Crítica: ‘Sangre en los labios’

En qué plataforma ver Sangre en los labios

Sinopsis

Clic para mostrar

De la mano de la directora Rose Glass llega una nueva y electrizante historia de amor: Lou, el solitario director de un gimnasio, se enamora de Jackie, una ambiciosa culturista que se dirige a Las Vegas en busca de su sueño. Pero su amor enciende la violencia, arrastrándolos profundamente en la red de la familia criminal de Lou.

Crítica

Katy O’Brian se postula sin querer para Hulka en una película con momentos tan fuertes como ella

Kristen Stewart y Katy O’Brian protagonizan ‘Sangre en los labios’, el segundo largometraje de Rose Glass. Tras ‘Saint Maud’ da el salto a la américa profunda, esa de la NRA, el pelo mullet y los esteroides. Allí se conocen dos mujeres que rápidamente se atraen la una a la otra. Suplen necesidades o carencias que les faltan mutuamente, sin tener en cuenta los pormenores, consecuencias o repercusiones que tiene la relación que acaban de empezar. ‘Sangre en los labios’ ha sido comparada por algunos de sus detalles con ‘San Junipero’ de Black Mirror. Puedo comprar que son dos personalidades a priori incompatibles que hacen match contra too pronóstico y hacen lo que sea por estar juntas, pero yo compararía esta película con ‘Monster’, de Patty Jenkins, pues también tiene su camino hacia la violencia y venganza, el tema de la violencia de género o una relación destructiva.

Indignará a puritanos y a quienes aún con mentalidad caduca no sepan ver que lo que hace aquí la directora Ross Glass es lo que se ha hecho toda la vida en el cine que mezcla suspense, criminales y romances fatales pero poniendo sobre la mesa personajes de géneros más tolerados por los productores de la vieja escuela. Aquí llega A24 para dar otro paso más en pro de la diversidad y la originalidad. Sin que me haya vuelto loco hay que reconocer que hay originalidad en cuanto a la temática LGBT, el ejercicio e intencionalidad no dista mucho de películas como ‘Brokeback mountain’. Sin embargo su guión es más sencillo y sintetizable. La que plantea ‘Sangre en los labios’ es la habitual historia de personaje que sin verlo venir se sumerge en un mundo de conflictos y secretos. Y es normal que no lo vea venir pues ni siquiera los espectadores tienen muchas pistas. Rose Glass plantea una estructura similar a la de ‘Saint Maud’, sin lograr su sacar brillo a su capacidad de inquietar. Nos presenta personajes que parecen martirizados y nos ofrece flashes que nos dan pistas evidentes de qué los ha llevado hasta el presente del filme. Pero sobre todo es cuando nos ofrece momentos fantásticos que exteriorizan la psique de los personajes cuando se parece a su película debut. Para mi es de lo mejor del filme. Lástima que con todo y con eso falte impactar más con su discurso.

Porque de lo que trata al fin y al cabo ‘Sangre en los labios’ es de las relaciones tóxicas, de todo tipo. Entre padres e hijas, con maridos maltratadores, entre parejas que se guardan secretos, entre aquellos que son cómplices silenciosos, entre autoridades y confidentes… Todo gira en torno a secretos y heridas. El título original era mucho más revelador ya que traducido literalmente significa algo así cono “las mentiras de amor hacen sangre” o “el amor sangra”. Toda la película es un alegato de desamor hacia el propio amor al que le falta desbocarse o confiar más en su potencial.

Evidentemente hay también espacio para hablar del rechazo a la comunidad LGBT y la negación de la violencia de género, algo aún más presente en los 80. Probablemente sea por eso que ‘Sangre en los labios’ ensalza la figura de las mujeres de un modo inusual y provocador, consiguiendo momentos de una belleza salvaje. No me refiero a los instantes de violencia y sangre, que he disfrutado puntualmente, sino a cómo Katy O’Brian se luce en pantalla, en el gimnasio y sobre el escenario, pero sobre todo postulándose sin querer a la Hulka que habría necesitado Disney. Aunque esta película sea un paso atrás para la directora por lo menos hay que reconocerle ese descubrimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: Love Lies Bleeding. Duración: 104 min. País: Reino Unido, Estados Unidos. Dirección: Rose Glass. Guion: R. Glass, Weronika Tofilska. Música: Clint Mansell. Fotografía: Ben Fordesman. Reparto principal: Kristen Stewart, Katy O’Brian, Ed Harris, Dave Franco, Jena Malone, Anne Baryshnikov, Orion Carrington. Producción: A24, Film4, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribución: Filmin. Género: drama. Web oficial: https://www.instagram.com/loveliesbleedingmovie/

Arranca el crowdfunding para financiar el rodaje de ‘DUMA’

Dirigido por Beatriz Mbula, e interpretado por Astrid Jones es un drama social de la violencia de género

La productora Hanoi Producciones inicia una campaña de crowdfunding con el objetivo de obtener financiación para los últimos procesos de producción y postproducción orientados el rodaje de ‘DUMA’, un cortometraje de temática social que habla del drama de la violencia de género.

Un proyecto comprometido, dirigido por Beatriz Mbula, codirigido por Jose Haro y escrito por Beatriz Mbula, Helena M. Cabrera y Russo Nnandong.

Este cortometraje se rueda íntegramente en Madrid con Astrid Jones y Gorsy Edú como actores principales.

Si quieres participar en el crowdfunding para llevar a cabo este proyecto puedes visitar este link: http://www.platinocrowdfunding.com/duma-cortometraje/4122

Sinopsis oficial:

Duma es una profesora de origen africano en un colegio elitista de Madrid. Daniela es una niña de 9 años, alumna del mismo colegio, a la que sus padres no han ido a recoger a la salida de clase. Tras intentar localizar a sus padres, Duma decide llevar a Daniela a su casa mientras espera a que vayan a recogerla. La niña se muestra prejuiciosa hacia una cultura que desconoce, al principio con rechazo, pero poco a poco con curiosidad, hasta que se ve sorprendida por una esencia familiar de amor de la cual parece carecer. Al caer la noche, al fin tendremos noticias de los padres de Daniela.

‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’, con Carmen Machi, Antonio de la Torre

Clara Bilbao ha reunido un grandísimo reparto en su debut

La comedia negra ‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’ llegará a cines el próximo 15 de marzo distribuida por Filmax. En este debut de Clara Bilbao podremos encontrarnos con un dúo protagónico compuesto por Carmen Machi y Antonio de la Torre.

Además de esos dos grandes actores del cine español también hay una lista apabullante para completar el reparto. Luis Tosar, Isak Férriz, Oscar Ladoire, Julián Villagran, Diego Anido, Cris Iglesias, Camilo Rodríguez, Oleg Kricunova, Ayax Pedrosa, Gonzalo De Castro, Iván Marcos, Nicolas Grandhomme, Felipe Pirazán o Juan Luis Cano, entre otros.

El guión de Miguel Barros busca con acidez adaptar la novela francesa titulada ‘On est toujours trop bon avec les femmes (Siempre somos demasiado buenos con las mujeres), de Raymond Queneau, aún editado en España por la editorial Seix Barral. Dado el título y el tono que sabemos que tendrá el filme podemos intuir que se tratará con sátira y desenfado algún que otro tema comprometido.

‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’ está coproducida entre empresa de Francia y España. Están involucradas Ficcion Producciones, Noodles Production, Xunta de Galicia, TVG, RTVE y Prime Video, por lo que podemos saber también que tras su paso por cines estará e la plataforma de Amazon.

Sinopsis oficial:

Remedios Buendía defiende su patria y luchará por ello por encima de todos. Este fatídico día del otoño del 45, un grupo de maquis a la fuga ha tenido la mala idea de tomar la estafeta donde Remedios, ilusionada, se prueba su vestido de novia. Hoy será el día en el que Remedios demostrará hasta donde puede llegar defendiendo sus valores. Y nadie podrá pararla. Ni siquiera este batallón de rebeldes con fusiles humeantes y puños en alto.

Crítica: ‘Los chicos’

En qué plataforma ver Los chicos

Sinopsis

Clic para mostrar

En el cortometraje, un grupo de jóvenes de entre 18 y 20 años se reúne en una casa para celebrar el cumpleaños de Javi (Gabriel Sánchez), un chico tímido e introvertido. Para celebrar la mayoría de edad de Jabato, sus amigos deciden contratar los servicios de Sara (Catalina Sopelana), una joven prostituta que irrumpe inesperadamente en la fiesta. Aunque inicialmente se muestra nervioso, Javi acepta el regalo de buen grado. Es su primera vez, pero sabe lo que tiene que hacer con ella porque lo ha visto en muchos vídeos. Y sus amigos también.

Crítica

Un cortometraje que muestra la realidad de muchos jóvenes

El cortometraje dirigido por Jaime Dezcallar llega a COSMO este 25 de noviembre a las 22:00. Con motivo de su firme compromiso contra la violencia de género, COSMO, continuará con el evento ‘5 cortos para el 25N’, una emisión especial sin cortes de una selección de cortometrajes del canal contra la violencia machista.

En ‘Los chicos’ nos encontramos en la fiesta de cumpleaños de un chaval que alcanza la mayoría de edad. Y su hermano y sus amigos deciden regalarle los servicios de Sara, una joven prostituta. Nervioso, Javi sabe perfectamente lo que tiene que hacer pese a su nula experiencia, pues lo ha visto todo en muchos vídeos. Y sus amigos esperan ansiosos a que termine para ser los siguientes.

El corto es muy natural, tanto que pone los pelos de punta y a la vez da bastante pena. Chavales que no quieren esperar y quieren todo rápido, hasta el sexo. Pagarlo al final es fácil y no tienen la necesidad ni siquiera de hablar con nadie, una simple transacción.

En la fiesta, vemos a uno de los chicos indignado, comentando que se lo tenían que haber avisado, que en el fondo se quiere marchar, pero los amigos le instan a que se quede, que no haga el tonto, que solo es para pasárselo bien.

Además, no se muestra, pero hay una situación algo violenta, pues como decimos, estos chicos han aprendido todo en pornografía. Entre todos piden perdón a la joven y la animan para que siga con ellos.

Jaime Dezcallar logra mantenernos incómodos durante los 19 minutos que dura aproximadamente ‘Los Chicos’. El diálogo tan sencillo y las actuaciones de los chavales son un punto clave en este cortometraje. Gabriel Sánchez, Pablo Riguero, Enzo Oliver, Miguel Fernández, Enrico Barbaro Jr., Nicolás de Freitas, son los encargados de dar vida a estos chicos que solo quieren divertirse.

Catalina Sopelana es la otra protagonista de la cinta, la cual está estupenda y nos muestra la cara B de estas fiestas que para unos es divertida, pero para otros no tanto.

Así que ya sabéis, este 25 de noviembre podréis verlo en COSMO, cuando se celebra en todo el mundo el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de noviembre de 2023. Título original: Los chicos. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Jaime Dezcallar. Guion: Jaime Dezcallar . Música: Bernarda y Yung Prado. Reparto principal: Gabriel Sánchez, Pablo Riguero, Enzo Oliver, Miguel Fernández, Enrico Barbaro Jr., Nicolás de Freitas y Catalina Sopelana. Producción: Distribución: COSMO y La Costa. Género: Drama. Web oficial: https://www.canalcosmo.es/compromiso-social/violencia-de-genero/cortometrajes/los-chicos

 

Netflix anuncia el drama ‘Ni una más’

Sobre el desamparo y soledad de las víctimas de agresiones sexuales

Netflix ha anunciado hoy su nuevo proyecto, ‘Ni una más’, un drama adolescente basado en la novela de Miguel Sáez Carral, protagonizada por Nicole Wallace (Alma) y Clara Galle (Greta) y producida por DLO Producciones para Netflix.

Con la premisa de Alma, la protagonista de ‘Ni una más’, “Cuidado. Ahí dentro se esconde un violador”, comienza este relato estremecedor que muestra el desamparo y la soledad que sufren las víctimas de agresiones sexuales.

En palabras de su creador Miguel Sáez Carral, afirma: “Ni una más es un retrato de la generación Z y su relación con el mundo adulto, la pornografía, las redes sociales, las drogas y los abusos sexuales en los tiempos de la revolución feminista y el #MeToo. Habla de encontrar tu camino en la vida, de aprender lo que significa la libertad, la amistad y el amor, de averiguar a dónde te pueden llevar tus deseos. Es una serie protagonizada por adolescentes, pero no es una serie “solo” para adolescentes”.

“Ni una más es un drama que se desarrolla como un thriller desde la primera secuencia. Tiene una tensión interna que recorre y sostiene el relato”.

“He pasado los últimos cinco años de mi vida muy enfadado con mi hija. Un día me di cuenta de que no podía seguir así. Esta historia nació de esa necesidad de transformar la dinámica de nuestra relación. Yo necesitaba recuperar a mi hija. Y me di cuenta de que para hacerlo el primer paso debía ser meterme bajo su piel. Así nació Alma”.

Sinopsis oficial:

Unos días antes de la semana de exámenes finales de segundo de bachillerato, Alma, una adolescente de 17 años, conflictiva, mala estudiante y con baja autoestima, extiende frente a la fachada de su instituto una tela blanca donde la noche anterior ha escrito en grandes letras de color rojo: “Cuidado. Ahí dentro se esconde un violador”.

Alumnos y profesores se agolpan en las cristaleras de aulas y pasillos. Cientos de móviles graban la escena. Un murmullo se extiende de boca en boca. Nadie la cree. Todos piensan que está mintiendo. En el exterior del instituto Alma alza la barbilla en una actitud desafiante. Su mirada es retadora. Espera que nadie se dé cuenta de que está temblando.

¿Cómo y cuándo ha sucedido esa agresión sexual? ¿Quién es ese violador? ¿Quién es la víctima? ¿Es verdad lo que denuncia Alma o es mentira? Para averiguar las respuestas a estas preguntas hay que viajar cinco meses atrás en el tiempo. Ahí es donde comienza esta historia.

Crítica: ‘Men’

Sinopsis

Clic para mostrar

Tras sufrir una tragedia personal, Harper (Jessie Buckley) se retira sola a la hermosa campiña inglesa, con la esperanza de haber encontrado el lugar ideal para curarse. Pero algo o alguien parece estar acechándola. Lo que comienza como un pavor latente terminará convirtiéndose en una auténtica pesadilla, habitada por sus recuerdos y miedos más oscuros.

Crítica

Garland vuelve al terror y realiza su filme más comprometido

Avalada por A24, como su primera película dirigida (Ex_Machina), Alex Garland retorna al terror. Recordemos que era el guionista de ’28 días después’ y tras haber brillado en la ciencia ficción con otro filme (‘Aniquilación’) y una serie (‘Devs’) vuelve al terror, pero de un modo diferente al de su película de infectados que corren. Los textos de Garland se han vuelto extremadamente intelectuales, siempre es críptico pero descifrable, eso no ha dejado de ser así en esta reflexiva vuelta que lo que si mantiene es un marcadísimo acento británico. Dado que esta obra se fundamenta en un profundo drama y no se basa en sustos fáciles, sino en una atmósfera agobiante y un ambiente desconcertante, podemos enmarcarla dentro del llamado “elevated horror”. No obstante, también tiene su momento persecución “tipo slasher”, sus instantes gore y algún que otro elemento tecnológico que falla.

Me encantan los filmes que te hacen pensar, que plantean debate y que además lo hacen de un modo diferente al convencional. Con las primeras escenas (y el título) de ‘Men’ ya sabes de qué va el tema, además de dejarte bastante descolocado. Violencia de género, chantaje emocional, masculinidad tóxica, micromachismos… Toca absolutamente todo eso. Pero lo interesante es que se nos muestra la visión y calvario de una mujer (Jessie Buckley) en una situación específica, que es la de muchas otras, pero no la de todas. Podría parecer que esta película estigmatiza a todos los hombres, pero realmente mi opinión es que intenta mostrar la manera en cómo se altera la percepción de una persona hacia el género que le ha maltratado o que le ha tenido en una relación destructiva. Y además de eso pretende mostrar el cómo la sociedad desprotege sistémicamente hasta el punto de volver las tornas e incluso inculcar un injusto y alarmante sentimiento de culpa.

El diente de león tiene propiedades depurativas o desintoxicantes, quizá es por eso que aparece tanto en el filme. También puede deberse a la capacidad reproductiva de esa planta, que hace que salgan todos iguales. Tal vez os parece una explicación enrevesada pero el director londinense suele ser así de detallista, rebuscado o minucioso. Si os fijáis bien en el cartel veréis que esconde una calavera y una piel de serpiente. Y es que Garland utiliza su propio lenguaje para indicarnos como generación tras generación o como independientemente del lugar o profesión, hay una naturaleza en algunos hombres que no cambia. Aun así, tira del simbolismo católico y pagano, más que por cimentar el filme en elementos de la fe, por indicar cuál es el germen o la influencia de los comportamientos a cambiar. Esto se ve expuesto por todos y cada uno de los personajes que encarna Rory Kinnear en otra magistral muestra de talento interpretativo. Hay veces que ‘Men’ es tan visualmente turbadora que parece un episodio de multiversos de ‘Rick y Morty’ o a una escena de ‘Cómo ser John Malkovich’, pero en esa rareza radica la llamada de atención de la película.

Si ves que una mujer da alertas de tener un problema de violencia de género, si ves que una mujer tuerce el gesto cuando haces un cumplido fruto de un tópico anticuado, si ves que el sistema falla a la hora de poner a distancia a un individuo peligroso… Si ves todo eso y no haces nada estarás demostrando que todos somos iguales. Para mí eso es ‘Men’. Garland abandona el existencialismo para subirse al carro del feminismo. Funciona igualmente con este largometraje sobre el terror emocional y de hecho esta es su película más comprometida. Es tan extraña, turbadora y agobiante como ‘madre!’.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de julio de 2022. Título original: Men. Duración: 100 min. País: EE. UU. Dirección: Alex Garland. Guion: Alex Garland. Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Jessie Buckley, Rory Kinnear, Paapa Essiedu, Gayle Rankin, Zak Rothera-Oxley, Sonoya Mizuno. Producción: DNA Films. Distribución: Vértice Cine. Género: terror. Web oficial: https://a24films.com/films/men

 

Crítica de ‘Rapa’

El hombre de a pie enfrentándose al thriller novelesco

Movistar Plus+ nos trae ‘Rapa’, una serie de seis episodios de cincuenta minutos cada uno que bien podría continuar más allá de esta primera temporada. El estreno de este nuevo thriller tendrá lugar el 19 de mayo y nos llevará a las cercanías de A Coruña, los parajes y zonas rurales de Cedeira y las calles de Ferrorl.

En ‘Rapa’ una mujer aparece herida de muerte en el monte y es encontrada por un hombre que pasa por allí caminando. La cosa se complica ya que parece que ha sido una agresión y también al descubrir que la víctima es la alcaldesa de la localidad cercana, que lleva más de treinta años en el cargo. Pronto empiezan las conspiraciones políticas, las intrigas familiares, las habladurías de pueblo y las sospechas razonables.

De político, a clérigo, a eminente médico. Javier Cámara últimamente ha interpretado a personajes a los que se les presume mucho renombre, pero ahora se mete en la piel de una persona la mar de sencilla y anodina, eso sí, inteligente como tantos otros personajes que ha encarnado. Aquí es un profesor de instituto que se incorpora como un ingrediente más al misterio no solo por el hecho de haber encontrado a la alcaldesa, también por tener un extraño comportamiento y una curiosidad por lo que ha pasado digna de un metomentodo.

La otra trama sigue a una guardia civil interpretada por Mónica López. Una mujer que habita el municipio de la alcaldesa y a la que se le asigna el caso. Una persona que como el personaje de Cámara ve Galicia con ojos de forastera, con la diferencia de que ya lleva años residiendo allí. Es una agente eficiente, con familia, cuyo principal dilema aparece a mitad de la serie.

Está muy bien trabajada la relación de simbiosis que se establece. Ambos protagonistas se benefician el uno del otro y dentro de la misma situación cada uno encuentra algo con lo que aferrarse a la vida. Pero aún así deben marcar ciertos límites, rozando el romance. ‘Rapa’ es una cruzada vital por encontrar la verdad que viene firmada por Pepe Coira y Fran Araújo, responsables de ‘Hierro’. Entra muy fácil y con mucho gancho esta historia ambientada en la España tradicional deteriorada por las influencias y los oportunistas, en la Galicia que no acaba de cicatrizar las heridas de la droga. La serie tiene un carácter novelesco al introducir en las investigaciones de un crimen a personas mundanales. Individuos en el brete y a la vez la emoción de tener la mayor aventura de su vida.

Entremedias o más bien entremezclado con las pesquisas por resolver el asesinato, hay una lucha por no perder ciertas tradiciones, ciertas raíces. Y es que el nombre de la serie alude a la Rapa das bestas, que es un festejo que consiste en cortar el pelaje de los caballos para, entre otras cosas, desparasitarlos. Al final la serie se convierte en eso, en una lucha por eliminar a los parásitos que se ocultan entre el pelaje de nuestra sociedad. Cada miembro del elenco tiene su sentido de la justicia y su visión de cómo hay que purgar a ese tipo de personas que son dañinas para el resto.

Hay una elipsis de tiempo entre el tercer y el cuarto episodio que le viene muy bien a la serie, sobre todo para darle aire y perspectiva a los dos personajes protagonistas y a alguno más que no conviene mencionar pues desde muy temprano sabemos quién está en el ajo. La pena es que como espectadores sabemos desde el segundo episodio quién es la persona culpable e incluso los motivos para hacer lo que hace. Lo bueno es que hay pormenores enriquecedores por descubrir que si nos hacen ver el resto de episodios, que nos animan a descubrir cómo se conectan todas las piezas.

‘Rapa’ es una serie donde visualmente predomina el blanco. La luz de la puesta en escena parece poblada de niebla, de una claridad cegadora. Lo cual nos viene a decir que a plena luz del día se esconden multitud de misterios que hay que esperar a que se clarifiquen o enfoquen como quien aguarda a que se despeje la bruma. Muchos parece que mienten, muchos parecen tener un móvil para atentar contra la alcaldesa. Cedeira es un pueblo pequeño y la serie juega con lo fácil que es que las piezas del tablero estén interrelacionadas ente si y en secreto.

Esta podría ser una serie protesta, en contra de la destrucción de nuestra naturaleza y abogando por escuchar a nuestros intelectuales. Una de las protagonistas va al cine a ver ‘Mientras dure la guerra’ y por ahí se ven banderas de cuando se entonaba el “nunca mais”. Pero más allá de lo que podamos vislumbrar o leer entrelíneas se percibe que la intención es la de crear un sabor a novela policíaca. Y aunque se ubican bien todas las piezas del puzle parece que hay intención de realizar una segunda temporada o bien nos han querido dejar con un final abierto agridulce y, por ende, cercano a lo que es muchas veces la realidad. Espero que si tenemos más episodios se siga poniendo el foco en que son personajes mundanos con más preocupaciones que el hecho de resolver un crimen y no progrese la trama que parece que nos va a meter el siempre inexplicablemente obligatorio romance.

Crítica: ‘La maniobra de la tortuga’

En qué plataforma ver La maniobra de la tortuga

Sinopsis

Clic para mostrar

El inspector Manuel Bianquetti se ve forzado a aceptar un traslado a la comisaría de Cádiz. Su tranquilidad inicial se verá rota por el hallazgo del cadáver de una joven que le recordará un pasado que le atormenta. Pese a la oposición de sus superiores, Bianquetti emprenderá una cruzada solitaria para atrapar al culpable, siguiendo unas evidencias que podrían ser fruto de su imaginación. Su vecina, una frágil enfermera acosada por su expareja, parece ser la única persona que está de su lado.

Crítica

Clama por una mejora de la sociedad y el sistema a la hora de proteger y de prevenir

La de ‘La maniobra de la tortuga’ es una historia criminal y policíaca que explora muy bien a sus dos protagonistas principales, interpretados por Natalia de Molina y Fred Tatien. Salida de la novela de Benito Olmo nos narra la vida de una enfermera que vive y trabaja en Cádiz. Poco a poco vemos como ella tiene un temor arraigado en su interior y cómo va creciendo y apoderándose de su vida. Por otro lado está el arco argumental de su vecino. Un policía francés trasladado obligadamente a la ciudad andaluza tras un error y una serie de comportamientos que también se van desgranando correcta y paulatinamente.

En ‘La maniobra de la tortuga’ sale el justiciero que muchos deberíamos llevar dentro. Se ha producido un crimen atroz, de esos que ocupan dos o tres minutos en los telediarios, y un policía de esos que hace y deshace como le viene en gana, se pone a indagar. Pronto descubrimos una trama de encubrimientos, mafias y corruptelas, pero lo que importa es lo que hay de fondo y lo que acaba saliendo a relucir.

Parece que la relación entre los dos protagonistas es solo la de ser vecinos y se ayudan mutuamente de un modo que me han recordado al del ‘Punisher’ de Jonathan Hensleigh. Pero más allá de la acción, las heridas o los cruces en el rellano está un discurso que convierte a la película en un arma protesta. ‘La maniobra de la tortuga’ clama por una mejora de la sociedad y del sistema a la hora de proteger y de prevenir. Explora las distintas dimensiones de la violencia de género de un modo que sobra decir que es necesario, aunque en pleno siglo XXI debería ser innecesario.

Esta es la segunda película del director Juan Miguel del Castillo que repite de nuevo con Natalia de Molina. Demuestra que lo de ‘Techo y comida’ no fue casual. Y lo hace ambientando la historia en su tierra. ‘La maniobra de la tortuga’ es cine negro, novelesco. Nos indica que un lugar tan blanco y brillante como Cádiz puede servir de escenario para la historia más funesta. No voy a decir que el emplazamiento es un personaje más pues no me lo parece y es una expresión de lo más manida. La idea, pienso yo, de usar Cádiz como marco para esta historia, es mostrar que en el lugar más alejado, arrinconado y luminoso también puede suceder la tragedia, también te pueden atrapar tus miedos. Quizá por eso experimentamos ese chocante final que nos deja en vilo. Un final que se produce sin sonido, sin música, haciendo una llamada para acabar con esas situaciones que casi siempre se producen por los silencios cómplices.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo de 2022. Título original: La maniobra de la tortuga. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Juan Miguel del Castillo. Guion: Juan Miguel del Castillo, José Rodríguez. Música: Xavier Font. Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: Natalia de Molina, Fred Tatien, Mona Martínez, Ignacio Mateos, Gerardo de Pablos, Luisa Vides, Miguel Diosdado, Dariam Coco, Carlos Manuel Díaz, Joaquín Perles, Pablo Béjar, Nicolás Montoya. Producción: Áralan Films, A Contracorriente Films, Aleph Media, Movistar+, RTVE, Canal Sur. Distribución: A Contracorriente Films. Género: suspense, adaptación. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/film/detail/la-maniobra-de-la-tortuga/in-cinemas

Entrevistamos al equipo de ‘La maniobra de la tortuga’

Juan Miguel del Castillo, Natalia de Molina y Fred Tatien

La película ‘La maniobra de la tortuga’ es un drama con suspense que nos lleva al puro sabor del cine negro. Una historia policíaca con muchos matices de drama social cuya crítica podéis leer aquí.

Juan Miguel del Castillo ha cogido a la que fue ya su protagonista en ‘Techo y comida’, Natalia de Molina. Ella interpreta a una mujer independiente y trabajadora que tiene como vecino a un policía de complicado carácter, interpretado por Fred Tatien. Ambos esconden algo en su interior y el filme lo hace salir poco a poco.

Hemos podido hablar con los tres. En estos vídeos grabados en la mítica Librería 8 y 1/2 tenéis sus respuestas a nuestras preguntas sobre ‘La maniobra de la tortuga’, una comprometida película con envoltorio de thriller policial.

Sinopsis oficial:

El inspector Manuel Bianquetti se ve forzado a aceptar un traslado a la comisaría de Cádiz. Su tranquilidad inicial se verá rota por el hallazgo del cadáver de una joven que le recordará un pasado que le atormenta. Pese a la oposición de sus superiores, Bianquetti emprenderá una cruzada solitaria para atrapar al culpable, siguiendo unas evidencias que podrían ser fruto de su imaginación. Su vecina, una frágil enfermera acosada por su expareja, parece ser la única persona que está de su lado.

Crítica: ‘Mía y Moi’

Sinopsis

Clic para mostrar

Tras perder a su madre, Mía y Moi se refugian en una destartalada casa familiar, en el campo, en mitad de la nada. Con ellos, Biel, el novio de Moi.

Juntos los tres, tratan de descansar y sanar las heridas. Sobre todo en el caso de Moi, que se recupera de una fuerte crisis nerviosa. Son días de recuperar recuerdos familiares, algunos dolorosos, de reencontrarse, de vivir sin prisa.

La llegada de Mikel, el novio de Mía, alterará la convivencia y perturbará de distinta manera a cada uno de los habitantes de la casa. La tensión va creciendo hasta que estalla en un acto de violencia de consecuencias irreversibles.

Crítica

Sabor a recuerdos, verano y masía, pero parsimonia en demasía

Al margen de la incorporación de esta película a nuestra lista de críticas y el estar al tanto de los estrenos de la semana me animé a ver ‘Mía y Moi’ por el mero hecho de tener en su reparto nombres y caras jóvenes sobradamente conocidas, pero conocidos por su talento, no por escándalos, por ser tik tokers o porque dos de ellos sean pareja en la vida real. Hablo sobre todo de Bruna Cusí y Eneko Sagardoy, no tanto quizá de Ricardo Gómez, a quién tenía perdida la pista desde ‘1898. Los últimos de Filipinas’. Entre ellos y la incorporación de Joe Manjón elaboran una película que trata sobre la curación de heridas, cuyo visionado no llega a doler de aburrimiento, pero si se hace tan tedioso como el tiempo que tardan las lesiones en sanar.

A quien no tenía para nada controlado es al director debutante Borja de la Vega. Me gusta como usa el director la casa familiar a modo de refugio (casi una herramienta) al que volver y comenzar una reconstrucción personal, aunque uno esté derrumbado por perder a quienes te han facilitado ese mismo espacio vital. Y es que en esta película Mía (Cusí) recibe a su hermano Moi (Gómez) que llega con su novio (Sagardoy) para pasar unos días y superar la profunda depresión que vive tras la muerte de la madre. Juntos intentan a través de recuerdos y paciencia volver a recuperarse.

Paciencia es lo que hace falta para seguir esta película cuya productora se llama Paciencia y barajar. No para conseguir seguir el hilo, que a pesar de tratar sentimientos o psicología se ciñe a dar pasos sencillos, sino para soportar la tremenda parsimonia de los personajes. No cabe duda de que ‘A ghost story’ es un referente para ‘Mía y Moi’. No sé quién será el responsable de esta extrema sobriedad, si el director o Ricardo Gómez con el poco nervio que imprime a su personaje. Sobre todo me llama la atención que se use ese lenguaje cinematográfico contemplativo o minimalista (del cual no soy detractor) pero me choca en exceso cuando estamos ante una película que debe indignar y provocar furia. Trata sobre dos mujeres subyugadas y encadenadas a relaciones perniciosas y tóxicas y hasta el mismísimo final no es capaz de elaborar un discurso útil al respecto. Ciertamente la película puede ser una metáfora de nuestra sociedad dormida que ha estado siglos haciendo oídos sordos o sin capacidad de reacción ante la violencia de género.

Ese símil, que no sé si es solo fruto de mis cavilaciones, y la escena del primer baño son los dos puntos buenos que le saco a la película. En esa escena es donde percibo de verdad emoción e incluso tensión. Ni que decir tiene que aparte de ser una historia de estabilidad emocional y principios es una narración sobre la necesidad del amparo fraternal. Quizá esa cercanía o cotidianidad se ha querido amplificar con una mezcla y un montaje de sonido bastante llamativo pero a mi modo de verlo juega en contra. Cualquier sonido se percibe, todo movimiento tiene su volumen amplificado y eso hace que se sienta como más artificial que natural.

Lo que leemos en la penúltima frase de la sinopsis no sucede hasta bien avanzada la historia (y menos mal que pasa por que aviva ligeramente la película). Y lo que leemos en la última forma parte del mismísimo final. Con esto lo que quiero decir es que nos adelantan dos detalles vitales ya en la sinopsis y que hasta que esto no sucede el filme es más recreativo que otra cosa. A la prensa nos pasan siempre un dossier con dos sinopsis, una corta, que podéis leer al principio de esta crítica y una larga. Leyendo ese segundo texto he descubierto que además de enterarme lo mismo me he quedado con las mismas sensaciones, con lo que creo que la película no transmite.

Esta película veraniega con indudable sabor a masía barcelonesa es una historia de continuidad, pero con la peligrosa sensación de que lo que les ha sucedido en esa casa no deja remanentes. Quiero creer que la película quiere ser más simbólica que ejemplar.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de mayo de 2021. Título original: Mía y Moi. Duración: 107 min. País: España. Dirección: Borja de la Vega. Guion: Borja de la Vega. Música: Pablo Martos. Fotografía: Álvaro Ruiz. Reparto principal: Bruna Cusí, Ricardo Gómez, Eneko Sagardoy, Joe Manjón. Producción: Paciencia y Barajar, Toned Media, FTFcam. Género: drama, suspense. Web oficial: http://www.tonedmedia.com/portfolio-item/mia-y-moi/

Crítica: ‘Woman’

Sinopsis

Clic para mostrar

La película nos lleva por todos los rincones del mundo para conocer el retrato íntimo de miles de mujeres con diferentes caminos de vida, modelados por su cultura, su fe o su historia familiar.

Es un reflejo actual de la sociedad, donde a menudo la mujer sufre desigualdades y se enfrenta a dificultades, pero también es un canto al empoderamiento del género femenino y a su capacidad y fuerza interior para cambiar el mundo.

Basado en encuentros en primera persona, el proyecto aborda temas como la maternidad, la educación, el matrimonio, la independencia económica, la menstruación o la sexualidad.

Crítica

Todo un retrato antropológico

Yann Arthus-Bertrand y Anastasia Mikova están construyendo su propia matrioshka cinematográfica. Empezaron con ‘Home’, pasaron a ‘Human’ y ahora, tras otros que ha habido entre medias, presentan ‘Woman’. “He sobrevivido a la violencia sexual y al tráfico de personas”. Con un testimonio así, de una persona que reconoce que decir eso en público es lo más valiente que ha hecho en su vida, arranca ‘Woman’. Esta es una película que parece querer remover conciencias más que querer ser sensiblera. Sobre todo, cuando descubrimos que la que ha pronunciado esas duras palabras es toda una deportista, una campeona que ha superado retos impresionantes.

Los títulos de crédito muestran a una mujer en comunión con la naturaleza. Como podréis ver, el documental toca infinidad de facetas a cerca de lo que significa ser mujer. Es todo un retrato antropológico. Cierto es que habla y redunda sobre lo mismo de siempre, pero por desgracia para muchas personas este podría suponer un ejercicio de cerca de dos horas al que les tendríamos que someter casi de manera obligatoria.

En ‘Woman’ oímos y vemos a mujeres que han decidido superar miedos y retos, que se comunican de multitud de maneras. El abanico de testimonios es inmenso. El propio documental se ha planteado un reto casi inabarcable, el de dar voz a mujeres de todo el globo terráqueo y de todas las edades. Y ni cortos ni perezosos Anastasia Mikova y Yann Arthus-Bertrand han contado con unas 2000 mujeres. A ellas les agradecen su participación en este documental, no es para menos, pues frente a la cámara se abren, reclaman, proclaman, ríen y lloran.

¿Son fuertes las mujeres? ¿Cómo afrontaron su primera regla y los cambios de su cuerpo? ¿Cómo les gusta experimentar el sexo? ¿Cómo es su situación en el mercado laboral? ¿Cómo ven el tema de la igualdad? ¿Cómo es para ellas estar gestando una vida? Podríamos decir que, principalmente respecto a esta última cuestión, el documental es tan universal que nos hace volver a conceptos como el de la Pachamama o las venus paleolíticas en los que la madre tierra era adorada como fuente de toda vida. Quizá es por eso que ‘Woman’ dice desde el principio estar dedicado a todas las madres. Y pese a ello tampoco deja de lado a esas mujeres que no pueden concebir, como las que han sido violadas, víctimas de ablación o simplemente han decidido cambiar de sexo.

‘Woman’ va a quedar ahí como algo más que una guía o un manual, es el testimonio de una raza que ojalá vean algún día vecinos de galaxias cercanas, para que sepan realmente como era una gran parte de la humanidad. Y esta suele ser la tónica de los documentales de Yann Arthus-Bertrand que están menos premiados de lo que deberían.

Este documental solo ofrece la perspectiva de mujeres sobre ellas mismas. Podría ponerme a la defensiva desde mi posición de hombre pero, aparte de que me considero partidario de la igualdad y nada condescendiente hacia las mujeres, creo que el documental no presenta ninguna hostilidad. Nos invita, como pienso que hace falta hacer repetidamente hoy en día, a reflexionar cómo tratamos o hemos tratado siempre la figura de la mujer. Quiero creer que estas casi dos horas de testimonios harán que muchos y muchas reconsideren su posición a cerca de las temáticas que se comentan. Y sobre todo, si alguien se siente dolido porque a veces en ‘Woman’ se generalice es porque no ha entendido el mensaje de diversidad que envía el documental.

‘Woman’ se forma a base de innumerables entrevistas que abrazan lo que significa ser mujer desde muchas culturas y experiencias. Entremedias intercala a modo de transición algunas imágenes que se salen del estudio de grabación, pero básicamente lo que calan son las palabras de todas ellas. Esta obra de Anastasia Mikova y Yann Arthus-Bertrand tiene que haberles llevado mucho tiempo pues se ha realizado colaborando con ONGs de todo el mundo y eso se me antoja laborioso a nivel burocrático, además se nota que no han parado hasta tener todas sus cuestiones cubiertas.

La última secuencia (obra de las artistas de Bandaloop) muestra a unas mujeres saltando sobre los cristales de un edificio, en una coreografía que bien puede representar el cómo a veces han de lanzarse al peligroso vacío para colocarse sobre los famosos techos de cristal. A la vez las hileras de ventanas pueden tener similitudes con un pentagrama en el que se alojan notas. Y esas notas saltan, saliéndose de composiciones preestablecidas buscando distintas melodías.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Título original: Woman. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Anastasia Mikova, Yann Arthus-Bertrand. Guion: Anastasia Mikova, Yann Arthus-Bertrand. Música: Armand Amar. Fotografía: diferentes unidades de rodaje. Reparto principal: Norma Bastidas, Gabriela Melgoza, Shantel Nasir, Aleksandra Orbeck-Nilssen, Virginie Raisson. Producción: Hope Production. Distribución: Adso Films. Género: documental. Web oficial: http://www.woman-themovie.org/

‘Biografía del cadáver de una mujer’ nominada al Goya

Un corto documental de Mabel Lozano

El pasado 8 de marzo se estrenó en la Semana de Cine de Medina del Campo Biografía del cadáver de una mujer’, el nuevo cortometraje documental de Mabel Lozano. Con 25 selecciones en festivales y cuatro premios, la noticia de la selección como candidato a los Premios Goya es una alegría más para este comprometido trabajo.

Mabel Lozano nos habla sobre el cortometraje: “Desde el año 2000 más de 45 mujeres en situación de prostitución han sido asesinadas en nuestro país. Torturadas. Apuñaladas. Ahogadas. Degolladas. Quemadas. Arrojadas al vacío. 3 habían conseguido la condición de testigos protegidos. Aun así, no pudieron escapar de una muerte brutal. Esta es la historia de una de ellas”.

Sinopsis oficial:

Una mujer víctima de trata. Asesinada a tiros. Nos mira. Nos habla. Nos concierne.

Trailer «Biografía del Cadaver de una Mujer» from mabel lozano on Vimeo.

Premios

Skyline Benidorm Film Festival (España) [2020] – Premio del público

Semana de Cine Corto de Sonseca (España) [2020] – Premio Valores Humanos

FECISO – Festival de Cine Social de Castilla-La Mancha (España) [2020] – Segundo premio documental

Festival de Cortometrajes Diputación de Jaén: contra la Violencia de Género (España) [2020] – Premio especial del jurado

Proyecto ‘Mi nombre’, para luchar contra la violencia de género en el confinamiento

Gestado por María Algora y Clara Chacón

Cuando comenzó la situación de confinamiento muchos nos temíamos lo que el proyecto ‘Mi nombre’ pone sobre la mesa. Las llamadas al 016 (número de atención a víctimas de violencia de género) han aumentado en estos días hasta un 60%. Las actriz María Algora y Clara Chacón se han unido para protestar contra el maltrato.

Para ello han unido las voces de 32 actrices que recitan poemas de Inma Chacón. Ellas son Maribel Verdú, Ana Wagener, Chiqui Fernández, Lluvia Rojo, Clara Alvarado, Ana Rujas, Gracia Olayo, Sole Olayo, Mireia Y Pilar Sanchís, Grace Doniz, Bego Mencia, Olivia Baglivi, Alejandra Martinez de Miguel, Laura Moray, Laura Toledo, Lydia Ramírez, Ainhoa Artetxe, Miren Nogales, Alicia Lescure, Sara Sierra, Pastora Vega, Mer Calduch, Anna Colet, Yael Belicha, Athenea Mata, Clara Alvarado y Rebeca Alemañy. También podemos ver a María Algora y Clara Chacón.

El cartel de la campaña ‘Mi nombre’ sale de las manos de Precariada.

Crítica: ‘El plan’

Sinopsis

Clic para mostrar

El plan es la historia de tres perdedores, Paco, Ramón y Andrade, tres amigos que llevan en paro desde que cerró la empresa de seguridad en la que trabajaban.

Son las nueve de la mañana y han quedado para ejecutar un plan. Varios contratiempos les impiden salir de casa, y poco a poco se van viendo envueltos en una serie de incómodas discusiones que irán derribando sus muros y arrancarán sus máscaras cambiando para siempre su amistad.

Crítica

Un plan con más de trivial que de sustancial

Chema del Barco, Antonio de la Torre y Raúl Arévalo son los protagonistas de ‘El plan’ la película de Polo Menárguez que adapta con nuevos intérpretes (manteniendo a Del Barco) la obra de teatro de Ignasi Vidal. Son tres amigos y ex-compañeros de trabajo que tienen algo más en común, su carácter perdedor y su hartazgo, tanto por estar en paro como por lo mal que les han tratado en su vida laboral o en la vida en general. Son un grupo que por una vez quiere ganar y para ello tienen un nuevo objetivo en común, un plan.

Para poder diferenciarles o abarcar de diferente manera las cuestiones planteadas cada uno tiene una personalidad y situación diferentes. Paco (Antonio de la Torre) es más orgulloso, impulsivo y tiene la iniciativa. Ramón (Chema del Barco) se encuentra abstraído, en una momento reflexivo y es el más sumiso de los tres. Andrade (Raúl Arévalo) está algo anulado por su situación actual y aunque es el que se lo toma con más calma también es el más irresponsable. Con estos tres tipos se construye un pack que se sujeta a duras penas y que da bastante lástima (en la ficción).

La película habla en muchas ocasiones de la empatía y ciertamente uno puede ponerse en lugar de estos tres parados que además han sido explotados en su último trabajo. Es fácil ponerse en el lugar de ellos si miramos su situación laboral, sobre todo si uno ha vivido ese mal trago de ir mes a mes a fichar al INEM (desde hace años SEPE) o si ha estado en la extrema posición de EREs y huelgas. Es más difícil congeniar con los protagonistas cuando se toca el género femenino. Los tres tienen una historia individual que contarnos, algo que recientemente han descubierto o que les ha pasado. En este sentido es cuando pone sobre la mesa más problemáticas y cuesta saber a veces incluso donde se posiciona el filme. Si uno piensa en ‘El plan’ como una película con intenciones positivas y críticas ha de pensar que quiere denunciar desde un nuevo punto de vista, pero este tarda en llegar. Aunque sea en sus instantes finales es obvio que su final tiene mucho de alegato en contra de la violencia de género.

Y a todo esto diréis. ¿Y el plan? ¿Qué pasa con el plan que esto que estoy leyendo no me cuenta nada? Durante todo el metraje de ‘El plan’ pasa algo parecido. Es una ligerísima parte de thriller que tiene la película. No nos dan apenas pistas durante todo el filme y se tapa todo con discusiones, filosofeo y psicología de Wikipedia. Al final si se descubre a qué se refiere el título pero es mucho más llamativo el giro final del guión, un cambio de rumbo que tiene que ver con algo que a mí me ha pillado desprevenido. Quizá tendría que haber hecho más caso a la incómoda banda sonora que se construye solo con un contrabajo, tal vez intencionadamente concebida así como reflejo mental de alguno de los reunidos en la casa ubicada a caballo entre Usera y Carabanchel Bajo.

Durante casi toda la película he estado bastante aburrido, solo amenizado con alguna que otra gracia y a pesar de tanta cavilación psicoanalítica poco me ha incitado a discurrir. Los personajes han demostrado ser arquetípicos en el sentido de soltar frases de machito y tener el orgullo varonil muy susceptible. Eso puede ser reflejo de una parte del espectro social pero lo que no esperaba era el perturbador giro final. Vale que la película se mueve entre el drama y la comedia como buenamente puede con intenciones evidentes, pero el jarro de agua fría de su conclusión no me lo esperaba y tampoco me parece del todo bien cosechado.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2020. Título original: El plan. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Polo Menárguez. Guion: Polo Menárguez. Música: Pablo Martín Caminero. Fotografía: Alejandro Arévalo. Reparto principal: Antonio de la Torre, Raúl Arévalo, Chema del Barco. Producción: Capitán Araña. Distribución: Filmax. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/el-plan.129

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Salir de la versión móvil