs de todo el mundo y eso se me antoja laborioso a nivel burocrático, además se nota que no han parado hasta tener todas sus cuestiones cubiertas.

La última secuencia (obra de las artistas de Bandaloop) muestra a unas mujeres saltando sobre los cristales de un edificio, en una coreografía que bien puede representar el cómo a veces han de lanzarse al peligroso vacío para colocarse sobre los famosos techos de cristal. A la vez las hileras de ventanas pueden tener similitudes con un pentagrama en el que se alojan notas. Y esas notas saltan, saliéndose de composiciones preestablecidas buscando distintas melodías.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Título original: Woman. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Anastasia Mikova, Yann Arthus-Bertrand. Guion: Anastasia Mikova, Yann Arthus-Bertrand. Música: Armand Amar. Fotografía: diferentes unidades de rodaje. Reparto principal: Norma Bastidas, Gabriela Melgoza, Shantel Nasir, Aleksandra Orbeck-Nilssen, Virginie Raisson. Producción: Hope Production. Distribución: Adso Films. Género: documental. Web oficial: http://www.woman-themovie.org/

Palmarés de los MiM Series 2021

‘Vida perfecta’ y ‘La unidad’ las más galardonadas

Ya tenemos otro palmarés. MiM Series 2021 dio a conocer durante la noche de ayer los ganadores de su octava edición. Sin la tradicional gala y cena ceremonial la organización ha tenido que adaptarse como el resto de festivales y premios a causa de la pandemia. En un evento especial celebrado en RTVE.es y el canal de Youtube de RTVE se desvelaron los premiados de este evento que reconoce lo mejor de la televisión española.

En el vídeo de a continuación podéis ver la retransmisión.

 

Palmarés MiM Series 2021

PREMIO MiM a MEJOR GUION

Leticia Dolera y Manuel Burque por VIDA PERFECTA, una serie original de Movistar+ producida en colaboración con Corte y Confección de películas.

PREMIO MiM a MEJOR DIRECCIÓN

Dani de la Torre por LA UNIDAD, una serie original Movistar+ producida en colaboración con Vaca Films.

PREMIO MiM a MEJOR ACTOR de COMEDIA

Enric Auquer por VIDA PERFECTA, una serie original de Movistar+ producida en colaboración con Corte y Confección de películas.

PREMIO MiM a MEJOR ACTOR de DRAMA

Javier Rey por HACHE, una producción de Weekend Studio para Netflix.

PREMIO MiM a MEJOR ACTRIZ de COMEDIA

Aixa Villagrán por VIDA PERFECTA, una serie original de Movistar+ producida en colaboración con Corte y Confección de películas.

PREMIO MiM a MEJOR ACTRIZ de DRAMA

(Ex aequo) Ane Gabarain y Elena Irureta por PATRIA, una producción de Alea Media para HBO Europe.

PREMIO DAMA a MEJOR SERIE DIARIA

SERVIR Y PROTEGER, producida por RTVE, en colaboración con Plano a Plano.

PREMIO DAMA a MEJOR MINISERIE

PATRIA, una producción de Alea Media para HBO Europe.

PREMIO DAMA a MEJOR SERIE de COMEDIA

GENTE HABLANDO, una producción de Atresmedia Televisión-Flooxer en colaboración con Set Magic Audiovisual.

PREMIO DAMA a MEJOR SERIE de DRAMA

LA UNIDAD, una serie original Movistar+ producida en colaboración con Vaca Films.

PREMIO JOVEN TALENTO COCA-COLA

Ester Expósito “por considerarla, a pesar de su juventud, y precisamente por eso, todo un referente de nuestra ficción seriada más actual, que vive con fenómenos como ella, un momento de apogeo y reconocimiento internacional sin precedentes y que traspasa los formatos tradicionales abriendo un nuevo camino al futuro de nuestras series.”

Crítica: ‘Dating Amber’

Sinopsis

Clic para mostrar

Sigue los pasos de un chico y una chica, que fingen ser pareja para alejar los rumores sobre su orientación sexual que corren por el instituto. Ambientada en la Irlanda de los años noventa, la cinta es una conmovedora historia sobre dos adolescentes encerrados en una población que no les acaba de aceptar como son.

Crítica

Las guías de cambio social también pueden estar edulcoradas con humor

Podría adornar esta crítica de ‘Dating Amber’ con frases tópicas y típicas como “es una historia de autodescubrimiento” o “un paso hacia la madurez” pero considero sobre todo que ‘Dating Amber’ es una historia de reprimidos y amedrentados. Y eso no va solo por aquellos que temían salir del armario, va también por los abusones que aún sin conocerse a sí mismos criticaban a los demás por ser diferentes. La película de David Freyne se irgue como un buen ejemplo capaz de hacer que nazca reflexión sobre aquellos que ahora podemos considerar como artífices de acoso escolar.

El filme pone a la lesbiana protagonista (Lola Petticrew) como una machucho y al gay (Fionn O’Shea) como alguien debilucho. Son tópicos, manidos que poco a poco se va viendo que están llevados a ese extremo o estereotipo con el simple objetivo de devolvernos a ideas pasadas. ‘Dating Amber’ lucha contra el conservadurismo y lo hace desde la perspectiva de los años 90. Una época en la que Irlanda se debatía en aprobar o no los divorcios y en la que ya estaban presentes campañas contra el VIH no del todo bien enfocadas.

Además de ser una película con un evidente discurso a favor de la diversidad y pujando por la admisión de cualquier tipo de identidad, es una historia generacional de pardillos adolescentes y salidos. Otro aspecto llevado al extremo es la elevadísima lívido de los adolescentes irlandeses. Con ello se rompe el drama y se alcanza la comedia. ‘Dating Amber’ no tiene vergüenza y pinta penes por todas sus paredes y cuadernos. Es gracias a ese humor que se desmarca de filmes sensibleros o extremadamente dramáticos. No es todo lo hilarante que podría ser o no encaja con el humor que a mí me gusta pero reconozco que tiene cierta gracia.

Ya va tocando que artistas gays muestren en cines su visión sobre el tratamiento de la identidad de género en la sociedad. Lo de ‘Dating Amber’ no es novedoso pero puede alardear de tener director y reparto en el que encontramos a algunos que son abiertamente homosexuales. Esa manera de vivir abiertamente contrasta con la relación falsa que establecen los protagonistas para evitar que se sepa en el colegio que les gusta gente de su mismo sexo. Me parece una buena estrategia de combate.

Esta es una película que refleja esa época en la que nos íbamos tímidamente a escondidas a besarnos, fuese cual fuese la preferencia sexual. Al margen de preferencias amorosas o pulsiones sexuales es un filme que sirve de guía para adolescentes. Una película que acierta en la mayoría de sus planteamientos y que sobre todo hay que tener en cuenta que formará bloque educacional con títulos como ‘Con amor, Simon’, ‘Call me by your name’ o ‘Pride’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Título original: Dating Amber. Duración: 92 min. País: Ireland. Dirección: David Freyne. Guion: David Freyne. Música: Hugh Drumm, Stephen Rennicks. Fotografía: Ruairi O’Brien. Reparto principal: Fionn O’Shea, Lola Petticrew, Sharon Horgan, Barry Ward, Simone Kirby, Evan O’Connor, Ian O’Reilly, Emma Willis, Lauryn Canny. Producción: Screen Ireland, Altitude Film Entertainment, Broacasting Authority of Ireland, Radió Teilifís Éireann, Wrong Men, VOO, BE TV, BNP, Atomic 80, Particular Crowd. Distribución: Elamedia Studios. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.elamedia.com/Catalog/DATING-AMBER

Movistar estrenará una serie inspirada en el Mundodisco de Terry Pratchett

Protagonizada por Richard Dormer (‘Juego de Tronos’)

Habría estado bien que hubiesen surgido antes adaptaciones como esta serie. Terry Pratchett falleció en 2015 y no va a estar para controlar el resultado. El prolífico creador de El Mundodisco era un maestro combinando humor y fantasía y ese es el resultado que se espera de ‘La guardia (The watch)’.

Movistar estrenará en Seriesmanía el próximo 16 de abril esta obra que protagoniza Richard Dormer, quien interpretó a Beric Dondarrion en ‘Juego de Tronos’. En ella se mete en una trama policíaca que transcurre en Ankh-Morpork, la metrópoli más concurrida del Mundodisco: un mundo plano, situado en algún lejano lugar de un conjunto de universos paralelos, sostenido por cuatro elefantes que se apoyan a su vez sobre el caparazón de una gran tortuga estelar llamada Gran A’Tuin.

En la decadente y caótica ciudad de Ankh-Morpork, una curiosa milicia de proscritos conocida como la Guardia parece ser la única autoridad capaz de mantener a raya el crimen y la corrupción que reina en las calles. Otra cosa es que lo consigan. Bajo el gobierno de Lord Vetinari, los criminales se agrupan en respetados gremios y sus acciones pasan indemnes mientras cumplan unas reglas y no alteren este frágil equilibrio. Reclutados y liderados por el capitán Sam Vimes (Richard Dormer), un histriónico policía pasado de rosca que vive la mayor parte del tiempo borracho, los miembros de la Guardia se encuentran con la misión de recuperar un misterioso libro robado y tratar de salvar a la ciudad de una catástrofe de dimensiones épicas.

Además de Sam Vimes, la Guardia está formada por Zanahoria (Adam Hugil, ‘1917’), un pelirrojo ingenuo y de constitución fuerte que fue adoptado por los enanos y criado en sus minas cuando quedó huérfano; Angua von Überwald (Marama Corlett, ‘Guardianes de la Galaxia’), letal descendiente de una influyente estirpe de hombres-lobo; Lady Sybill Ramkin (Lara Rossi, ‘Crossing Lines’), una noble guerrera tan feroz como el dragón que está criando y lleva consigo a todas partes; Cheery (Jo Eaton Kent, ‘Los Romanov’), un inteligente forense de género no-binario desterrado por su familia; y el Sargento Detritus, un troll con un corazón tan gigantesco como él mismo. Anna Chancellor interpreta a Lord Vetinari, el gobernante de la ciudad de Ant-Morpork. Samuel Adewunmi (‘Dixi’) interpreta al gran villano de la historia, Carcer Dun, enemigo de Vimes y de todo lo que representa en la Guardia.

Cada viernes se lanzará un nuevo episodio de esta serie. Terry pratchett

Crítica: ‘Pequeños detalles’

Sinopsis

Clic para mostrar

Envían a Joe «Deke» Deacon (Washington), el sheriff adjunto del condado de Kern, a Los Ángeles para lo que debería haber sido una tarea rápida de recopilación de pruebas. Pero Deke se ve envuelto en la búsqueda de un asesino en serie que aterroriza a la ciudad. El sargento del Departamento del Sheriff de Los Ángeles Jim Baxter (Malek) se encarga de dirigir la búsqueda del asesino. Impresionado con el instinto policial de Deke, consigue que colabore con él aunque no por el canal oficial. Mientras persiguen al asesino, Baxter no es consciente de que la investigación está sacando a la luz ecos del pasado de Deke, descubriendo secretos inquietantes que podrían poner en peligro algo más que su caso.

Crítica

Una buen manera de mostrar que algunos pequeños detalles pueden llegar a marcar

De la mano del irregular John Lee Hancock (‘Emboscada final’, ‘Al encuentro de Mr. Banks’) llega a cines ‘Pequeños detalles’. Una película dirigida y escrita por el cineasta texano, con un reparto de excepción ya que junta a actores con estilos diametralmente distintos. Un logro de dirección ya que consigue paliar los dejes de sus estrellas llevándoles a todos al mismo terreno.

Denzel Washington, Rami Malek y Jared Leto interpretan a tres personajes con una manera bastante concienzuda de tomarse la vida. ‘Pequeños detalles’ supone un pulso entre el carácter de los tres, una pelea por ver cuál de los tres personajes explota antes. El filme es bueno a la hora de hacer que nazca en nuestro pecho un grito que sirva de detonante, que traspase la pantalla. La meticulosidad y paciencia de los tres protagonistas parece que busca inquietar más y más al espectador y no cabe duda que contribuye a generar una atmósfera de alta tensión.

Ciertamente ‘Pequeños detalles’ podría ser un filme puramente noir si solo nos quedamos con su argumento. Una trama en la que un joven detective es ayudado por un alguacil que ocupaba su puesto de años atrás. Ambos intentan resolver unos crueles crímenes de mujeres que quedaron sin resolver a causa de lo cuidadoso que era su artífice. Es noir en cuanto a su ambiente y su fatalismo, en cuanto al carácter puro de sus comprometidos personajes. Pero se sale de esa corriente en cuanto ofrece tramas secundarias de sus personajes y momentos luminosos.

El misterio está sembrado, tanto por descubrir quién es el auténtico asesino como por conocer pormenores del pasado de todas las partes. Es por eso que ‘Pequeños detalles’ parecía que iba a ser una película que pidiese un visionado activo por parte del espectador. Pero no hay que estar al tanto de elementos ocultos o de imágenes fugaces para llegar a la resolución final. Es una película de almas oscuras y mentes detectivescas que nos van desentrañando abiertamente las soluciones. Lo más relevante para mí, las apariciones de libros como Flic Story y Helter Skelter. El significado de su título lo interpreto más bien como una reflexión a como un pequeño detalle puede marcar de por vida que a como un pequeño detalle puede resolver una historia.

Y a pesar de su nombre y sus cavilaciones la película nos deja con cierto suspense. Quizá el detalle más revelador, escondido o introducido a modo de huevo de pascua es que esta es una película de Warner Bros. y en determinado momento aparece una máquina de ‘Mortal Kombat’. Los diálogos son lo suficiente lúcidos como para mantenernos enganchados y hacer de este un viaje interesante, pero su resolución habría necesitado precisamente otros detalles que la enriqueciesen.

A parte de los buenos textos que han tenido que interpretar, el trío protagonista es el que levanta el filme. Todos pausados y pensantes, sin apenas acción en sus escenas. De todos ellos Rami Malek es el que más robótico actúa y Washington el único que se sale de la frialdad y aporta más sentimiento. Pero el que marca la diferencia y se sale más de sus papeles habituales es Leto con un personaje escalofriante, ominoso, burlesco y de peculiares andares. Entre alguno de ellos podría caer alguna nominación al Oscar.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Título original: The Little things. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: John Lee Hancock. Guion: John Lee Hancock. Música: Thomas Newman. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Denzel Washington, Rami Malek, Jared Leto, Natalie Morales, Terry Kinney, Chris Bauer, Joris Jarsky, Isabel Arraiza, Michael Hyatt. Producción: Gran via, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: drama, thriller. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/little-things

‘Demonic’ es la nueva película de Neill Blomkamp

El director sudafricano/canadiense se pasa al terror

Los seguidores de películas como ‘Chappie’, ‘Distrito 9’ o ‘Elysium’ estamos de enhorabuena porque Neill Blomkamp ha rodado una nueva película. Totalmente en secreto durante el verano pasado y con la pandemia en sus momentos más críticos ha llevado a cabo un rodaje que aunque se dice tiene bastante ciencia ficción esta vez tendrá más tintes de terror. La película se llama ‘Demonic’ y ya a traspasado el carácter de secreta pues incluso aparece en su perfil en IMDB.

En este nuevo largometraje, al igual que en sus anteriores éxitos, Blomkamp vuelve a dirigir y escribir. Según informa Deadline su rodaje ha tenido lugar en la región canadiense conocida como Columbia Británica.

De momento los únicos intérpretes confirmados en esta película de terror sobrenatural son Chris Williams Martin (‘Crónicas vampíricas’) y Andrea Agur (‘Chained’).

Será proyectada por primera vez el próximo mes de marzo en el European Film Market. El productor Stuart Ford, de AGC Studios, ha comentado que “como es habitual en las películas de Neill, tiene un componente visual altamente original, así como un buen número de sustos”.

Aún no sabemos sobre qué trata esta película, pero si se dice que ‘Demonic’ es algo que el director siempre ha querido hacer. Nos tiene en ascuas y a base de cortometajes desde que lanzó Chappie hace más de cinco años, esperamos con ansia la llegada de ‘Demonic’.

‘Fantasmas’, una serie de una mansión encantada que nos ha encantado

Una serie de Tom Kingsley llena de momentos divertidos

Nos llega ahora la serie británica ‘Fantasmas (Ghosts)’ y lo hará a través de Movistar+ desde el 26 de febrero. Una historia cómica, muy divertida, que está esperando estrenar su tercera temporada y que inicia su andadura en España. Debido a esto Movistar nos ha permitido ver el primer episodio y lo primero que debemos decir es… ¿Por qué no ha llegado antes?

‘Fantasmas’ es una serie con ese sarcasmo inglés que tanto se agradece en cuanto vemos que han sido capaces de desprenderse de la famosa sofisticación y refinamiento inglés. Una serie sin pelos en la lengua, que no por ello ha de considerarse de clasificación R, pero si que no tiene límites a la hora de ser descabellada o absurda.

Y para muestra su argumento. Una familia habita una gran mansión. Los Button velan por la Button House pero lo curioso es que no lo hace atemorizando a sus ocupantes, si no que cuidan y observan atentamente sus vidas, ya que todos comparten apellido, se preocupan porque su clan mantenga el hogar ancestral. Y eso es porque cada fantasma se ha ido incorporando con el paso del tiempo, son de diferentes épocas. Por eso tenemos un cavernícola, una dama cortesana, un militar del siglo XIX, un boy scout, un político, una mujer quemada por brujería… ¿Qué sucede? Pues que la última Button fallece sin descendencia y hereda la casa un familiar lejano, desarraigado, que quiere convertir el otrora majestuoso lugar en un hotel. Estando desacuerdo con esa transformación los fantasmas deberán aprender a asustar a sus nuevos inquilinos.

La comedia de esta serie viene sobre todo de la incapacidad y la torpeza de sus espectrales protagonistas. Llevan décadas e incluso siglos viviendo juntos en las tierras que han sido siempre de su familia y aun así no consiguen llevarse bien. Pero también son inútiles a la hora de asustar y esa absurda idea es de las que más juego dan. Absurda pero no única. En la famosa película ‘Ghost’ ya le pasaba eso a Patrick Swayze, no conseguía interactuar con el mundo de los vivos. A la ya clásica escena del movimiento de la moneda se le hace un guiño en ‘Fantasmas’.

Los guionistas Jim Howick y Mathew Baynton (que interpretan además a dos de los espectros protagonistas) desarrollan también sus gags a partir de las diferencias o contrastes que resultan evidentes nada más ver cómo va ataviado cada uno de ellos. Lo obvio es pensar que el enfrentamiento entre el mundo sobrenatural y aquellos que aún no se han ido al otro barrio es la principal arma de ‘Fantasmas’. Pero extrae muchas situaciones a partir de enfrentar los clichés de cada época.

En cierto sentido estos fantasmas tontorrones me recuerdan a los traicioneros hermanos de ‘Stardust’, son igual de bobalicones y se les coge cariño rápidamente. Pero a lo que más me ha recordado esta serie es al filme ‘El hotel de los fantasmas’, la película protagonizada por Steve Guttenberg y Daryl Hannah que nos enseñó el término esqueletear. Más allá del evidente símil que nos muestra su título, lo digo por el heterogéneo reparto y su capacidad para tomarse a broma el género fantástico de una manera bastante sana.

La serie tiene cierta candidez en sus argumentos y también algo de misterio, pues no sabemos si se acabarán llevando todos bien, si finalmente se convertirá en un hotel o simplemente por el hecho de ir descubriendo cómo murió cada uno de ellos. ¿Por qué el fantasma del político va siempre sin pantalones? Si toda la serie es como el primer episodio lo iremos descubriendo con sumo gusto.

Nacen los canales de vídeo bajo demanda de los Cines Verdi

Disponible solo en Samsung TV Plus

Esta semana se han presentado en los cines Verdi de Barcelona y de forma on-line los dos nuevos canales de vídeo bajo demanda temáticos CINES VERDI TV y CINE FEEL GOOD VERDI TV que acoge SAMSUNG TV PLUS* de la mano de los Cines Verdi. La conocida exhibidora, con salas en Barcelona y en Madrid, seguirá ofreciendo a sus espectadores el mejor cine de estreno y amplía su menú cinéfilo en la pequeña pantalla para hacer llegar al público de forma gratuita un extenso catálogo de películas de todos los géneros para que tengan la oportunidad de disfrutar del mejor cine de autor y del denominado «feel-good» o cine para sentirse bien. Una amplia programación que se ofrecerá ininterrumpidamente las 24 horas del día con presencia de grandes títulos y de algunos de los autores más relevantes del cine mundial, de forma completamente gratuita para todos los usuarios de Samsung TV Plus.

Estos dos nuevos servicios se suman a la oferta de Samsung TV Plus, accesible para aquellos que dispongan de un dispositivo Samsung. Además, el contenido que ofrecerá CINES VERDI TV y CINE FEEL GOOD VERDI TV se podrá disfrutar de dos maneras distintas: siguiendo las propuestas del programador de los Verdi, con contenido ininterrumpido durante todo el día; y en servicio bajo demanda (AVOD) en que el espectador podrá elegir en cualquier momento la película que desea ver. De esta forma, Samsung TV Plus y los Cines Verdi ofrecerán una amplia lista de películas que el espectador podrá ver desde su casa.

 

Durante la presentación, Eduardo Escudero, Director de Negocio de Gestión de Contenidos Virtuales SL, ha comentado: “Creemos que siempre es buena noticia para las salas de exhibición que la gente pueda descubrir y disfrutar buen cine donde y como sea, lo importante es crear afición. Llegan CINES VERDI TV y CINE FEEL GOOD para incrementar – bajo demanda- la oferta de películas no siempre fáciles de encontrar en otros servicios gratuitos”.

Por su parte, Amalia Martínez de Velasco, Senior Business Development Manager de Samsung TV Plus en España, ha afirmado: “Los usuarios de Samsung TV Plus pueden disfrutar a través de esta plataforma del catálogo de contenidos más extenso y de mayor calidad, de forma gratuita, sin necesidad de realizar descargas ni instalar dispositivos adicionales”.

Los Cines Verdi llevan 33 años proyectando las mejores películas a un público fiel a su programación, tanto en Barcelona, en la Calle Verdi del emblemático barrio de Gracia, como en Madrid, en Bravo Murillo. Ahora, con Cines Verdi TV y Cine Feel Good Verdi TV y un extenso catálogo de películas de todas las épocas, géneros y autores, podrá llegar a las casas de todo el país, con filmes las 168 horas de la semana.

 

El canal Cines Verdi TV tendrá días temáticos organizados de la siguiente manera:

Lunes

Literatura y adaptaciones cinematográficas

Títulos destacados: “Muerte de un viajante”, “La Reina Margot”, “El amigo americano”.

Martes

Géneros como el histórico o arte en la pantalla

Títulos destacados: “Indochina”, “Quemado por el sol”, “Kabei. Nuestra madre”.

Miércoles

Conocimiento y saber, con guiños puntuales al cine documental

Títulos destacados: “Caras y lugares”, “Profesor Lazhar”.

Jueves

Imprescindibles

Títulos destacados: “Enviado especial”, “Madame de…”, “Los paraguas de Cherburgo”, “Cuento de invierno”.

Viernes

Clásicos Modernos

Títulos destacados: “Secretos y mentiras”, “Una familia de Tokio”, “Los secretos del corazón”.

Sábado

Cine con Premios en la Academia de Hollywood y los principales festivales de todo el mundo

Títulos destacados: “Las invasiones bárbaras”, “El secreto de Vera Drake”, “Mi vida como un perro”.

Domingo

Comedia de autor

Títulos destacados: “El hombre de al lado”, “Los aprendices”, “Madame Marguerite”.

Además, entre otras cosas, también encontraremos el ciclo con las diez películas que componen el Decálogo de Krzysztof Kieslowski.

 

En el caso de Cine Feel Good Verdi TV el prime time llevará los siguientes leitmotivs:

Lunes

Deporte y aventura

Títulos destacados: “Jappeloup. De padre a hijo”, “OSS 117 Perdido en Rio”, “OSS 117 El Cairo”.

Martes

Comida y bienestar

Títulos destacados: “El festín de Babette”, “Barbacoa de amigos”.

Miércoles

Conocimiento y descubrimiento

Títulos destacados: “El último bailarín de Mao”, “Kolya”, “Vatel”.

Jueves

Amistad

Títulos destacados: “Salir del armario”, “Un amigo para Frank”.

Viernes

Localizaciones bellas y viajes

Títulos destacados: “Nueva vida en Nueva York”, “Le week-end”, “La gran seducción”.

Sábado

Comedia

Títulos destacados: “Si Dios quiere”, “Cash”, “Quiero ser italiano”

Domingo

Amor

Títulos destacados: “Nunca es demasiado tarde”, “El hombre más enfadado de Brooklyn”, “Cuestión de principios”.

También se programarán ciclos cinematográficos, como el que llegará a finales de febrero de El Gendarme, donde cada día de la semana podremos ver una de las muchas películas que protagonizó el cómico francés Louis de Funès bajo el papel del divertido sargento Ludovic Cruchot. También el ciclo dedicado a Fernandel y a su personaje Don Camilo. Y en los próximos meses podremos ver Ciclos consagrados al inmortal personaje de Jacques Tati, Monsieur Hulot, o en este “Año Chaplin” en que se celebra el Centenario del estreno de “El Chico”, una retrospectiva completa del gran maestro.

*Samsung TV Plus sólo está disponible en Televisores Smart TV Samsung 2016 – 2020, en determinados territorios. Se requiere conexión a Internet.

Crítica: ‘Hail Satan?’

Sinopsis

Clic para mostrar

Estrenamos en exclusiva este fascinante documental que indaga en la repentina popularización de un antiguo culto conocido como ‘El Templo Satánico’.

Crítica

Retrata con gracia a una sociedad hipócrita y reaccionaria

España necesita más satanistas. Si realmente los miembros de El Templo Satánico (TST) son como se les describe en el documental sarcástico ‘Hail Satan?’ España necesita más satanistas.

Seguramente esa afirmación suene alarmante pues el culto a Satanás siempre ha sido visto como un acto de maldad o de brujería. Pero lo que se define como satanismo moderno es básicamente un movimiento que busca simplemente ser la antítesis a lo establecido. Usan el nombre de Satán como el más antiguo de los rebeldes. El grupo liderado por Lucien Greaves promueve su causa más como un grupo político que como una religión, buscando en su máxima establecer herramientas de pensamiento crítico y estableciendo unos dogmas más propios de los Osos Amorosos que de una secta.

La película es el reflejo de una lucha por la ecuanimidad. Aquellos que tradicionalmente se han unido a sectas satánicas pertenecían a grupos selectos o marginales, igualmente El Templo Satánico se ha convertido en el paraguas bajo el que se cobijan muchas minorías que buscan únicamente un trato favorable e igual. Defienden la libertad, respetando la de todos, incluyendo la de aquellos que quieren ofenderse. Son un conjunto de personas que básicamente protestan contra los dogmas establecidos y lo hacen usando tácticas de provocación que van desde manifestaciones a misas negras muy particulares.

Yo soy ateo y agnóstico, pero defiendo este movimiento pues más que nunca en mi vida he visto como se vulnera la libertad de expresión. Tengamos en cuenta que escribo estas líneas estando vigente la Ley Mordaza y acaba de ser encarcelado Pablo Hasél. Tan paradógica es esta situación en un país que se supone que es democrático como aquello por lo que protestan los miembros del TST. En uno de sus actos más clamorosos de protesta han buscado instalar tras un capitolio una estatua de Baphomet. Y quieren hacerlo junto a otra de los 10 mandamientos queriendo señalar así que su país es plural y no confeso de una sola religión. Cómicamente aquellos que se exaltan por tal idea no saben que realmente adoran unas tablas que se popularizaron en ciudades de USA como parte de una campaña de márqueting por la película protagonizada por Charlton Heston en 1956.

Si habéis visto la versión de Netflix de ‘Sabrina’ seguramente os suene el Baphomet que ‘Hail Satan?’ muestra cómo se crea. El TST se tuvo que querellar contra la plataforma que le copió la estatua y Netflix admitirlo hasta el punto de ponerles en los créditos. Pues crédito es exactamente lo que requieren a las autoridades estos “creyentes” que llevan toda la vida creciendo bajo sesgos como el que pone de peligrosos o marginados a todos aquellos a los que jugamos a juegos de rol como D&D.

El tono del documental de Penny Lane no podría ser otro que burlesco. Los miembros del TST se tienen que considerar más sarcásticos que satánicos pues se tienen que reír para no llorar cuando solo les llueve odio. Aquí les veréis recoger basura en las cunetas con tridentes como medio para congratularse con la sociedad. Pero la directora también se muestra crítica pues toca algo tan arraigado como las religiones. ‘Hail Satan?’ muestra favoritismo hacia los protagonistas de esta historia, pero también encuentra puntos negativos como las confrontaciones surgidas entre sus miembros.

Todo esto me lleva de nuevo a la actualidad española pues tenemos otros grupos de semejante índole, como Podemos, en los que confluyen muchas corrientes de pensamiento con cosas en común, pero con puntos de divergencia. Obviamente no estoy tildando a la formación de Pablo Iglesias como un grupo satánico, el propio documental ya muestra que vincular el satanismo con políticas de izquierdas desembocó en el “in God we trust”. Pero si me alegra que quien pueda ver de verdad el auténtico propósito que hay tras todo esto se colocará en una nueva posición de análisis y pluralidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Título original: Hail Satan? Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Penny Lane. Música: Brian McOmber. Fotografía: Naiti Gámez. Reparto principal: Jex Blackmore, Chalice Blythe, Nicholas Crowe, Sal De Ciccio, Stu De Haan, Cecil B. DeMille, Dwight D. Eisenhower, Mamie Eisenhower, Michael Fischer, Courtney Francisco, Billy Graham, Lucien Greaves, Aurora Griffin, Mason Hargett, Chris Hayes, Charlton Heston, Shiva Honey, Malcolm Jarry. Producción: Hard Working Movies. Distribución: Filmin. Género: documental, comedia. Web oficial: http://www.magpictures.com/profile.aspx?id=bcab6d8f-9bd3-4402-90ac-1a008ccf7c47

Filmin estrena ‘The assistant’, una película sobre el #MeToo

Estreno el 26 de febrero

Las producciones que pretenden acercarse o mostrar la problemática por la que surgió el movimiento #MeToo siguen apareciendo. Hemos podido ver películas relacionadas con el tema como ‘Untouchable’ o ‘El escándalo (Bombshell)’ y ahora Filmin nos propone la película más ‘The assistant’.

Kitty Green (‘Casting JonBenet’) dirige a Julia Garner (‘Ozark’) en una de las películas independientes de la temporada en Estados Unidos. La directora se acerca por primera vez a la ficción tras varios documentales. Presentó ‘The assistant’ en la Sección Oficial del Festival de Sundance y ha sido encumbrada por la crítica estadounidense como una de las mejores películas de 2020.

‘The assistant’ se inspira en el caso Weinstein y explora las cloacas de Hollywood a través del retrato de Jane, la joven y discreta asistenta de un importante productor que se da de bruces con el machismo imperante nada más entrar en la industria. “La totalidad de esta película está inspirada en hechos reales y a pesar de estar contextualizada en el cine, la historia es transferible a cualquier trabajo”, denuncia la directora. Green se sirve de una sobriedad estilística y un diseño de sonido apabullante para transmitir la insidiosa tensión que vive la asistenta: “El film explora la cultura del silencio. Tenemos mucho camino por delante, abrir estos debates en la sociedad es nuestro deber”.

Crítica: ’14 días, 12 noches’

Sinopsis

Clic para mostrar

La adolescente hija adoptada de Isabelle muere en un trágico accidente. Un año después, y aún conmocionada por la experiencia, Isabelle regresa al orfanato vietnamita con la esperanza de volver a conectarse emocionalmente con su hija Clara a través de su tierra natal.

Immersa y abrumada, Isabelle inesperadamente se encuentra con la madre biológica de su hija, y juntas encuentran el cierre para seguir adelante.

Crítica

Un drama plagado de contrastes

Dado que casi todas las localizaciones de la película y sus actores provienen de Vietnam podríamos pensar que esta es una película de producción oriental. Pero nada de eso. ‘14 días, 12 noches’ es una producción canadiense que ha llegado a ser la mejor baza del país de América del Norte para los próximos Oscar.

Pero dando la vuelta a lo que acabo de decir, a pesar del origen el filme de Jean-Philippe Duval el carácter es del todo oriental. Ya no solo porque el escenario en el que transcurre todo nos transporta a un cine con tintes asiáticos, también por las formas tan pausadas de narrar, donde los silencios dicen mucho. La película establece una nueva relación entre los personajes de Anne Dorval y Leanna Chea que están ligadas en el pasado y que por causas del destino vuelven a encontrarse.

En esta cinta una madre pierde tras un trágico accidente a la hija que adoptó hace tiempo en el extranjero. Toma la decisión de ir a la tierra natal de la fallecida y encontrarse con su pasado, con su madre biológica.

‘14 días, 12 noches’ es un viaje o más bien una inmersión cultural que supone una introspección en un pasado desconocido que aun así forma parte de ambas protagonistas. Es una historia de palabras contenidas en la que la protagonista ha de tantear el terreno, tanto social como sentimental. La película se muestra interesante en las escenas en las que se ponen de frente las diferencias entre distintas culturas y nos plantea si es juicioso que la protagonista dé la fatídica noticia a la joven vietnamita.

Pero ese interés que consigue suscitar se diluye tras muchas escenas paisajísticas que rompen por completo el clima dramático. No obstante, hay que destacar que Attraction Images es la productora del filme y haciendo honor a ese nombre ‘14 días, 12 noches’ tiene imágenes cautivadoras. Tomas que establecen una correlación entre tierras tan diferentes y lejanas como Quebec y la Bahía de Ha-long. Lugares donde una naturaleza salvaje está siempre presente. Lo veo como una manera correcta de decir que ambas mujeres son distintas, pero tienen a la vez cosas en común.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Título original: 14 jours, 12 nuits. Duración: 99 min. País: Canadá. Dirección: Jean-Philippe Duval. Guion: Marie Vien. Música: Bertrand Chénier. Fotografía: Yves Bélanger. Reparto principal: Anne Dorval, Leanna Chea, François Papineau, Laurence Barrette. Producción: Attraction Images. Distribución: Adso Films. Género: drama. Web oficial: https://adso.tv/ficha/4

Crítica de ‘Resident alien’

Un doctor en Alaska de ciencia ficción

Un pequeño pueblo en la nieve, un doctor forastero, un hombre con mucho por aprender, una villa con gente peculiar… La sinopsis de ‘Resident alien’ se parece bastante a la de ‘Doctor en Alaska’ pero tenemos una significativa diferencia, el protagonista es el más raro de todos ya que es un alienígena que se hace pasar por humano.

En ‘Resident alien’ un extraterrestre se estrella en la Tierra y mientras intenta finalizar su misión suplanta la identidad de un hombre que acaba siendo el nuevo doctor de un pueblo de Colorado. Para escarnio de este ominoso alienígena se produce un crimen y se ve obligado a interactuar con los lugareños más de lo que tenía pensado. De ahí viene la gracia de esta serie que hace que tengamos un alienígena bastante sarcástico que me recuerda algunas veces a Alf.

Anoche nos conectamos a SYFY para comenzar a ver esta serie en la que Alan Tudyk interpreta al protagonista de cuatro brazos que está inspirado en un cómic de Dark Horse realizado por Peter Hogan y Steve Parkhouse. Hay diferencias sustanciales con respecto al cómic (estéticamente es poco parecido y cambian cosas de la historia) aunque se mantiene el carácter retorcido, analista y petulante del alienígena. El actor ha sabido trasladar la incomodidad de un ser en otro cuerpo realizando un trabajo de mímica, gesticulación y ejercicios faciales que nos meten en el personaje y además nos aportan muchísimo humor.

Chris Sheridan (productor de ‘Padre de familia’) ha creado esta serie y le ha salido graciosísima. El extraterrestre, fan de las series policíacas tipo ‘Ley y orden’ (imitando su famoso ¡chan chan!), tiene cero tacto y vive situaciones muy incómodas y desconcertantes. Para inri encuentra su némesis en un pequeño niño capaz de ver su verdadero aspecto y además sacarle de quicio. Un letal ser de otro mundo se enfrenta a un pillo, esta podría ser una versión actualizada de Daniel el travieso enfrentándose al gruñón del señor Wilson.

He dicho que esto podría parecerse a ‘Doctor en Alaska’ y aunque ni siquiera el cómic transcurre en ese escenario nos llevan del emplazamiento de Washington creado en el papel a la villa de Patience en Colorado. En los tres casos la trama transcurre en una pequeña villa y al margen del toque de ciencia ficción la serie funciona como tantas otas historias tipo ‘Castle’, ‘El mentalista’ y demás, con un protagonista extraño y casos por resolver. Se agradece que la serie se distinga añadiendo ingredientes fantásticos. Quiero creer además que la transformación del primer episodio rinde homenaje a un clásico del género como ‘Un hombre lobo americano en Londres’.

‘Resident alien’ desarrolla una guía sobre cómo ser un humano a partir de los aprendizajes del hombre gris. Y en consecuencia saca a la luz nuestras luces y defectos. Entre muchas capas de humor negro se esconden personajes bastante más complejos de lo que parece. Eso es algo que hemos visto en comedias clásicas, como ‘El gran levo Lebowski’ a la que además también se hace un guiño con la escena de la bolera.

 

Crítica: ‘Barrenderos espaciales’

Sinopsis

Clic para mostrar

Año 2092. Cuatro inadaptados a la caza de chatarra espacial y sueños lejanos descubren unos inquietantes secretos cuando intentan vender a una humanoide poco común.

Crítica

Un título que podría haber barrido en taquilla

Una capitana, un tipo con flequillo, un robot, un hombre con rastas y una nave que se cae a pedazos. No, este no es el live action de ‘Futurama’, pero bien es cierto que tiene determinados puntos en común, como esos barrenderos (que no balleneros) lanzando arpones en medio del vacío. ‘Barrenderos espaciales’ probablemente sea equiparada a títulos como ‘Guardianes de la galaxia’ por sus acción, sus momentos cómicos y por el carácter buscavidas de los protagonistas. Y cuando me refiero a ‘Guardianes’ me quiero referir sobre todo al grupo de rateros llamados Ravagers.

Pero a lo que más se asemeja esta película coreana es a ‘Cowboy Bebop’, solo le falta la música jazz. Los héroes de esta historia llevan oculto su carácter de salvavidas y en su carcasa son supervivientes que hacen lo que sea por conseguir sus diferentes objetivos o motivaciones. Son un equipo que se enfrenta unido al nuevo orden mundial pero que individualmente no tienen casi nada en común. Aventurando un pronóstico de popularidad destacará sobre todo el tan bien realizado robot que además de tener una estética similar al que ya vimos en ‘Rogue One’ posee una personalidad que va desde lo sensible hasta lo macabramente letal.

Lo que nos plantea esta historia que en pantalla grande podría haber sido todo un bombazo de aventura es que el mundo está acabado. Arranca con un discurso medioambiental y nos sitúa en un futuro cercano en el que la humanidad cuelga de un hilo sujetado por una gran corporación dirigida por una especie de Elon Musk o Bill Gates interpretado por Richard Armitage (‘El Hobbit’). Nos preparamos para dar el salto a la vida fuera de la Tierra abordo de un mundodisco pero muchos se oponen ya que los principios corporativistas juegan a favor del elitismo. En medio de ese enfrentamiento otros viven a base de recoger la ingente cantidad de basura que orbita el planeta. Los protagonistas son parte de esos barrenderos espaciales, están arruinados y encima se ven metidos en una trama que les viene grande tras encontrarse a una niña en una nave a la deriva. El esquema sigue patrones bastante conocidos en el cine occidental.

‘Barrenderos espaciales’ tiene algún fallo de guión, como por ejemplo el que atañe a las constantes vitales de la niña, pero es bastante fantasiosa como para andar mirando con lupa esos detalles. Yo diría que incluso se ríe de sí misma haciendo de la niña una bomba de flatulencias. Es de esos filmes donde se impone el fantástico y no hay cabida a quejas sobre si los objetos suenan en el espacio o si queda por explicar alguna cosa sobre el villano.

Incluso pasaría por alto la extraña sensación al oír su inglés causada por la gran cantidad de intérpretes de otros países. Vemos una diversidad de acentos angloparlantes tremenda. Algo que por otro lado pienso que es intencionado pues la tierra de 2092 que imagina ‘Barrenderos espaciales’ está hecha de toda una mezcolanza de culturas.

Me a encantado todo el diseño de personajes y naves. Podemos observar además referentes clásicos y modernos. Algunas naves, por citar algo que me ha venido a la cabeza, se parecen a las de los Cylon de ‘Battlestar Galáctica’. Y los exoesqueletos de los agentes de la ley me parece que están bastante inspirados en ‘Chappie’. Incluso diría que las escenas en las que las naves recorren tubos de chatarra liándose a tiros rememoran a ‘Matrix’. Está claro que la película genera su propio universo visual pero no puede negar las fuentes de las que bebe.

El cine coreano ha puesto la vista en las estrellas y ya ha adelantado al de otros muchos países. ‘Barrenderos espaciales’ es de esas películas que se deja hasta el último cuarto en los títulos de crédito. Ya vemos como grandes nombres internacionales se acercan a las producciones coreanas y no es de extrañar cuando observamos con gusto que el diseño de producción, los efectos especiales o incluso la banda sonora no tienen nada que envidiar a las películas de Marvel Studios o Amblin Entertainment. Los responsables de los efectos especiales son aquellos que ya han llegado a España con títulos como la saga ‘Along with the Gods’, si os acercáis a esas películas veréis como se reafirma todo esto que os acabo de contar.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de febrero de 2021. Título original: Seungriho (Space sweepers). Duración: 136 min. País: Corea del Sur. Dirección: Sung-Hee Jo. Guion: Sung-Hee Jo, Seung-min Yoon, Yookang Seo-ae. Música: Kim Tae-seong. Fotografía: Byun Bong-sun. Reparto principal: Son Joong-ki, Kim Tae-ri, Jun Sun-kyu, Yoo Hai-jin, Richard Armitage, Park Ye-rin. Producción: Bidangil Pictures, Dexter Studios. Distribución: Netflix. Género: aacción, aventura, ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.

‘El amigo’ se estrenará en exclusiva en Movistar+

Protagonizada por Jason Segel, Dakota Johnson y Casey Affleck

Diamond Films lleva en España la distribución de ‘El amigo’ la película de Gabriela Cowperthwaite (‘Blackfish’). Es la propia distribuidora la que nos ha transmitido que este título no estará disponible en cines si no que ha pasado a convertirse en un estreno exclusivo para los suscriptores de Movistar+. Por lo tanto a partir del 14 de marzo se unirá al catálogo de la plataforma española.

‘El amigo’, que tuvo su estreno mundial en el Festival de Toronto, está basada en un artículo de la revista Esquire. ‘El amigo’ habla, como no podría ser de otra manera, a cerca del valor de la amistad. Relata las entrelazadas vidas de tres amigos interpretados por Jason Segel (‘Sex Tape: Algo pasa en la nube’), Dakota Johnson (‘La familia que tú eliges’) y Casey Affleck (‘Manchester frente al mar’).

Sinopsis oficial:

Basada en una fascinante historia real de amistad. Tras enterarse de que a Nicole (Dakota Johnson) le quedan tan solo seis meses de vida, ella y su marido, Matthew (Casey Affleck), recibirán el apoyo del mejor amigo de la pareja. Dane (Jason Segel) decide mudarse con ellos para hacerles la vida más fácil, dejando la suya a un lado y el impacto de esta decisión que alterará sus vidas será mayor y más profundo de lo que podrían haber imaginado.

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Salir de la versión móvil