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Crítica: ‘Mank’

Sinopsis

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Así ve el Hollywood de la década de 1930 el mordaz crítico social y guionista alcohólico Herman J. Mankiewicz mientras se afana en acabar el guion de ‘Ciudadano Kane’ para Orson Welles.

Crítica

Caballos de batalla y batallitas que dan riqueza a un filme rodado con exquisitez

Lo primero que se me viene a la cabeza a la hora de hablar de ‘Mank’ es homenaje y justicia. Ya no solo por lo que se habla y cuenta a cerca del trabajo de Herman Mankiewicz para realizar ‘Ciudadano Kane’, sino también de David Fincher hacia su padre, que escribió el guión antes de morir y no pudo verlo materializado. Y también es un acto de admiración al cine de los años 30 y 40, entre otras cosas, a través de la fotografía de Erik Messerschmidt.

‘Mank’ es una narración de admiración y odio. La historia de un deudor del cine, al que se le debe y que no podía vivir sin escribir. Es el proceso de creación e inspiración para un largometraje (con todas sus letras) que para muchos es una de las mejores obras del cine. Ante todo, por encima de las musas plasmadas en pantalla, ‘Mank’ supone el relato de un trabajoso guión y de varias conflictivas relaciones.

No hay parecido físico pero seguramente si temperamental. Gary Oldman interpreta a Mank como alguien lúcido, intelectual y de lengua viperina. Un escritor que encuentra su inspiración en ensoñaciones y momentos etílicos. Una bomba de relojería en ambientes de falsedad y maquinaciones como se ha dicho muchas veces que eran las fiestas de los magnates cinematográficos o las bambalinas de sus rodajes.

El filme se centra en una época que marca la mitad de la edad dorada del cine. Una ventana de tiempo en la que los Estados Unidos sale de una crisis social y económica como la Gran Depresión y se mete de cabeza en otra guerra contra los alemanes. Unos días de cine clásico que Fincher sabe imitar a la perfección. La película sabe a Oscar, pero no solo por la interpretación de Gary Oldman, también por el tipo de películas a las que alude, que van más allá de ‘Ciudadano Kane’. Los tiros de cámara, la composición de planos y el tipo de movimientos que vemos imitan los de películas tan clásicas como ‘Casablanca’, ‘Rebeca’ o ‘El crepúsculo de los Dioses. Obviamente la iluminación y la imagen desaturada ayudan.

Bien podríamos estar hablando de un documental por todos los tejemanejes que muestra. Mank y Orson Welles son las figuras protagonistas pero también las antiguas majors que hayan aquí un espacio para su reivindicación. Hoy la configuración de las distribuidoras es diferente y por eso conviene rescatar para el público general nombres como RKO o MGM. ‘Mank’ también hay que tomárselo como un ejercicio de justicia autoral tipo ‘Trumbo’, haciendo campaña por una autoría reconocida pero olvidada y desarrollando un discurso extrapolable a la actualidad. Caballos de batalla y batallitas que dan riqueza a este filme rodado con exquisitez.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Título original: Mank. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: David Fincher. Guion: Jack Fincher. Música: Trent Renzor, Atticus Ross. Fotografía: Erik Messershcmitt. Reparto principal: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Arliss Howard, Charles Dance, Tom Burke, Lily Collins, Tuppence Middleton, Tom Pelphrey, Ferdinand Kingsley, Jamie McShane, Joseph Cross, Sam Troughton, Toby Leonard Moore, Adam Shapiro. Producción: Netflix. Distribución: Netflix. Género: biográfica, drama. Web oficial: https://www.netflix.com/title/81117189

Crítica: ‘La familia Bigfoot’

Sinopsis

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Bigfoot, el padre de Adam, quiere utilizar su fama para una buena causa, y proteger una reserva natural en Alaska de los oscuros intereses de una empresa petrolífera parece la oportunidad perfecta para ello. Sin embargo, cuando Bigfoot desaparece misteriosamente en las frías tierras del norte sin dejar rastro, Adam su madre Shelly, el valiente mapache Trapper y el torpe oso Wilbur emprenderán una nueva aventura para rescatarlo y salvar así la reserva natural.

 

Crítica

Una película que habría dejado huella en taquilla

Una de las consecuencias de la pandemia provocada por la COVID-19 es la cancelación o aplazamiento de estrenos en los cines de todo el mundo. Este ha sido el caso de ‘La familia Bigfoot’, película de animación europea, secuela de El hijo de Bigfoot y que se podrá ver en Movistar+. Como su antecesora, ‘La Familia Bigfoot’, cumple con todos los cánones necesarios para ser un éxito de la taquilla infantil. La historia está construida de tal forma que no es necesario haber visto la precuela para seguir el argumento. De hecho, quizá sea mejor no haberla visto, porque la estructura y las motivaciones de los personajes son tan parecidas que puede resultar repetitivo. Ahora Bigfoot es una celebridad, pero no puede dejar pasar sus instintos ecologistas. Cuando una empresa petrolera comienza a extraer crudo en una reserva natural, Bigfoot regresa al bosque y emprende su propia cruzada. Pero un misterioso acontecimiento hace que el resto de la familia se tenga que implicar en el asunto.

Este sencillo argumento de búsqueda revela un trasfondo sobre la defensa del medioambiente, el amor hacia la familia y una crítica bastante directa a los medios de comunicación tradicionales. Los pone directamente al servicio del empresario que los paga y deja a las redes sociales como los únicos medios libres. Aunque se deja como evidente que para que un mensaje tenga impacto se debe disfrazar con chistes y elementos absurdos. Las críticas, nada sutiles, se mezclan con referencias a otras películas como ‘Hotel Transylvania’ o ‘Ice Age’. Incluso hay elementos sacados de Fortnite para tratar de darle un estilo más moderno a la película, pero en general, es bastante clásica y predecible. Esos sí, la historia está adornada con múltiples situaciones de humor burdo y facilón. Lamentablemente, busca parecerse a una película de Pixar, pero no termina de funcionar, salvo en momentos puntuales. Los responsables de los mejores momentos son el mapache Trapper y el oso Wilbur. Una pareja de secundarios que podrían ser el nuevo Timón y Pumba (de hecho hay un guiño al Rey León al final de la película). Son irreverentes y están desquiciados. A pesar de vivir en el mundo de los humanos mantienen sus comportamientos animales, lo que genera unas situaciones bastante cómicas. Adam, el gran protagonista, es una especie de Sonic, pero sin carisma. No obstante, cumple con su función en la trama y le da el ritmo que la película necesita para ser trepidante y entretenida.

Respecto a la parte técnica, en mi opinión, está a la altura de grandes producciones de Disney, a pesar de tener un presupuesto bastante más reducido. Al igual que la primera parte, la animación es fluida, los movimientos resultan naturales, no hay diferencias de calidad entre escenas. Toda la película tiene una estética verdaderamente bonita y agradable para ver en una gran pantalla o a gran resolución.

En definitiva, ‘La familia Bigfoot’ es una película que gustará a los más pequeños y que entretendrá a los padres. Eso sí, al terminar la película, no olviden recordar a sus hijos que los mapaches y los osos pueden parecer adorables, pero es mejor no tenerlos en casa.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de diciembre de 2020. Título original: Bigfoot Familiy. Duración: 96 min. País: Bélgica. Dirección: Jeremy Degruson, Ben Stassen. Guion: Bob Barlen, Cal Brunker. Música: Puggy. Reparto principal: Producción: nWave Pictures. Distribución: Movistar+. Género: animación, aventuras. Web oficial: https://www.nwave.com/films/bigfoot-family/

Entrevista a Macarena García por El arte de volver

“Descubrir la complejidad del ser humano a través de lo que no dice”

Ganadora del Premio Goya a la mejor actriz revelación por ‘Blancanieves’, miembro del reparto protagonista de ‘El ministerio del tiempo’ y de ‘La llamada’, pieza clave en la serie ‘Paquita Salas’… Macarena García tiene muchos puntos para convertirse en una actriz recordada por toda una generación. Ahora estrena ‘El arte de volver’ (crítica aquí) una película más sencilla que sus anteriores trabajos pero que le han devuelto a la esencia de los inicios. Además en ella ejerce el rol de protagonista total en el papel de Noemí, una actriz que regresa a Madrid para hacer un importante casting.

Macarena García nos cuenta  todo en la llamada que pudimos mantener con ella en la semana del estreno de la película de Pedro Collantes distribuida por Tourmalet Films y que podéis oír en el siguiente vídeo.

Sinopsis de ‘El arte de volver’:

Cuenta la historia de Noemí, una joven actriz que vuelve a casa para presentarse a un casting que podría cambiar su vida. Durante esas veinticuatro horas, Noemí tendrá una serie de encuentros con extraños, familiares y amigos que la llevarán a replantearse su lugar en el mundo.

El día 12 de diciembre arranca FESCIMED

IV Festival Internacional de cine por la Memoria Democrática

El FESCIMED es una iniciativa de la Asociación Cultural Arte y Memoria, un colectivo social formado por profesionales de diferentes ámbitos y disciplinas culturales y artísticas. La Asociación está presidida por la actriz y directora Amparo Climent, y su meta es preservar la memoria colectiva desde una perspectiva de justicia y solidaridad con las víctimas de las injusticias, de cualquier parte del mundo, a través de expresiones y herramientas que nos proporciona el cine, el teatro, la literatura, la pintura o cualquier otra disciplina artística.

Esta cuarta edición ha tenido un récord de participación. Se han presentado a la selección 2.451 cortometrajes de 109 países, de los cuales se han seleccionados 18 que compiten en la Sección Oficial.

El Jurado de la Sección Oficial de este año está compuesto por:

  • FEDERICO MAYOR ZARAGOZA, Presidente de la Fundación Cultura de Paz
  • GRACIA QUEREJETA, Cineasta
  • JAVIER GUTIÉRREZ, Actor
  • LAILA RIPOLL, Dramaturga
  • ANA PARDO DE VERA, Periodista
  • FRANCISCO FERRÁNDIZ, Coordinador EDEN

 Los cortometrajes a competición se podrán ver Online de forma gratuita a través de www.fescimed.com los días 12, 13 y 14 de diciembre, donde los usuarios podrán votar el Premio del Público.

COLOQUIOS ESPECIALES

Los Coloquios se realizarán en la Cineteca de Madrid con aforo limitado y retransmisión online en diferido en la página web del festival.

– Martes 15 de Diciembre – ‘DESAPARICIÓN DE MENORES Y FRANQUISMO’.

Intervienen Montse Armengou, Ángel Casero y Francisco González Casero. Modera Jaime Ruiz Reig. Con proyección de fragmentos de los documentales

‘LOS NIÑOS PERDIDOS DEL FRANQUISMO’ y ‘DEVOLVEDME A MI HIJO’, ambos dirigidos por Montse Armengou y Ricard Belis.

– Miércoles 16 de Diciembre – ‘GENOCIDIO DEL PUEBLO GITANO’.

Intervienen Sylvia Agüero, Diego Luis Fernández Jiménez y Alba Flores. Modera Henar Corbí. Con proyección de los cortometrajes documentales ‘LA GRAN REDADA’ y ‘LA PRISIÓN GENERAL DE GITANOS’.

ENTREGA DE PREMIOS

La entrega de premios será el 17 de diciembre en la sede de la Academia de Cine.

Crítica: ‘Ava’

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Ava (Jessica Chastain, ‘El caso Sloane’, ‘Interstellar’) es una eficaz asesina a sueldo con un pasado conflictivo y ciertas dudas sobre la legitimidad de algunos de sus encargos. Cuando un peligroso encargo sale mal, Ava regresa a casa en un intento por reparar su relación con su familia. Sin embargo, se verá obligada a luchar por su propia supervivencia ya que se convierte en objetivo de la organización para la que trabaja.

Su jefe está interpretado por Colin Farrell (‘The Gentlemen: Los señores de la mafia’, ‘Langosta’) y su mentor, por John Malkovich (‘El juego de Ripley’, ‘En la línea de fuego’). Ava será ayudada por su madre (Geena Davis, ‘Thelma & Louise’, ‘El turista accidental’); su hermana (Jess Weixler, ‘The Good Wife’, ‘IT: Capítulo 2’) y su ex novio (Common, ‘The Informer’). Este thriller de acción también cuenta con la participación de Ioan Gruffudd (‘Forever’, ‘Liar’) y Joan Chen (‘Twin Peaks’, ‘Juez Dredd’).

Crítica

Una misión fracasada por salirse de lo común

‘Ava’ es una película que reúne a varios actores que sin ser considerados míticos en el cine de acción han hecho varias películas dentro del género. La principal de ellas es Jessica Chastain que encarna a la protagonista cuyo nombre da título a la película.

‘Ava’ supone un thriller de acción donde una asesina implacable y seductora es atacada por su propia organización. Hasta ahí todo parece dentro de los moldes de otros títulos como la saga ‘Bourne’, ‘John Wick’, ‘Nikita’ o incluso la cercanamente estrenada ‘Anna’ escrita por Besson. Pero por acotarla dentro de algo más parecido hay que decir que esta película se va más por los derroteros de ‘Jessica Jones’ pues esta mujer fatal tiene un carácter destructivo, alcohólico y traumatizado. Por no decir de la mala relación que tiene con su hermana.

Tate Taylor marca una diferencia de nuevo, como hizo con ‘El sótano de Ma’. Y esa salida de lo común reside en una crisis que hace que la protagonista se plantee la ética de lo que hace, sintiendo una peligrosa curiosidad por los objetivos (aquí llamados asuntos) que le ordenan asesinar sin saber causas o porqués. Si la película hubiese seguido esos derroteros, dando más protagonismo al trasunto que ha puesto en esta película a John Malkovish y a Colin Farrell estaríamos hablando de una película interesante.

Pero al filme le falta profundidad y complejidad. Falta ahondar más en la psique del personaje y hacer algo más enrevesada una trama que se va a lo simplón. Pero para más inri ‘Ava’ se distrae muchísimo con una historia familiar y amorosa, diluyendo todo el foco en el suspense e introduciendo algunas escenas de acción que ni nos van ni nos vienen.

Si cogemos los fagmentos de la película y los dividimos por géneros por presencia sería más apropiado incluir esta película dentro de un drama familiar. En esa parte más melodramática nos encontramos con Common, Geena Davis y Jess Weixler. Con ellos el filme se adormece y pierde todo el gancho del principio.

Jessica Chastain está bastante correcta, tanto en las escenas de acción como en las más intensas sentimentalmente hablando. Pero tampoco es que ‘Ava’ le haya exigido demasiado. Las secuencias de lucha no tienen coreografías complejas y ha hecho dramas mucho mejores, está lejos de películas recientes como ‘Molly’s game’ o ‘It: Capítulo 2’, donde ha demostrado tener mejores mimbres. En su papel de deprimida que constantemente lleva una camiseta de The Misfits también se topa con un intento de desarrollar un discurso maternalista y sobre las responsabilidades que también se queda en agua de borrajas.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: Ava. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Tate Taylor. Guion: Matthew Newton. Música: Bear McCreary. Fotografía: Stephen Goldblatt. Reparto principal: Jessica Chastain, John Malkovich, Common, Geena Davis, Colin Farrell, Jess Weixler, Ioan Gruffudd, Joan Chen. Producción: Freckle Films, Voltage Pictures. Distribución: DeAPlaneta, Movistar+. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.voltagepictures.com/details.aspx?ProjectId=430c7de8-6736-e711-948b-0e563b5fb261

Amazon lanza su herramienta para ver contenido con amigos y de manera remota

Vídeo Grupal, una función sin coste extra para los usuarios de Prime

Se acercan unas navidades atípicas con mucho componente digital y hoy podemos pasaros una nueva herramienta. Viene de la mano de Amazon Prime Video y se llama “Vídeo Grupal”. La plataforma ha lanzado esta función para los miembros Prime en España. Se trata de una experiencia de visualización social para escritorio (navegador y aplicación de Prime Video) sin coste adicional a la suscripción Prime.

Los clientes podrán elegir entre miles de títulos disponibles en el catálogo SVOD de Prime Video, incluyendo producciones Amazon Original como las ganadoras de los Premios Emmy, ‘Fleabag’ y ‘The Marvelous Mrs. Maisel’, ‘Tom Clancy´s Jack Ryan’, ‘The Boys’, ‘HANNA’, ‘Upload’, ‘Hunters’, ‘Troop Zero’, ‘The Big Sick’, ‘Homecoming’ y ‘Desaparecidos’, entre muchas otras.

Los clientes de Prime Video podrán ser anfitriones y participar en esta función, ofreciendo una reproducción sincronizada que el anfitrión controla, y una función de chat para comunicarse con los participantes. “Video Grupal” de Prime Video tendrá capacidad para un máximo de 100 participantes por sesión. Cada participante deberá ser miembro Prime.

A continuación os dejamos los pasos generales para que puedas entender cómo funciona la experiencia:

  1. Busca una serie, película o programa de televisión – Haz clic en el icono de Video Grupal en tu pantalla para ver el contenido. Lo encontrarás en la lista de episodios
  2. Introduce tu nombre: elige el nombre que te gustaría usar en el chat. Crea tu “Vídeo Grupal”.
  3. Invita a tus amigos – Comparte el enlace de tu “Vídeo Grupal» con hasta 100 personas. Tus amigos pueden unirse haciendo clic en su enlace.
  4. Empieza a ver y a chatear – Una vez que todos estén listos, inicia tu “Vídeo Grupal”. El anfitrión puede jugar, hacer una pausa y saltar para el grupo.

Crítica: ‘El arte de volver’

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Cuenta la historia de Noemí, una joven actriz que vuelve a casa para presentarse a un casting que podría cambiar su vida. Durante esas veinticuatro horas, Noemí tendrá una serie de encuentros con extraños, familiares y amigos que la llevarán a replantearse su lugar en el mundo.

Crítica

Una grata invitación a la reflexión

Hace unos años acudía a una acción publicitaria en el Espacio Ciento y Pico, en pleno Malasaña. Era una recreación acerca de la serie ‘Altered Carbon’ esa serie en la que los personajes pueden pasar de una funda otra, cambiar de cuerpo y vivir diferentes vidas. En el arte de volver, si no me equivoco, una escena transcurre en ese espacio. Y espero no equivocarme tampoco al hilar este recuerdo y al asociar la temática indicando que en ambas historias los protagonistas piensan con más o menos profundidad acerca de las vueltas que da la vida o de las distintas elecciones que han ido tomando asumiendo diferentes roles.

También es fruto de la casualidad que justo el día antes de ver esta película un compañero me hablase de concepto del Ikigai. Una filosofía japonesa que habla de tratar de encontrar nuestro sino en la vida, esa motivación que hace que nos levantemos cada día con ganas de hacer una actividad que nos mantiene felices, nos llena y nos hace sentir útiles en la vida. La película de Pedro Collantes trata precisamente de eso, de cómo alguien hace balance y comienza a pensar en sus pasiones y posibilidades.

Una actriz regresa a Madrid, está en plena crisis laboral y tiene la oportunidad de presentarse a un casting que puede marcar un punto de inflexión en su vida. Es para una serie que se llama ‘El arte de volver’ y a lo largo de la película casualmente encuentra paralelismos entre la protagonista que puede llegar a interpretar y su propia situación sentimental y laboral. Está en un momento de ordenar prioridades. Como dice muy bien el personaje de Nacho Sánchez “un actor se dedica a buscar motivaciones” y ella anda tras las suyas propias.

En su regreso va a reencontrándose con su abuelo, su hermana, su amigo y confidente, una antigua amiga… Con ellos mantiene conversaciones más o menos triviales que le hacen replantearse su status quo o como debe realmente orientar su vida. Y es que a veces retomar de manera tan directa el contacto con aquellos que más te conocen puede ser una experiencia desintegradora o por el contrario un acto catártico.

La actriz está interpretada por Macarena García. La película aborda poco más de un día tras su llegada a Madrid y en ese periodo de tiempo el filme nos asalta con descubrimientos o sorpresas para la protagonista. Con momentos que se llenan sobre todo de abierta sinceridad.

No sé si Macarena García ha volcado en esta película inquietudes personales o vivencias pasadas, pero he de reconocer que es una de las interpretaciones que más me han gustado de todas las que he visto según me he ido topando con su carrera. Se mantiene con un tono muy natural y muy sincero durante todo el filme.

Tampoco sé si el director ha metido en ‘El arte de volver’ experiencias personales. Se agradece que la película nos invite a hacer el mismo ejercicio que hace Noemí (Macarena García) pero bien es cierto que un poco más de intromisión o una reflexión algo más profunda habría hecho de esta película una obra más completa. La última escena está mucho más encaminada en ese sentido y no es fácil de llevar a cabo. En resumidas cuentas, entre paseos de Debod a la Pradera de San Isidro ‘El arte de volver’ se queda en una película que no os dará sueño y si algo que consultar con la almohada.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: El arte de volver. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Pedro Collantes. Guion: Pedro Collantes, Daniel Remón. Música: Yuri Méndez. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: Macarena García, Nacho Sánchez, Ingrid García-Jonsson, Mireia Oriol, Luka Peros, Lucía Juárez, Celso Bugall. Producción: Tourmalet Films. Distribución: Filmax. Género: drama. Web oficial: https://tourmaletfilms.com/EL-ARTE-DE-VOLVER

Crítica: ‘Nuestros mejores años’

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Nuestros Mejores Años es la historia de cuatro amigos Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo, (Kim Rossi Stuart), Riccardo (Claudio Santamaria), contada en el transcurso de cuarenta años, desde 1980 hasta la actualidad. Es un viaje desde la adolescencia a la edad adulta.

Sus esperanzas, sus decepciones, sus éxitos y fracasos son el nexo de una gran historia de amistad y amor a través de la cual se cuentan también Italia y los italianos. Un gran mural que cuenta quiénes somos, de dónde venimos y también dónde irán y quiénes serán nuestros hijos.

Es el gran círculo de la vida que se repite con las mismas dinámicas a pesar de ser épocas diferentes.

Crítica

Llena de vida, con todo lo que eso conlleva

Unos amigos se conocen en un verano convulso y pasan el mejor estío de sus vidas. A partir de ese momento comienza una relación con idas y venidas, que determinará muchos factores de su vida.

Al igual que en ‘La dolce vita’ de Fellini, Roma y su Fontana de Trevi son testigos de los episodios de las vidas de los protagonistas. Si puede ser que la nueva película de Gabrielle Muccino rememore a Fellini pero para mí ‘Nuestros mejores años’ también exhala las maneras de narrar de Scorsese, pausándose en trivialidades o momentos que nos hacen conectar con los personajes. Realmente la película surge de ‘Nos habíamos amado tanto’ de Ettore Scola.

Muccino ha cogido los pasos o el espíritu de ese filme y los ha trasladado a una generación más cercana a nosotros. En concreto nos ubica en el ochenta y dos y nos lleva a lo largo de cuarenta años. Décadas que llena de vida, para bien y para mal.

‘Nuestros mejores años’ está gestionada con elegancia, gracia y veracidad. Seguro que vais a alinearos con más de una situación. Hay camaradería, decepciones, enamoramientos, ganancias, pérdidas, apoteosis, arrepentimientos. Al fin y al cabo lo que ha logrado Muccino y el guionista Palo Costella es remarcar las penas y las pasiones, las tonalidades de la vida.

Me sorprende poder decir esto sobre una película de Muccino cuando los dos trabajos que más me han llamado la atención de su filmografía han sido historias oscuras y tristes como ‘En busca de la felicidad’ o ‘Siete almas’. Pero sorprende largo y tendido con una película que da una de cal y otra de arena, que tiene muchísimo entusiasmo y carácter.

La película dura dos horas y cuarto y no se hacen largas pues nos lleva de un personaje a otro con agilidad y naturalidad. Además, mantiene el interés y la gracia rompiendo la cuarta pared. Cuando parece que hemos llegado a un punto muerto o determinante con un personaje engancha con otro que nos sigue haciendo avanzar en el tiempo.

Me ha encantado la secuencia de la ópera. Pero aún más el discurso que hace el profesor interpretado por Kim Rossi Stuart sobre el reconocimiento, su valor y carácter pasajero. Pero no es lo único que proclama el filme ya que nos habla también de las diferencias entre generaciones, los cambios de la adolescencia a la adultez, de las faenas de la vida… Lo que quiero decir con todo esto es que es una película riquísima en matices.

¿Quién no recuerda las locuras de la adolescencia? ¿Quién no tiene clavada una ruptura y aún así ha logrado perdonar? ¿Quién no ha perseguido un sueño hasta la extenuación? Nos hace vernos como nos ven aquellos que nos conocen desde hace décadas. El de ‘Nuestros mejores años’ es un viaje que reconforta, que ensalza la camaradería, que hace añorar a los buenos amigos y los buenos momentos.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: Gli anni più belli. Duración: 134 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Muccino. Guion: Gabriele Muccino, Paolo Costella. Música: Nicola Piovani. Fotografía: Eloi Moli. Reparto principal: Pierfrancesco Favino, Micaela Ramazzotti, Kim Rossi Stuart, Claudio Santamaría, Nicoletta Romanoff. Producción: Lotus Production, Rai Cinema, 3 Marys Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/nuestros-mejores-anos/

Crítica: ‘En guerra con mi abuelo’

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El joven Peter se ve obligado a abandonar su habitación cuando su abuelo Ed (Robert De Niro) recientemente enviudado se muda a su casa. Con la ayuda de sus amigos, Peter declara la guerra a su abuelo para hacerle abandonar la habitación, pero Ed es un testarudo y no va a ponérselo nada fácil.

Crítica

De Niro no se cansa ni rodeado de hormonas

Cuando un actor considerado como leyenda cinematográfica viva pasa de hacer hitos como ‘Joker’ o ‘El irlandés’ a ‘En guerra con mi abuelo’ o ‘La última gran estafa’ solo cabe como explicación que haya problemas económicos o que el intérprete simplemente esté haciendo lo que le da la real gana. Y no creo que De Niro ande bajo de fondos.

No es la primera comedia de este corte que hace De Niro. ‘En guerra con mi abuelo’ es un título marcadamente familiar con un toque ligeramente gamberro. El filme sigue la tónica de ‘Solos en casa con nuestro tío’ o ‘Este chico es un demonio 2’. Un niño pequeño con cara de sinvergüenza tiene una pelea con su progenitor manteniendo el amor que sienten el uno por el otro pero con el fin de ver quien acaba rendido.

‘En guerra con mi abuelo’ es una sucesión de perrerías destinadas a ver quién es más maliciosamente ingenioso, si un hombre curtido por la edad o las avispadas nuevas generaciones. Es gracioso ese duelo entre lo geriátrico y lo prepúber. Y la película de Tim Hill también extrae humor de los daños colaterales que sufren los familiares en medio de esta guerra por hacerse con una habitación.

Es cierto que la película tiene su gracia, pero le falta un poco de mala baba para funcionar de un modo más chispeante. Ya se notaba eso también en otras películas del director como ‘Alvin y las ardillas’ o ‘Garfield 2’. Lo mismo pasa con los guionistas Tom J. Astle y Matt Ember, que casi siempre trabajan juntos. El filme saca sus gags de De Niro en plan melancólico y viejete que junto a su tropa de amigos de la tercera edad intentan superar esta disparatada adversidad. Por supuesto también de las costumbres de la juventud del siglo XXI. Pero aunque el ritmo no es malo se habría agradecido que se hubiese llevado todo un poco más allá en cuanto a perversidad.

Todo lo que veréis en ‘En guerra con mi abuelo’ sale de una novela de Robert Kimmel Smith, el mismo autor del cual se extrajo el dramón ‘Un hogar sin esperanza’. En este caso nos ofrece una historia mucho más simpática animada, no exenta de su momento tierno en su climax. ¿Lo que más me ha chocado de este filme? No son los gritos de Rob Riggle, ha sido ver a Uma Thurman con un carácter tan amable, aunque también acabe dando lo suyo.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: The War with Grandpa. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Hill. Guion: Lisa Addario, Tom J. Astle, Matt Ember, Joe Syracuse. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Greg Gardiner. Reparto principal: Robert De Niro, Oakes Fegley, Uma Thurman, Rob Riggle, Christopher Walken, Laura Marano, Jane Seymour, Colin Ford, Cheech Marin, Isaac Kragten, T.J. McGibbon, Heather Johansen, Drew Scheid. Producción: Marro Films, Emmet/Furla/Oasis Films, TRI G, West Madison Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.warwithgrandpa.com/home/

Tráiler y póster de la tercera temporada de ‘American Gods’

Estreno el 11 de enero en Prime Video

Amazon Prime Video ha desvelado el tráiler y póster oficial de la tercera temporada de la mítica serie Amazon Original, ‘American Gods’, que se estrenará en Prime Video en todo el mundo, a excepción de Estados Unidos, el lunes 11 de enero. Por fin podremos continuar con esta adaptación de la obra de Neil Gaiman.

‘American Gods’ es la historia épica de una guerra inevitable entre los antiguos dioses de la mitología y los nuevos dioses de la tecnología. Ricky Whittle interpreta al ex convicto Sombra Moon, un hombre al servicio del misterioso Sr. Miércoles, interpretado por Ian McShane, para no solo descubrir que su carismático pero poco fiable jefe es en realidad el emblemático dios nórdico Odín, sino que también es… el padre de Sombra. En la tercera temporada, Sombra rechaza este aparente destino y se instala en la idílica y nevada ciudad de Lakeside en Wisconsin para emprender su propio camino, guiado por los dioses de sus antepasados negros, los Orishas. Sin embargo, pronto descubrirá que las aguas tranquilas de esta ciudad son profundas, oscuras y sangrientas, y que no puedes rechazar ser un dios de forma tan sencilla. La única elección, y una que tendrás que hacer, es elegir qué tipo de dios vas a ser.

American Gods también está protagonizada por Crispin Glover en el papel de Sr. Mundo, Demore Barnes como Sr. Ibis, Devery Jacobs como Sam Black Crow, Blythe Danner como Demeter, Marilyn Manson como Johan Wengren, Julia Sweeney como Hinzelman, Iwan Rheon como Liam Doyle, Danny Trejo como Sr. Mundo, Peter Stormare como Czernobog, Denis O’Hare como Tyr, Lela Loren como Marguerite, Dominique Jackson como Sr. Mundo, Wale como Chango, Herizen Guardiola como Oshun y Eric Johnson como Chad Mulligan.

‘American Gods’ está producido por Fremantle con el productor ejecutivo Charles H. Eglee participando como showrunner, junto a los productores ejecutivos Neil Gaiman, Anne Kenney, Damian Kindler, David Paul Francis, Mark Tinker, Ian McShane, Craig Cegielski, Stefanie Berk; y Lisa Kussner como co-productora ejecutiva.

Ayer se presentó la docuficción ‘Porvenir’

Una serie que Movistar+ estrena el 6 de diciembre

El cambio climático es el mayor reto al que se va a enfrentar la humanidad en las próximas décadas, quizá el mayor al que se ha enfrentado nunca. Lo que está en juego no es el planeta, es la supervivencia del ser humano, la vida tal y como la conocemos hoy.

En `Porvenir´ (tráiler aquí), nueva serie documental Movistar+ sobre el cambio climático, se analizan por primera vez las causas y las consecuencias del calentamiento global en España y se hace a través de sus protagonistas: nosotros.

Conducido por Iñaki Gabilondo, `Porvenir´ aborda esta problemática desde un novedoso punto de vista: el de la docuficción.

Iñaki Gabilondo nos guiará por dos mundos, el puramente documental, en el que se desplazará por diferentes lugares de España en los que el cambio climático y la mano del hombre están causando estragos tal vez irreparables (Doñana, Pirineos, Almería o Sierra de Gata) y donde conocerá y conversará con científicos, biólogos, expertos y habitantes de diversos lugares en los que veremos con claridad lo que el futuro nos puede deparar si no lo remediamos a tiempo.

Y el mundo de la ficción, con un reparto de lujo formado por Roberto Álamo, Marian Álvarez, Víctor Clavijo y Stephanie Gil. Ellos darán vida a tres hermanos y la hija de uno de ellos, que se reencuentran en la antigua casa familiar tras la muerte de su madre para ponerse de acuerdo con la herencia recibida en pleno estado de alarma, que les obligará a quedarse confinados en la misma. Una familia que realizará un viaje sentimental, geográfico y temporal y que, sin saberlo, atraviesa un momento esencial de sus vidas en el que, si no actúan de la manera adecuada, los cambios y las consecuencias pueden ser irreparables. Lo mismo que le sucede a nuestro planeta.

Iñaki Gabilondo, como prescriptor y narrador, nos guía en esta travesía para entender qué está pasando, qué puede pasar y qué podemos hacer. Necesitamos imaginar el futuro, una nueva historia que cambie la historia. Hemos de poner a la naturaleza en el centro de nuestras decisiones. La Tierra es el único hogar que tenemos y aún estamos a tiempo de actuar.

Las grabaciones de la serie se llevaron a cabo en La Manga del Mar Menor, Cartagena y Madrid. Para la parte documental del proyecto se visitaron lugares que ya están siendo afectados por esta problemática como el Parque Nacional de Doñana, los Pirineos o El Hierro, entre muchos otros, fotografiando la belleza de un país, el nuestro, que peligra.

`Porvenir´, una producción original Movistar+ en colaboración con La Caña Brothers, constará de tres episodios de 70 minutos titulados `Tierra´, `Mar´ y `Aire´ que llegarán a Movistar+ el próximo domingo 6 de diciembre (estreno a las 22:00h en #0 y bajo demanda).

Los españoles son los europeos más preocupados por el cambio climático. Lógico si tenemos en cuenta que España, por su situación geográfica, es el país de la UE que más va a notar los efectos del calentamiento global en las próximas décadas. La desertificación afecta ya al 20% de nuestro territorio, y amenaza al 80%. El Pirineo será la primera cordillera europea en la que el hielo va a desaparecer. Y la subida del nivel del mar podría dejar bajo el agua las playas de San Sebastián a finales de este siglo.

Iñaki Gabilondo recorrerá nuestra geografía para descubrir los lugares, poblaciones y sectores de nuestra sociedad más vulnerables a los efectos del cambio climático. De la mano del conocimiento de los expertos y la experiencia de los lugareños, dibujará la realidad de hoy para así poder imaginar cómo debería ser el mundo del mañana.

Para este viaje ha contado con el pensamiento, la capacidad de análisis, la reflexión y el consejo de una comunidad científica creada ad hoc para `Porvenir´ y formada por Fernando Valladares, María José Sanz y Pedro Jordano. Estos tres prestigiosos científicos han participado en el proyecto no de manera puntual, sino conviviendo durante el rodaje a modo de una gran familia para tener la oportunidad de compartir sus conocimientos, preocupaciones, reflexiones y miedos sobre el futuro y para que el espectador pueda verlo y disfrutarlo.

La comunidad científica de `Porvenir´ está presente a lo largo de los tres capítulos y en cada uno de ellos sus análisis giran alrededor de una premisa distinta. En Tierra, el punto de partida es si todavía estamos a tiempo de cambiar el rumbo y evitar lo peor de un cambio climático del que comenzamos a percibir sus consecuencias. En Mar, intentan encontrar respuesta a la pregunta de cómo sobrevivir en un planeta con recursos limitados. Y, por último, en el capítulo de Aire, su presencia toma más protagonismo porque son ellos los encargados de ayudarnos a imaginar cómo debería ser el nuevo paradigma bajo el que construir un mundo sostenible.

Fernando Valladares, Doctor en Ciencias Biológicas por la Universidad Complutense de Madrid, es profesor investigador del CSIC y divulgador científico. Dirige el grupo de Ecología y Cambio Global en el Museo Nacional de Ciencias Naturales y es profesor asociado de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid.

María José Sanz es Directora del Centro Vasco de Cambio Climático (BC3) y fue miembro del Panel Internacional Gubernamental de Cambio Climático IPCC desde el 2001 al 2007, fecha en la que el grupo recibió el Premio Nobel de la Paz. Colaboró también en la Convención Marco de Naciones Unidas sobre Cambio Climático (hasta 2011).  Y entre 2012 y 2015 ha sido coordinadora del programa de reducción de las emisiones derivadas de la deforestación y degradación de los bosques de la FAO.

Pedro Jordano, biólogo reconocido mundialmente por su capacidad para entender la relación entre las especies, es profesor de investigación del CSIC en la Estación Biológica de Doñana y Premio Nacional de Investigación en el área de Ciencias y Tecnologías de los Recursos Naturales 2018.

Crítica: ‘Madame Curie (Radioactive)’

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‘Madame Curie’ es un viaje a través del legado de Marie Curie, científica investigadora para muchos considerada como la mujer más inspiradora de la ciencia. Ella fue la primera mujer en ganar el premio Nobel, y diez años más tarde, la primera persona en la historia en ganar dos.

Crítica

Ni protegidos con plomo podéis evitar impregnaros de la pasión de esta película

Una película de ciencia, con pasión por el conocimiento y protagonizada por una mujer. No podía ser de otra manera tratándose de Marie Curie. Me alegra que aunque se habla mucho de la relación con Pierre Curie no se ha hecho de esta historia un romance despechado. ‘Radioactive (Madame Curie)’ pone sobre la mesa el afán descubridor y curioso de la científica dos veces ganadora del Nobel y madre de otra ganadora del máximo premio internacional al que se puede optar en la Tierra.

Los datos conocidos a cerca de Marie Curie no son escasos. No obstante, la película de Marjane Satrapi se apoya narrativamente en la novela gráfica de Lauren Redniss que también se llama ‘Radioactive’. De hecho en más de una ocasión se sale del drama histórico y permite que la radioactividad haga sus artificios visuales brindándonos momentos muy fantasiosos, aunque también sirviendo de analogía explicativa. Se nota que Sartapi disfruta del arte visual, de hecho, tiene otras dos películas surgidas de novelas gráficas: ‘Persépolis’ y ‘Pollo con ciruelas’.

Además el filme sabe destacar el mérito de descubrir nuevos elementos cuando la técnica no era tan avanzada como ahora. Había que desarrollar nuevos métodos y eso queda reflejado, incluso aparece el antecesor del microscopio de barrido actual, la cámara de ionización con el electrómetro de cuadrantes… Y donde hay radioactividad parece que siempre hay que hablar de su poder destructivo. La película tiene un defecto, se obceca demasiado en mostrar el mal uso que hemos hecho de este proceso energético. A Alfred Nobel no se le conoce solo por haber inventado la dinamita ¿verdad? Hablo claro está de las bombas o las centrales nucleares mal gestionadas. Pasa demasiado de respajilón o en última instancia por la utilidad de los rayos X, la medicina nuclear…

‘Madame Curie’ ha sido escrita por el guionista de ‘Wonder’, ‘La materia oscura’, ‘Enola Holmes’, ‘El jardín secreto’ o ‘The accident’. No son pocos los guiones que ha hecho para ser protagonizados por mujeres. Esta se dirá que es la película más feminista y empoderada que ha hecho en su carrera. Es sabido el rechazo sistemático que sufrió esta brillante investigadora y el descrédito sucedió a la muerte de su marido. El filme tiene muy bien encauzado el famoso carácter de la científico polaca, lejos de ponerla condescendientemente como una santa acierta a no dejar de lado su abrupta personalidad. Y también plasma la mentalidad de Pierre Curie, progresista para la época.

No es mala la interpretación del elenco, de hecho, cuenta con Sam Riley y Anya Taylor-Joy. Pero hay que destacar a Rosamund Pike, no por la obviedad del protagonismo de su personaje, si no por su meticulosidad. Cuida detalles como la capacidad de ensimismarse en sus propios pensamientos o simplemente con el hecho de que Curie era zurda. Su interpretación rema a favor de los méritos de la científica y hace que se aleje de tópicos perfeccionistas.

La ambientación de la película también es muy acertada. El vestuario y los decorados nos remontan al Paris de principios del siglo XX. Obviamente también se cita o muestra a personalidades de la época como la bailarina Loie Fuller, a quien interpretó Soko en una película en 2016 y que esta vez está encarnada por Drew Jacoby.

Los Curie son considerados como una pareja que en tándem cambió la historia de la física y la química. Tanto a este matrimonio como a su descendencia se les puede considerar como pioneros y mártires de la ciencia por sus descubrimientos, pero también por sus castigados cuerpos, que aprendieron sobre la marcha las consecuencias del radio. Es normal pues lo llevaban en el bolsillo como quien se guarda un amuleto. Tal es así que el material de su laboratorio, sus notas, probetas, ropas… hoy en día aún son nocivos para la salud.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: Radioactive. Duración: 109 min. País: Reino Unido, Hungría, China, Francia, EE.UU. Dirección: Marjane Satrapi. Guion: Jack Thorne. Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Simon Russell Beale, Drew Jacoby, Aneurin Barnard. Producción: Studio Canal, Working Title Films, Amazon Content Services, Huayi Brothers Media, Pioneer Stilking Films, Shoebox Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: biográfico, drama. Web oficial: https://www.radioactivethemovie.com/

Crítica: ‘Baby’

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Una joven adicta, da a luz en medio de una de sus crisis. Incapaz de ocuparse del bebé, lo vende a una matrona dedicada al comercio infantil. Arrepentida, tratará de recuperarlo descubriendo una realidad sobrecogedora.

Crítica

Un cuento mudo al que le falta ir al grano para decir más

Me encanta el reto que se ha lanzado Juanma Bajo Ulloa con ‘Baby’. Ni más ni menos que contar una historia sin articular ni una sola palabra, solo con música y onomatopeyas. Pero creo que ha fallado en su intento. Principalmente porque si consigue llevar a cabo una narración, pero no lo hace de un modo entretenido ni justifica sus imágenes.

‘Baby’ es una película muy áspera y muy sucia donde en forma de cuento adulto seguimos los pasos de una yonki que acaba de parir a una criatura. La historia puede rememorar a lo más crudo de los Hermanos Grimm y se mueve por ambientes mugrientos o dejados mientras se intercalan preciosas imágenes de animales. El contraste es obvio y siempre está presente en esos relatos infantiles que parece querer desfigurar Bajo Ulloa, pero en este caso pocas veces se ve una analogía que sirva de argumento para la trama. Está clara la presencia de las cigüeñas, siempre ligadas a los bebés, también la del corcel blanco (casi siempre símbolo de libertad o heroicidad), pero no la de otros muchos insectos y aves. Imagino que lo que vamos viendo son representaciones metafóricas de los personajes y situaciones, pero les falta más correlación.

No faltan los personajes excéntricos y las drogas, no poco presentes en la filmografía del director de ‘Aribag’. Es raro el personaje de Natalia Tena y lo es aún más el de la pequeña Mafalda Carbonell, hija de Pablo Carbonell. El personaje más normal es el de Rosie Day y eso que antepone su enganche a las drogas y al alcohol al cuidado de su bebé. Todas ellas están bajo la atenta mirada de una villana un tanto sobreactuada por Harriet Sansom Harris que podría servir de madrastra malvada en cualquier clásico Disney.

‘Baby’ llega a un punto en que se estanca y llega a ser inapetentemente repetitiva. Esto sucede cuando se convierte en un home invasión en modo subterfugio. Por lo menos exhibe una buena fotografía obra de Josep María Civit, cuya obra recomiendo que disfrutéis también en ‘La vampira de Barcelona’. Y está acompañada con la música de un habitual de Bajo Ulloa como Bingen Mendizábal en colaboración con Koldo Uriarte (‘Ane’). La Vitoria natal del director sirve de escenario ofreciendo espléndidos parajes como Legutio o el parque de Garaio. Todo ello a merced de una fábula que llega a aburrir a pesar de tener algo de subtexto.

En mi opinión este tipo de apuestas valientes han de tener también valor. Para que salga bien la jugada hay que dotarla de una sustancia que vaya más allá de la mera peculiaridad. Creo haber entendido que esta es una historia sobre el instinto, la supervivencia, la confusión, las segundas oportunidades y la feminidad, de hecho, relacionado con esto último hay que señalar que todo el reparto está compuesto por mujeres. Pero falta darle algo más de profundidad y quitarle tantos rodeos.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020 (País Vasco) 18 de diciembre de 2020 resto de España. Título original: Baby. Duración: 106 min. País: España. Dirección: Juanma Bajo Ulloa. Guion: Juanma Bajo Ulloa. Música: Bingen Mendizábal, Koldo Uriarte. Fotografía: Josep M. Civit. Reparto principal: Rosie Day, Harriet Sansom Harris, Natalia Tena, Mafalda Carbonell, Charo López, Natalia Ruiz, Carmen San Esteban, Susana Soleto. Producción: Frágil Zinema, La Charito Films. Distribución: Festival Films. Género: suspense, drama. Web oficial: https://festival-films.com/baby/

Crítica: ‘La decisión’

En qué plataforma ver La decisión

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Tres generaciones de una misma familia se reúnen en su casa de campo para pasar un último fin de semana con su madre Lily (Susan Sarandon – ‘Pena de muerte’, ‘Thelma & Louise’) que padece esclerosis lateral amiotrófica (ELA) y que ha decidido quitarse la vida con ayuda de su marido (Sam Neill – ‘Parque Jurásico’, ‘Los Tudor’).

Cuando sus hijas, Jennifer (Kate Winslet – ‘The Reader (El lector)’, ‘Titanic’) y Anna (Mia Wasikowska – ‘Alicia a través del espejo’, ‘Judy y Punch’), empiezan a discutir, salen a la luz secretos que amenazan con amargar la despedida. Completan el reparto Rainn Wilson (‘The Office’, ‘Megalodón’) y Bex Taylor-Klaus (‘Por 13 razones’), como las respectivas parejas de las hijas, y Lindsay Duncan (‘Birdman’, ‘Sherlock’), como la mejor amiga de Lily.

Crítica

Con muy poco de sutil y bastante de incómodo

Que la muerte es un tema que antes o después afrontamos es algo innegable. Pero existe una polémica cuestión que es la de aquellos que quieren decidir por sí mismos cuándo y cómo quieren dejar este mundo. En concreto hablo de los que tienen una enfermedad terminal o degenerativa, de aquellos que van a ver sus capacidades mermadas poco antes de fallecer. En España tenemos un caso archiconocido como fue el de Ramón Sampedro, teniendo su historia contada en el cine por Alejandro Amenábar.

Ahora el director de ‘Notting Hill’, Roger Michell, nos trae de nuevo esa cuestión. Lo hace con ‘La decisión (Blackbird)’ una película que ha sido escrita por el danés Christian Torpe, el mismo autor de la novela en que se basa, ‘Silent Heart’. La obra ya tuvo una adaptación homónima en 2014 producida en Dinamarca y lo que ahora se estrena es la versión norteamericana.

A veces no es fácil llevar a cabo una película acotada en un mismo espacio y en un corto intervalo de tiempo. Por lo general hay que rellenar con diálogos o transiciones. En este caso la decisión ha sido la de aportar muchas conversaciones familiares que hacen un poco tedioso el visionado y además incluir unos cuantos giros de guión que están un poco pillados por los pelos. Aunque tendría que verse uno metido en esta situación tan extrema para de verdad darse cuenta de hasta qué punto puede ser algo creíble o surrealista.

Nos presentan a tres generaciones de una familia que se unen durante un fin de semana para despedir a la matriarca. Está enferma y ha acordado con su familia que va a quitarse la vida con ayuda de su marido. Pero antes quiere reunirse una vez más y despedirse.

La temática es peliaguda y os va a chocar ver a ciertos miembros del reparto en ella. Normalmente hemos disfrutado de actores como Mia Wasikowska, Sam Neill, o Rainn Wilson en historias más amables e incluso cómicas. Pero en este caso el carácter de la historia es profundamente dramático. Susan Sarandon interpreta al personaje enfermo en un papel con similitudes al que ejecutó en ‘Quédate a mi lado’ y sobreponiéndose al resto del reparto.

‘La decisión’ pasa de la trivialidad a lo vital. De lo incómodo a lo hostil. Y trata acera de hipocresías, conflictos y valentías. Nos plantea personajes creíbles que ya se han presentado en debates reales. Están los que afrontan de cara el problema y los que lo evitan como si ni existiese. Pero lo que más domina la película es una frivolidad que acaba tornandose en sensiblería.

La idea de Torpe es plantear una situación civilizada en la que hay espacio para sincerarse y desmelenarse. No deja de lado la legalidad o necesidad de la eutanasia. En ese punto da alas a la aprobación o asimilación de los demás a cerca de la decisión que tome cada uno con su propio tiempo en la Tierra y se posiciona claramente a favor.

Lo que más intenta remarcar es la importancia de las decisiones, el respeto, el legado y los recuerdos. ‘La decisión’ supone una mezcla de sutileza y brusquedad que te deja con el corazón un tanto acongojado.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2020. Título original: Blackbird. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Roger Michell. Guion: Christian Torpe. Música: Peter Gregson. Fotografía: Mike Eley. Reparto principal: Susan Sarandon, Kate Winslet, Mia Wasikowska, Sam Neill, Rainn Wilson, Lindsay Duncan, Bex Taylor-Klaus. Producción: Millennium Films, Eclectic Pictures, Busted Shark Productions, SF Studios. Distribución: Movistar+. Género: drama. Web oficial: http://millennium-media.net/mf-films/blackbird/

Crítica: ‘Baby god’

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Esta película nos lleva a una etapa anterior a los bancos de esperma, cuando se sabía poco sobre el ADN y los rasgos genéticos heredados. Es una inverstigación profunda sobre la moralidad de un médico que opera dentro de su propio código ético y una inmersión en la esencia de la identidad personal.

Crítica

Un legado irrompible que además no para de crecer

Estamos en las décadas de los 50 y 60. Épocas en las que la clase media norteamericana vive una etapa de comodidad y felicidad incrementada por una riqueza cultural como nunca antes vivieron. Se podría recordar como un periodo feliz si no fuese por las constantes guerras en las que su nación se empeñaba en emprender. Una serie de contiendas que entre otras cosas buscaba imprimir el sello yanqui. Algo por el estilo es lo que hizo con éxito el Dr. Quincy Fortier.

Por entonces aún no existían los bancos de esperma ni se controlaba tanto del ADN. Solo 7 años antes se había descubierto la estructura molecular del ADN. Los primeros centros de donación de semen surgieron en Tokio en el 64. En España el primero fue en el 79. Era un tiempo con un notorio desconocimiento civil acerca del tema y con una falta de legislación con cuestiones relacionadas. Fue en este marco cuando un doctor experto en ginecología aprovechó sus conocimientos y posición.

Llevó a cabo una práctica de lo más narcisista. Con el único objetivo de perpetuar su material genético, sin importar consentimiento alguno, inseminó a mujeres que acudieron a él con su propio esperma. Parejas que se veían en la problemática de no conseguir un embarazo fueron ultrajadas de esa manera.

La información recabada por la ex-detective Wendi Babst delata que la cifra de personas que pueden estar genéticamente ligadas a este monstruo es de centenares y puede llegar a los millares. Hoy en día no paran de salir personas con sus genes. Vamos, que hizo lo mismo que Gengis Kan pero de un modo más sutil. Babst ha llevado a cabo esta investigación documentada que inició al descubrir su propio vínculo con este doctor. Hannah Olson es la directora que ha ordenado todo esto como buenamente ha podido en forma de largometraje.

El Doctor Quincy Fortier falleció en 2006 llevándose consigo su más que dudosa ética, por lo que para buscar explicaciones y consecuencias se ha tenido que recurrir a su descendencia, algunos de los cuales se enfrentaron a él antes de su muerte. ‘Baby god’ se centra en entrevistar a los hijos que generó sin autorización ninguna. Además cuenta con algunos de sus colegas o empleados.

Loki Films se llama la productora de la película y realmente parece una broma pesada del dios nordico. Realmente se le consideró un hacedor de milagros, obtuvo premios por su trabajo y probablemente él pensaba que estaba haciendo algo beneficioso. El documental aprovecha para poner sobre la mesa qué puede implicar estar constituido del ADN de alguien que no conoces o de alguien a quien incluso consideras una persona horrible. ¿La herencia genética te convierte en alguien como esa persona? ¿Al menos en parte? De una manera superficial se aborda el tema del color de los ojos, por ejemplo. Algunos de los entrevistados incluso se parecen a él.

Un tipo eficiente y fiable. Fiable en que conseguiría llevar a cabo una inseminación si se lo encargabas, de un modo muy eficiente. Obviamente no era nada recomendable por sus acciones poco éticas y por como jugó con los deseos de parejas o mujeres que deseaban tener hijos con su ADN, el suyo propio, no el de Fortier. Pero tampoco había ley que lo prohibiese, eso lo deja claro el documental.

‘Baby god’ está compuesto únicamente de entrevistas, presenta poca documentación. No pongo en duda su veracidad, lo que me pesa es que para acompañar se han intercalado excesivas imágenes de transición y de ambientación grabando las ciudades, casas y objetos de los entrevistados. Faltaría algo de ritmo y una estructura mejor pero logra mostrar la “obra” de Fortier y como se concibe por sus herederos.

El documental que se estrena en HBO supone una senda de búsqueda de identidad por parte de los protagonistas. Pero sobre todo es algo que impresiona, aunque hay que ubicarse en la mentalidad de aquella época de un modo más profundo de lo que hace el reportaje como para llegar a entender como pudo pasar esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2020. Título original: Baby god. Duración: 78 min. País: EE.UU. Dirección: Hannah Olson. Música: Will Epstein. Fotografía: Justin Zweifach. Reparto principal: Quincy Fortier, Wendi Babst, Brent Leavitt, Mike Otis, Brad Gulko, Michael Cleaver, Jonathan Stensland, Nanette Fortier, Sonia Fortier, Quincy Fortier Jr., Dr. Frank Silver, Dr. Harrison Sheld, Cathy Holm, Dorothy Otis. Producción: Loki Films, GAP Tooth Films. Distribución: HBO España. Género: documental.

Crítica: ‘Contagio en alta mar’

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La tripulación de un pesquero irlandés lucha por sobrevivir cuando su barco es inmovilizado por una enorme y misteriosa criatura marina y su suministro de agua dulce queda infestado de parásitos. A contrarreloj, deberán encontrar una manera de volver a casa mientras están varados sin ayuda en aguas restringidas.

Crítica

Correcta película sobre el terror y la contención de una infección

‘Contagio en alta mar’ tiene como título original ‘Sea Fever’. Ambos títulos definen bastante la trama de la película. Un barco pesquero se encuentra alejado de la costa y sucede algo que hace que los tripulantes empiecen a tener fiebre. Entre la tripulación hay una invitada, una estudiante de biología que está allí para recabar información para su doctorado.

Hermione Corfield es esa joven que se embarca en un viaje a regañadientes. No por tener algo en contra de los pescadores sino porque es bastante asocial. Ella prefiere mantenerse al margen y estudiar patrones de comportamiento en animales marinos y ya de manera indirecta y algo condescendiente, en personas.

Esta es una película de terror bastante convencional. Los personajes pasan por todas las fases. Pitorreo, negación, miedo, histeria… Es un título no falto de tensión pero que si necesita algo más de acción, por lo menos para los que busquen emociones fuertes. Sí que sirve para retomar el contacto con actores que por lo general pasan algo desapercibidos y aquí tienen más presencia. Hablo de Connie Nielsen (‘Gladiator’), Jack Hickey (‘Penny Dreadful’), Olwen Fouéré (‘Mandy’) o Dougray Scott (‘Misión: Imposible 2’).

Además su estreno tras proyectarse en Sitges viene bastante a colación de la situación actual. Como sucedía en ‘La cosa’ de Carpenter los personajes llegan a recelar los unos de otros e incluso a diagnosticarse entre ellos. El mar sirve como espacio de aislamiento para una cuarentena obligatoria. Lo más profundo que toca ‘Contagio en alta mar’ es el afrontar una situación de responsabilidad ante una infección. Por supuesto ante esto hay diferentes tipos de comportamientos con los que veréis paralelismos y ejemplos reales.

La película de la irlandesa Neasa Hardiman (‘Jessica Jones’, ‘Inhumans’) es bastante más sosegada que sus trabajos anteriores. Convierte lo que a priori parece un cardumen en algo insólito y eso le da un toque de thriller, por supuesto también de fantástico.

Quizá debería haber explotado más los dramas de ciertos personajes para que la película tenga sustancia. O tal vez podría haber desarrollado la situación de esa protagonista tan reacia a colaborar con otras personas, teniendo en cuenta que precisamente está en una situación en la que tiene que trabajar junto a un equipo que es como una familia y además enfrentándose a una mente colectiva superior y desconocida.

Como todas aquellas películas sobre virus o criaturas extrañas, ‘Contagio en alta mar’ puede tener cierto valor para aquellos negacionistas que se oponen a creer lo que sucede y las auténticas medidas que hay que tomar. Como película de terror funciona, pero no aporta nada nuevo al género.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Título original: Sea Fever. Duración: 94 min. País: Irlanda. Dirección: Neasa Hardiman. Guion: Neasa Hardiman. Música: Christoffer Franzén. Fotografía: Ruairi O’Brien. Reparto principal: Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield, Olwen Fouere, Jack Hickey, Ardalan Esmaili, Elie Bouakaze, Dag Malmberg. Producción: Bright Moving Pictures, Creativity Capital, Fantastic Films, Flexibon Films, Frakas Productions, Makar Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror. Web oficial: http://film-directory.britishcouncil.org/sea-fever

En 2021 podremos ver la nueva película de Studio Ghibli

‘Earwig y la Bruja’ primer trabajo del estudio japonés en emplear CGI

Por primera vez Ghibli ha aplicado técnicas de animación por ordenador y lo ha hecho en el título que Vértigo Films distribuirá en España en 2021. ‘Earwig y la Bruja’ es una película dirigida por Goro Miyazaki, hijo de Hayao Miyazaki y artífice de obras como ‘Cuentos de Terramar’ (2006) o ‘La Colina de las Amapolas’ (2011), y está basada en el libro homónimo de la escritora británica Diana Wynne Jones.

La película cuenta con la mano del propio Hayao Miyazaki en el guion y la supervisión general, además de Toshio Suzuki en la producción. Ghibli ya adaptó una de las obras de Wynne Jones, en la célebre y admirada película ‘El Castillo Ambulante’ (2004), la cual fue dirigida por Hayao Miyazaki.

La película ‘Earwig y la Bruja’, que fue seleccionada en la pasada edición del Festival de Cannes. Vértigo Films cuenta actualmente con varias de las principales películas de Studio Ghibli. En el catálogo de la compañía se encuentran las siguientes obras del estudio de animación nipón: ‘El Viaje de Chihiro’, ‘La Princesa Mononoke’, ‘Mi Vecino Totoro’, ‘El Castillo Ambulante’, ‘Susurros del Corazón’, ‘El Viento se Levanta’, ‘El Cuento de la Princesa Kaguya’ y ‘El Recuerdo de Marnie’. A todas ellas se une ahora ‘Earwig y la Bruja’.

Crítica: ‘Vampus Horror Tales’

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Noche de Halloween. El Sr. Fettes (Saturnino García) es el particular guardián del cementerio, un siniestro ser que guarda muchos secretos. Entierra los difuntos de día y los desentierra de noche con fines inconfesables. Le gusta que le llamen Vampus y leer comics de terror, especialmente las historias de amor, entendidas a su necrófila manera.

Vampus nos introduce en cuatro de esas historias que transcurren en una perdida casa en la montaña, en un siniestro parque de atracciones, en un singular salón de bodas y en un mundo acosado por una extraña pandemia.

Crítica

Sangre, tumbas y perritos a gogo

¿Qué es más terrorífico, una noche de Halloween en un cementerio con un enterrador bastante cabroncete o cualquier cosa sucedida en 2020? Mucho cuidado con lo que respondéis. El señor Fettes (Saturnino García) es un tipo que se regodea en las peores pesadillas, escritas o narradas. Para algunos no hay nada más horrible o molesto que el hecho de que no se les llame por su nombre, “llámame Vampus” lleva diciendo este sepulturero desde que apareció en el corto de Víctor Matellano y Diego Arjona. Y continúa pidiendo que se le nombre así, pero ahora no se anda con chiquitas y cualquiera puede caer en sus fosas y filos. También en sus historias.

‘Vampus Horror Tales’ hace honor a su carácter antológico y va cambiando de tercio según el macabro sepulturero da paso a sus pequeños capítulos, cual cadáver de ‘Historias de la cripta’. Nos lleva a un escape room, a un escenario apocalíptico, a una cabaña en el bosque o a un túnel del terror. Escenarios clásicos en el género que no obstante son empleados para contar historias diferentes y nada manidas. Yo me quedo sobre todo con la que protagonizan Nacho Guerreros y Erika Sanz. Está muy bien interpretada y muy bien desarrollada. Él en un papel bastante sibilino y ella haciendo tremendamente bien de discapacitada visual.

Un rodaje marcado por la pandemia. Los confinamientos provocados por el COVID-19 pausaron esta producción que sin embargo ha sabido adaptarse a la situación. Sabemos que algunas historias han tenido que ser contadas de otra manera y ‘Vampus Horror Tales’ ofrece soluciones que consiguen narrarnos lo que pretendía. Se alía con las tecnologías o con el plano contraplano para poder tener continuidad.

Saturnino García es el hilo conductor pero también el personaje que más cala. Con sus pensamientos bordes y su literalmente cortante comportamiento es capaz de encandilar y horrorizar. Junto a él un reparto al que no le faltan caras famosas: Nacho Guerreros, Elena Furiase, Félix Gómez, Montse Plá, Diego Arjona, Erika Sanz… Y rostros también muy conocidos del cine patrio como José Lifante, África Gozalbes, Lone Fleming, Antonio Mayans… Sin olvidar las voces de Héctor Cantolla, Carlos Areces y Víctor Clavijo.

Guiños y referencias a clásicos del terror no le faltan. Transcurriendo algunas escenas en el Museo de Cera de Madrid no podía faltar la imagen de Paul Naschy que además fue hecha por Colin Arthur, quien es el encargado además de supervisar los efectos de la película.

‘Vampus Horror Tales’ es una película o una serie de cortometrajes que rezuman mucho amor por el terror. Empezados o acabados por ilustraciones y comentados en plan crítico por Vampus. El sentido del humor está omnipresente y es con Saturnino García con quien se consigue mayor efectividad.

Si hay que ponerle una pega a tan efusiva muestra de amor por el fantástico es el re-doblaje en alguno de los segmentos. Una nimiedad que queda tapada por borbotones de sangre y el mensaje superliminal por comer perritos calientes.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2020. Título original: Vampus Horror Tales. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Isaac Berrocal, Erika Elizalde, Manuel Martínez Velasco, Víctor Matellano, Pablo Moreira. Guion: Diego Arjona, Isaac Berrocal, Yolanda García Serrano, Ignacio López, Víctor Matellano, Pablo Moreira, Victoria Vázquez. Música: Javier de la Morena. Fotografía: David Cortázar. Reparto principal: Saturnino García, Nacho Guerreros, Elena Furiase, Félix Gómez, Montse Plá, Diego Arjona, Erika Sanz, Dunia Rodríguez, Luis Hacha, Daniela Dardanelli, Almudena León, Rafa Rodrigo, David M. Santana, Marian Clar, Gus Cantolla, Alberto Rivas, Marina Romero, Sergio Morcillo, Federico Repetto, Vicky Jorge, José Lifante, África Gozalbes, Miguel Molina, Lone Fleming, Antonio Mayans, Héctor Cantolla, Carlos Areces, Víctor Clavijo. Producción: Argot Films, ViMa PC, Wild Duck Productions, Raccord Films, Infilmity, RedRum. Distribución: Argot Films. Género: terror. Web oficial: https://www.instagram.com/argotfilms/

Crítica: ‘Superintelligence’

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Cuando una superinteligencia todopoderosa decide estudiar a Carol Peters, la persona más común de la Tierra, el destino del mundo está en juego. Mientras que la Inteligencia Artificial decide esclavizar, salvar o destruir a la humanidad, Carol tiene que demostrar que merece la pena salvar a la gente.

Crítica

Si a Skynet le hubiese dado por preguntar…

¿La humanidad merece ser salvada? Es un dilema que se ha planteado en varias ocasiones dentro de series y de películas. Hemos quemado nuestros bosques, desatado plagas y pandemias, extinguido especies enteras y nos hemos puesto a nosotros mismos muchas veces al borde del precipicio. Incluso en Los Simpson se ha tratado este tema cuando Kang y Kodos han llegado para someternos. Con un método más o menos así de cómico se desarrolla esta historia de Ben Falcone (‘El alma de la fiesta’) escrita por Steve Mallory (‘Es la jefa’).

‘Superintelligence’ remarca lo automatizado, robotizado y digitalizado que tenemos todo: coches autoconducidos, casas domotizadas, mercados informatizados… Nos habla de las inteligencias artificiales y del aprendizaje automático. Hasta el punto de que va más allá de que un móvil pueda oír lo que decimos para posteriormente mostrarnos publicidad relacionada. Surge una IA que ha cobrado consciencia de si misma y que a modo de gran hermano controla y escoge a la protagonista interpretada por Melissa McCarthy. Y la elige para que sea la variable que decida si la humanidad merece salvarse o por el contrario ser aniquilada o esclavizada (si omitimos el hecho de que ya estamos esclavizados por nuestros dispositivos). Todo esto hablándole con la voz de James Corden.

Estamos en una película donde se pone de manifiesto que tenemos hogares ultraconectados. Vuelvo a ‘Los Simpson’. ¿Recordáis el capítulo en el que la familia amarilla automatiza su casa con una IA dotada de la voz de Pierce Brosnan y esta intenta matar a Homer? Pues eso mismo solo que en este caso la amenaza está por todo el mundo. Lo que quiero decir es que estamos dentro de una comedia de ciencia ficción con muchos disparates, algo tontorrona y con toques de sarcasmo.

Director, guionista y protagonista han coincidido antes en otros proyectos y se nota que les gusta regocijarse en este tipo de comedias. Sobra decir que el matrimonio Falcone-McCarthy ha trabajado varias veces en la misma película, tanto delante como detrás de las cámaras. Tanto el personaje de McCarty como el de la inteligencia artificial son bastante “tocapelotas”. Les gusta meterse en situaciones incómodas o ridículas y dejar al descubierto a los demás, sin pelos en la lengua. Tampoco faltan las escenas llenas de torpeza. Está claro que es una película hecha a medida y pensada para Melissa McCarty pero también hay que remarcar que está más suavizada y apta para todos los públicos que nunca. Y pienso que también está todo orquestado para que sea James Corden quien ejerza de “villano” ya que va todo en su simpática línea.

La situación de la película es graciosa. Mientras Carol (McCarthy) lleva a cabo una cruzada amorosa con la IA ejerciendo de Cyrano de Bergerac o de celestina, las fuerzas de seguridad estadounidenses buscan asimilar tal situación y evitar la ecatombe retrocediendo a tecnologías pre-electrónica. ‘Superintelligence’ no es precisamente una comedia muy trabajada, sigue patrones y actos muy clásicos pero va transcurriendo de un modo ameno, sin llegar a extremos y con gags simpáticos. Quizá no sea la mejor película que se ha hecho sobre IA’s pero al menos arroja algo de luz ante las catastrofistas perspectivas actuales.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2020. Título original: Superintelligence. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Ben Falcone. Guion: Steve Mallory. Música: Fil Eisler. Fotografía: Barry Peterson. Reparto principal: Melissa McCarthy, Bobby Cannavale, Brian Tyree Henry, James Corden, Karan Soni, Jean Smart, Sarah Baker, Michael Beach. Producción: Creative Wealth Media Fiance, New Line Cinena, One The Day, Warner Bros. Distribución: HBO. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/superintelligence

Nueva celebración del Festival ArteKino

Online y gratis del 1 al 31 de diciembre

Un año más, y ya van cinco, el mes de diciembre nos trae el Festival ArteKino. Un interesante y plurinacional certamen online que nos propone descubrir una selección de 10 películas europeas de jóvenes directores y directoras. Diez largometrajes, de diez nacionalidades diferentes, que rinden homenaje a la diversidad cultural y lingüística de Europa.

ArteKino Festival tiene como objetivo promocionar el cine europeo y dar acceso a un gran público a largometrajes que de otra manera podría tener dificultad para encontrar distribución en los cines de su país, a pesar de éxito y selección en festivales. Los amantes del cine pueden formar parte del propio festival votando el Premio del Público ArteKino.

Las películas estarán disponibles del 1 al 31 de diciembre gratuitamente en 10 idiomas (francés, alemán, inglés, español, italiano, polaco, portugués, rumano, húngaro y holandés) en 45 países europeos en la web www.artekinofestival.com

En línea con el espíritu del canal arte, las películas seleccionadas por la Fundación ArteKino, largometrajes de ficción y documentales, reflejan la intención de “crear un nuevo vínculo entre las obras, sus autores y un amplio público curioso por descubrir otras opiniones nuevas y relevantes sobre temas y preocupaciones de nuestro tiempo”. Tal y como afirma Rémi Burah, presidente de dicha institución.

Atendiendo a la iniciativa de la Fundación ArteKino, arte y el Festival Scope combinaron sus habilidades para lanzar un festival diferente y único comprometido con el apoyo a la promoción del cine europeo en Europa.

“Nuestra selección cede el protagonismo a los nuevos autores y muestra la diversidad de su inspiración, su atención a las agitaciones geopolíticas, así como a las crisis íntimas. Navegando entre el documental y la ficción, coqueteando con los límites entre los dos, estas películas nos proponen miradas melancólicas o divertidas sobre un mundo en plena metamorfosis”. Explica Olivier Père, director artístico de ArteKino Festival.

Así nos llegan títulos que formaron parte de la sección oficial de Locarno como la comprometida ‘Cat in the Wall’, de las activistas búlgaras Mina Mileva y Vesela Kazakova, ‘Love me Tender’ de la guionista y directora suizo-peruana Klaudia Reynicke o ‘Ivana the Terrible’, de la serbia Ivana Mladenovic, que fue programada también en primicia para nuestro país en la pasada edición del Festival de Sevilla, estrecho colaborador de arte.

Películas que hablan de nuestra relación con el amor, como la cinta italiana ‘Lessons of Love’ de Chiara Campra o con la guerra, como la fábula contemporánea de David Verbeek en ‘Full Contact’. Historias que nos invitan a reflexionar sobre nuestros propios valores como ‘Negative Numbers’, de la georgiana Uta Beria o ‘Motherland’, del director de origen lituano Tomas Vengris; que nos recuerdan que en ocasiones, crecer no es una tarea fácil, como ‘Son of Sofía’, de la griega Elina Psykou; y que ponen el foco en un drama tan contemporáneo endémico en la historia de Europa, la migración, como la producción alemana ‘THF: Central Airport’ del brasileño Karim Aïnouz, que se alzó con el premio Amnistía Internacional en la Berlinale. Y como guinda, el retrato de un artista tan polifacético como polémico, como el documental lleno de música ‘Sebastien Tellier: Many Lives’, dirigido por el francés François Valenza y que, a modo de aperitivo del festival, podrá verse también en pantalla grande en la sala del Instituto Francés de Madrid el 27 de noviembre (entrada 5 € en taquilla – 4 reservando online).

En su objetivo por promover el cine europeo entre un público cada vez más amplio, el festival otorga dos premios otorgados por los espectadores que podrán votar su película favorita. Así, el Premio del Público Europeo, en el que puede participar cualquier persona otorgando una votación online al finalizar el visionado de cada película, cuenta con una dotación máxima de 20.000 euros que se reparte entre el director y el distribuidor de la película ganadora, propiciando llegar a nuevos territorios. Además, el festival cuenta cada año con un jurado formado por una docena de jóvenes europeos de entre 18 y 35 años que votarán por su largometraje preferido. La ganadora del Premio del Público Joven recibirá un premio de 10.000 euros y, si la situación lo permite, los jóvenes asistirán en enero a la gala de entrega de ambos premios que se celebra en París, celebrando la diversidad europea.

El festival cuenta con el apoyo de Europe Creative Media y de diversos mecenas privados. La Fundación ArteKino apoya también proyectos de largometrajes a través del «Premio Internacional ArteKino», una bolsa de ayudas al desarrollo que otorga en una docena de grandes festivales de cine. Así mismo, bajo el sello «ArteKino Selection», cada mes se ofrece una película o ciclo de forma gratuita en las tres plataformas de cine digital de arte: artekinofestival.com, arte.tv y el canal de YouTube ARTE Cinéma.

Crítica de ‘30 monedas’, la serie de Álex de la Iglesia

HBO paga nuestra suscripción con 30 monedas muy valiosas

Más de 10 años después de ‘Plutón B.R.B. Nero’ Álex de la Iglesia vuelve a al mundo de las series. Y en mi opinión ha tardado demasiado. Soy de los que disfrutan a Álex de la Iglesia, incluso en sus alocados finales. Y con ‘30 monedas’ he disfrutado en todos los episodios, cada uno de ellos con un apogeo que gozar. Pero más allá de sus clímax me he regodeado en el universo que desarrolla y el discurso del bien y el mal que esgrime. Podríamos estar hablando del ‘Supernatural’ o ‘Expediente X’ más rural y español que se haya creado. Cada episodio podría servir además para llevar a cabo un relato corto o un pequeño cómic de terror, ahí lanzo la idea transmedia a HBO España.

Es sabido que como a muchos de nosotros a De la Iglesia le gustan las partidas de rol y me creería si junto a Jorge Guerricaechevarría se han marcado un Margaret Weis y Tracy Hickman trasladando una partida de Los Mitos de Cthulhu a la televisión. La mecánica es contar una historia troncal pero ramificada en distintos módulos. En mi opinión esto es en lo que ‘Territorio Lovecraft’ no ha sabido convertirse.

Lo que vais a ver con ‘30 monedas’ a partir del 29 de noviembre es una historia paranormal, de esas que ensalzan los objetos de poder inspirados en la parafernalia católica. Para describirla puedo recurrir a otras historias que me han ido viniendo a la cabeza mientras la veía. Hay algo de ‘En el nombre de la rosa’ con sus pesquisas eclesiásticas, algo de ‘El fin de los días’ o de ‘Pactar con el diablo’ con esos diálogos con demonios rodeados de acción, un poco de ‘Blasphemous’ y de ‘Roman Ritual’ con su puesta en escena’, algo también de Carpenter con sus amorfas criaturas y quiero pensar que mucho de ‘Dark Souls’ o de ‘Doom’ con el enfrentamiento tan sangriento y a ciegas contra criaturas del averno. Desde luego que su simbolismo y parafernalia a muchos os va a recordar a ‘Constantine’.

Los monstruos y sus diseños son un valor muy a tener en cuenta. Os van a rememorar a las aberraciones más extrañas surgidas del terror japonés, de la retorcida mente de Stephen King o de un tipo tan acostumbrado a dibujar diablos como Todd McFarlane. Aplaudo el trabajo en los VFX de estudios como Marte VFX o Deluxe Spain.

Influenciada o no la serie va a recordaros buenos y horripilantes momentos vividos en la pantalla. No le falta acción y sobre todo ha permitido que De la Iglesia y Guerricaechevarría desarrollen a sus personajes como nunca y sin traicionar su estilo. Es muy interesante todo el trasfondo que va surgiendo y como los protagonistas intentan digerir la situación. De ahí la correlación Mulder y Scully o Guillermo de Baskerville y Adso en la que lógica y fe se entremezclan.

En todo ese juego de creyentes y escépticos ha jugado un papel muy importante el hecho de que ‘30 monedas’ tenga un casting la mar de acertado. Quizá por su imponente aspecto físico llama más la atención Eduard Fernández como sacerdote de armas tomar. Con Álex de la Iglesia siempre vemos sacerdotes distintos y escenas en tejados. Megan Montaner, Miguel Ángel Silvestre, Macarena Gómez, Pepón Nieto, Javier Bódalo, Jaime Ordóñez, Paco Tous, Carmen Machi… Todos ellos forman parte de un colectivo rústico muy conseguido. Y ya no es que se reflejen bien los intríngulis de un pueblo del siglo XXI, es que es muy divertido verles a todos en papeles que nunca han hecho y sin que a ninguno les falte acción o terror. Y teniendo además todos muy dominado el tema de los idiomas.

Lo bueno es que además la serie traspasa fronteras y para ello están los roles de Manolo Solo, Cosmio Fusco y Francisco Reyes. Con agrado descubriréis que HBO no ha escatimado en medios para esta producción. El mismo opening ya lo augura, es exquisitamente siniestro. La fotografía de Pablo Roso nos da imágenes de alto contraste y un fondo a veces con luces que queman la imagen. La serie huye de lo colorido y convierte a Pedraza, un pueblo de lechazo, cabras y campanario, en un lugar ominoso. Y también pasa por lugares como el Círculo de bellas artes, el Instituto Cervantes, la biblioteca de Patrimonio e incluso creo haber reconocido la de la Universidad de Salamanca poniéndolos a merced de su narrativa.

A si es que os animo a preparar vuestras monedas para comprar estos nuevos cromos de monstruos o para hacer un “instert coin” y jugar a este thriller de acción que tampoco pierde de vista el humor negro de su director. Predisponeos para más y más, que también puedo poneros en conocimiento de que la serie está pensada para tres temporadas, como se desveló en Sitges.

Crítica: ‘Érase una vez…’

Sinopsis

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Antes de que Alicia fuera al País de las Maravillas y que Peter se convirtiera en Pan, los dos personajes eran hermanos. Cuando su hermano mayor sufre un terrible accidente, Peter y Alicia tendrán que elegir entre quedarse en casa y su propia imaginación, lo que creará el escenario de sus legendarios viajes al País de las Maravillas y a Nunca Jamás.

Crítica

Una invitación a volver a las ensoñaciones de la infancia

¿Y si Peter Pan y Alicia hubiesen tenido un pasado en común? ¿Y si hubiesen formado parte de la misma familia? Ese es el what if que nos propone Brenda Chapman en una película que cuenta con actores como Angelina Jolie, David Oyelowo, Michael Caine o Gugu Mbatha Raw. Ellos hacen de soporte para la historia de los auténticos protagonistas: Alicia (Keira Chansa) y Peter (Jordan Nash).

Reconozco que apostaba poco por este pastiche o crossover. Pero ha resultado ser una película entretenida. Sí que es cierto que habría necesitado un guión con más profundidad o un rodaje que consiga impactar más en el espectador. La apuesta consiste en coger cuentos súper manoseados y darles una visión diferente. En ese sentido ‘Hook (El Capitán Garfio)’ fue mucho más efectiva, pero cualquier película comparada con esa obra maestra de Steven Spielberg saldría malparada.

‘Érase una vez…’ es una película de Brenda Chapman, la directora de ‘Brave’ y ‘El príncipe de Egipto’. Es la primera vez que dirige en solitario y se nota que está acostumbrada a poner el foco en la infancia. En esta historia alternativa Peter sigue siendo el niño que solo quiere jugar y que tiene una mente talentosa pero huidiza. Y Alicia tiene atisbos de alucinaciones y huye del clásico adoctrinamiento femenino de la época. La modificación imaginaria del mundo está bien realizada y no abusa de artificios realizados por ordenador.

Es atrevido coger los dos míticos personajes de J M. Barrie y de Lewis Carroll y unirlos de esta manera. Más que consistir en un cuento en el que nos relatan cómo era Peter Pan antes de que fuese el niño de Nunca jamás y qué hacía Alicia antes de ir al País de las maravillas ‘Érase una vez…’ reinventa la manera en que se crearon los personajes y da otra explicación, más terrenal, para sus mitos. Se ha criticado esta mezcla desde la aparición de su tráiler pero a mí no me parece tan alocada, al fin y al cabo ambas historias son muy británicas, comparten que se desarrollan a orillas del Támesis, fueron publicadas casi en el mismo siglo y giran en torno a la misma temática: jugar, huir de lo convencional e imaginar nuevos mundos. Se comentará también el hecho de que les interpreten personas de raza negra, pero sinceramente, eso me es indiferente pues todos hemos sido niños y todos hemos adornado la realidad con nuestros juegos.

‘Érase una vez…’ se las va apañando para ir introduciendo todos y cada uno de los elementos de los cuentos. Algunas veces esa mezcla se antoja original y otras bastante pillada por los pelos, casi improvisada. Se busca la manera de introducir a Campanilla, a Garfio, al Sombrero, a los niños perdidos… Y se establece un vínculo común más allá de haber hecho hermanos a ambos personajes, el reloj. ¿Podría ser el reloj del conejo blanco el mismo que se traga el temido cocodrilo de Garfio?

‘Érase una vez…’ es un cuento dramático en el que los fantasiosos mundos de ambos personajes sirven de refugio. La ruina y la tragedia están muy presentes y la cándida mirada de Peter y Alicia maquilla esos traumas con brochazos de imaginación y algo de enajenación. La idea es mucho mejor de lo que pintaba, la pena es que no está tan brillantemente desarrollada o definida. Esta precuela o versión alterna sirve sobre todo para recordar a los adultos que no hay que olvidar nuestros evasivos sueños, pero le falta hacerlo con un ahínco más eficaz o crudo.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Título original: Come Away. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Brenda Chapman. Guion: Marissa Kate Goodhill. Música: John Debney. Fotografía: Jules O’Loughlin. Reparto principal: Angelina Jolie, David Oyelowo, Michael Caine, Clarke Peters, Gugu Mbatha Raw, Keira Chansa, Jordan Nash, Anna Chancellor, David Gyasi. Producción: Endurance Media, Hammerstone Studios, Lakeview Entertainment, ACE Pictures Entertainment, Creasun Entertainment, Fred Films, Yoruba Saxon Productions. Distribución: DeAPlaneta. Género: fantasía, drama, aventura. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/come_away

Crítica: ‘Resistencia’

Sinopsis

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Todo lo que Marcel Marceau (Jesse Eisenberg) quiere es una vida para el arte. Trabajando en la carnicería de su padre durante el día, el talentoso mimo intenta hacer realidad su sueño en los pequeños escenarios de la ciudad y ganarse el afecto de la políticamente activa Emma (Clémence Poésy, Tenet). Para complacerla, Marcel acepta enrolarse en una misión peligrosa que cambiará el curso de su vida para siempre: intentar salvar a 123 huérfanos judíos del alcance de los nazis alemanes (entre los que se encuentra Bella Ramsay, Juego de tronos). Y, en concreto, del despiadado Obersturmführer de las SS Klaus Barbie (Matthias Schweighöfer, Valkiria). Su objetivo será conseguir llevarlos al otro lado de la frontera con Suiza. Junto a Emma, Marcel se une a la resistencia francesa para confrontar firmemente las atrocidades de la guerra. Su arte será la mejor arma contra los horrores que les rodean.

Crítica

‘Resistencia’ nos descubre al héroe Marcel Marceu

Este viernes, 27 de noviembre, llega a Movistar+ ‘Resistencia’, protagonizada por Jesse Eisenberg y que nos trae la quizás desconocida historia de Marcel Marceu, al menos para mí lo era y ha sido bastante agradable que me muestren este gran detalle de su vida, aparte de ser uno de los mejores mimos de la historia.

La historia comienza el fatídico 9 de noviembre de 1938, en Munich comienza La Noche de los Cristales Rotos, donde un montón de exaltados decidieron destruir y asesinar a infinidad de familias judías, dejando a un centenar de niños huérfanos y en manos de los nazis.

El general Patton, interpretado por Ed Harris, comienza a contar una historia a sus soldados para presentar a Marcel Marceu, y de aquí nos vamos de nuevo a 1938, unos días después de aquella noche donde una de las niñas protagonistas, Elsbeth (Bella Ramsey) llega a Estrasburgo, junto a más huérfanos en busca de una nueva oportunidad de ser feliz.

Allí conocen a Marcel que se convierte en ese saco de píldoras de felicidad que estos niños necesitan. Aunque al principio le pesase, pues el se veía como un actor y no un payaso para hacer feliz a los niños.

‘Resistencia’ quizás no nos aporte mucho en cuanto a todas las película que ya hemos visto sobre esta época. Pero como he dicho al principio, ver a la figura de Marcel Marceu como un libertador, al menos para mí ha sido bastante interesante. Un hombre que pese tener que abandonar su hogar, perder a mucha gente en el camino, incluido su padre que fue deportado a Auswitch. Tuvo la valentía de plantarles cara a los nazis, salvar a un sin fin de niños y aun así , ser capaz de hacer reír a todo el mundo.

Escrita y dirigida por Jonathan Jakubowicz, director de ‘Manos de piedra‘, la película cuenta con un reparto bastante bueno. Destacar a Jesse Eisenberg, que no es santo de mi devoción, pero aquí está bastante bien, puesto que el personaje le ofrece la oportunidad de exaltar sus típicos gestos y poder así dar vida a Marcel. También tenemos a Clémence Poésy (‘Tenet‘), que como siempre, está bastante comedida.

Matthias Shweinghöfer, que hace de Barbie, jefe de la Gestapo, está muy bien en su papel, aparte que se parece bastante físicamente al real. Conocido como el «carnicero de Lyon», logró escapar durante un tiempo hasta que fue detenido en Sudamérica.

Pero sin duda a la que no podemos pasar por alto es a Bella Ramsey, tampoco es que haga un papelón, pero demuestra una ve más que no debemos de quitarle el ojo de encima a esta joven actriz que ya nos sorprendió con su actuación en ‘Juego de Tronos‘.

La manufactura de la película es bastante buena, no han escatimado en detalles y toda la ambientación me parece estupenda. La música suave, nos deja libre el poder adentrarnos en los sonidos de las distintas ciudades asediadas, disparos, alarmas o ese silencio para no ser descubiertos, logran que nos sintamos dentro de la historia.

‘Resistencia’ nos deja una nueva historia de las muchas que desconoceremos sobre la II Guerra Mundial. Héroes anónimos o no tanto que lucharon por salvar miles de vidas y que lograron sacar sonrisas en una época que no era para nada feliz.

 Ficha de la película

Estreno en España: 25 de diciembre de 2020. Título original: Resistance. Duración: 121 min. País: Reino Unido. Dirección: Jonathan Jakubowicz. Guion: Jonathan Jakubowicz. Música: Angelo Milli. Fotografía: Miguel I. Littin-Menz. Reparto principal: Jesse Eisenberg, Clémence Poésy, Matthias Schweighöfer, Bella Ramsay, Edgar Ramírez, Ed Harris. Producción: Pantaleon Films, Vertical Media, Bliss Media, Epicentral Studios, Ingenious Media, Riverstone Pictures, Rocket Science. Distribución: Vértigo Films, Movistar+. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/resistencia/

Encuentro con Juan Carlos Fresnadillo en la Escuela TAI

El director antiguo alumno de la escuela regresa

El director Juan Carlos Fresnadillo, surgido de las primeras generaciones de cineastas de la Escuela TAI, ha desarrollado su carrera en Hollywood incluyendo una nominación a los Oscar por su cortometraje ‘Esposados’ y películas como ‘Intruders’ o ’28 semanas después’.

Desde Hollywood llega a la Escuela Universitaria de Artes TAI el reconocido director de cine que en su día fue alumno destacado de TAI. Ofrecerá un encuentro el próximo martes 24 de noviembre abierto al público y retransmitido en streaming en Youtube en una jornada en la que, además, impartirá una práctica de rodaje con alumnos del Master de Dirección de Cine y Series de TV de TAI.

El autor, candidato al Oscar a Mejor Cortometraje en 1996, es uno de los directores del momento, al encontrarse trabajando en su próximo proyecto, ‘Damsel’: una película de fantasía que prepara para Netflix en la que dirigirá a Millie Bobby Brown, una de las protagonistas de la exitosa serie ‘Stranger Things’.

Juan Carlos Fresnadillo, ganador del Goya a Mejor Dirección Novel en 2001 con ‘Intacto’ y encargado de producciones hollywoodienses como ‘28 semanas después’, compartirá una completa jornada en la que hablará con el público sobre su dilatada experiencia profesional y su trayectoria en Hollywood.

Este encuentro se enmarca dentro del programa de talents de relevancia internacional que TAI viene desarrollando desde hace años con la presencia de figuras como David Lynch, David Fincher, Bong Joon Ho, John Waters, Isabel Coixet, Spike Jonze, Julie Delpy, François Ozon, entre muchos otros.

Encuentro virtual con Ricardo Darín

Hoy en abierto en Youtube

Hoy miércoles, 18 de noviembre, a las 20:00 horas, Ricardo Darín mantendrá un encuentro virtual con los espectadores. Esta iniciativa se enmarca en la colaboración de la Fundación Academia de Cine con el Festival de Huelva. Cine iberoamericano.

La conversación con este icono del cine latinoamericano podrá seguirse en los canales oficiales de YouTube de ambas entidades y por las redes sociales del festival.

Un as en esto de jugar a ser otros y en transitar de un género a otro, el conocido actor, productor y director argentino tiene en ‘Nueve reinas’ y ‘El hijo de la novia’ las historias que le han catapultado. Premio Goya al Mejor Actor Protagonista por ‘Truman’, Darín encabezó el reparto de ‘El secreto de sus ojos’, que se alzó con el Oscar a la Mejor Película Internacional y el Goya a la Mejor Película Iberoamericana, galardón que también han conseguido otros cuatro títulos que ha interpretado: ‘XXY’, ‘Un cuento chino’, ‘Relatos salvajes’ y ‘La odisea de los giles’.

En el encuentro, Darín, desde Argentina, estará acompañado por Manuel H. Martín, director del certamen onubense.

Fotografía de portada Sonia Baños.

Filmin estrena la primera temporada de ‘Parliament’

Lanzamiento el 24 de noviembre

Filmin estrena el próximo martes 24 de noviembre, en exclusiva en España, la primera temporada de ‘Parliament’. Esta es una sátira política sobre los entresijos del Parlamento Europeo, esa institución tremendamente desconocida para la ciudadanía del Viejo Continente. Tras su exitoso paso por el Serielizados Fest, Filmin ofrece a sus suscriptores los diez episodios de 25 minutos que integran esta primera temporada, en la que hay sitio para partidarios del brexit, independentistas catalanes, radicales de extrema derecha suecos y pescadores de tiburones.

‘Parliament’, coproducción entre Bélgica, Francia y Alemania creada por Noé Debré (‘Dheepan’), se estrenó el pasado mes de abril en la plataforma de streaming de France TV, la televisión pública francesa. Fue enorme éxito, pues duplicó los datos de audiencia que la cadena había previsto.

Sinopsis oficial:

Samy es un joven asistente parlamentario francés que empieza en el Parlamento Europeo en el peor momento posible: pocas semanas después del referéndum del Brexit. Con el vértigo propio de un primer día en el curro, Samy deberá hacer frente a los sinsentidos de la política europea actual, embarullada en un exceso de burocracia, encajes de bolillos varios y un cóctel de culturas, ideologías y sensibilidades altamente peligroso. Su vida en el Parlamento no será nada fácil entre novatadas, brexiters, asistentes teutones, políticos incompetentes, un delicado proyecto para salvar tiburones y… ¡hasta el Procés de por medio!

El Certámen Internacional de Cortos Ciudad de Soria está en marcha

Se celebrará hasta el 22 de noviembre

El Certamen Internacional de Cortos Ciudad de Soria en su XXII edición se ha sumado a la larga lista de festivales que ha decidido reinventarse y adaptarse a los tiempos de pandemia para sacar adelante el evento de manera online. En el caso de SOIFF 2020, el festival está siendo 90% modalidad online principalmente en la plataforma FESTHOME -bono de 15 € para ver todas las películas, 3 € para cada sesión de S.O. y 2 € para secciones paralelas-, se estará celebrando hasta el día 22 de noviembre. Además en el canal de Vimeo del Certamen se han programado 63 cortos de confinamiento de 7 países, que pertenecen a la sección paralela Historias de Cuarentena, desarrollada en colaboración con Cuarentena Film Festival; y los videoencuentros y mesas redondas se están compartiendo en Instagram, Facebook y Youtube.

“Sabíamos que no era un año fácil, y que el panorama online está bastante saturado en este momento, pero nuestro festival es ya un referente en el mundo del cortometraje para muchos tipos de público y se diferencia precisamente por la variedad de trabajos que programamos, temáticas, géneros, países… es una selección muy cuidada. Acercar el cine y la cultura a todo el mundo es uno de nuestros objetivos principales y por eso estamos dispuestos a remar en ausencia del viento”, explica el director del festival Javier Muñiz.

Por su parte el Concejal de Juventud del Ayuntamiento de Soria, Eder García Ortega, ha recordado que el consistorio vuelve a apostar por la cultura en tiempos de pandemia, ya que se ha demostrado que es una actividad “segura». Por eso, seguirán apostando para que la ciudad de Soria continúe estando en el mapa de los festivales de cine de cortometrajes a nivel nacional e internacional.

Para consultar los trabajos incluidos en la Sección Oficial consultad este enlace. De igual manera podéis ver que se ha elegido para las Secciones Paralelas como Cine y Educación, Documentando la realidad, En precario, Grupos, Cortos de memoria, El silencio bien cortao, Cine y Gastronomía e Historias de cuarentena.

El Festival de Cine Italiano de Madrid comienza a finales de noviembre

13 edición con formato mixto

El mejor cine italiano regresa a Madrid entre el 26 de noviembre y el 3 de diciembre de la mano del Istituto Italiano di Cultura di Madrid bajo los auspicios de la Embajada de Italia en Madrid. La 13ª edición del Festival de Cine Italiano de Madrid que selecciona los mejores trabajos de ficción y documental realizados en el año en el país transalpino, combinará las proyecciones presenciales, con ciclos online y una sesión especial de autocine. Un formato mixto que mantiene rigurosamente todas las restricciones sanitarias, al mismo tiempo que reafirma su compromiso con la cultura y facilita el acceso de estas producciones, de forma gratuita, a todo el público español. Se puede consultar la programación aquí.

El festival se inaugurará con un concierto especial, abierto a todo el público aficionado, a través de la página web del festival, como tributo al genial compositor italiano Ennio Morricone. Desde la sala grande del Forum Music Village en Roma (un estudio que este maestro de las bandas sonoras fundó y usó durante más de 40 años) se disfrutará de una selección de algunas de sus piezas más representativas con arreglos del maestro Leandro Piccioni, histórico colaborador de Morricone durante dos décadas, que interpretará las obras al piano acompañado por el cuarteto de cuerdas Quartetto Pessoa. Cabe recordar que el recientemente fallecido, ganador del Premio Óscar de la Academia de Hollywood o del Premio Princesa de Asturias entre otros cientos de reconocimientos, cuenta en su haber con partituras tan recordadas como los temas para ‘El bueno, el feo y el malo’, ‘Cinema Paradiso’ o ‘Los Intocables de Eliot Ness’, por citar alguno de sus más de 500 títulos acreditados.

La selección de películas contará con más de una veintena de títulos entre largometrajes, cortometrajes y documentales avalados por grandes citas del séptimo arte a nivel mundial como Cannes, Venecia, Berlín, Toronto, Zúrich o Roma. Los Cines Princesa de Madrid albergarán las proyecciones presenciales que se complementarán con una parte online a través de la web del certamen y con una sesión especial en el autocine Madrid Race con el largometraje ‘Paradise, una nuova vita’ de Davide Del Degan; una cinta donde se sirve del humor para revelar la trágica vida de sus protagonistas.

El certamen acogerá, entre otros títulos que anunciaremos en breve, el estreno en España de ‘Volevo nascondermi’, dirigida por Giorgio Diritti y protagonizada por Elio Germano; en un papel que le valió el premio al Mejor Actor en el pasado Festival de Berlín y que consiguió el premio a la Mejor Película en los Globos de Oro italianos. También se incluye por primera vez en la programación una cinta de animación: ‘Trash’, una película de Francesco Dafano y Luca Della Grotta que en su versión original incluye la voz de la intérprete española Rossy de Palma y que apuesta por el público familiar con la ecología y los deshechos como telón de fondo.

Grandes nombres a los dos lados de la cámara como es el caso de ‘Lasciami andare’ o ‘Guida romantica a posti perduti’. La primera es la última producción del aclamado realizador Stefano Mordini, presentada en la clausura de la última edición del Festival de Venecia y que cuenta con un reparto compuesto por nombres como Stefano Accorsi, Valeria Golino, Maya Sansa, Serena Rossi, Lino Musella y Antonia Truppo. La segunda, dirigida por Giorgia Farina, cuenta con un reparto de excepción encabezado por el nominado al Óscar, Clive Owen; la nominada a un BAFTA, Irène Jacob; y la doble ganadora de un David di Donatello, Jasmine Trinca.

La sección documental, que se disfrutará exclusivamente online en la web del festival, profundizará en algunas de las grandes figuras de la cultura italiana, como es el caso de Alida Valli; seleccionada por Cannes Alida de Mimmo Verdasca muestra un cuadro completo y nunca visto antes de la vida de una joven y hermosísima chica de Pola que se convirtió en poco tiempo en una de las actrices más famosa y amadas del cine italiano e internacional. Por su parte Paolo Conte, ‘Via con me de Giorgio Verdelli’, narra la historia de este icónico cantautor en sus casi cincuenta años de carrera. Otra historia apasionante es la de ‘La prima donna’ de Tony Saccucci, donde se redescubre la figura de Emma Carelli, una diva de la ópera a principios del siglo XX cuya historia, marcada incluso por Benito Mussolini, permaneció en el olvido durante años. Por último, ‘La verità su La Dolce Vita’ de Giuseppe Pedersoli, se adentra en el proceso que hizo posible el rodaje de esta cinta clave en la historia del séptimo arte.

El cortometraje volverá a ocupar un papel protagonista en la programación del certamen con siete trabajos que han recorrido múltiples festivales de todo el mundo, cosechando múltiples galardones que atestiguan la gran salud de este formato en la industria audiovisual italiana; producciones como ‘Inverno’, ‘Stardust’, ‘Solitaire’, ‘Le mosche’, ‘Le fellinette’, ‘Finis terrae’ o ‘Being my mom’ ofrecerán al espectador un amplio espectro de géneros y propuestas conceptualmente impactantes.

Un total de tres secciones a concurso: cortometrajes, documentales y largometrajes con dos jurados españoles que otorgarán el premio al mejor cortometraje y al mejor documental respectivamente, mientras que el público otorgará el premio al mejor largometraje. Un palmarés al que se sumará el 5º Premio Solinas Italia – España.

Premio a Toda una Carrera para Roberto Cicutto

La cita cinematográfica distinguirá en su 13ª edición al presidente de La Biennale de Venecia, Roberto Cicutto, con el Premio a Toda una Carrera. Productor de cerca de medio centenar de títulos donde destacan ‘La leyenda del santo bebedor’ (León de Oro en 1988), ‘’Hotel Rwanda (nominada a tres Premios Óscar en 2005) o ‘Fuocoammare’ (Oso de Oro en 2016). A lo largo de su trayectoria también ha ocupado el cargo de presidente y administrador delegado del Instituto Luce-Cinecittà, así como ha sido miembro de la Academia de Cine Europeo (EFA) y del Centro Experimental de Cinematografía en Italia.

Como cada año, el acceso será totalmente gratuito para todo el público amante del cine italiano. Para las proyecciones presenciales se podrán adquirir las entradas en la propia taquilla de los Cines Princesa en el mismo día de la proyección. Los pases digitales serán accesibles a través de la web del Festival una vez se anuncie la totalidad del programa.

Inicio del rodaje de ‘Centauro’

Próximo estreno de Daniel Calparsoro en Netflix

La sinopsis de ‘Centauro’ nos habla de Rafa, un adicto a las emociones fuertes y a la velocidad, que lucha por convertirse en un piloto profesional de motociclismo, hasta que descubre que la madre de su hijo tiene una deuda con unos narcotraficantes. Para mantener a salvo a su familia, Rafa decide poner su talento como corredor al servicio de la organización criminal. Piloto de circuito de día, temerario kamikaze de noche, Rafa pronto se ve obligado a tomar decisiones que cambiarán su vida para siempre.

Netflix anuncia el inicio de rodaje de ‘Centauro’, un adrenalínico thriller dirigido por Daniel Calparsoro (‘Cien años de perdón’), basado en la película original ‘Burn out’ dirigida por Yann Gozlan, y protagonizado por Àlex Monner (‘Vivir sin permiso’, ‘La próxima piel’), Begoña Vargas (‘Alta Mar’, ‘Malasaña 32’) y Carlos Bardem (‘Pickpockets’, ‘Alacrán enamorado’) , entre otros.

En palabras del director Daniel Calparsoro: “La película será un carrusel de emociones en el que las secuencias de acción, rodadas de una forma espectacular y voraz, se entremezclan con momentos íntimos de los personajes. El guión de ‘Centauro’ te agarra el estómago desde la primera página y no te suelta hasta haberlo terminado. Es una lectura intensa y trepidante que refleja con pasión la adrenalina de vivir al límite. Además afirma que se trata de un thriller de acción con trasfondo romántico donde los personajes sobresalen de forma poderosa y humana. Una historia de gente al límite, que debe recuperar la audacia y el riesgo para seguir adelante”.

El rodaje de este nuevo proyecto comenzó el pasado 26 de octubre, tiene lugar en diferentes localizaciones españolas, repartidas entre Cataluña y Aragón, y en Marsella (Francia), y se extenderá hasta finales de año. Gaël Nouaille y Laurent Baudens son los productores de la cinta y Adrià Monés el productor ejecutivo.

‘Centauro’, producida por Borsalino Productions, cuenta con la colaboración de la Catalunya Film Commission, el Gobierno de Aragón, la Diputación de Teruel y Film Lonelylands y estará disponible próximamente en Netflix.

Crítica: ‘The Mystery of the Pink Flamingo’

Sinopsis

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Rigo Pex es un ingeniero de sonido serio, lógico pero excéntrico que sueña con un extraño fenómeno que lo perturba: The Pink Flamingo. El flamenco, este pájaro rosado, estilizado y andrógino de mirada inquietante, posee un magnetismo increíble. Rigo se siente atraído y disgustado. Intenta ignorarlo, pero es inevitable. Estos pájaros rosas parecen seguirlo a todas partes como señales que llevan a Rigo a una investigación para revelar su misterioso significado. Estudiará su impacto en nuestra sociedad y eventualmente viajará a Estados Unidos para conocer una serie de personajes dispares que refuerzan su personalidad con la figura del pájaro: la sensación de Internet Pink Lady of Hollywood, la gurú de la música Allee Willis, la banda pop Kero Kero Bonito o el cineasta de culto John Waters, entre muchos otros. Rigo será nuestro guía a lo largo de este viaje sobre cómo los iconos pueden ayudarnos a encontrar nuestra propia identidad y eventualmente cambiar nuestras vidas.

Crítica

Se gana con creces el certificado de autenkitschidad

Pulula por España un falso documental llamado ‘Pirámides murcianas’ (crítica aquí) que a través de un viaje intenta desvelar un misterio insólito. ‘The Mystery of the Pink Flamingo’ también trata a cerca de un viaje y la resolución de un enigma. Pero en este caso es un viaje personal y la película a través de una historia que mezcla una identidad ficticia con una real enmascara un documental.

A partir de aquí poned videclips de Meneo, Little Big o similares. El músico Rigo Pex interpreta a un ingeniero de sonido que quiere dar sentido a las grabaciones que hace a todo lo que le rodea, pero sobre todo a la plaga de flamencos rosas. Presentando al palmípedo animal como un icono de la cultura pop, ‘The Mystery of the Pink Flamingo’ se convierte en una exploración de lo kitsch. La voz de Camilo García (habitual de Anthony Hopkins) le da mucho empaque a un documental que tiene bastante simpatía y que se narra de manera lineal, a base de entrevistas y conversaciones a veces oníricas.

Al igual que nos pasó a los lectores de cómics cuando Marvel los convirtió en un producto mainstream y de consumo masivo y casi vacío, el movimiento kitsch es defendido como una corriente que solo es auténtica si se hace sentida, con el corazón y sin afán de forzar su popularidad. Según esta película se entiende como kitsch aquello que marca la diferencia, define o provoca de un modo involuntario, convirtiéndose además en una especie de arte o gusto que no sigue ningún patrón específico.

Está claro que este es un ensalzamiento por parte de los hermanos Polo que dejan claro que todo esto está relacionado con lo pulp, lo hortera, lo descarado, lo pretencioso o lo extravagante. Un exponente de todo esto en nuestro país son Alaska y Mario, que precisamente en su balcón lucen flamencos. La pareja no aparece en la película, pero si Eduardo Casanova, cuya filmografía está teñida de rosa y él explica por qué. ‘The Mystery of the Pink Flamingo’ cuenta con representantes de dentro y fuera de nuestras fronteras. El filme ostenta el lujo de contar con John Waters (‘Pink flamingos’, ‘Hairspray, fiebre de los 60’) y con personas tan peculiares como la reina del rosa Kitten Kay Sera, el grupo Kero Kero Bonito o la compositora y coleccionista Allee Willis (a quien los productores dirigen una dedicatoria).

Este es sin duda un largometraje saturadísimo de color que sabe buscar referentes y argumentos para defender su postura. Os hará ir desde la definición estrictamente biológica hasta puntos muy creativos, pasando por el flamenco más español. Un buen acto de rebeldía contra lo canónicamente establecido como “bonito”.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de noviembre. Título original: The Mystery of the Pink Flamingo. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Javier Polo Gandía. Guion: Javier Polo Gandía, Sixto Xavier García. Música: Santero y los muchachos. Fotografía: Guillermo Polo. Reparto principal: John Waters, Eduardo Casanova, Rigo Pex, Antonyo Marest, Allee Willis, Kero Kero Bonito, Ana Urbiola, Claude Chapelaine, Sarah Schutt, Cindy Dunlow, Patricia Altschul, Brian Antoni, Denis Casali, Kitten Kay Sera. Producción: Los Hermanos Polo, Japonica Films. Distribución: Versus Entertainment. Género: documental. Web oficial: http://versusent.es/pelicula/the-mystery-of-the-pink-flamingo-2/

Crítica: ‘Hil Kanpaiak (Campanadas a muerto)’

Sinopsis

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En el caserío Garizmendi aparecen huesos humanos y los caseros, Fermín y Karmen, llaman a su hijo Néstor, quien decide avisar a la policía. Pero, cuando llegan los agentes, los huesos han desaparecido. Acto seguido, suenan las campanas de la ermita cercana. Esta señal de mal augurio anuncia la llegada de hechos trágicos y reabre viejas heridas en la familia y personas cercanas, en especial la de la muerte de Aitor, hermano gemelo de Néstor. Ahora, como entonces, Karmen culpa de todo a su cuñado Estanis y trata de convencer a Néstor de que ellos serán los próximos y deben hacer algo.

Crítica

Transmite un dolor que es como una brasa, que no prende pero quema

La novela ’33 ezkil (33 campanas)’ de Miren Gorrotxategi cobra vida. Imanol Rayo es el director que la ha adaptado junto a Joanes Urkixo (‘Lasa y Zabala’, ‘Goomer’) y vuelve con un largometraje tras estrenar en 2011 ‘Dos hermanos’. Y precisamente de hermanos (y mucho más) trata ‘Hil Kanpaiak’.

La película está rodada en euskera y precisamente el primer actor en ganar un Goya hablando en esa lengua con ‘Handia’ es el protagonista de esta cinta. Eneko Sagardoy (y su gemelo) encabezan el reparto, con el permiso de Itziar Ituño que con una actuación soberbia acapara buena parte de la atención.

Sagardoy es el protagonista ya que es un potente eje para una historia que transcurre entre diferentes épocas. ‘Hil Kanpaiak’ es un título de suspense que se separa de los convencionales con una narrativa un tanto distinta y no por eso confusa. La historia está muy bien hilvanada y crea mucho misterio. Trata sobre unos huesos que aparecen poco antes de que aquel que los ha descubierto aparezca también muerto en la ermita cercana. Pero para más enigma los huesos desaparecen a las pocas horas. Sagardoy es el hijo del fallecido y tanto él como su madre se quedan solos en el caserío con el peso de las dudas y las pesquisas.

‘Hil Kanpaiak’ es un título de investigaciones, policiales y familiares. Está cargado de rencillas, rencores, despechos, cobardías, decisiones erradas… y dolor, mucho dolor. Pero al final todo puede resumirse en un solo sentimiento, que detectaréis cuando se os resuelva el enigma. El daño que han sufrido los protagonistas, casi todos, es como una brasa, que no prende pero que igualmente quema. Tienen latente una pena y una congoja que no acaba de desaparecer y les ha carcomido.

Para llegar transmitirnos como espectadores ese sinvivir y esa amargura no solo nos han dispuesto a un buen reparto, también se hace uso de muchos planos cerrados y vistas en detalle. Con esa fotografía llegamos a un ambiente frío, en el que parece que nosotros tampoco queremos mirar a al rostro de quien tenemos delante y cuando nos obligan a hacerlo es frente a frente, dándolo todo. Me han gustado particularmente los planos de los entierros. Además nos acompañan secuencias que se van tensando cada vez más, sobre todo cuando suena un coro de coces in crescendo.

Las campanas redoblan mucho en este thriller de ambiente frío, de tristes imágenes y de sonidos tan melancólicos como la música de Xabier Lete. Y todo esto a pesar de lucir verdes campos y una aparentemente apacible vida campestre. Pero bajo la tierra se encuentran secretos que se van desvelando adecuadamente para darnos un final que sorprende y cuadra.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de noviembre. Título original: Hil Kanpaiak. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Imanol Rayo. Guion: Joanes Urkixo. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Javier Aguirre Eauso. Reparto principal: Itziar Ituño, Enejko Sagardoy, Yon González, Asier Hernández, Iñigo Aranburu, Dorleta Urretabizkaia, Josean Bengoetxea, Kandido Uranga, Patricia López Arnaiz, Andrés Gertrudix, Itsaso Arana, Ander Sagardoy. Producción: Abra Prod. Distribución: Barton Films. Género: thriller. Web oficial: http://abraprod.com/producciones/campanadas-a-muerto/

Crítica: ‘Historias lamentables’

Sinopsis

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Ramón, un joven apocado a punto de heredar el imperio levantado por su riguroso y hermético padre; Bermejo, un veraneante metódico enfermizo del orden y enemigo de la improvisación; Ayoub, un africano sin papeles que persigue su sueño acompañado por una mujer insoportable que parece haberlos perdido todos y Alipio, un pequeño empresario sumido en el pozo de la ludopatía y la desesperación, protagonizan esta comedia, muy de Fesser, formada por cuatro historias de humor interconectadas que nos llevan a la conclusión de que nada es tan divertido como la desgracia ajena y que cuanto peor lo pasen los protagonistas mejor lo pasará el espectador.

Crítica

De los campeones a los conformados

Javier Fesser vuelve por los derroteros de lo absurdo. Tras conseguir un éxito sonadísimo y merecido con ‘Campeones’ aterriza de nuevo de la mano de Universal Pictures con ‘Historias Lamentables’. Pero no es una llegada a cines, no de primeras, porque en un atípico movimiento ser estrenará primero en Amazon Prime Video.

Tampoco suelen ser típicas o convencionales las comedias de Fesser. Sin necesidad de ser extravagante consigue alcanzar un humor histriónico, estrafalario y contrariamente campechano. En esta ocasión se alía de nuevo con Claro García, con quien ya había trabajado en ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’. Juntos nos cuentan una concatenación de historias que efectivamente son lamentables, por la tristeza que esconden y por sus patéticos personajes. Una tristeza que no es del tipo ‘Camino’ pero que si hará que aflore en vosotros la compasión y descubráis a un Fesser más crítico de lo habitual.

Rayito, el hombre de la playa, el cumpleaños de Ayoub y la excusa. Esos son los títulos de los episodios de esta película que bien podría emitirse por partes, quizá por eso ha recaído en el regazo de Amazon. El tono es cómico pero hay momentos de auténtica lástima o pena. La historia de Chani Martín es la más hilarante y me reafirma en mi opinión de este actor como una bomba por explotar. Lastima que ‘Historias lamentables’ no siga esos derroteros y esa cadencia cómica, hay momentos en los que se repite un poco y no consigue acertar con los gags. Sin embargo nos lleva del ancla al azadón a ritmo de música electrónica, timbales y desventuras sin aburrirnos un instante.

Como decía Fesser regresa un poco a las historias alocadas e intentando tocar nuestra humanidad. Las cuatro narraciones tienen en común que se componen de personajes resignados a las normas o patrones sociales, que dan penica (así, con acento maño) pero también de muchísimo jeta, como se suele decir para referirnos a los aprovechados. No sé qué tiene el director madrileño que siempre consigue una cercanía muy tierna e imprime a sus películas un sabor honesto. Puede que sea a través de los componentes que introduce que consiga que sintamos más proximidad con sus películas. Casi siempre inunda sus escenas con elementos de los años 60 u 70: los coches, el vestuario, las cámaras, el color la música…

En ‘Historias lamentables’ también se mantienen algunos actores que han trabajado previamente con Fesser. Janfri Topera, Sergio Olmo, Gloria Ramos, Alberto Nieto e incluso vuelve a hacer un cameo Itziar Castro.

No puedo evitar pensar siempre en los personajes de Fesser como en unos dibujos animados llevados a la realidad. Los efectos especiales que incorpora siempre, sus primeros planos tan caricaturescos y sus momentos tan disparatados parecen puro cartoon. Es un director que al igual que Quentin Dupieux consigue siempre hacerme sonreír con tramas que parten de lo insulso y acaban desembocadas de manera jaleosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de noviembre de 2020 (Amazon). 11 de junio de 2021 (cines). Título original: Historias lamentables. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Javier Fesser. Guion: Javier Fesser, Claro García. Música: Rafael Arnau. Fotografía: Álex Catalán. Reparto principal: Chani Martín, Laura Gómez-Lacueva, Matías Janick, Alberto Castrillo-Ferrer, Pol López, Fernando San Segundo. Producción: Morena Films, Películas Pendelton. Distribución: Amazon Prime Video. Género: comedia. Web oficial: https://morenafilms.com/portfolio/historias-lamentables/?portfolioCats=79

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