Ganadora en Málaga de la Biznaga de Plata a Mejor Director
Wanda Vision estrenará en cines la película del cineasta mexicano Arturo Ripstein que le valió la Biznaga de Plata a la Mejor Dirección en la pasada edición del Festival de Málaga, ‘El diablo entre las piernas’. Una cinta escrita por Paz Alicia Garciadiego y protagonizada por SylviaPasquel, Alejandro Suárez, Greta Cervantes, Erando González, Mar Carrera y Daniel GiménezCacho
Estará en cines desde el próximo 26 de febrero.
La distribuidora nos describe ‘El diablo entre las piernas’ como un trabajo con humor salvaje y con una profunda mirada poética ante la miseria de la vida que llega al ocaso. Algo de piedad y de compasión fluye a lo largo de esta historia valiente y desnuda, tan dura y difícil como el mirarse a sí mismo desnudo ante el espejo. Sin maquillaje, sin peinados, sin vestuarios, sin artificios.
Una coproducción entre México y España está producida por Alebrije Cine y Video, Oberon Cinematogràfica, Carnaval Films, Fina Films y Fidecine y Estudios Churubusco Azteca con la colaboración de la Secretaría de Cultura Fonca, Fondo de Inversión y Estímulos al Cine e Ibermedia, está distribuida en España por Wanda Visión.
Sinopsis oficial:
El Viejo gasta su aburrimiento en deambular por la casa celando a Beatriz, su mujer. Los pleitos desgastan y el equilibrio se rompe: la mujer, a fuerza de sentirse celada, se siente deseada y sobre todo deseable. Quiere comprobarlo. Por ello una noche sale de casa sin rumbo alguno con un solo propósito: sexo. Su regreso a casa desata la hecatombe. Dinorah, la criada, no puede permitir tal osadía y toma partido.
Movistar+ proyectará ‘Habanos’. Una nueva serie que va a rodarse en Cuba y que produce Wanda Films. El guionista hispano cubano Alejandro Hernández es quien firma esta obra que narra la historia de Carlos Ramos, un español que viaja a la isla americana en los años 30 y se mete dentro del mundo de las plantaciones de tabaco. Es entonces cuando conoce a Hilda Lahera (aún no se conoce a la actriz que interpretará a este personaje).
Entre los últimos trabajos de Alejandro Hernández se encuentra el largometraje ‘Adú’, reciente éxito en la taquilla española siendo de momento la más vista de nuestro país en 2020. También las series ‘Criminal’ (Netflix) y ‘El día de mañana’ (Movistar+), ambas dirigidas por Mariano Barroso, así como los largometrajes ‘Mientras dure la guerra’ de Alejandro Amenábar, ‘El autor’ y ‘Caníbal’ dirigidas por Manuel Martín Cuenca.
Su autor nos cuenta en un vídeo de qué va ‘Habanos’.
🇨🇺 Alejandro Hernández firma #Habanos, nuestra nueva serie original que se rodará en Cuba en 2020.
El guionista hispano cubano, ganador de un Goya, nos cuenta qué nos vamos a encontrar en esta serie ambientada en la Cuba de los años 30. 👇 pic.twitter.com/FZ8WAEptVt
La Habana de los años treinta es una ciudad en pleno apogeo. Una fiesta, como París, pero en el corazón del mar Caribe. En medio de golpes de estado, pujanza económica, música y libertinaje, Carlos Ramos, un actor español que nunca ha pisado América, acepta la propuesta de un joven empresario andaluz para viajar a Cuba haciéndose pasar por él. El objetivo es hacerle ganar tiempo al empresario mientras soluciona sus problemas de vida. Un objetivo sencillo de alcanzar. Carlos solo tiene que fingir, y Cuba se lo pone fácil.
A lo largo de dos meses llevará una vida de lujo junto a una familia acomodada, los Lahera, dueños de las mejores vegas de tabaco del país. Su hija, Hilda, es una joven formada en universidades norteamericanas que está a punto de lanzar la primera marca de habanos gourmet: los Prestige. Carlos no ha fumado un puro en su vida, pero daría un brazo porque Hilda le enseñara…
De repente, un plan fácil basado en suplantar una identidad a cambio de mucho placer y cinco mil pesetas, se convierte en una auténtica pesadilla. Porque no se puede vivir rodeado de privilegios y aceptar, de la noche a la mañana, que ninguno te pertenece.
‘Invisibles’ trata de acercarse a la vida de Julia, Elsa y Amelia, tres amigas que un día decidieron comenzar a caminar juntas una vez por semana. Lo que empezó por ser una mera distracción y una forma de hacer ejercicio se ha terminado por convertir en una necesidad. En esos paseos comparten lo que sucede en sus vidas, expresan sus emociones libremente, se desquitan, se sinceran, se quitan sus caretas… O NO…
Crítica
El principal argumento se vuelve invisible en su propio batiburrillo
Gracia Querejeta ha juntado a tres actrices que no son para nada invisibles en nuestro panorama. Tres grandes a las que ha sacado una y otra vez a pasear en la película que ha escrito junto a Antonio Mercero. ‘Invisibles’ junta a tres mujeres que rondan o pasan los cincuenta años para hablar de todo aquello que les preocupa y mantener así su amistad al día, de manera más o menos sincera.
Emma Suárez, Nathalie Poza y Adriana Ozores son las protagonistas. Una implacable empresaria de éxito, una sensible florista y una inquebrantable y experimentada profesora son las tres amigas que semana a semana salen a pasear por un parque de Cáceres. Cumplen tres modelos arquetípicos de esos que uno no se explica cómo pueden ser amigos, pero que en realidad existen. Lo que no es natural es el tipo de diálogos que mantienen. Excesivamente directos, llenos de discusión, debate y porfía. Se emiten constantemente fríos juicios de valor, que se perciben totalmente insensibles y nos quieren hacer pensar tienen un mínimo de simpatía para con sus amigas.
Esta manera en cómo se tratan los personajes responde a una necesidad de crear disputa para poder poner lo que al final son demasiadas cosas sobre la mesa. Tal es así que se desfigura a los personajes y se contradicen en muchas ocasiones. Faltaría más que no fuese una cuestión a tratar en el filme, pero al final el desdén hacia la mujer de más de cincuenta años acaba siendo lo menos flagrante e importante de ‘Invisibles’. Sobre todo va de machismo, maltrato, bullying, mobbing, adolescencia, enseñanza… Temas interrelacionados pero que desvían casi del todo la atención entre ellos saltando de uno a otro expresándose salpicádamente. Argumentos esgrimidos además por unos personajes bastante cargantes, eternamente a la defensiva. Al final uno respira cuando surge un personaje como el de Blanca Portillo que te da la razón y da carpetazo a estas tres melodramáticas protagonistas.
‘Invisibles’ es un filme que habría funcionado mucho mejor en el escenario de un teatro, donde uno puede asumir mejor la monotonía de un mismo escenario. Igualmente los encuadres y secuencias que vemos en esta película no hacen necesario el uso de una cámara. Tiene además un problema con la dirección de arte. La película empieza a principios de año y el clima va cada vez a más frío y húmedo, es decir, arranca a principios de año con las protagonistas en chandal y con sol y termina a eso de abril con abrigos y paraguas. O está muy concienciada con el cambio climático o las lluvias y nubes que vemos al rededor son un síntoma del estado anímico de alguno de los personajes, si no, no tiene explicación.
Para mí, sigue sin levantar cabeza Querejeta que lleva unos cuantos traspiés importantes y no consigue un título cinematográficamente destacable o por lo menos solvente desde que estrenó ‘Felices 140’.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de marzo de 2020. Título original: Invisibles. Duración: 83 min. País: España. Dirección: Gracia Querejeta. Guion: Antonio Mercero, Gracia Querejeta. Música: Federico Jusid. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Reparto principal: Emma Suárez, Adriana Ozores, Nathalie Poza, Blanca Portillo, Fernando Cayo, Pedro Casablanc, Paqui Horcajo. Producción: Nephilim Producciones S.L, Orange Films AIE. Distribución: Wanda Visión. Género: drama. Web oficial:https://www.wandafilms.com/site/sinopsis/invisibles
Elena recibe una llamada de Iván, su hijo de seis años, quien le dice que está perdido en una playa en Francia y que no encuentra a su padre. Esas palabras desesperadas de su hijo fueron lo último que supo de él.
Diez años más tarde, Elena vive en la misma playa donde desapareció su hijo, trabaja de encargada en un restaurante y está empezando a salir de ese oscuro túnel donde lleva anclada tanto tiempo.
Su vida se agita de nuevo cuando conoce casualmente a Jean, un adolescente francés que le recuerda a su hijo. Entre ellos surge una fuerte conexión que acabrá sembrando el caos y la desconfianza a su alrededor.
Crítica
Un ‘Call me by your name’ malsano
Al igual que el filme con el que he hecho un símil en mi titular, ‘Call me by your name’, la película tiene instantes donde es claramente contemplativa y otros donde la intensidad está muy medida. El filme es igual de cristalino, de veraz y de emotivo. Pero de manera muy diferente a la película de Guadagnino ‘Madre’ se torna en algo bastante insano, algo que es perjudicial para la salud mental y sentimental de la protagonista interpretada por Marta Nieto. Ella está inmersa en una ofuscación y un trauma que solo se puede quitar con una catarsis. Lo malo es que para encontrar ese punto de inflexión el modo que elige o más bien se encuentra, es del todo nocivo o perjudicial, tanto para ella como para los que la rodean. No obstante se detecta entre ella y el joven que conoce una simbiosis que a ambos les da la vida.
Sorogoyen resuelve el cortometraje tan agobiante y fuerte que le llevó a estar nominado al Oscar. Nos da un final pero es muy distinto a como muchos habrían imaginado que podría haber sido, quizá de ahí puedan venir muchas decepciones con esta versión extendida en forma de largometraje de más de dos horas. También es cierto que por el modo en como acaba el corto o empieza la película la imaginación del espectador puede volar por muchas vías y eso hacer que esté predispuesto a desilusionarse con la resolución de Sorogoyen y Peña. Explica poco y también explica mucho. No cuenta cómo o qué pasó con el niño perdido en el corto. Está más centrado en el impacto que tuvo esa pérdida. Por eso podemos decir que si explica mucho ya que si ahonda en una obsesión que condena a la vida sentimental de la protagonista casi al suicidio.
El filme comienza con la repetición del cortometraje, al espectador no le hará falta rebuscar para verlo, y acaba con casi una repetición de este. Está lleno de momentos de calma con largos paneos pero también de agitadas situaciones. Se vuelca una y otra vez en los mismos argumentos y le resta razón de ser a esta expansión a largometraje.
De la película salvo la gran interpretación de Marta Nieto. Ella se lleva casi todo el peso del filme con una interpretación la mar de emotiva. Hace que el ‘Madre’ resulte interesante aunque sea redundante. Sin ella o sin sus aportaciones como actriz esta ‘Madre’ nos habría dejado huérfanos de entretenimiento y sentimiento.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Madre. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Marta Nieto, Álex Brendemühl, Jules Porier, Anne Consigny, Frederic Pierrot, Guillaume Arnault. Producción: Amalur Pictures, Arcadia Motion Pictures, Caballo Films, Le Pacte, Malvalanda, Noodles. Distribución: Wanda Films. Género: drama. Web oficial:https://www.wandafilms.com/site/sinopsis/madre
Pierre-Paul, de 36 años, un intelectual y doctor en filosofía se ve obligado a trabajar como repartidor para tener un salario decente. Un día, mientras entrega un paquete, se topa con la escena de un robo a mano armada que ha salido mal con un resultado de dos muertos. Se encuentra con dos bolsas de deporte repletas de billetes. Pierre-Paul se enfrenta a un dilema: largarse con las manos vacías o coger el dinero y huir.
Crítica
Impudoroso caballero es don dinero
Elige la vida, elige un empleo, elige una carrera, elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Perdón, ese es el principio de ‘Trainspotting’… ¡pero caray! me vale igualmente. Porque la nueva película de Denys Arcand no habla de la droga como tal pero casi, habla de varias adicciones. Habla del dinero, de la felicidad y por ende de otras cosas que van relacionadas con esos dos conceptos. Porque ambas cuestiones son al fin y al cabo un concepto que el ser humano se han impuesto. Así de filosóficos nos podemos poner porque así de escolástico nos ha salido esta vez el director canadiense.
El protagonista de ‘La caída del imperio americano’ es un repartidor de paquetes (Pierre-Paul Daoust ) que se topa con un atraco y se ve con la posibilidad de quedarse con el dinero del botín. Él es un hombre de principios, un doctorado en filosofía que no puede desempeñar su profesión porque su actual trabajo está mejor remunerado y ese dinero puede ser una salida que por otro lado pondrá en tela de juicio todos los pilares de su vida. En la aventura que supone agarrar ese dinero conocerá a una escort con entrenador personal, al jefe de una banda de moteros licenciado en administración de empresas, a dos agentes de la ley muy persistentes… La película se mueve de un modo muy parecido al de ‘Trainspotting’ de Boyle pero quizá sería más apropiado decir que es como un ‘Snatch’ canadiense e inteligente.
Inicialmente el filme nos deleita con una conversación la mar de vivaz, muy perspicaz y metafísica. Casi llego tarde al pase de prensa y si me pierdo sus primeros minutos aparte de haberme arrepentido de perderme esos instantes no habría estado bien predispuesto para el resto del largometraje. De ahí que haya dicho que Arcand se ha puesto bastante filosófico en esta ocasión. ‘La caída del imperio americano’ no es una película verborréica, no os va a adormecer con una tunda de frases seguidas, no os va a atacar con miles de sentencias incomprensibles. Se entiende muy bien y os aporta muchas citas a las que podéis recurrir fácilmente ya que son universales e históricas. Su discurso es fácil de captar y además está dirigido a un público general.
Al espectador además le van a herir los personajes modelo ya que va a notar que él o bien se siente identificado en ellos o bien que tenía esas ideas preconcebidas. Ojalá viajásemos al pasado y descubriésemos que los filósofos que cita el protagonista interpretado por Pierre-Paul Daoust originalmente fueron albañiles que parloteaban y divagaban, cuyos pensamientos a posteriori quedaron inmortalizaron para nuestro beneficio.
De nuevo Denys Arcand vuelve a demostrar que con un guión totalmente ficticio se puede hacer una dura crítica de la realidad y de la actualidad, sobre todo si nos referimos a la norteamericana. Nos deja un sabor de boca igual que el que suele dejar Michael Moore pero su estilo es mucho más afilado, más sesudo. Es decir, estamos jodidos, hablando en plata. El mundo en el que nos encontramos está muy mal concebido, nos lo venden bien pero para que lo disfruten solo unos pocos, el concepto de felicidad está totalmente errado y las metas a alcanzar se han desfigurado con el transcurso de la historia humana.
El director es crítico, no destructivo pero tampoco constructivo. Presenta males pero no curas. Además se despista durante un buen rato con las historias que se desarrollan entre los protagonistas. Me hace gracia ver cómo transcurre todo bajo el buenismo del carácter de los canadienses y eso impide que ciertos «villanos» impongan. Esas son algunas pegas que tiene el filme.
Arcand vuelve a dar con la tecla que le llevó al éxito de ‘Las invasiones bárbaras’ y vuelve a hacernos reflexionar. Nos demuestra que el dinero da poder pero no da la felicidad, que el mismo dinero ha sido el que ha acabado con la nación. Exhibe que aunque un sueldo no de la lealtad sí que da la fidelidad, aunque sea durante cierto tiempo. Nos obliga a rascar nuestro bolsillo y sacar esa calderilla, a hacernos sentir pudor por no dar una limosna que apenas significa nada para nosotros . Nos obliga a mirar el suelo de la entrada de la cafetería donde desayunamos todas las mañanas, un vestíbulo que a primera hora ha de ser despejado de mendigos que han pernoctado allí y se han marchado con el estómago rugiendo, cuando nosotros vamos a llenar nuestros estómagos ávidos de consumir promesas vacías y sueños plastificados.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de marzo de 2019. Título original: La chute de l’empire américai. Duración: 128 min. País: Canadá. Dirección: Denys Arcand. Guion: Denys Arcand. Música: Louis Dufont, Mathieu Lussier. Fotografía: Van Royko. Reparto principal: Alexandre Landry, Maripier Morin, Rémy Girard, Louis Morissette, Maxim Roy, Pierre Curzi, Vincent Leclerc, Patrick Émmanuel Abellard, Florence Longpré, Eddy King, Geneviève Schmidt, Paul Doucet, Denis Bouchard, Yan England, David Savard, Rose-Marie Perreault, Alain Goulem, Catherine Paquin-Béchard,Ayana O’Shun, Dominique Bertrand, Sophie Thibault, Juliette Gosselin, Mathieu Lorain Dignard, Claude Legault, Éric Bruneau, James Hyndman, Benoit Brière, Gaston Lepage, Laurent Paquin, François Dompierre. Producción: Cinémaginaire Inc. Distribución: Wanda Visión. Género: comedia. Web oficial:http://lachutedelempireamericain.com
Sam, un hombre aborigen de mediana edad, trabaja para un predicador en el interior del Territorio Norte de Australia. Cuando Harry, un amargado veterano de guerra, se muda a un rancho vecino, el predicador envía a Sam y a su familia para ayudar a Harry a rehabilitar sus corrales para el ganado. Pero la relación de Sam con el cruel e irritable Harry se deteriora rápidamente y termina con un violento tiroteo en el que Sam mata a Harry en defensa propia.
Así es como Sam se convierte en un criminal buscado por el asesinato de un hombre blanco. Se ve obligado a huir con su esposa por el peligroso interior del país, recorriendo un espléndido pero durísimo desierto. Para encontrar a Sam se forma una cuadrilla de búsqueda encabezada por el Sargento de la policía local Fletcher. Pero cuando empiezan a conocerse los verdaderos detalles del asesinato, la comunidad se pregunta si se está haciendo justicia.
Crítica
Irónico y metafórico western desde las antípodas.
El director Warwick Thornton nos narra una historia de racismo y odio en forma de western que se desarrolla en Australia en los años 20. Sigue el esquema de “en un pueblo tranquilo donde todo iba más o menos bien, irrumpe un forastero y acaba en tragedia. Todo lo demás viene a consecuencia de eso…”. Y aunque no sea la típica peli del oeste de “indios y vaqueros” sí que tiene claros paralelismos.
Quiero empezar por la escena inicial del filme. Creo que resume TODO lo que es la esencia de lo que se quiere contar. No pienso destriparos ni un detalle así que lo dejo ahí para que juzguéis por vosotros mismos. Ojo, de igual manera, el valor visual de la última escena de la película es igual de importante.
Esta es una historia inspirada en hechos reales. Como siempre digo, para mí es un valor añadido importante, porque al fin y al cabo te están contando un trocito de la historia del hombre sobre la tierra. Algo que nos concierne a todos conocer.
Y de hombres va la cosa. Hombres profundamente marcados por la guerra, el odio, la educación recibida o la falta de ella, la violencia, la religión, el miedo y la codicia. Y toda esa amalgama de sentimientos y pensamientos se mezclan en un drama que destaca por el uso inteligente de las palabras y unas imágenes que nos sugieren más cosas de lo que parece a simple vista.
Una película que nos habla del colonialismo (británico en este caso) y el poso de racismo que dejó con los aborígenes australianos. La situación o situaciones de injusticia que se relatan te dejan un trasfondo amargo, lleno de ironía, que te muestra la naturaleza más salvaje del ser humano y que te hace reflexionar.
Desde una de las primeras frases de la película en boca de Sam Neill “todos somos iguales aquí. Todos somos iguales ante los ojos del Señor” hasta la última escena, se hace un viaje a través de las áridas tierras australianas dónde se nos muestra desde el punto de vista de los nativos del continente la influencia del hombre blanco. Esta perspectiva me parece muy interesante y lo corrobora un guión cuidado en este sentido.
El trabajo de los actores está a la altura y destaco si la veis en versión original los acentos y ese idioma propio que hablan los aborígenes que es realmente curioso.
‘Sweet Country’ es una película algo lenta, que nos relata de forma inteligente lo que nos quiere contar, y se ampara en un guión competente para ello, en una fotografía muy buena de la que también es parte responsable Warwick Thornton y en unas imágenes a modo de metáfora que hacen que el conjunto sea de una calidad notable.
Una amarga ironía, hasta el título de la película va en consonancia con el resto.
Lo bueno: El trabajo de Warwick Thornton en la dirección y la fotografía. Compone una película inteligente del primer al último plano, destacando por si no ha quedado claro, el contenido de ambos planos que invita a pensar.
Lo menos bueno: El desarrollo de algún personaje como el del sheriff, que no acabo de entender del todo y que se pueda hacer lenta a más de uno. En mi caso el ritmo es el que tiene que ser.
La reflexión: No es más salvaje el que menos conocimiento tiene, si no quien no sabe usarlo para hacer el bien o quien piense que está por encima de otro ser humano.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de mayo de 2018. Título original: Sweet Country. Duración: 110 min. País: Australia. Dirección: Warwick Thorton. Guion: David Tranter, Steven McGregor. Fotografía: Warwick Thorton, Dylan River. Reparto principal: Bryan Brown, Hamilton Morris, Sam Neil, Thomas M. Wrigth, Ewen Leslie, Gibson John, Natassia Gorey-Furber, Matt Day, Anni Finsterer, Termayne Doolan, Trevon Doolan. Producción: Bunya Production. Distribución: Wanda Vision. Género: western, drama. Web oficial:https://www.wanda.es/site/sinopsis/sweet_country
El próximo 22 de junio podremos ver en nuestros cines ‘Las guardianas’ gracias a Wanda Films. En esta película que está protagonizada por Nathalie Baye y Laura Smet, madre e hija en la ficción y en la vida real, veremos como ellas intentan sobrevivir durante la I Guerra Mundial. Con los hombres en las trincheras, las mujeres resisten en el hogar. Nathalie Baye es la matriarca de la granja de los Pardier, que sobrecargada por el trabajo acoge la ayuda de una joven forastera, Francine. Pero cuando los hombres Pardier vienen de permiso, las emociones se agitan y el amor florece. Un amor que viene en un momento inadecuado, de distancias, malentendidos y trabas, en una película de cuidadas imágenes impresionistas con música de Michel Legrand.
Esta es la última película publicada por el ganador del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes por ‘De Dioses y Hombres’, el director y también actor Xavier Beaouvois.
Sinopsis oficial:
1915. Una madre y una hija han tenido que hacerse cargo de la granja del Paridier porque los hombres están en el frente. Trabajan de sol a sol y su vida sigue el ritmo de las labores del campo y de las escasas visitas de los hombres cuando tienen permiso. Hortense, la más veterana, rescata a una joven huérfana de los servicios sociales para que las ayude. Francine cree haber encontrado por fin una familia.
José Díaz se ha rodado a sí mismo en una cabaña en el Parque Natural de Redes (Asturias). En un periodo de 100 días ha sido autosuficiente y se ha desconectado totalmente del mundo moderno y de sus tecnologías. Sin electricidad, ni móvil, ni televisión, ni ordenador, ni reloj… El resultado: ‘100 días de soledad’, producida por José María Morales (Wanda Films), en coproducción con RTVE y con el apoyo del ICAA. El documental, dirigido por José Díaz, finalista en los conocidos como los Oscar del cine de naturaleza en Jackson Hole Wildlife International Film Festival, se estrenará en cines el próximo 16 de marzo.
«Fui feliz, muy feliz, y además lo supe. Viví malos momentos, pero siempre eclipsados por los buenos. En cada caminata conté mis pasos hasta cien mil veces, manteniendo así activas las cuerdas vocales. Tras decenas de fracasos, conservé intacta la ilusión hasta el último momento. Viví sin la compañía de una televisión; el fuego me enseñó cómo hacerlo. Dispuse del tiempo a mi antojo, pero sin dejar de ser disciplinado. Sentí la dureza de la soledad de forma implacable, y aprendí mucho de ella. Subsistí a base de austeridad y todavía me sobraron muchas cosas. Las heladoras duchas me mostraron que tras el sacrificio viene el beneficio. Repuse litros y litros de sudor hidratándome con agua pura, preciado tesoro hoy en día. Ante mis ojos se cruzaron más árboles de los que mucha gente verá a lo largo de sus vidas. Asistí al espectáculo del otoño y disfruté de las nieves del invierno. Comprobé cómo mi sombra iba alargándose día tras día, hasta casi escaparse de mí. Vi las altas copas de los árboles dibujadas en cielos multicolor. Disfruté del celestial sonido que el silencio produce. Atravesé kilómetros de bosque en busca de animales, y, aunque no siempre los encontré, seguí haciéndolo con la misma pasión. Hice mías las palabras de Nelson Mandela, “Fui capitán de mi alma, timón de mi destino”. Aunque lloré, sufrí, dudé, renegué…, fui inmensamente feliz.» José Díaz, director.
La colección de películas de los grandes libertadores latinoamericanos.
Hemos sabido a través de la distribuidora Wanda Visión que a partir de hoy podemos ver en FILMIN la colección ‘Libertadores’. Una serie de películas que cuenta con siete títulos en los que se narran las hazañas de figuras como José Martí, Simón Bolívar, José de San Martín, Miguel Hidalgo y Costilla, José Gervasio Artigas, Bernardo O’Higgins y Joaquim José Da Silva, grandes libertadores latinoamericanos.
Estos filmes recuerdan la obra de las figuras más relevantes de la lucha por la emancipación de América Latina, haciendo especial hincapié, no sólo en los hechos históricos, sino también en su faceta más humana y su ideología. La colección ‘Libertadores’ está producida por José María Morales (Wanda Films) y Sancho Gracia (Lusa Films) en coproducción con Radio Televisión Española y se realizó con motivo del Bicentenario de las Independencias de América Latina.
José Martí. El ojo del canario(2010) del cineasta cubano Fernando Pérez. Un largometraje inspirado en la infancia y adolescencia de uno de los principales líderes de la independencia cubana, José Martí. Con una mirada más personal que histórica, Fernando Pérez acerca al espectador a la vida del político y escritor cubano.
Hidalgo. La historia jamás contada(2010) que dirigida por el mexicano Antonio Serrano, narra la vida del sacerdote y revolucionario, Miguel Hidalgo y Costilla, haciendo especial hincapié en su participación durante la primera etapa de la Guerra de Independencia de México.
Revolución. El cruce de los andes(2010). Dirigida por Leandro Ipiña, la película relata el momento en el que el General José de San Martín cruzó la Cordillera de Los Andes con su ejército y el combate contra el Ejército Realista en América; campañas revolucionarias que fueron decisivas para las independencias de Argentina, Chile y Perú.
La Redota. Una historia de Artigas (2011). La película refleja la lucha del militar José Gervasio Artigas para conseguir la libertad de su pueblo mientras Aníbal Larra, un espía español fracasa en su misión de asesinar a Artigas. Esta película cuenta con la interpretación de Rodolfo Sancho.
Bolívar, el hombre de las dificultades(2013) de Luis Alberto Lamata será el título que se proyectará el lunes 9 de octubre. Un largometraje basado en los obstáculos a los que se tuvo que enfrentar el militar y político venezolano, Simón Bolívar, durante los años 1815 y 1816.
O’Higgins. El niño rojo(2014) del director Ricardo Larraín. La película es un retrato de la infancia y juventud de Bernardo O’Higgins, militar y gobernante que fue crucial en el proceso de emancipación de Chile.
Joaquim (2017), dirigida por Marcelo Gomes. Esta coproducción entre Brasil y Portugal, desmitifica la figura del héroe nacional Tiradentes y rescata la cruel colonización portuguesa que sufrió el país latinoamericano. Joaquim tuvo su estreno mundial en la sección oficial del Festival de Berlín.
Un joven inmigrante recibe un disparo cuando está cruzando ilegalmente la frontera. Aterrorizado, herido y en estado de shock, Aryan se da cuenta de que es capaz de levitar. Le envían a un campo de refugiados del que escapa con ayuda del cínico Dr. Stern que quiere aprovecharse de su extraordinario secreto. Perseguidos por Laszlo, el enfurecido director del campo, se desplazan continuamente buscando la forma de ponerse a salvo y conseguir dinero. Inspirado por los asombrosos poderes de Aryan, Stern da un salto de fe en un mundo donde los milagros sirven de moneda de cambio…
Crítica
Un intento no tan vacuo como el espacio entre nosotros y Europa.
El cine es una herramienta como otra cualquiera para exponer los problemas que experimenta nuestra sociedad. Es más, es uno de los mayores escaparates y una de las mejores vías para llegar al gran público. Hoy en día además, las películas más consumidas tratan sobre superhéroes a si es que porqué no aunar un tema de crucial actualidad con una corriente de moda como es la de los personajes con poderes. Eso es lo que debió pensar Kornél Mundruczó cuando concibió ‘Jupitér’s Moon’. Lo que hace en esta película es darle a los desplazados, a los refugiados, una figura con un poder sobrehumano, el de levitar (aunque entiendo que lo que hace más bien es controlar la gravedad entorno a sí mismo).
En la nueva capacidad especial del protagonista vemos el primer problema del filme. Su nuevo talento para levitar tiene un cariz más mesiático que superheróico. Lo que para unos es un acierto para mi supone un gran error, pues ya comenzamos a mezclar fantasía con religión, pero eso es un tema al margen. Lo importante es que puedes pasar sin explicar el origen o el detonante de esta situación, pero no explotarla tanto tiempo y durante tantas y pausadas escenas haciendo que sea un filme demasiado alargado, pues una vez que has demostrado lo que quieres criticar o dicho lo que quieres decir (que no es nada excesivamente concreto) el resto de la película queda para explayarte en tus argumentos de la ciencia ficción y Kornél Mundruczó no los desarrolla. Por lo tanto la película está un tanto vacía, ni explota el fantástico ni profundiza en la tragedia social como cabría esperar.
También roza por unos momentos el tema del terrorismo de un modo más explícito que otros aspectos del filme que trata de un modo más metafórico. Si el guión de Kata Wéber se hubiese centrado más en determinadas historias y no se hubiese andado por las ramas o si ‘Jupiter’s Moon’ tuviese un drama más profundo y marcado si estaríamos hablando de una película mejor encauzada.
Dejando aparte su libreto visualmente es una gozada. Cuando el personaje de Zsombor Jéger levita su danza es hipnótica, aunque la mayoría de las veces podamos recordar que es un actor colgado de unos cables. Además las escenas de acción y los planos secuencia, pese a no tener el frenesí de un filme de Hollywood, nos extraen la adrenalina lo suficiente como para ponernos en la piel del protagonista y sumergirnos de manera sugerente en los lances del largometraje.
‘Jupiter’s Moon’ es una plausible y encomiable, aunque alargada y no del todo bien enfocada, manera de demostrar que todo el mundo merece una nueva vida. Que si el primer mundo tiene los ojos puestos en una posible nueva vida en Europa, luna de Júpiter, otros tienen puestos los suyos en reiniciar su vida en Europa, continente vecino.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Título original: Jupiters’s Moon (Jupiter Holdja). Duración: 123 min. País: Hungría, Alemania. Dirección: Kornél Mundruczó. Guión: Kata Wéber. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Marcell Rév H.S.C. Reparto principal: Zsombor Jéger, Móni Balsai, Merab Ninidze, György Cserhalmi. Producción: KNM, Match Factory Productions, Proton Cinema. Distribución: Wanda Visión. Género: ciencia ficción, social. Web oficial:http://www.wandafilms.com/site/sinopsis/jupiter_s_moon
‘Hotel Cambridge’ cuenta la historia de unos refugiados que han llegado recientemente a Brasil y que, junto con un grupo de trabajadores de escasos recursos, ocupan un viejo edificio abandonado en el centro de São Paulo.
Los dramas cotidianos, las situaciones cómicas y los diferentes puntos de vista sobre el mundo se mezclan con la amenaza de un desalojo inminente.
Crítica
Veraz retrato de la realidad okupa fuera de los clichés rancios.
Curiosamente me fijo que voy visitar el ‘Hotel Cambridge’ y justo enfrente tengo el Ayuntamiento de Madrid, el Palacio de Comunicaciones, donde aún cuelga la pancarta que reza «refugees welcome». Y es curioso porque al entrar uno la ve de una manera y al salir la vislumbra de otra, no piensa que lleve tanto tiempo ahí puesta. Tampoco es que esta sea una película trascendental o metafísica, pero si puede recordar o mostrar ciertos aspectos que podíamos no conocer o tener olvidados del tema de los refugiados y los sintecho. Aunque veáis en ella o en esta crítica términos como okupa o activista no va de perroflautas y antisistemas con afán de destruir así porque sí. Da voz a una parte del movimiento okupa, sobre todo a la de los desplazados, a la de los refugiados e inmigrantes. Pronto descubriréis que los habitantes del este edificio no son antisistema ya que realmente forman un sistema, organizado y estructurado, que tan solo son luchadores que pretenden corregir una serie de injusticias de la manera más desesperada, pacífica, y casi extrema posible. Ojo, no procura mostrar mártires. Sus personajes tienen claroscuros, no son santos.
La película de Eliane Caffé nos muestra un lugar habitado por gente procedente de multitud de lugares del mundo, a los cuales utiliza también para lanzar una buena diatriba. Todos ellos empujan a una por el derecho fundamental de tener una vivienda digna y además, sin querer, demuestran que se puede vivir en relativa paz, aunque sea a pequeña escala. Y todo esto sin pertenecer a las mismas culturas o sin tan siquiera hablar el mismo idioma. En muchas ocasiones tienen que avocar a la lengua de los sentimientos o de los derechos humanos para expresarse y eso es lo que quieren hacer entender al resto del mundo. Es por ello que el largometraje está rodado buscando la máxima veracidad posible. Muestra testimonios que están sacados de la más severa realidad, que podemos buscar en titulares de periódicos, en trending topic… Ofrece también las reacciones de la sociedad para con ellos en diversos momentos. El guión de Caffé puede ser muy tragicómico y agridulce, alcanzando momentos muy irónicos y sarcásticos, e incluso poéticos. Además secciona la película por capas y pisos, como una cuenta atrás inexorable hacía un final inevitable: así como se van acercando los créditos finales sabemos que llegará el desahucio, pero también advertimos que habrá un próximamente por que esta es una historia que emana continuidad.
La película mezcla de manera inusual y llamativa el documental y la ficción. No merece la pena que yo os diseccione aquí lo real de lo rodado. Se puede discernir entre lo uno y lo otro de sobra, pero sobre el papel todo podría pertenecer a fragmentos de la memoria o a sucesos transcurridos ahora. El caso es que la filmación parece documental casi en su totalidad, solo la calidad de algunos actores nos devuelve a la butaca. Con películas como esta olvidaos de ser tan exquisitos con lo técnico y limitaos a visionar, reflexionar y comentar.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2017. Título original: Era o Hotel Cambridge. Duración: 93 min. País: Brasil. Dirección: Eliane Caffé. Guión: Eliane Caffé, Luiz Alberto de Abreu, Inês Figueiró. Música: Vapor 324. Fotografía: Bruno Risas. Reparto principal: Carmen Silva, José Dumont, Isam Ahmad Issa, Suley Franco, Lucía Pulido, Ibtessam Umran. Producción: Aurora Filmes, Tu Vas Voir. Distribución: Wanda Visión. Género: drama, documenta, hechos reales. Web oficial:https://www.wanda.es/site/sinopsis/hotel_cambridge
Lord Mountbatten, bisnieto de la reina Victoria, asumió el puesto de último Virrey de la India, con el encargo de devolver la antigua colonia a su pueblo. Viceroy’s House en Delhi era la sede del gobierno británico. En 1947, después de 300 años, el Imperio llegó a su fin. Mountbatten vivía en la planta superior del palacio, con su esposa y su hija. En la planta baja vivían sus 500 criados hindúes, musulmanes y sij.
La película relata estos acontecimientos a través de un matrimonio -el de Louis y Edwina Mountbatten- y de una historia de amor entre Jeet, un joven criado hindú y Aalia, su novia musulmana. Los jóvenes enamorados se ven atrapados en el cataclismo final del Imperio, en conflicto con los Mountbatten y con sus propias comunidades, pero no renuncian nunca a la esperanza…
Crítica
Una visión nueva y más cierta de la separación de la India.
Dirigida por Gurinder Chadha, directora de la exitosa ‘Quiero ser como Beckham’, se estrena una interesante película en especial desde un punto de vista histórico en ‘El último virrey de la India’. Aunque pareciera que la trama pudiese girar en torno a la relación amorosa entre el joven hindú Jeet y Aalia la joven musulmana, lo cierto es que el trasfondo histórico devora esta pequeña trama y ofrece una visión muy amplia de todo el proceso de independencia de la India y su consecuente división.
No sólo se muestran todos los líderes históricos con un casting asombrosamente parecido a las personas que estuvieron en la India en aquel instante, como mención especial el líder musulmán Jannah y Gandhi . La historia se centra en el último virrey, bisnieto de la reina Victoria, Lord Mountbatten, un hombre sincero y preocupado por el futuro de la India que se verá en un problema diplomático difícil de igualar, en un país que sólo sabe destruirse a sí mismo desde dentro, tratará de evitar la segregación y la guerra civil dentro de un contexto de odio entre religiones y desorden total.
Las interpretaciones y el casting son realmente apropiados y aunque pareciera al principio que se da una visión favorecedora hacia un bando, lo cierto es que la película nos muestra un punto de vista totalmente neutral. Podemos comprobar los intereses de todos los bandos y los puntos de vista del pueblo indio al completo y su fase de separación de Reino Unido.
Es una película recomendable, se hace entretenida y en ningún momento se hace larga o pesada. Lo mejor de todo es el contexto histórico y cómo se entremezcla la película con imágenes reales de la época, dando una visión completa de lo que sucedió en la India en aquel histórico instante y sobre todo, por qué sucedió.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: Viceroy’s House. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Gurinder Chadha. Guión: Paul Mayeda Berges, Gurinder Chadha, Moira Buffini. Música: A.R. Rahman. Fotografía: Ben Smithard. Reparto principal: Hugh Bonneville, Gillian Anderson, Manish Dayal, Huma Qureshi, Michael Gambon, Lily Travers, Jaz Deol, Om Puri, Neeraj Kabi, Denzil Smith, Simon Callow, David Hayman. Producción: BBC Films, Bend It Films, Pathé. Distribución: Wanda Visión. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.wanda.es/site/sinopsis/el_ultimo_virrey_de_la_india
‘El faro de las orcas’ es un filme dirigido por GerardoOlivares (‘Entrelobos’) en el que la ficción y la naturaleza se unen. En ella podremos vivir una historia de amor protagonizada por MaribelVerdú (‘Felices 140’) y JoaquínFurriel (‘Cien años de perdón’).
Nos cuenta como Lola viaja con Tristán, su hijo con autismo, hasta el fin del mundo para encontrarse con Beto, un guardafauna que tiene una relación muy especial con las orcas salvajes en la Patagonia Argentina. La determinación de Lola de luchar por su hijo, la peculiar personalidad de Tristán y su especial relación con la naturaleza harán que la vida de todos ellos cambie para siempre. Basada en hechos reales, ‘El faro de las orcas’ es una búsqueda de los valores esenciales de la vida y su encuentro con el espíritu de la Naturaleza.
Según el director «La historia basada en hechos reales tiene por eje la búsqueda de los valores esenciales de la vida y su encuentro con los valores de la naturaleza. La imponente belleza de las orcas, la fuerza de la naturaleza, lo inhóspito del paisaje, la soledad, la simpleza, crean la atmósfera propicia para el inicio de una maravillosa historia de amor». El guión, basado en la novela «Agustín corazón abierto» de Roberto Bubas, está firmado por el propio Olivares.
El filme está distribuido por Wanda Films y llegará a nuestras carteleras el 16 de diciembre. Os dejamos con su making of.
En 1948, el senador Pablo Neruda acusa al gobierno chileno de traicionar a los comunistas en el congreso. El presidente González Videla lo desafuera y ordena su captura. El poeta emprende la huida del país junto a su mujer. Mientras es perseguido por el prefecto de la policía, Neruda se convierte en símbolo de la libertad y leyenda literaria.
Crítica
Neruda visto con ojos de vate.
En una entrevista con Gabriel García Márquez, Neruda aseguraba que sentía envidia por los novelistas, por que contaban historias, algo que aseguraba se había perdido en la poesía. La poesía épica, la poesía que narraba cosas es lo que añoraba, aquello que quiso crear en su ‘Canto General’ que aparece en este filme. Si el poeta viese la película de Pablo Larraín estaría complacido pues lo que ha creado el director es un poema épico basado en la aventura de Neruda para huir de Chile. Aprovechando la inspiración que puede ofrecer la obra de Neruda, se parte de sus versos para posteriormente componer con ellos un poema cinematográfico.
Larraín vuelve a contar para el libreto con Guillermo Calderón tras el éxito de ‘El Club’. El guión no nos ofrece el típico biopic, siendo justos tampoco se abarca toda la vida del escritor. El film comienza con un tono político muy marcado que da paso al género negro y policial. Todo se va volviendo cada vez más abstracto, cargado de figuras retóricas como la metáfora, la alegoría o el monólogo interior. Para ello se mezcla ficción y realidad. Su romanticismo, su complejidad narrativa, su voz en off, su fatalidad; puede recordar a esos largometrajes inspirados por el realismo poético francés o por la obra de Sternberg. Finalmente supone ser un largo poema y si uno no gusta de ese género literario se le puede hacer fatigoso seguir a ‘Neruda’. Esta es una obra no apta para aquellos que tienen pereza a la hora de entender lo ilusorio o artístico.
Luis Genecco encarna a la personalidad chilena, con la cual puede tener rasgos similares, pero su interpretación se ha centrado más en captar el carácter y el peculiar modo de recitar poemas que tenía Neruda. Comparte protagonismo con él Gael García Bernal. Su papel es harto necesario para retratar esta historia y mostrar la división que vivía Chile. Sin su voz en off andaríamos perdidos por una película que sería una mera persecución. Mercedes Morán podría pasar desapercibida haciendo de la sufrida esposa comunista del poeta pero no, tiene sus momentos de gloria. Debo añadir, y con todos mis respetos hacia Emilio Gutiérrez Caba, que creo que habría mejores opciones para encarnar a Pablo Picasso. Tampoco entiendo porque Alfredo Castro (‘Desde allá’) sigue empeñado en mantener un rostro inexpresivo en sus últimas películas.
Dentro de no mucho veremos otro biopic también dirigido por Larraín. Para esa ocasión abarcará un proyecto mayor y puede que con menos toque personal, por las presiones de las productoras. Y es que va a contar la historia de Jackie Kennedy tras el asesinato de su marido, siendo encarnada por Natalie Portman. Veremos que ocurre con ese filme pero tras su proyección en Venecia ya se habla de un segundo Oscar para Portman. Parece que Larraín mantiene una buena racha en lo que a festivales se refiere.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: Neruda. Duración: 107 min. País: Chile, Argentina, Francia, España. Director: Pablo Larraín. Guión: Guillermo Calderón. Música: Federico Jusid. Fotografía: Sergio Armstrong. Reparto principal: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Alfredo Castro, Pablo Derqui, Marcelo Alonso, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Jaime Vadell, Diego Muñoz, Francisco Reyes, Michael Silva, Victor Montero. Producción: AZ Films, Fabula, Funny Balloons, Participant Media, Setembro Cine, TELEFE. Distribución: Wanda Films. Género: drama, policíaco. Web oficial: http://www.wandavision.com/site/sinopsis/neruda
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